Closed Beta in corso: come partecipare

Dal 26 maggio al 8 giugno 2026 è in corso la Closed Beta di Outward 2. La beta include la regione La Rescapée, una nuova area di Aurai segnata dalla Scourge. Chi aveva già accesso al playtest di gennaio 2026 è stato aggiunto automaticamente. Chi vuole iscriversi può farlo tramite la pagina di registrazione sul sito ufficiale di Nine Dots Studio o direttamente su Steam.

La premessa: un normale avventuriero in un mondo senza pietà

Outward 2 si svolge circa 50 anni dopo gli eventi del primo gioco, nel mondo di Aurai. Come nel predecessore, il giocatore non interpreta un eroe prescelto né un guerriero imbattibile: è una persona comune alle prime armi che deve sopravvivere in un ambiente ostile dove la preparazione vale più della forza bruta. Non ci sono indicatori luminosi che indicano la strada, non ci sono GPS, non ci sono incontri scalati sul livello del giocatore. Guillaume Boucher-Vidal, CEO e Direttore Creativo di Nine Dots, ha sintetizzato la filosofia del progetto: ‘Outward 2 è il successore naturale di Outward e vogliamo consegnare più di quanto ci si aspetti su tutto ciò che ha funzionato: esplorazioni ricche di payoff, preparazione reale di fronte al pericolo.’ Il giocatore inizia scegliendo tra tre scenari di partenza e undici background che determinano il punto di inizio e alcune condizioni iniziali dell’avventura.

Il ciclo stagionale: quattro regioni, meteo reale e NPC che migrano

Una delle novità strutturali più significative rispetto al primo gioco è il ciclo stagionale completo legato a un calendario in-game fisso. Le stagioni cambiano e i cambiamenti hanno conseguenze concrete sul gameplay: i fiumi ghiacciati in inverno diventano percorribili, le tempeste di neve nelle Gilded Mountains e le piogge acide nei Gathes of Catharsis impongono adattamenti costanti. I mercanti e gli NPC si spostano con il cambio delle stagioni, cambiando le rotte di approvvigionamento disponibili. Il mondo è diviso in quattro regioni distinte, ognuna con biomi, stagioni e sfide specifiche. Non esiste fast travel né marcatori GPS: la navigazione si fa leggendo la mappa e osservando i punti di riferimento nel paesaggio.

L’Exercise System: nessun livello, solo ciò che pratichi

Outward 2 non ha punti esperienza né livelli tradizionali. La progressione passa interamente attraverso l’Exercise System: una rete di micro-obiettivi legati a come si gioca naturalmente, tra combattimento, crafting e sopravvivenza. Completare questi esercizi aumenta le statistiche di base, sblocca bonus passivi e, soprattutto, sblocca i breakthrough point necessari per accedere agli alberi di abilità degli otto trainer sparsi per Aurai. Ottenere un breakthrough richiede tre cose contemporaneamente: pagare il trainer, leggere i libri giusti e completare gli esercizi pertinenti. Il limite è di tre breakthrough su otto disponibili per personaggio, il che rende ogni build una scelta con conseguenze reali e permanenti.

Combattimento e magia rituale

Il combattimento è stato interamente ricostruito sulla base del feedback al primo gioco: animazioni più fluide, moveset unici per ogni arma e maggiore profondità tattica. Il peso e il materiale dell’armatura influenzano direttamente le capacità del personaggio tramite l’Exercise System. Un dettaglio pratico fondamentale: lo zaino deve essere lasciato a terra durante i combattimenti per muoversi e schivare liberamente, per poi recuperarlo a fine scontro.

La magia non è un semplice tasto da premere: è un sistema rituale che richiede preparazione. Un esempio pratico: lanciare una pietra di fuoco in aria crea un anello attorno al giocatore che potenzia le abilità circostanti con fiamme. Le ferite hanno effetti concreti: una caviglia slogata impedisce di correre o schivare finché non viene trattata con le forniture giuste.

La sconfitta non è un game over tradizionale: perdere uno scontro può attivare scenari diversi dove il tempo avanza, l’equipaggiamento viene rubato o il personaggio si risveglia in un luogo diverso con nuove condizioni di status.

Gestione dell’inventario, mulo e co-op

La gestione dell’inventario è una meccanica centrale del gioco, non un elemento secondario. Nine Dots la definisce Intentional Inventory Management: ogni oggetto portato nello zaino è una scelta deliberata tra provviste, pozioni, armi e attrezzatura da campo. La novità rispetto al primo gioco è la possibilità di avere un mulo come compagno, utile per trasportare più materiali ma che introduce la sua vulnerabilità: il mulo può essere colpito o perso. La co-op rimane un pilastro della serie e supporta il gioco in due sia in split-screen locale sia online.

Potato Mode: gira anche su PC vecchi

Con il trailer di annuncio della data, Nine Dots ha mostrato il gioco in funzione su configurazioni molto datate con la modalità Potato Mode, la preset grafica più bassa. Lo studio ha dichiarato che l’obiettivo è che Outward 2 sia godibile da qualsiasi configurazione, dalla postazione da gaming di fascia alta al PC con sette anni sulle spalle, senza compromettere la chiarezza visiva e la leggibilità del gameplay. I requisiti minimi e consigliati ufficiali sono disponibili sulla pagina Steam del gioco. Il prezzo non è ancora stato comunicato ufficialmente, ma il primo Outward è attualmente venduto a 34,99 euro, suggerendo una fascia simile per il sequel.

Competitive o Authentic: quale modalità scegliere in EA Sports FC 26

La novità strutturale più importante di FC 26 è la divisione in due preset di gameplay. Competitive è pensato per Ultimate Team, Club e le modalità online: i comandi rispondono più velocemente, le transizioni sono rapide e il ritmo generale è più serrato. Authentic, invece, simula il calcio in modo più realistico, con tattiche più profonde e comportamenti basati su dati reali: è il preset consigliato per la modalità Carriera.

Scegliere il preset sbagliato rispetto alla modalità che si sta giocando penalizza l’esperienza in modo tangibile. Un giocatore abituato al ritmo di Authentic troverà il gameplay online rallentato; chi si forma sul Competitive farà fatica ad adattarsi alla profondità tattica della Carriera. Vale la pena cambiare impostazione ogni volta che si cambia modalità, almeno nelle prime settimane.

Le modalità principali: cosa offre ciascuna e a chi si rivolge

Ultimate Team (FUT) è il cuore commerciale del gioco e in FC 26 raggiunge una profondità notevole: carte sempre più numerose, eventi frequenti, Evoluzioni che ora crescono in modo più graduale rispetto al passato. La novità più significativa è il rallentamento della power curve, che secondo EA dovrebbe ridurre il divario tra chi spende e chi no. In pratica, i giocatori base mantengono più a lungo la loro utilità. Il rischio concreto, però, resta: FUT continua a premiare chi investe denaro reale.

La modalità Carriera è stata profondamente rivista. Il Manager Live introduce sfide settimanali e mensili ispirate a eventi reali, come finestre di mercato o situazioni di infortunio improvviso. Gli scout giovani a 5 stelle diventano strumenti concreti di pianificazione, non solo elementi di contorno. Per chi cerca un’esperienza single player senza microtransazioni, è la scelta più solida del pacchetto. Come rilevato nella nostra recensione di EA Sports FC 26, il gameplay su questo fronte è tra i più solidi proposti dalla serie.

Club è la modalità multigiocatore cooperativa, dove ogni utente controlla un singolo calciatore all’interno di una squadra online. FC 26 introduce la possibilità di affiliarsi fino a 3 club contemporaneamente, aggiunge Live Events stagionali e una modalità Be-A-Goalkeeper nella variante Club Rush. È la scelta ideale per chi vuole giocare con amici in modo continuativo.

Formazioni e tattiche: i moduli che funzionano nel meta attuale

Il meta competitivo di FC 26 premia la solidità difensiva e le transizioni rapide. Le formazioni con quattro difensori e due centrocampisti centrali di copertura sono quelle che offrono maggiore equilibrio, in particolare il 4-2-3-1 e il 4-1-3-2. Quest’ultimo garantisce un mediano davanti alla difesa, tre centrocampisti offensivi e due punte complementari: una struttura che permette molte combinazioni in zona di rifinitura senza rinunciare alla copertura centrale.

Un errore comune tra i giocatori meno esperti è impostare i terzini su Attacco fin dall’inizio. Questo apre varchi pericolosi per i contropiede avversari. La raccomandazione pratica è di tenerli su Difensivo nelle prime partite, attivando manualmente le sovrapposizioni solo quando il momento lo richiede, e sperimentare impostazioni più offensive solo dopo aver padroneggiato i fondamentali difensivi.

Per la costruzione della manovra, impostare Contropiede indipendentemente dalla formazione scelta garantisce inserimenti intelligenti non appena si riconquista il pallone. Sul fronte dell’ampiezza, valori tra 45 e 50 evitano sia la perdita di controllo sulle fasce sia i buchi centrali. Il meta è dinamico: EA rilascia patch periodiche che possono modificare l’efficacia dei moduli, quindi monitorare le note ufficiali è parte integrante del gioco competitivo.

• Terzini su Difensivo nelle fasi iniziali: riduce l’esposizione ai contropiede
• Costruzione manovra su Contropiede: inserimenti automatici dopo la riconquista palla
• Ampiezza 45-50: equilibrio tra fascia e centro
• Padroneggia una formazione prima di cambiarla: la costanza batte la varietà

Ultimate Team: come costruire una rosa competitiva senza spendere tutto subito

In FC 26 la Class of 26 introduce nuove ICON tra cui Zlatan Ibrahimović, Francesco Totti, Andrés Iniesta e Giorgio Chiellini. Questi giocatori sono preziosi, ma non necessari per essere competitivi nelle prime settimane. Il rallentamento della power curve significa che una rosa costruita con attenzione agli attributi chiave — precisione nei passaggi per i centrocampisti centrali di difesa, resistenza per le mezzali — regge più a lungo rispetto agli anni precedenti.

Le Evoluzioni aggiornate permettono ora upgrade più piccoli e iterativi, molti dei quali ripetibili. Questo apre a strategie di crescita più graduali, senza la necessità di inseguire ogni carta speciale al momento del lancio. Le campagne stagionali e gli eventi legati alle competizioni ufficiali incluse in FC 26 — Champions League, Copa Libertadores, le principali leghe europee — generano regolarmente oggetti speciali ottenibili senza acquisti diretti.

Per chi segue il lato competitivo della modalità, vale la pena tenere d’occhio i Team of the Season di EA Sports FC 26, che ogni settimana aggiungono carte potenziate dei migliori giocatori della stagione reale, creando finestre di opportunità nel mercato trasferimenti per chi sa muoversi in anticipo.

Licenze, contenuti e cosa rende FC 26 il simulatore calcistico più completo

FC 26 include oltre 20.000 giocatori autentici e più di 750 club e nazionali, con tutte le principali leghe europee e le competizioni UEFA. Questo livello di licenze, che nessun altro titolo calcistico riesce a eguagliare, non è solo un dato numerico: significa che ogni partita in modalità Carriera, ogni squad di FUT e ogni serata in Club avviene in un contesto che rispecchia il calcio reale in modo credibile.

Il punto debole strutturale resta l’editor dei volti, che non permette l’importazione di immagini reali e richiede competenze tecniche per ottenere risultati convincenti. Non è un problema che influenza il gameplay, ma è un limite che la serie porta avanti da anni senza soluzione. Per il resto, il pacchetto di contenuti di FC 26 è il più ampio della storia del franchise, e lo conferma anche la pagina ufficiale EA Sports FC 26 su Wikipedia.

Con il meta di FC 26 che evolve costantemente attraverso patch e aggiornamenti live, la domanda più interessante per la community è se EA riuscirà a mantenere l’equilibrio promesso tra giocatori free-to-play e chi investe in FUT per tutta la durata della stagione. La struttura dell’anno sembra pensata per rispondere a questa sfida: se ci riuscirà, FC 26 potrebbe ridisegnare le aspettative per i prossimi capitoli.

The 7th Guest Remake, sviluppato da Exkee e pubblicato da Vertigo Games, uscirà il 4 giugno 2026 su PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC via Steam e Epic Games Store. La versione Nintendo Switch e Nintendo Switch 2 seguirà in una finestra separata del tardo 2026. Il prezzo è fissato a 19,99 dollari (circa 19,99 euro in Europa).

Non un remaster: una ricostruzione completa

La distinzione tra remaster e remake è abusata nell’industria, ma in questo caso è sostanziale. The 7th Guest Remake non è un aggiornamento della versione originale con texture più nitide: è una ricostruzione da zero di tutti gli ambienti, dei personaggi e dei puzzle, costruita per le piattaforme attuali con tecnologie completamente nuove.

L’elemento più significativo della ricostruzione tecnica è l’adozione del video volumetrico. Nel 1993, il cuore dell’innovazione di The 7th Guest erano le sequenze FMV (Full Motion Video): attori reali ripresi su fondo verde e sovrapposti agli ambienti 3D come sprite bidimensionali piatti. Era straordinario per l’epoca, ma tecnicamente si vedeva la differenza tra il filmato e il mondo di gioco. Il remake risolve questo problema alla radice: gli attori sono stati ripresi con tecnologia di cattura volumetrica in 3D e i risultati sono poi integrati direttamente negli ambienti di gioco, facendo sì che i personaggi esistano come entità fisiche all’interno del mondo tridimensionale. L’obiettivo dichiarato è rendere ogni incontro immediatamente straniante, con veri attori che si muovono nello stesso spazio del giocatore senza la sensazione di strappo tipica degli sprite 2D.

La storia: Henry Stauf e il settimo ospite

Chi non conosce il titolo originale troverà nella premessa del remake qualcosa di classico e al tempo stesso intramontabile. Henry Stauf è un eccentrico fabbricante di giocattoli e giochi enigmistici, recluso nella sua enorme villa. Sei ospiti ricevono un invito e accettano di entrarvi. Qualcosa di sinistro si muove nella casa, e la vera identità del settimo ospite, quello che dà il titolo al gioco, è il mistero al cuore di tutta la narrazione. Il giocatore esplora la villa in prima persona, raccogliendo indizi e ricostruendo i fatti mentre il segreto di Stauf si svela stanza dopo stanza.

La struttura narrativa si mantiene fedele all’originale: nessun dialogo diretto tra il giocatore e i personaggi, nessuna barra dell’inventario, nessun combattimento. L’unica vera meccanica è l’esplorazione e la risoluzione degli enigmi, tutto legato allo svelamento progressivo di cosa sia accaduto in quella villa.

I puzzle: riprogettati, non riciclati

I puzzle del 1993 erano celebri quanto controversi: alcuni erano eleganti e ispirati, altri frustrantemente arbitrari. Vertigo Games e Exkee hanno scelto di non limitarsi a riportare gli stessi enigmi in veste grafica aggiornata: ogni puzzle è stato riprogettato o reinventato, pur mantenendo elementi riconoscibili per chi ha giocato l’originale.

La filosofia dichiarata è che ogni enigma sia integrato nella narrativa e nel lore della villa. Non si tratta di puzzle inseriti come interruzioni nel flusso della storia, ma di ostacoli direttamente radicati nella logica e nella personalità della casa di Stauf. Man mano che si esplora, la difficoltà degli enigmi cresce progressivamente, con tensione che si accumula a ogni stanza.

Ambienti dinamici e illusioni ottiche

Un’altra novità rispetto all’originale è il comportamento degli ambienti della villa, che nel remake si trasformano attivamente durante l’esplorazione. Attraverso illusioni ottiche e cambiamenti visivi costruiti ad hoc, la mansion si modifica mentre il giocatore avanza, rivelando nuove stanze e segreti nascosti. Non è un semplice cambio di texture: la struttura percepita della casa può cambiare, e ciò che sembra un vicolo cieco può diventare un accesso a qualcosa che prima non era visibile. È una meccanica che rende l’esplorazione genuinamente disorientante, in linea con l’atmosfera horror del titolo.

L’offerta cross-accesso con il capitolo in realtà virtuale

Vertigo Games ha anche annunciato un’iniziativa particolarmente interessante per chi ha già familiarità con la saga nella sua forma più recente. Nel 2023 era uscito The 7th Guest VR, una versione in realtà virtuale del gioco originale per PlayStation VR2 e Steam VR, acclamata dalla critica come una delle esperienze VR horror più riuscite dell’anno. Il remake e il capitolo VR sono ora collegati da un sistema di accesso incrociato gratuito:

• Chi possiede già The 7th Guest VR su Steam o PlayStation riceverà il remake senza costi aggiuntivi al lancio del 4 giugno.
• Chi acquista il remake su PlayStation 5 o Steam avrà accesso gratuito a The 7th Guest VR su PlayStation VR2 o Steam VR.

L’offerta vale sia in un senso sia nell’altro, rendendo i due titoli di fatto un pacchetto unico per chi entra nella saga da qualunque punto.

Chi ci sta dietro

Vertigo Games è un publisher olandese (Rotterdam e Amsterdam, con uffici a Los Angeles) parte del gruppo Plaion, noto per il catalogo in realtà virtuale, che include Arizona Sunshine Remake e Metro Awakening. Lo sviluppo del remake è affidato a Exkee, studio con esperienza in conversioni e porting di titoli su piattaforme multiple.

L’originale del 1993 era stato prodotto da Trilobyte, fondata da Graeme Devine e Rob Landeros, su un motore proprietario che combinava video a pieno movimento con ambienti navigabili tridimensionali. Il remake parte dalla stessa fondamenta concettuale, ma la attualizza con tecnologie di cattura volumetrica che all’epoca erano letteralmente inimmaginabili.

The 7th Guest Remake è già disponibile per l’aggiunta alla lista dei desideri su Steam, PlayStation Store, Microsoft Store e GOG. Ulteriori informazioni sono disponibili sul sito ufficiale di Vertigo Games.

La storia: chi è Mr. E (Enzo) e cosa vuole Yoshi

Un giorno sull’Isola degli Yoshi precipita dal cielo un’enorme enciclopedia parlante dotata di baffi, chiamata Mr. E (nella versione italiana Enzo). Il problema è che il libro ha perso tutti i suoi ricordi e non riesce più a ricordare le strane creature che abitano le sue pagine. Yoshi decide allora di tuffarsi letteralmente all’interno del libro per aiutarlo a riscoprirle una per una. Nel frattempo, anche Bowser Jr. fa la sua comparsa tra le pagine e sembra avere i suoi piani.

Una struttura diversa dai platform Yoshi classici

La prima cosa da sapere è che Yoshi and the Mysterious Book non è un platform tradizionale. Non c’è un livello A che porta al livello B, né una corsa verso il traguardo. Ogni capitolo del libro è un piccolo habitat-sandbox: un ambiente autocontenuto da esplorare liberamente, sperimentare e analizzare per capire come funzionano le creature che lo abitano. L’obiettivo non è arrivare in fondo, ma osservare, interagire e catalogare. Rispetto a Yoshi’s Crafted World, che seguiva una struttura a livelli più classica, il cambio di impostazione è netto e va tenuto a mente fin dall’inizio. Puoi leggere di più sul titolo, inclusa la data di uscita e le edizioni disponibili, nel nostro articolo dedicato.

Le mosse di Yoshi: il repertorio classico e la grande novità

Yoshi conserva tutto il suo repertorio classico, con un’aggiunta importante che cambia sensibilmente il modo di interagire con l’ambiente.

• Salto fluttuato: il classico salto con planata, con una durata ancora più lunga rispetto ai capitoli precedenti. Fondamentale per raggiungere piattaforme distanti e per esplorare in verticale.
• Lingua: Yoshi può inghiottire nemici e interagire con elementi dell’ambiente circostante, aprendo percorsi o attivando meccanismi.
• Lancio di uova: i nemici inghiottiti si trasformano in uova da lanciare per colpire bersagli lontani o attivare meccanismi a distanza.
• Schiacciata (Ground Pound): il colpo verso il basso classico, utile per colpire dal basso o attivare elementi del livello.
• Colpo di coda (Tail Flick): la grande novità di questo capitolo. Yoshi può schioccare la coda per azionare meccanismi a elica, colpire avversari a corto raggio senza consumare uova, e soprattutto raccogliere creature caricandole in groppa. Alcune di queste creature, portate sulla schiena, concedono abilità speciali indispensabili per raggiungere aree altrimenti inaccessibili.

Come funziona la progressione: Stelle, Token e creature da catalogare

Il gioco è strutturato in capitoli, ognuno dei quali corrisponde a una sezione del libro con creature diverse e abilità uniche. Ogni capitolo ha un obiettivo principale ben definito, come trovare una creatura specifica, liberare personaggi scomparsi o scoprire stelle nascoste, che guida il giocatore senza costringerlo a seguire un percorso rigido.

Per sbloccare nuovi capitoli servono le Stelle, che si ottengono completando gli obiettivi principali e secondari di ogni habitat. I Token, invece, si raccolgono esplorando i livelli e si possono spendere per ottenere indizi sulle scoperte ancora mancanti: all’inizio vengono mostrate solo le sagome delle creature non trovate, ma spendendo più Token si sbloccano dettagli sempre più precisi. Una volta incontrata una creatura, il giocatore può darle un nome oppure accettare il soprannome, spesso un gioco di parole, suggerito da Mr. E.

Per chi è questo gioco

Yoshi and the Mysterious Book è pensato principalmente per un pubblico giovane o per chi cerca un’esperienza rilassata, con una difficoltà accessibile e un ritmo pacato. Il sistema di scoperta delle creature, i collezionabili nascosti e i meccanismi da esplorare offrono però abbastanza profondità da intrattenere anche i giocatori più esperti, soprattutto chi punta al completamento al 100%. Come i migliori titoli della serie, riesce a essere accogliente per i più piccoli senza risultare banale per chi vuole andare a fondo in ogni angolo degli habitat.

La storia: Philabieldia, il regno di Huther e il Portale del Tempo

Il gioco è ambientato in Philabieldia, un continente dominato da tribù di bestie feroci che rendono il mondo esterno inaccessibile agli esseri umani. L’unico rifugio dell’umanità è il Regno di Huther, protetto da una barriera magica mantenuta dalla Principessa Heuria. Il protagonista è Elliot, un giovane avventuriero che insieme alla sua compagna fata Faie scopre un misterioso insieme di rovine appena oltre le mura del regno. All’interno delle rovine trovano il Portale del Tempo, un artefatto che permette di viaggiare attraverso diverse epoche storiche di Philabieldia.

La struttura narrativa si sviluppa attraverso quattro ere distinte: l’Era della Salvaguardia (il presente), l’Era della Ricostruzione (250 anni nel passato), e altre due epoche rivelate nel corso del gioco. Come mostra il PlayStation Blog del 18 maggio 2026, nell’Era della Ricostruzione il mondo assomiglia all’era attuale ma con differenze sottili che mantengono viva la curiosità esplorativa. L’obiettivo finale è spezzare la maledizione che pesa sulla Principessa Heuria, con le scelte e le scoperte fatte in ogni epoca che influenzano la comprensione della narrativa complessiva.

Gameplay: sette armi, combattimento in tempo reale e il nuovo effetto rolling cylinder

A differenza di tutti i precedenti titoli HD-2D di Team Asano, The Adventures of Elliot non ha combattimento a turni. Il sistema di gioco è in tempo reale, con una visuale dall’alto fissa in stile top-down. Elliot può equipaggiare contemporaneamente due dei sette tipi di arma disponibili, tra cui spade, archi, catene e falci, ognuna con abilità e effetti propri, e passare liberamente dall’una all’altra durante il combattimento. Il team ha dichiarato di voler che i giocatori pensino in modo creativo a quale arma si adatta meglio alla situazione.

Il sistema difensivo include uno scudo per bloccare e parare gli attacchi nemici, e una schivata e un teletrasporto che porta istantaneamente Elliot alla posizione di Faie. Le bombe servono sia in combattimento che per sbloccare passaggi nascosti nelle pareti. Le abilità di Faie, chiamate Fairy Actions, offrono supporto in battaglia. Il sistema di progressione si basa sul Magicite, cristalli equipaggiabili che potenziamo tramite un sistema di upgrade personalizzabile. La telecamera usa un nuovo effetto tecnico chiamato rolling cylinder, che aggiunge profondità ondulata agli ambienti senza perdere la chiarezza della visuale top-down, distinguendosi visivamente dai precedenti titoli HD-2D.

Co-op locale: il secondo giocatore controlla Faie

Una delle novità più significative rispetto ai precedenti titoli di Team Asano è il supporto alla co-op locale per due giocatori. Il secondo giocatore può prendere il controllo diretto di Faie, la compagna fata di Elliot, con le proprie abilità di combattimento e un ruolo attivo nel recupero degli oggetti e nella navigazione di enigmi e sezioni platform. «Volevamo che i giocatori potessero godersi il gioco insieme ad amici o familiari, aggiungendo ancora più fascino all’esperienza», ha dichiarato il Producer Naofumi Matsushita. La co-op era già presente nella demo di debutto rilasciata su Nintendo Switch 2 nell’estate del 2025, e il team ha confermato di aver ascoltato i feedback della community per migliorare la velocità di movimento e il bilanciamento delle armi rispetto a quella versione.

Edizioni disponibili: Standard, Digital Deluxe e Collector’s Edition

Il gioco è disponibile in tre configurazioni. La Standard Edition include il gioco base con il bonus preordine Elliot’s Departure Pack, un accessorio Departure Brooch e una Magicite di potenziamento attacco, valido per i preordini entro il 17 giugno 2026. La Digital Deluxe Edition aggiunge contenuti cosmetici aggiuntivi. La Collector’s Edition, disponibile esclusivamente sul Square Enix Store ufficiale al prezzo di 229,99 dollari, include la copia fisica del gioco, il codice per il Digital Deluxe Upgrade, la colonna sonora originale rimasterizzata e il Faie and the Door of Time Desktop Clock, un orologio da tavolo in stile diorama ispirato al Portale del Tempo del gioco. Il gioco non è annunciato per Xbox Game Pass, PlayStation Plus o Nintendo Switch Online.

Il cast completo di Directive 8020: attori e personaggi dell’equipaggio

Come da tradizione di The Dark Pictures Anthology, Directive 8020 usa attori reali sia per la recitazione vocale che per la cattura del movimento. In alcuni casi il modello fisico e la voce del personaggio sono affidati a performer diversi, una pratica già consolidata nei capitoli precedenti della serie. Il cast è costruito attorno a un nucleo di attori britannici con esperienze significative nel cinema e nella televisione.

Lashana Lynch è il nome di punta del progetto. L’attrice britannica è nota al grande pubblico per il ruolo di Nomi in No Time to Die (2021) e per le sue apparizioni nell’universo cinematografico Marvel in Captain Marvel e Doctor Strange nel Multiverso della Follia. Interpreta Brianna Young, la pilota della nave coloniale Cassiopeia e uno dei cinque personaggi giocabili. Lynch ha dichiarato in un’intervista che voleva interpretare un personaggio forte e pilota, e che il progetto soddisfaceva tutte le sue aspettative.

Danny Sapani interpreta il comandante Nolan Stafford, il capitano della Cassiopeia. Sapani è un attore ghanese-britannico noto per i ruoli in serie come Penny Dreadful e per diverse produzioni teatrali londinesi di rilievo. Anna Leong Brophy è la dottoressa Samantha Cooper, il medico dell’equipaggio, e la sua performance è stata segnalata da diverse recensioni come una delle più convincenti del gioco insieme a quella di Lynch.

Lotte Verbeek interpreta Laura Eisele, la Senior Mission Officer della nave. L’attrice olandese è nota principalmente per il ruolo di Geillis Duncan nella serie Outlander. Kathryn Wilder, attrice britannica con un background teatrale, è la science officer Zoe Anders. Philip Arditti interpreta Josef Cernan, il personaggio definito come esperto di hardware e di dinamiche umane.

Come funziona la recitazione in Directive 8020 e perché il cast è centrale nell’esperienza

Supermassive Games lavora con una tecnica di performance capture che registra sia i movimenti del corpo che le espressioni facciali degli attori in un’unica sessione. Con Directive 8020 lo studio è passato a Unreal Engine 5, il che ha permesso una qualità visiva superiore rispetto ai capitoli precedenti della serie, in particolare nella resa dei dettagli del viso e nelle microespressioni durante i dialoghi.

Per via della struttura ramificata del gioco, ogni attore ha ricevuto durante le riprese solo una parte della sceneggiatura, seguendo un singolo percorso narrativo. Molti hanno scoperto durante le sessioni di registrazione che il loro personaggio poteva morire già nel primo atto, cosa che secondo il director Will Doyle ha aiutato a mantenere autentiche le reazioni di sorpresa e paura durante le riprese. Questa logistica produttiva, già usata nei capitoli precedenti, serve a proteggere i twist narrativi anche dal cast stesso. Per il contesto completo sul titolo, l’articolo sull’annuncio di Directive 8020 di Supermassive Games raccoglie i dettagli originali del progetto.

La ricezione critica del gioco è stata mista: le performance degli attori principali, in particolare Lynch e Brophy, sono state ampiamente elogiate come il punto di forza dell’esperienza. Alcune recensioni hanno invece segnalato che le interpretazioni di parte del cast secondario risultavano meno convincenti, con animazioni dei personaggi che in certi momenti non reggevano il confronto con la qualità della recitazione dei protagonisti. Il gioco ha ottenuto su Metacritic una ricezione definita di media qualità, con il 63% dei critici che lo ha consigliato secondo OpenCritic.

Yoshi and the Mysterious Book: cos’è e come funziona

La storia parte da un’enciclopedia parlante chiamata Mr. E che precipita sull’isola di Yoshi dal cielo. Le sue pagine contengono informazioni su creature bizzarre che Mr. E non riesce più a ricordare, così Yoshi decide di tuffarsi letteralmente nel libro per aiutarlo a riscoprirle.

Il gameplay si costruisce attorno a questa premessa. La meccanica principale è trovare creature all’interno del libro, interagire con loro in modi creativi e usare le loro abilità uniche per risolvere enigmi ed esplorare ogni mondo. Al termine di ogni livello i giocatori possono persino dare un nome alle creature trovate, rendendo la scelta canonica per quella specifica partita.

Yoshi può mangiare le creature con la sua lingua e trasformarle in uova, lanciarle contro altri oggetti, o metterle sulla sua schiena con un colpo di coda. Ogni abilità produce reazioni diverse e alcune scoperte aprono la strada a nuove informazioni su creature già incontrate in livelli precedenti. Il gioco incoraggia il backtracking con una logica simile a quella dei Metroidvania, ma in chiave leggera e adatta a tutti i pubblici.

Dal punto di vista tecnico, il gioco è realizzato in Unreal Engine, come il suo predecessore Yoshi’s Crafted World, e presenta uno stile artistico ispirato all’illustrazione cartacea con texture pittoriche e contorni a matita sugli oggetti in lontananza. Bowser Jr. compare nelle aree di gioco in modo ricorrente, con un ruolo narrativo che introduce una componente antagonista nella storia.

Per chi è questo gioco e cosa lo distingue dai capitoli precedenti

Si tratta del nono capitolo della serie e del quinto rilasciato su console domestica, dopo Yoshi’s Crafted World del 2019 su Nintendo Switch. Il salto generazionale alla Switch 2 porta con sé una qualità visiva superiore, ma la struttura rimane quella che i fan della serie conoscono: piattaforme a scorrimento laterale, niente game over stressanti e meccaniche creative che cambiano di livello in livello.

Il hands-on di Nintendo Life descrive il gioco come molto più profondo di quanto i trailer lascino intuire: chi si aspettava livelli veloci ha trovato segreti che spingono a tornare indietro dopo aver acquisito nuove conoscenze sulle creature. Non è un gioco da sfidare con la difficoltà, ma da esplorare con curiosità. Il gioco fa parte inoltre delle celebrazioni per il quarantesimo anniversario di Super Mario Bros.

Errori comuni da evitare e dove acquistarlo

• Yoshi and the Mysterious Book è esclusiva Nintendo Switch 2: non gira sulla Switch originale.
• I prezzi fisico e digitale potrebbero differire: conviene verificare entrambe le opzioni sul My Nintendo Store prima di acquistare.
• Non è un platform di sfida tradizionale: è progettato per invitare alla sperimentazione, non alla frustrazione.

Il gioco è disponibile dal 21 maggio 2026 in formato fisico nei negozi tradizionali e in versione digitale sull’eShop di Nintendo Switch 2. Non sono previsti bundle dedicati al momento dell’uscita.

Di cosa parla Cthulhu: The Cosmic Abyss e come funziona il gioco

La storia si svolge in un 2053 in cui il cambiamento climatico ha devastato la superficie terrestre. Le grandi corporation, a corto di risorse, si rivolgono agli oceani inesplorati, ignare dell’orrore antico che stanno per risvegliare. Noah è un investigatore di Ancile, una divisione segreta di Interpol specializzata in affari soprannaturali. Nel corso dell’avventura riceve un impianto neurale che ospita un’intelligenza artificiale chiamata Key, sua compagna di investigazione per tutta la durata del gioco. La scelta di un protagonista di colore è deliberata: Big Bad Wolf ha dichiarato esplicitamente di volersi distanziare dal razzismo notorio di Lovecraft.

Il sistema di indagine si basa su una mappa mentale in cui le prove vengono connesse tra loro per raggiungere conclusioni deduttive. Le deduzioni finali non consegnano automaticamente la soluzione: spetta sempre al giocatore capire cosa fare concretamente con le informazioni raccolte. Ogni mistero offre percorsi alternativi e passaggi segreti da scoprire, la narrativa è ramificata e ogni capitolo dispone di due possibili esiti. Il livello complessivo di corruzione accumulato da Noah influenza le opzioni disponibili nel finale.

Il gioco non include combattimento diretto in senso tradizionale. La maggior parte del tempo è dedicata a esplorazione lenta, investigazione e risoluzione di puzzle. Cthulhu: The Cosmic Abyss è realizzato in Unreal Engine 5, con ambienti che sfidano le leggi della fisica.

Come si posiziona il gioco secondo la critica

La ricezione è stata complessivamente mista, con valutazioni che variano sensibilmente da testata a testata. I punti di accordo sono abbastanza chiari.

Sul fronte positivo la critica riconosce quasi unanimemente la qualità dell’atmosfera: la progettazione delle creature è curata, il design del suono è impressionante e la colonna sonora costruisce la tensione nei momenti giusti. Il sistema investigativo con la mappa mentale è descritto come avvincente quando funziona, capace di coinvolgere il giocatore nell’analisi delle prove per lunghi tratti.

Le critiche ricorrenti riguardano invece la pulizia tecnica al lancio: il gioco richiede di centrare un mirino estremamente piccolo sugli oggetti per interagirvi, alcuni recensori hanno riscontrato bug che bloccavano la progressione e problemi con il sistema di salvataggio automatico. Big Bad Wolf ha rilasciato patch correttive dopo il lancio indirizzando i problemi più gravi.

La durata si attesta intorno alle 8-12 ore per una singola run, con variazioni legate all’approccio all’esplorazione. Il confronto più frequente nelle recensioni è con la serie Sherlock Holmes di Frogwares, per via del sistema di connessione degli indizi. Big Bad Wolf è lo stesso studio di Vampire: The Masquerade – Swansong e The Council: chi conosce quei titoli ha già un’idea precisa di cosa aspettarsi.

Contenuti inclusi e demo gratuita

Una demo gratuita è disponibile su Steam per chi vuole provare il gioco prima dell’acquisto. Il pacchetto digitale completo include DLC aggiuntivi come la Shining Trapezohedron Quest, una colonna sonora digitale, un artbook non-euclideo e uno scenario per il gioco di ruolo da tavolo Arkham Horror.

Su quali piattaforme esce e a che prezzo

Mina the Hollower sarà disponibile su Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 5, Xbox Series X e Series S e PC tramite Steam, con il supporto esteso a Mac e Linux. È uno dei pochi titoli indie della stagione a coprire in modo completo sia la generazione attuale di console che entrambe le versioni di Nintendo Switch.

Il prezzo di lancio di 19,99 dollari posiziona il gioco chiaramente fuori dalla fascia AAA, una scelta coerente con l’approccio di Yacht Club Games fin dai tempi di Shovel Knight: titoli ambiziosi nella costruzione ma accessibili nel prezzo. I pre-ordini sono stati aperti contestualmente all’annuncio della data, con il gioco già disponibile in wishlist su Steam. Il gioco è andato gold nelle settimane precedenti all’annuncio, segnale che lo sviluppo era concluso e che il 29 maggio non è soggetto a ulteriori rischi di slittamento.

Chi è Mina e come funziona il gioco

Mina the Hollower segue Mina, un’inventrice di talento e membro dei Hollower, una gilda dedita allo studio della terra, che si reca sull’isola di Tenebrous per scoprire perché i suoi generatori di Spark, da lei progettati per alimentare l’isola, abbiano smesso di funzionare. Il personaggio principale è un topo dotato di una frusta chiamata Nightstar, con cui può attaccare nelle quattro direzioni cardinali.

La meccanica distintiva del gioco è quella del Hollowing: Mina può scavare sottoterra per brevi tratti, utilizzando questa tecnica per spostarsi rapidamente, superare piccoli dislivelli e attraversare brevi gap, risultando completamente invincibile durante la manovra. Il gioco si ispira dichiaratamente ai capitoli top-down della serie The Legend of Zelda e a Castlevania, con un’estetica visiva costruita per imitare i titoli Game Boy Color dell’era 8-bit. L’ambientazione punta su toni victoriani e horror gotico, distanziandosi visibilmente dallo stile più colorato e ironico di Shovel Knight.

Nel corso dell’avventura i giocatori sbloccano armi secondarie che modificano in modo significativo lo stile di combattimento, con ciascuna dotata di mosse proprie. A queste si aggiungono i Trinket, accessori che forniscono effetti e abilità extra per personalizzare ulteriormente l’approccio alle battaglie e all’esplorazione. Il mondo di gioco è vastissimo e densamente interconnesso, con più schermate totali dell’intera Shovel Knight: Treasure Trove. Sono presenti oltre 25 boss e mini-boss, 60 Trinket, un sistema di livellamento completo e una modalità New Game Plus.

La storia travagliata dello sviluppo

Mina the Hollower ha origini insolite: nacque come progetto personale di un dipendente di Yacht Club Games, Alec Faulkner, per affinare le proprie competenze di programmazione e disegno, senza alcuna intenzione commerciale iniziale. La direzione dello studio notò il lavoro e decise di portarlo avanti come produzione ufficiale. Il 2 febbraio 2022 fu lanciata una campagna Kickstarter che raccolse 1.239.584 dollari da 21.439 sostenitori. Includendo altre fonti di crowdfunding, il finanziamento totale superò 1.400.000 dollari.

Il percorso verso il lancio non è stato lineare. Il gioco era stato originariamente previsto per il 31 ottobre 2025, prima di subire un rinvio. Il gold raggiunto ad aprile 2026 ha poi confermato che i tempi erano maturi per la data di fine maggio. Il fondatore Sean Velasco aveva descritto Mina the Hollower come un lancio decisivo per il futuro dell’azienda, che aveva ridotto il personale durante lo sviluppo. Mina the Hollower è la prima nuova proprietà intellettuale sviluppata internamente da Yacht Club Games dalla presentazione di Shovel Knight nel 2014.

Quante auto ci sono in Forza Horizon 6 e cosa è già confermato

Quando Forza Horizon 6 arriverà sugli scaffali il 19 maggio 2026, Playground Games ha confermato un roster iniziale di 550 auto. Di queste, nelle settimane precedenti al lancio ne erano già state identificate ufficialmente o avvistate in materiali gameplay una quantità significativa. Alcune fonti non ufficiali hanno censito oltre 600 veicoli confermati o avvistati, con classi di prestazione che vanno dalla D, la più lenta, fino alla nuova R, la più veloce.

La copertina del gioco presenta la 2025 GR GT Prototype, che fa il suo debutto assoluto nei videogiochi proprio in Forza Horizon 6, e la 2025 Toyota Land Cruiser. Entrambe sono giocabili nella versione base del gioco, senza bisogno di DLC aggiuntivi.

Il roster è costruito attorno all’ambientazione giapponese, che si riflette in una presenza massiccia di auto JDM storiche e moderne. Il gioco promette auto reali guidabili in tutto il mondo, con un’enfasi speciale sui classici JDM tanto amati dai fan, dotati di audio motore di nuova concezione e animazioni di sterzo aggiornate con fino a 540 gradi di rotazione del volante.

Tra i marchi giapponesi confermati spiccano Toyota, Nissan, Mazda, Honda, Mitsubishi, Subaru e Lexus, con modelli che coprono decenni di storia automobilistica: dalla 1969 Toyota 2000GT alla 2021 Toyota GR Yaris, passando per la 1992 Mazda RX-7 Type R, la 1998 Toyota Supra RZ, il 1991 Toyota Chaser GT Twin Turbo e la 1994 Mitsubishi Lancer Evolution III GSR. Diversi modelli sono stati ricostruiti da zero rispetto alle versioni presenti nei capitoli precedenti della serie, tra cui la BMW M3 E30, la Nissan Skyline GT-R R32, la Mitsubishi Lancer Evolution VI e la Nissan Silvia Spec-R.

Sul fronte internazionale, il garage non si limita al Giappone. Tra le hypercar di fascia alta già confermate figurano la 2025 Ferrari F80, la 2020 Koenigsegg Jesko, la 2021 Pagani Huayra R e la 2024 Lucid Air Sapphire. L’elenco comprende anche numerose Ferrari storiche, McLaren, Lamborghini, Aston Martin e Porsche, oltre a un’ampia selezione di veicoli fuoristrada e da rally per chi preferisce guidare lontano dall’asfalto.

Le novità strutturali: la nuova R Class e le Forza Edition

Rispetto ai capitoli precedenti, Forza Horizon 6 introduce cambiamenti rilevanti nel modo in cui le auto vengono organizzate e categorizzate. Playground Games ha completamente rivisto il roster per renderlo più equilibrato tra tutte le classi di prestazione, introducendo una nuova R Class pensata specificamente per le auto da pista. Questa classe separa le vetture orientate al circuito e al time attack dalle tradizionali classi S2 e X, creando una distinzione più netta tra le categorie più estreme.

La R Class raccoglie i veicoli più veloci e potenti del gioco, come la 2025 Ferrari F80 e la 2023 Aston Martin Valkyrie. Le classi D, C, B, A, S1 e S2 rimangono presenti e continuano a coprire l’intera gamma di veicoli dalla entry level alle supercar.

Le Forza Edition tornano in Forza Horizon 6 con modifiche estreme, che le rendono versioni radicalmente differenti dai modelli base da cui derivano. Tra gli esempi confermati: la 1994 Mazda MX-5 Miata Forza Edition passa dalla classe D alla S2, la 1989 Nissan S-Cargo Forza Edition dalla D alla S1, e la 1994 Subaru Vivio RX-R Forza Edition dalla D alla S2. Si tratta di trasformazioni che cambiano radicalmente il comportamento in gara, rendendo queste varianti oggetti da collezione con un valore pratico molto concreto.

Tra le Forza Edition già annunciate figurano anche una 1985 Toyota Sprinter da pista e una 1994 Subaru Vivio RX-R pensata per il time attack.

Le auto di partenza e i DLC al lancio

Le tre auto di partenza confermano il forte orientamento JDM del gioco: i giocatori potranno scegliere tra una Nissan Silvia, una Toyota Celica e, inaspettatamente, una GMC Jimmy. La scelta iniziale non ha conseguenze permanenti, poiché tutte e tre le vetture diventano disponibili già nelle prime fasi del gioco.

Sul fronte dei contenuti aggiuntivi, il Time Attack Car Pack includerà otto vetture modificate ispirate al World Time Attack Challenge, come la Honda CRX WTAC 1990, la Honda Civic WTAC 1992, la Nissan Skyline WTAC “Xtreme GTR” 1993 e la Nissan Silvia WTAC 2000. Il pack è disponibile sia come acquisto separato che incluso nell’edizione Premium.

Chi pre-ordina qualsiasi edizione del gioco o il Premium Upgrade entro il 19 maggio riceve in regalo una Ferrari J50 pre-tarata in edizione esclusiva come bonus di pre-ordine.

Per chi vuole approfondire il contesto dell’ambientazione e capire perché Playground Games abbia scelto il Giappone come teatro di questo capitolo, sono disponibili ulteriori dettagli in questo approfondimento sulle ragioni tecniche e creative della scelta.

Cosa aspettarsi dalla lista completa al day one

La car list definitiva non è stata rilasciata per intero prima del lancio, una pratica ormai consolidata nella serie. Forza Horizon 6 punta a superare tutti i precedenti capitoli in termini di numero di veicoli collezionabili, con un’offerta che spazia dalle ultime uscite alle versioni vintage più rare.

Vale la pena tenere presente alcune distinzioni pratiche. Non tutte le auto visibili nei materiali promozionali sono incluse nella versione base: alcune richiedono l’edizione Premium, altre sono legate a DLC separati, e altre ancora sono esclusive di eventi stagionali o contenuti post-lancio. Guidando per il Giappone sarà possibile incontrare Aftermarket Cars rare da acquistare, oltre alle tradizionali Barn Find e Treasure Car nascoste nella mappa.

Forza Horizon 6 arriverà su Xbox Series X e Series S e PC, tramite Microsoft Store e Steam, il 19 maggio 2026. L’accesso anticipato per i possessori dell’edizione Premium partirà quattro giorni prima, il 15 maggio. Una versione per PlayStation 5 è confermata per una data successiva nel corso del 2026.

Per chi vuole tenersi aggiornato sul primo gameplay mostrato ufficialmente, l’articolo dedicato alla Xbox Developer Direct e alla finestra di reveal del gioco offre il contesto completo su come il titolo è stato presentato al pubblico.

Se segui la saga dall’inizio, puoi rileggere il nostro articolo sull’annuncio originale di GreedFall: The Dying World per il contesto completo.

Cos’è GreedFall: The Dying World

La storia si svolge tre anni prima degli eventi del primo gioco e dell’avventura di De Sardet. Questa volta il giocatore veste i panni di un nativo di Teer Fradee, strappato con la forza dalla propria isola e portato nel continente di Gacane, la terra dei colonizzatori. La prospettiva si rovescia rispetto al 2019: non si è più il colonizzatore che arriva sull’isola, ma l’indigeno che scopre il continente malato e decadente da cui proviene chi ha invaso la sua terra.

L’ambientazione è il continente aperto di Gacane, esplorabile liberamente. Il gioco include un sistema di creazione del personaggio e permette di affrontare gli obiettivi con combattimento diretto, furtività o diplomazia. Il sistema di combattimento è stato completamente rivisto rispetto all’originale: i compagni ora possono ricevere comandi diretti dal giocatore invece di essere gestiti solo dall’intelligenza artificiale, avvicinando l’esperienza a quella di un gioco di ruolo tattico.

Il gioco è stato dichiaratamente ispirato a Dragon Age: Origins e Star Wars: Knights of the Old Republic di BioWare, con un’attenzione particolare allo sviluppo dei personaggi compagni.

La situazione attuale: Spiders chiusa, Nacon in insolvenza

Questo è il dato che cambia tutto. Spiders è stata liquidata. Lo studio non esiste più come entità. Nacon, il publisher, ha depositato istanza di insolvenza a febbraio 2026 dopo che il suo principale azionista, Bigben Interactive, non era riuscito a far fronte ai propri obblighi finanziari.

La community manager di Spiders, Elanor, ha scritto sul Discord ufficiale: “Dopo un lungo periodo senza risposte chiare, abbiamo ricevuto la conferma che Spiders è in liquidazione. Questo significa che la società nel suo insieme non esiste più. Cesseremo immediatamente le nostre funzioni.“

Le conseguenze pratiche per chi acquista il gioco oggi sono concrete: nessun aggiornamento tecnico significativo è previsto, nessun supporto da parte del team originale è possibile, e il DLC Peren’s Black Mass è stato rilasciato da Nacon in anticipo rispetto alla data prevista del 14 maggio 2026, con una distribuzione caotica che ha lasciato molti giocatori senza accesso alle nuove quest. Per qualsiasi problema tecnico, Nacon è il solo punto di contatto rimasto.

Vale la pena acquistarlo oggi?

La recensione di PC Gamer al lancio definitivo ha descritto il gioco come ancora “leggermente incompleto” nonostante il miglioramento sostanziale rispetto all’Early Access. La ricezione critica è stata nel complesso tiepida: un RPG doppio-A con buone ambizioni narrative e un sistema tattico interessante, ma privo della rifinitura che i titoli dello stesso genere con budget maggiori possono permettersi.

Per il giocatore che sa cosa aspettarsi, GreedFall: The Dying World offre un’esperienza di ruolo con scelte morali, gestione dei compagni e un mondo fantasy coloniale ricco di lore. Chi cerca un RPG simile a Dragon Age con ritmo più lento e focus narrativo troverà qualcosa di interessante. Chi si aspetta la rifinitura tecnica di un prodotto tripla-A rimarrà deluso.

Il prezzo attuale su Steam è di 49,99 euro per la versione standard. Con la chiusura dello studio e l’assenza di patch future, è ragionevole aspettarsi che il titolo appaia in sconto nei grandi saldi di Steam nelle prossime settimane.

Errori comuni da evitare

Comprarlo aspettandosi patch future. Spiders non esiste più. Qualsiasi bug presente oggi rimarrà probabilmente tale. Leggi le recensioni recenti su Steam per capire lo stato tecnico attuale prima di acquistare.

Iniziarlo senza aver giocato GreedFall (2019). The Dying World è un prequel, ma i riferimenti alla lore del primo capitolo sono frequenti e significativi. Chi non conosce la saga perderà parte del peso narrativo delle rivelazioni finali.

Confonderlo con un sequel. In dicembre 2025 il team ha rimosso il “2” dal titolo, confermando che non si tratta di un sequel diretto nonostante condivida lo stesso universo. La storia è autonoma ma collegata.

Aspettarsi il DLC funzionante subito. Il DLC Peren’s Black Mass è tecnicamente disponibile come aggiornamento gratuito, ma diversi giocatori riportano difficoltà nell’attivare le quest. Il supporto di Nacon è l’unica via per segnalare i problemi.

Suggerimenti avanzati

Inizia con Dragon Age: Origins se non conosci il genere. GreedFall: The Dying World si ispira esplicitamente a quel titolo. Chi ha familiarità con la formula (pause tattiche, gestione dei compagni, scelte morali ramificate) si troverà immediatamente a proprio agio.

Usa la modalità tattica fin dall’inizio. Il sistema ibrido con pausa tattica è la novità principale rispetto all’originale. Iniziare in modalità Focused (solo il protagonista) significa perdere la parte più interessante del design dei compagni.

Controlla lo stato di Steam prima di acquistare. Le recensioni recenti degli utenti su Steam offrono il quadro più aggiornato sullo stato tecnico del gioco dopo la chiusura di Spiders. Le valutazioni complessive sono “nella norma”, ma le recenti segnalano frustrazione per il supporto assente.

Il primo GreedFall è disponibile a pochi euro. La Gold Edition del 2019 si trova regolarmente in offerta a meno di 5 euro. Se non hai mai giocato la saga, inizia da lì prima di investire nel prequel.

Tutti i prezzi divisi per edizione e piattaforma

Le opzioni disponibili sono più di una e variano in modo significativo. Ecco il quadro completo.

Edizioni digitali (disponibili dal 16 aprile 2026):

Standard Edition (tutte le piattaforme): 29,99 euro. Include solo il gioco base.

Digital Deluxe Edition (solo Steam): 39,99 euro. Include il gioco base, l’accesso al primo DLC espansione, la colonna sonora completa (con un brano esclusivo dei Caravan Palace) e un fumetto digitale.

Edizioni fisiche (disponibili dal 10 luglio 2026):

La Standard Edition fisica per PlayStation 5 (disco) costa 34,99 euro in Europa. La versione Nintendo Switch 2 (cartuccia) costa 44,99 euro. La Mouseburg Edition deluxe per PlayStation 5 e Xbox Series X (disco) costa 54,99 euro, mentre per Nintendo Switch 2 (cartuccia) arriva a 59,99 euro. La versione PC in scatola (codice Steam) costa 49,99 euro.

La Mouseburg Edition include, oltre al gioco: un vinile da 7 pollici con quattro tracce della colonna sonora, una mappa doppia di Mouseburg e un poster, un fumetto stampato con adesivi, 33 figurine dei Baseball Cards di Mouseburg e tre cartoline.

Vale il prezzo? Confronto con titoli simili

MOUSE ha ricevuto recensioni generalmente favorevoli su Metacritic, con una valutazione del 95% di positive su Steam al lancio, superando le 8.700 recensioni nelle prime settimane. Il picco concurrent di oltre 13.000 giocatori conferma un interesse reale e non solo di hype.

A 29,99 euro il gioco si posiziona nella fascia media degli indie premium: sopra i titoli da 9,99-19,99 euro ma sotto i grandi titoli AA da 49,99-69,99 euro. Il confronto più naturale è con titoli come Hi-Fi Rush (che fu lanciato a 29,99 euro) o con altri FPS narrativi di questa fascia. La durata della campagna si aggira sulle 8-10 ore per un completamento normale, il che rende il rapporto prezzo-contenuto nella norma per il genere.

Chi cerca la colonna sonora originale con il brano dei Caravan Palace farà bene a considerare la Digital Deluxe: 10 euro in più rispetto alla Standard coprono già l’accesso al primo DLC, che in futuro potrebbe costare da solo 9,99-14,99 euro.

Errori comuni da evitare

Confondere Standard digitale e Standard fisica. Le versioni fisiche non hanno lo stesso prezzo di quelle digitali: la Standard per Nintendo Switch 2 in formato fisico costa 44,99 euro, non 29,99. Chi vuole risparmiare deve puntare al digitale.

Acquistare su piattaforme terze senza verificare. Su aggregatori di chiavi si trovano prezzi più bassi, ma non tutti i negozi sono affidabili. Acquistare dal negozio ufficiale della piattaforma (Steam, PlayStation Store, Microsoft Store, Nintendo eShop) rimane la scelta più sicura.

Aspettarsi la Digital Deluxe su tutte le piattaforme. La versione Deluxe digitale con colonna sonora e DLC è disponibile solo su Steam. Su PlayStation 5, Xbox e Nintendo Switch 2 esiste solo la Standard digitale.

Pensare che la Mouseburg Edition includa il DLC. La scatola fisica deluxe contiene oggetti da collezione ma non garantisce l’accesso al primo DLC espansione: quello è incluso solo nella Digital Deluxe Edition su Steam.

Suggerimenti avanzati

Xbox Play Anywhere. Chi acquista la versione Xbox ottiene automaticamente l’accesso anche su PC Windows, con progressi sincronizzati tra le due versioni. È di fatto un doppio acquisto al prezzo di uno: vale la pena considerarlo rispetto alla versione Steam se si gioca su entrambe le piattaforme.

MOUSE non è su Xbox Game Pass. Il gioco non è pianificato per Xbox Game Pass in questa fase: chi aspettava l’arrivo sul servizio in abbonamento può smettere di aspettare e considerare l’acquisto diretto.

Steam Deck. Il gioco è verificato come pienamente compatibile con Steam Deck fin dal lancio: chi ha la console portatile di Valve può giocare senza limitazioni.

Quando aspettarsi il primo sconto. Fumi Games non ha comunicato finestre di sconto, ma titoli di questa fascia tendono ad apparire in offerta durante i grandi saldi Steam (Summer Sale a giugno, Autumn Sale a novembre) con riduzioni del 20-30% nei primi sei mesi. Chi non ha fretta può attendere.

La premessa narrativa: un Bond di 26 anni prima della licenza di uccidere

007 First Light segue un James Bond di 26 anni, agente MI6 inesperto, incaricato di una missione il cui completamento gli varrà lo status 00. Non si tratta di un adattamento dei romanzi di Fleming: la storia è completamente originale. La missione centrale vede Bond dare la caccia all’agente 009, che ha tradito MI6. Riuscire nell’impresa gli garantirà la licenza di uccidere.

L’attore che interpreta il giovane Bond è l’irlandese Patrick Gibson, scelto per quella che il narrative director Martin Emborg ha descritto come una «impazienza innata» perfetta per un Bond acerbo e spericolato. Il cast di supporto è di alto livello: Lennie James interpreta John Greenway, agente MI6 veterano che fa da mentore; Gemma Chan è la dottoressa Selina Tan, personaggio creato ex novo; Lenny Kravitz dà voce a Bawma, l’antagonista principale descritto come il più grande broker del mercato nero dell’emisfero occidentale. Completano il cast versioni rivisitate di M (Priyanga Burford), Q (Alastair Mackenzie) e Moneypenny (Kiera Lester), quest’ultima con un ruolo da analista sul campo ben più attivo rispetto alle sue apparizioni cinematografiche. La colonna sonora è firmata da The Flight, con il tema principale First Light interpretato da Lana Del Rey e prodotto da David Arnold, storico compositore della saga cinematografica.

Il gameplay: stealth, azione e il sistema di Bluffing

IO Interactive ha descritto 007 First Light come una fusione tra Hitman e Uncharted, con ispirazione dichiarata dal sistema di combattimento freeflow di Batman: Arkham e dai set piece di Uncharted. Il sistema di progressione ruota attorno a tre pilastri: stealth, azione aperta e la novità assoluta del Bluffing. Quest’ultimo consente a Bond di manipolare gli NPC per raggiungere i suoi obiettivi: fingersi un giornalista americano, mentire per uscire da una situazione difficile. Usare questa abilità consuma una risorsa chiamata Istinto, introducendo una gestione tattica su quando e come bluffare.

Il combattimento è veloce e fluido, con un sistema di escalation che riflette l’uso misurato della forza da parte di Bond: quando i nemici ricorrono alla forza letale, Bond ottiene la Licenza di uccidere, che sblocca le sue capacità da tiratore esperto. Tra i gadget confermati c’è la Q-Lens, strumento multiuso che può tra le altre cose indurre nausea nei nemici per distrazioni silenziose, ricaricabile raccogliendo materiale dall’ambiente.

Struttura, durata e modalità di gioco

007 First Light non è un open world: segue una struttura a missioni narrative con livelli sandbox ampi e densi, in piena tradizione Hitman. Le location confermate includono il Grand Carpathian Hotel in Slovacchia tra i panorami dell’Alto Tatra, resort tropicali, montagne innevate e ville esclusive. IO Interactive non ha fornito stime ufficiali sulla durata della campagna: le anteprime hanno coperto circa tre ore e mezza di contenuto iniziale, ma la struttura con sfide secondarie e simulazioni di addestramento suggerisce una rigiocabilità significativa.

Il gioco è esclusivamente single player: nessun multiplayer, nessuna co-op. Oltre alla campagna sono confermate simulazioni di addestramento progettate dal personaggio di Gemma Chan, con missioni speciali che richiamano il modello live service di Hitman: World of Assassination. Il CEO di IO Interactive Hakan Abrak ha già confermato che «questo è solo l’inizio del nostro viaggio con 007», lasciando aperta la porta a contenuti futuri e potenziali nuovi capitoli.

Le edizioni disponibili

La versione standard è fissata a 69,99 euro. Chi preordina qualsiasi edizione riceve automaticamente l’upgrade gratuito alla Deluxe Edition. Le opzioni disponibili sono tre: la Deluxe Edition a 79,99 euro con 24 ore di accesso anticipato, quattro skin per gadget e quattro costumi esclusivi; la Collector’s Edition a 199,99 euro con una replica a grandezza naturale di una maschera presente nel gioco e tutti i contenuti Deluxe; la Legacy Edition a 299,99 euro con una statuina della Pistola d’oro, steelbook con disco fisico e certificato di autenticità.

Cosa ancora non sappiamo

Nonostante la copertura abbondante, restano aree di incertezza concrete: IO Interactive non ha comunicato stime ufficiali sulla durata della campagna. La versione Nintendo Switch 2 è rinviata a un momento imprecisato dell’estate, senza dettagli su framerate e qualità grafica. Non sono stati confermati cross-save tra piattaforme, supporto mod su PC, una roadmap dettagliata dei contenuti post-lancio, i dettagli tecnici su framerate e risoluzione per PlayStation 5 e Xbox Series X e Series S, né la presenza di una modalità Nuovo Gioco+.

007 First Light arriva con premesse solidissime. IO Interactive ha costruito negli ultimi anni uno dei sistemi di game design più sofisticati del settore con la trilogia Hitman, e ora ha a disposizione il franchise più iconico dello spionaggio. Il cast stellare, la struttura narrativa originale e un gameplay loop che punta a bilanciare stealth, azione e carisma sono tutti elementi concreti. Per chi aspettava un James Bond videoludico degno di questo nome dal lontano 1997, il 27 maggio è la data da cerchiare in rosso.

Nate quasi per caso e per protesta, gli easter egg si sono presto espansi al di fuori del mondo che le aveva generati, quello dei videogiochi, per contaminare serie tv, film, libri fumetti e chi più ne ha, più ne metta. Ormai la caccia alle uova di pasqua nei prodotti di intrattenimento è sport mondiale con molte persone che investono tantissime risorse in questo lavoro.

Bisogna dire poi che, pur essendo ormai un concetto sdoganato ovunque, gli easter egg dei videogiochi restano quelli più affascinanti per via della malleabilità del prodotto. Mod, hack e dataminer permettono spesso di scoprire tracce nascoste dove teoricamente un videogiocatore non dovrebbe poter mettere occhio e procedere poi in modo inverso per svelare l’esistenza di qualche segreto ancora non individuato.

Ok, ti vedo, stai alzando gli occhi al cielo per l’ennesimo articolo sugli easter egg più triti e ritriti, oltretutto in ritardo. No, no, ci siamo capiti male, oggi non ti mostrerò una lista di easter egg, anche perché se ne sono già occupati alcuni miei colleghi qui e qui. No, oggi parleremo di easter egg in modo più analitico andando ad approfondire il fenomeno più che i singoli elementi. Sei pronto?

Easter Eggs: storiA E oRiginI

Iniziamo con un po’ di storia, che ne dici? E’ conoscenza comune che il termine easter egg ebbe origine grazie al videogioco Adventure del 1980. All’epoca Atari non inseriva i nomi dei programmatori nei credits come modo per difendersi tanto dalla concorrenza quanto dalle pretese degli sviluppatori stessi. L’autore di Adventure, Warren Robinett, non era d’accordo con questo metodo e così inserì in gran segreto la possibilità di svelare il messaggio “Created by Warren Robinett” (non ti dico come, ma è una cosa abbastanza nota).

Inizialmente la dirigenza Atari pensò di ritirare il gioco e cancellare il contenuto, ma questo sarebbe costato parecchio e così Steve Wright, il Director of Software Development li convinse a rendere pubblica la cosa, cavalcandola per spingere i giocatori a cercare simili contenuti nascosti in altri giochi. Venne così coniato il termine easter egg e Atari riuscì anche a guadagnare dalla vicenda. Non si può negare che Steve Wright fosse un furbo, vero?

Se indubbiamente il termine easter egg esiste grazie ad Adventure, bisogna tuttavia dire che questo non è il più vecchio della storia. Tale titolo è (per ora) nelle mani di Moonlander, videogioco del 1973 presente nei computer DEC in cui l’obiettivo era atterrare sulla luna. Se il videogiocatore però si muoveva orizzontalmente abbastanza a lungo, trovava un McDonald’s e poteva persino parcheggiarci accanto per permettere all’astronauta di prendere un panino. Beh, perché no?

Altri esempi di easter egg realizzati prima del 1980 sono:
Colossal Cave Adventure (1976): contiene diverse parole segrete come codici tra cui esordiva la famosissima “xyzzy”.
Starship 1 (1977): contiene un easter egg scoperto SOLO nel 2017 che rende possibile far apparire il messaggio “Hi Ron!” (dal nome dello sviluppatore Ron Milner).
Video Whizball (1978): contiene un easter egg scoperto nel 2004 che permette di far apparire il cognome dello sviluppatore Bradley Reid-Selth.

Easter Eggs: Tra Hobby, Lacune e Ipotesi

La popolarità degli easter egg negli anni è andata crescendo e ad oggi ne esistono tantissimi. Nel tentativo però di catalogarli, possiamo iniziare a porre dei paletti. La prima divisione avviene a mio parere tra easter egg volontari ed involontari. I primi sono inseriti consapevolmente dagli sviluppatori per essere trovati mentre i secondi sono curiosità nascoste nel gioco che non erano state pensate per essere trovate, vuoi perché riguardano assets non più utilizzati, sono frutto di errori di varia natura o semplicemente perché qualcuno li ha inseriti lì all’insaputa di tutti (ma proprio tutti).

Possiamo quindi fare un’ulteriore differenza nel definire la natura stessa dell’easter egg. E’ una semplice curiosità/modifica grafica dal basso impatto, come un messaggio di ringraziamento nascosto o le mucche al posto dei massi in Age of Empires, o è qualcosa di più consistente come un livello segreto, una debug room o addirittura un intero gioco in più? E’ risaputo che Day of the Tentacle, avventura grafica del 1993 a opera di LucasArts, contiene l’originale Maniac Mansion del 1987, ma sapevi che dentro Homefront: The Revolution è possibile trovare TUTTO TimeSplitters 2?!

Il terzo elemento per catalogare i vari easter egg è secondo me il metodo di scoperta. Può essere svelato semplicemente giocando? Ha bisogno di una qualche forma di mod o hack per attivarsi? Necessita di un intervento esterno massiccio, come una modifica dell’hardware o il disinserimento parziale di una cartuccia di gioco? Occhio che può succedere che a volte un easter egg del tipo giocabile sia scoperto prima in un hack/mod/datamine o tramite un intervento esterno. Non conta tuttavia come viene scoperto la prima volta, ma solo come può essere effettivamente attivato.

Infine quando si da la caccia agli easter egg bisogna fare attenzione a non farsi coinvolgere dalle molte leggende metropolitane esistenti che si nutrono tantissimo di questi contenuti nascosti. Basta fare qualche ricerca su Aerith Lives, Final Fantasy 8 is a dream? o L is Real per capire cosa intendo. A volte la soluzione, però, è la più semplice.

Ne è esempio un piccolo easter egg involontario presente in Metal Gear Solid dove, guardando bene in alto nella zona Metal Gear Bay, è possibile trovare uno dei cristalli usati nella modalità VR Training incastonato nella parete. Questo ha generato tutta una teoria secondo cui Metal Gear Solid e seguito siano in realtà delle esperienze in realtà virtuale a cui è soggetto il protagonista e non dei veri eventi nel mondo di gioco. Probabilmente però quel cristallo è solo un triste asset abbandonato e finito là per sbaglio.

Easter Eggs: Vediamo un ESempio

Anche se piccoli esempi li ho fatti lungo tutto l’articolo, vediamone insieme uno bello grosso e particolare stavolta. Si tratta infatti di uno dei rari casi in cui un easter egg è stato prima scoperto con un glitch, poi esplorato in lungo e largo con un hack che permetteva di andare oltre i confini del gioco e solo alla fine si è scoperto come attivare/scoprire il tutto senza “barare.” Il gioco in questione è Futurama per PlayStation 2 e possiamo catalogare l’easter egg come volontario, curiosità e giocabile.

L‘intero processo di caccia ha richiesto ben 16 anni ed il contributo di due delle più grandi community di cacciatori di easter egg, quelle legate ai canali youtube Oddheader e The Easter Egg Hunter. Per i curiosi ed i cacciatori di easter egg questi due canali sono una fonte enorme di informazioni e si, purtroppo sono entrambi inglesi, ma fidati che se sai la lingua in questione, puoi trovare materiale davvero affascinante nei loro video.

Comunque, tornando a Futurama per PlayStation 2, tutto ebbe inizio proprio grazie ad uno dei video di Oddheader dove, tra gli easter egg mai scoperti fino a quel momento, veniva mostrato questo strano uovo di Pasqua nascosto dietro una parete del gioco e visibile solo sfruttando un piccolo glitch della telecamera. Successivamente The Easter Egg Hunter ed un altro youtuber chiamato Slippy Slides usarono una mod/hack per esplorare l’oggetto muovendosi oltre i confini del gioco così da raccogliere altre informazioni, senza però ottenere alcun risultato concreto. I due video spinsero tuttavia le due community ad attivarsi per trovare una soluzione effettiva che, infine, è stata davvero rivelata.

Ti ho abbastanza incuriosito? Bene, benvenuto nel magico mondo dei cacciatori di easter egg. Magari, se trovi l’argomento interessante e vorresti saperne di più, in futuro potrei pubblicare articoli simili in cui mi concentro su determinati easter egg famosi… ma non troppo. Perché siamo onesti, l’argomento degli easter egg è ormai molto inflazionato e spesso si sente sempre parlare delle due o tre solite cose, ma il mondo dei videogiochi là fuori è molto più vasto di quanto potresti pensare.

Ah, ovviamente in questo articolo c’é un easter egg nascosto relativo al mondo dei videogiochi. E’ abbastanza facile in realtà, ma oltre a trovarlo, vorrei anche sapere se ricordi il film Disney in cui questo easter egg è stato citato e come. Dai, non è difficile!

Abbiamo selezionato cinque titoli per cinque umori diversi. Qualcuno per rilassarsi, qualcuno per emozionarsi, qualcuno per giocare con chi è seduto accanto a te. Buona Pasqua, e buon gioco.

Stardew Valley, per rilassarsi senza pensieri

Disponibile su PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox, Nintendo Switch e Mobile

Se c’è un gioco che cattura l’anima di Pasqua, con la primavera, la rinascita e il ritmo lento della natura, quello è Stardew Valley. Erediti una fattoria fatiscente da tuo nonno, pianti i primi semi di stagione e, quasi senza accorgertene, sono passate tre ore.

In primavera nel gioco sbocciano Parsnip e Cavolfiori, i polli fanno le uova e il villaggio di Pelican Town si anima con feste stagionali. Giocarci a Pasqua ha un senso quasi poetico: entrambi celebrano il risveglio di qualcosa che era addormentato. Non ha una fine, non ha un obiettivo obbligatorio. Puoi pescare tutto il giorno, corteggiare i personaggi del villaggio, scavare nelle miniere o semplicemente annaffiare le tue rape e andare a dormire. Sono vacanze dentro le vacanze, e funziona perfettamente anche a sessioni brevi, ideale per le lunghe ore post-pranzo pasquale quando muoversi è una fatica.

It Takes Two, per giocare in coppia o con i figli

Disponibile su PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox e Nintendo Switch

Pasqua è una festa di famiglia, e It Takes Two è letteralmente impossibile da giocare da soli. Richiede due giocatori, punto. Che siano partner, amici, fratelli o figli, non importa: dovrete collaborare, comunicare e probabilmente litigare almeno una volta su chi doveva schiacciare quel bottone.

La storia segue Cody e May, una coppia in crisi che viene trasformata in bambolini dalle lacrime magiche della loro figlia. Per tornare umani devono imparare a lavorare insieme, e il gioco lo rispecchia alla perfezione: ogni livello introduce meccaniche nuove e complementari. In un capitolo uno controlla il tempo, l’altro lo spazio; in un altro uno spara chiodi, l’altro li martella. Ha vinto il Game of the Year 2021, ha una delle campagne cooperative più creative mai realizzate ed è pieno di momenti che faranno ridere, stupire e forse commuovere. La storia di una famiglia che impara a stare insieme è, inconsapevolmente, molto pasquale.

The Legend of Zelda: Breath of the Wild, per perdersi in un mondo enorme

Disponibile su Nintendo Switch

Le feste di Pasqua durano giorni, e The Legend of Zelda: Breath of the Wild è uno di quei giochi in cui puoi entrare il lunedì e uscire, sbalordito, il mercoledì, convinto che siano passate poche ore. Hyrule è vasto, bellissimo e infinitamente curioso: ogni collina nasconde qualcosa, ogni torre svela nuovi orizzonti, ogni personaggio ha una storia.

C’è anche un collegamento tematico che fa sorridere: Link si risveglia dopo cento anni di sonno nella Resurrection Plateau. È letteralmente un personaggio che rinasce, senza memoria, in un mondo che deve riscoprire. Se Pasqua celebra una rinascita, Breath of the Wild ne è la versione videoludica. E poi c’è la caccia ai Korok Seed, 900 piccoli segreti nascosti in tutto il mondo: un’attività che, in modo molto libero, ricorda la caccia alle uova di Pasqua. Solo che invece delle uova trovi semini, e il premio finale è meglio scoprirlo da soli.

Untitled Goose Game, per ridere e fare i birbanti

Disponibile su PC, PlayStation 4, Xbox e Nintendo Switch

Pasqua prevede pranzi lunghi, conversazioni in famiglia e, inevitabilmente, qualche momento di noia esistenziale. La soluzione? Untitled Goose Game, in cui diventi un’oca malvagia con il solo scopo di distruggere la quiete di un tranquillo villaggio inglese.

È un piccolo gioiello di umorismo: uno stealth game in cui l’obiettivo non è sconfiggere nemici o salvare il mondo, ma fare la cosa più fastidiosa possibile nel modo più elegante possibile. Rubare il pane al panettiere, trascinare le chiavi del giardiniere nel laghetto, far indossare un cappello a un bambino che non ne vuole sapere. È breve, si finisce in un paio d’ore, e funziona benissimo come gioco da guardare insieme: chi non gioca ride comunque e spesso dà suggerimenti peggiori di quelli che stai già seguendo. Ottimo per intrattenere bambini, nonni e chiunque abbia un senso dell’umorismo.

Journey, per un momento di bellezza pura

Disponibile su PC, PlayStation 4, PlayStation 5 e iOS

Pasqua è anche riflessione. E se vuoi un gioco che ti lasci qualcosa dentro, qualcosa di difficile da spiegare ma facile da sentire, Journey è lì ad aspettarti.

È breve: due ore, forse meno. Sei una figura avvolta in un mantello rosso nel mezzo di un deserto infinito. Non ci sono istruzioni, non ci sono tutorial, non ci sono testi. Cammini verso una montagna luminosa all’orizzonte. Lungo il percorso potresti incontrare un altro giocatore, casuale e anonimo, con cui condividere pezzi del cammino senza potervi parlare. Journey parla di nascita, morte e rinascita in modo così delicato che potresti non accorgertene subito. Ma quando finisce, e finisce in un modo che non si dimentica facilmente, ti ritrovi seduto in silenzio per qualche minuto. Raramente un videogioco riesce a fare questo.

È il tipo di esperienza da condividere con qualcuno che non gioca spesso: non ha difficoltà, non si può perdere, non si muore davvero. È semplicemente un viaggio, esattamente quello che suggerisce il titolo. Ideale per la sera di Pasqua, quando si è stanchi ma si vuole ancora qualcosa di bello prima di dormire.

Qualunque gioco tu scelga, l’importante è goderselo senza sensi di colpa. Le feste esistono per questo, e il divano con un controller in mano è uno dei posti migliori in cui stare. Buona Pasqua da iCrewPlay.

Se hai amato Joel ed Ellie in The Last of Us, Leon e Ashley in Resident Evil 4 o il rapporto tra il Padre e Atreus in God of War, Pragmata vuole emozionarti nello stesso modo. E ha tutte le carte in regola per riuscirci.

Hugh e Diana: chi sono i due protagonisti di Pragmata

Hugh Williams è un astronauta, ma non il tipo eroico e infallibile a cui i videogiochi ci hanno abituato. I suoi creatori lo descrivono come sarcastico, un po’ burbero, con un passato da orfano che emerge gradualmente nella narrazione. Cresciuto senza una famiglia, con un vuoto che non ha mai saputo come riempire, si ritrova paracadutato su una Luna silenziosa e incrocia il cammino di una bambina-androide che non sa ancora chi è. Quella gentilezza nascosta dietro la scorza è il cuore del personaggio: uno scudo dietro cui si nasconde qualcuno che ha imparato a cavarsela da solo, e che improvvisamente non è più solo.

Diana non è la classica intelligenza artificiale fredda e misteriosa della fantascienza. È un’androide con l’aspetto e i modi di una bambina: infinitamente curiosa, con poca esperienza accumulata e una capacità di meravigliarsi che gli esseri umani perdono troppo presto. La cosa più significativa è che il nome Diana non è un dato di fabbrica: glielo ha dato Hugh. Un gesto piccolo, quasi automatico, eppure in quel gesto si condensa tutto il senso del loro rapporto. Durante lo sviluppo Capcom ha sperimentato molte versioni di questo personaggio, inclusi un robot, un animale e persino un cane parlante. La scelta finale, un’androide con sembianze umane, è stata presa proprio per rendere il legame con Hugh (e con il giocatore) più diretto e viscerale.

Un rapporto che nasce dalla necessità e diventa qualcosa di più

Nessuno dei due ha scelto l’altro. Hugh è sopravvissuto per caso a un terremoto lunare, si è ritrovato separato dalla sua squadra e Diana lo ha salvato. Da quel momento, tutto ciò che li lega è la sopravvivenza: devono collaborare per uscire da una stazione infestata da un’intelligenza artificiale ostile. Hugh protegge Diana fisicamente, Diana protegge Hugh con le sue capacità di hacking. Una dipendenza reciproca che i game designer di Capcom hanno costruito non solo nella narrativa, ma nel gameplay stesso.

Ogni combattimento è un dialogo silenzioso tra i due: Hugh si muove, schiva e spara, Diana hackera, protegge e apre varchi. Non si può andare avanti da soli. È proprio questa meccanica, quando funziona, a trasformare un sistema di gioco in una metafora. Hugh diventa una sorta di guida per Diana, raccontandole il mondo, spiegandole chi siamo stati e cosa abbiamo costruito. In cambio, Diana gli offre qualcosa che lui aveva smesso di cercare: qualcuno a cui importa davvero di lui.

Perché questo archetipo narrativo funziona sempre

Il tema del adulto che prende sotto la propria ala un essere più piccolo e vulnerabile è uno degli archetipi narrativi più potenti che esistano. Pragmata si inserisce in una lunga tradizione: Leon e Ashley in Resident Evil 4, Joel ed Ellie in The Last of Us, il Padre e Atreus in God of War, Leon e Mathilda nell’omonimo film del 1994, Nemo e Marlin in Alla ricerca di Nemo. Storie diverse, ma con lo stesso nucleo emotivo.

Pragmata aggiunge una variante originale: il genitore non sa di essere un genitore. Hugh non ha scelto Diana, non si sente all’altezza, non sa come stare con lei. Eppure la protegge, le insegna, le dà un nome. Questo è esattamente ciò che fanno i genitori migliori: non quelli che si sentono pronti, ma quelli che ci provano lo stesso.

Il gameplay racconta la storia, non solo le cutscene

Una delle cose più riuscite di Pragmata è che il legame tra i due protagonisti non è solo narrato nelle scene cinematiche: è costruito nel sistema di gioco, momento per momento. Diana cavalca sulle spalle di Hugh durante l’esplorazione, e ogni stanza della stazione lunare va affrontata insieme, coordinando le abilità dell’uno con quelle dell’altra. La fiducia, nella narrativa, si costruisce lentamente. Nel gameplay la costruisci ogni volta che premi un tasto.

La demo Pragmata: Sketchbook, disponibile gratuitamente su tutte le piattaforme, ha già superato i 2 milioni di download. Chi l’ha provata riporta quasi universalmente la stessa impressione: il sistema di combattimento è originale e intenso, ma è la dinamica tra i due personaggi a restare impressa. Capcom stessa definisce questo il titolo più ambizioso sul piano narrativo che abbia mai realizzato.

Pragmata esce il 17 aprile 2026 su PlayStation 5, Xbox Series X e Series S, PC e Nintendo Switch 2. Non devi essere esperto di sparatutto per apprezzarlo. Devi solo essere disposto a stare su una Luna silenziosa con un uomo burbero e una bambina-androide che gli chiede di raccontarle la Terra.

Fondata nel 1995 in Finlandia, Housemarque ha radici profondamente ancorate nella cultura arcade: velocità, precisione, bullet hell. Titoli come Resogun, Nex Machina e Dead Nation hanno definito uno stile inconfondibile. La vera svolta arriva con Returnal, il primo titolo AAA dello studio, acquistato da Sony nello stesso anno: una storia di trauma, loop temporali e orrore cosmico che ha rappresentato un colpo di genio e insieme un colpo di coraggio, perché la sua difficoltà brutale ne ha limitato la diffusione presso il grande pubblico. Saros nasce da quella lezione.

Carcosa: un pianeta vivo, ostile e in continuo mutamento

Saros è un action roguelite in terza persona ambientato sul pianeta alieno Carcosa, avvolto da un’eclissi permanente e misteriosamente mutevole. Il giocatore veste i panni di Arjun Devraj, un potente agente speciale militarizzato inviato a investigare su una colonia spaziale di cui si sono perse le tracce. Quello che trova su Carcosa non è semplicemente una colonia abbandonata: è un mondo che sembra vivo, ostile e consapevole della sua presenza, con creature aliene, flora aggressiva e strutture di un’antica civiltà perduta.

Carcosa non è uno sfondo statico. È un pianeta polimorfico: i biomi cambiano forma a ogni ciclo di eclissi, i percorsi si riaprono in modo diverso e nuove creature emergono man mano che l’eclissi si intensifica. I Carcosan Modifiers alterano le regole di ogni run in modo imprevedibile. Una volta sbloccato un bioma, è possibile teletrasportarsi direttamente ad esso tramite il World Dial, evitando di dover attraversare di nuovo le stesse zone: una comodità enorme rispetto a Returnal.

Arjun non è solo alla ricerca della colonia. Sta cercando qualcuno in particolare, e questa persona sconosciuta è il motore emotivo dell’intera avventura. Housemarque promette che la storia diventerà sempre più oscura e intensa man mano che si avanza.

Un cast di attori veri e una narrazione più corale

Una delle differenze più evidenti rispetto a Returnal è la presenza di un cast numeroso di personaggi secondari. Returnal era essenzialmente un monologo interiore; Saros vuole essere qualcosa di più corale.

Rahul Kohli (noto per Midnight Mass e The Fall of the House of Usher) presta voce e fattezze al protagonista Arjun Devraj, con un’interpretazione descritta da Housemarque come psicologicamente sfumata. Jane Perry, già voce di Selene in Returnal, torna nel ruolo di Sheridan Bouchard, membro chiave della squadra con un arco narrativo completamente diverso. Shunori Ramanathan interpreta invece Nitya Chandran, altro personaggio centrale del cast.

I sopravvissuti risiedono nel Passage, l’hub centrale del gioco: non sono semplici decorazioni, ma parte integrante della progressione narrativa.

Il gameplay: bullet ballet, scudo e progressione permanente

Il cuore del gameplay è quello che Housemarque definisce bullet ballet: sparatorie in terza persona ad alta intensità, con ondate di proiettili da schivare, assorbire e restituire al mittente. Arjun dispone di alcune abilità fondamentali: lo Soltari Shield, uno scudo difensivo che può bloccare i proiettili e convertirne l’energia in un attacco potenziato tramite il braccio alieno Carcosan Power Weapon, e il Parry, una meccanica di contrattacco che permette, con il tempismo perfetto, di rispedire i proiettili nemici. C’è anche il Second Chance, che rende la prima morte di ogni run non definitiva, con possibilità di disattivarlo per i giocatori più esperti.

Questa è però la grande novità rispetto a Returnal: ogni run non riparte da zero. Le risorse raccolte su Carcosa permettono di potenziare permanentemente il loadout di Arjun tramite l’Armor Matrix, la stazione di upgrade nel Passage. Le armi principali sopravvivono alla morte, abbassando la soglia di frustrazione senza eliminare la sfida. Le armi disponibili si dividono tra tecnologia umana avanzata (come il Soltari Phosphorous Shotgun) e armi Carcosane aliene, più potenti e imprevedibili.

Edizioni, prezzi e data di uscita

Saros è disponibile in due edizioni. La Standard Edition include il gioco base al prezzo di 79,99 euro, con l’armatura bonus Hand of Shore per chi prenota. La Digital Deluxe Edition offre 48 ore di accesso anticipato (dal 28 aprile), tute Enforcer esclusive ispirate a Returnal, God of War e Ghost of Yotei, oltre a un artbook digitale.

Il Creative Director Gregory Louden ha descritto Saros come “l’evoluzione definitiva” di tutto quello che lo studio ha costruito fino ad oggi. Se sei già fan di Returnal, Saros è un acquisto quasi obbligato al day one. Se non hai mai giocato Returnal, potrebbe essere il punto d’ingresso perfetto per scoprire uno degli studi più originali dell’industria videoludica.

Siamo Donne!

Tuttavia non voglio fare uno di quei listoni abusati all’inverosimile dove si citano le donne più badass del mondo videoludico (che tanto alla fin fine si citano sempre quelle ovvero Lara Croft, Jill Valentine, Yuna di Final Fantasy X e via discorrendo), ma di donne badass in un altro modo.

Perché se è vero che il videogioco è il prodotto finito che vediamo noi, c’è da sapere che alla base c’è un lavoro titanico, ma di questo dietro le quinte sappiamo dannatamente poco e quel poco che sappiamo si riduce sempre agli stessi nomi ovvero Hideo Kojima, Shigeru Miyamoto, Ron Gilbert e pochi altri, ma sai che questo mondo è costellato da donne che hanno dato tantissimo al mondo videoludico? Beh se non lo sai eccoti 10 programmatrici che hanno fatto grande il videogioco almeno tanto quanto i loro colleghi maschietti!

Carol Shaw

Carol Shaw è una programmatrice di videogiochi americana nota per il suo lavoro pionieristico nella creazione di videogiochi. Nata nel 1955, Carol Shaw ha studiato matematica alla University of California, Berkeley, dove ha sviluppato un interesse per la programmazione di computer.

Dopo la laurea, trova lavoro come programmatrice presso Atari e qui si cimenta su diversi progetti, tra cui il famoso gioco di avventura Adventure (scusa il gioco di parole) del 1979 il quale è stato uno dei primi giochi per computer a utilizzare grafica bidimensionale.

Tuttavia, il lavoro più notevole di Carol Shaw è stato il gioco River Raid, pubblicato nel 1982 per console Atari 2600. River Raid è stato un grande successo commerciale e ha consacrato Carol Shaw come una delle principali programmatrici di giochi della sua epoca. Il titolo ha anche introdotto molte innovazioni nel design dei videogiochi, tra cui un’interfaccia di gioco a scorrimento laterale e una difficoltà crescente man mano che si avanzava nel gioco.

Dopo il successo di River Raid, Carol Shaw ha continuato a lavorare come programmatrice di videogiochi, ma ha fatto anche incursioni in altre aree della tecnologia. Nel 1984, ha lasciato Atari per unirsi alla società di software Synapse, dove ha lavorato su programmi di grafica e di produttività per computer.

Nel corso degli anni successivi, Carol Shaw ha continuato a lavorare come programmatrice di software, ma si è anche dedicata a molte altre attività, tra cui la fotografia e il giardinaggio. Tuttavia, il suo contributo alla storia dei videogiochi è stato fondamentale, poiché ha introdotto molte innovazioni nel design e ha dimostrato che le donne possono avere un ruolo importante nell’industria videoludica.

Danielle Bunten Berry

Danielle Bunten Berry, conosciuta anche come Dan Bunten, è stata una programmatrice di videogiochi statunitense che ha fatto importanti contributi all’industria negli anni ’80 e ’90.

Nata nel 1949, Dan Berry ha iniziato a programmare videogames per computer nei primi anni ’80. Il suo primo successo è stato il gioco M.U.L.E., pubblicato nel 1983 per la piattaforma Atari 800. M.U.L.E. era un titolo di strategia in cui i giocatori dovevano gestire una colonia su un pianeta alieno, commercializzando le risorse e prendendo decisioni cruciali per il successo del loro insediamento. Il gioco è stato un grande successo commerciale e ha consacrato Dan Berry come una delle principali programmatrici di giochi del suo tempo.

Negli anni successivi, Dan Berry ha continuato a sviluppare giochi innovativi, tra cui Robot Rascals e Heart of Africa, entrambi pubblicati nel 1985. Nel 1988, ha fondato la sua compagnia di giochi, Ozark Softscape, con cui ha sviluppato numerosi titoli, tra cui Command HQ e Global Conquest.

Uno dei maggiori contributi di Dan Berry è stata la sua visione di sviluppare titoli multiplayer online, molto prima che questa fosse una pratica comune. Nel 1990, ha sviluppato il gioco Modem Wars, che consentiva ai giocatori di sfidare altri player tramite una connessione internet. In seguito ha sviluppato The Global Village, una piattaforma di gioco online che consentiva ai giocatori di tutto il mondo di interagire e giocare insieme.

Oltre ai suoi contributi, Dan Berry è stata anche una sostenitrice dell’inclusione delle donne nel campo della tecnologia. Ha scritto numerosi articoli sull’argomento e ha sottolineato l’importanza di creare ambienti di lavoro inclusivi per le donne e le minoranze.

Purtroppo, Dan Berry è deceduta nel 1998 a causa di un cancro al polmone. Tuttavia, il suo impatto sul mondo videoludico è durato nel tempo e il suo lavoro è stato un’ispirazione per molte persone nel settore.

Roberta Williams

Roberta Williams è una programmatrice di videogiochi statunitense nota soprattutto per la sua carriera nella creazione di avventure grafiche. Nata nel 1953, Roberta Williams ha iniziato a programmare titoli per computer con suo marito Ken Williams alla fine degli anni ’70.

Il loro primo successo è stato il gioco Mystery House, pubblicato nel 1980. Mystery House è stata la prima avventura grafica, in cui i giocatori dovevano risolvere enigmi e trovare indizi per progredire nella storia. Il gioco ha lanciato la coppia Williams nell’olimpo dei creatori di titoli di avventura e ha lanciato una nuova era di titoli basati su una trama articolata.

Nel corso degli anni ’80, Roberta Williams ha creato una serie di titoli di grande successo per la loro azienda, Sierra On-Line, tra cui King’s Quest e Space Quest, titoli noti per le loro grafiche particolarmente dettagliate, musiche coinvolgenti e la trame avvincenti, rendendoli di fatto dei classici senza tempo.

Roberta Williams è stata anche una delle prime donne a raggiungere il successo nell’industria dei videogiochi. Ha dimostrato che le donne possono avere un ruolo importante nella loro creazione e ha contribuito a rompere gli stereotipi di genere dell’epoca.

Dopo aver lasciato Sierra On-Line nel 1999, Roberta Williams ha continuato a lavorare nel settore come consulente e ha sviluppato alcuni progetti indipendenti. Nel 2016 è stata introdotta nella Hall of Fame dell’Academy of Interactive Arts & Sciences, in riconoscimento dei suoi contributi alla storia dei videogioco.

Brenda Romero

Brenda Romero, nata Brenda Garno, è una game designer e sviluppatrice di videogiochi americana nota per il suo lavoro nel campo dei giochi di ruolo e di strategia. Nata nel 1966, ha iniziato a lavorare  nei primi anni ’80 e ha sviluppando Train, nel 1983.

Uno dei successi più significativi di Brenda Romero è stato il gioco di ruolo Wizardry, pubblicato nel 1992. Il gioco ha ricevuto un’ampia attenzione per la sua grafica all’avanguardia e per la trama coinvolgente. Brenda Romero ha anche lavorato sulla serie Jagged Alliance, che è stata un altro successo di vendite.
Nel corso della sua carriera, Brenda Romero ha sviluppato e prodotto numerosi giochi, tra cui Dungeons & Dragons: Heroes e Ghost Recon, e ha collaborato con alcune delle più grandi società di gioco al mondo, tra cui Ubisoft e Atari.

Brenda Romero è anche una sostenitrice dell’educazione nei giochi e ha insegnato game design presso la University of New York, la University of California e altre istituzioni accademiche. Nel 2018 ha fondato la Romero Games con suo marito, John Romero (sì, esattamente quel John Romero), con l’obiettivo di creare giochi con una forte narrazione e temi sociali.

Oltre al suo lavoro nell’industria dei giochi, Brenda Romero ha anche fatto campagna per l’inclusione delle donne e delle minoranze nei giochi e ha promosso la diversità attraverso il suo lavoro come mentore per i giovani sviluppatori di giochi.

Jane Jensen

Jane Jensen è una game designer e scrittrice americana conosciuta soprattutto per il suo lavoro nella serie di giochi di avventura Gabriel Knight. Nata nel 1963, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei giochi come scrittrice di script per la serie Police Quest della Sierra On-Line.

Il suo primo grande successo è stato il gioco Gabriel Knight: Sins of the Fathers, pubblicato nel 1993. Il gioco è stato lodato per la sua narrazione coinvolgente e le meccaniche di gioco innovative e ha vinto diversi premi per la sua trama e la sua colonna sonora. Jane Jensen ha poi lavorato su due sequel di Gabriel Knight e altri titoli di avventura di successo come Gray Matter e Moebius.

Jane Jensen è anche una scrittrice di talento e ha pubblicato romanzi e raccolte di racconti. Il suo lavoro si concentra spesso su storie di mistero e di avventura, con una forte attenzione per i dettagli e la caratterizzazione dei personaggi.

Oltre al suo lavoro creativo, Jane Jensen è stata attiva nella comunità degli sviluppatori di giochi. Ha insegnato game design presso l’Università di Southampton e ha fondato la sua casa editrice, Pinkerton Road Studio, che ha prodotto numerosi titoli indipendenti di successo.

Rieko Kodama

Rieko Kodama è una game designer giapponese nota soprattutto per il suo lavoro nella saga di Phantasy Star. Nata nel 1963, ha iniziato la sua carriera nel campo videoludico come graphic designer presso SEGA nel 1984. In seguito, ha lavorato come designer e regista.

Il primo grande successo di Rieko Kodama è stato il gioco Alex Kidd in Miracle World, pubblicato nel 1986. Successivamente, ha lavorato alla serie di RPG Phantasy Star di SEGA, la quale è diventata una delle serie di GDR più famose e influenti degli anni ’80 e ’90.

Rieko Kodama ha anche lavorato su altri giochi di successo, come Magic Knight Rayearth e Eternal Arcadia. Il suo lavoro si concentra spesso sull’importanza della narrazione e sulla caratterizzazione dei personaggi, creando numerosi protagonisti memorabili e trame eccellenti.

Oltre al suo lavoro creativo, Rieko Kodama ha anche svolto un ruolo importante nella promozione della diversità nell’industria dei giochi. È stata una delle poche donne a lavorare come game designer in Giappone negli anni ’80 e ’90, e ha aperto la strada per molte altre donne che volevano entrare nel settore.

Jade Raymond

Jade Raymond è una nota produttrice di videogiochi canadese. Nata nel 1975, ha iniziato la sua carriera come programmatrice presso Sony. Successivamente si è trasferita alla Electronic Arts dove ha lavorato come executive producer per la serie Assassin’s Creed, uno dei franchise di videogiochi più famosi al mondo.

Dopo aver lasciato EA, Jade Raymond ha fondato il suo studio di sviluppo ovvero Motive Studios, con sede a Montreal, in Canada, che ha prodotto giochi come Star Wars Battlefront II e Anthem. In seguito ha lavorato come vicepresidente della divisione dei giochi di Google, dove ha contribuito alla creazione della, ahimè, defunta Stadia.

Jade Raymond ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro nel settore dei videogiochi, tra cui l’inclusione nella lista delle “25 donne più influenti del videogame” di Forbes nel 2018 e la nomina a “Donna dell’anno” di GamesIndustry.biz nel 2009.

Oltre al suo lavoro nell’industria dei videogiochi, Jade Raymond ha anche collaborato con organizzazioni benefiche come Girls Who Code e ha promosso la diversità nell’industria dei videogiochi, sostenendo che l’inclusione di una varietà di punti di vista nella creazione dei giochi può portare a prodotti migliori e più inclusivi.

Amy Hennig

Amy Hennig è una game designer e scrittrice americana nota soprattutto per il suo lavoro nella serie di videogiochi Uncharted e Legacy of Kain. Nata nel 1964, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei videogiochi negli anni ’80 presso la Electronic Arts.

Amy Hennig ha lavorato come scrittrice e designer per diverse aziende, tra cui Crystal Dynamics e Naughty Dog. Il suo lavoro su Legacy of Kain è stato molto apprezzato sopratutto per la trama profonda e coinvolgente. Successivamente, Jade Hennig ha lavorato alla serie di giochi di avventura e azione Uncharted di Naughty Dog il quale ha ricevuto un’ampia acclamazione per la qualità della narrazione e la caratterizzazione dei personaggi, sia dagli addetti ai lavori, ma anche da parte del pubblico.

Amy Hennig ha anche collaborato con LucasArts sulla serie di giochi dedicati a Star Wars e ha creato il gioco di avventura Soul Reaver per Crystal Dynamics. Nel 2014, ha lasciato Naughty Dog per lavorare con Visceral Games sulla creazione di un gioco di Star Wars basato sulla narrazione, tuttavia il titolo è stato cancellato nel 2017.

Amy Hennig ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro nel settore dei videogiochi, tra cui il BAFTA Special Award per il contributo alla narrazione dei giochi nel 2016. Ha anche fatto parte del comitato consultivo dell’Academy of Interactive Arts and Sciences e ha insegnato game design alla USC School of Cinematic Arts.

Robin Hunicke

Robin Hunicke è una game designer americana nota soprattutto per il suo lavoro su giochi innovativi e altamente creativi. Nata nel 1973, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei videogiochi presso Electronic Arts.

Robin Hunicke ha lavorato come designer per diverse aziende, tra cui EA, Thatgamecompany e Funomena. È stata coinvolta nella creazione di giochi particolarmente poetici come Journey, Luna e Wattam. Il suo lavoro su Journey, titolo di avventura in cui i giocatori esplorano un mondo misterioso e interagiscono con altri giocatori in modo non verbale che ti consiglio di recuperare nel caso non l’avessi mai fatto, è stato particolarmente acclamato, vincendo numerosi premi.

Robin Hunicke è anche una sostenitrice attiva dell’innovazione nei giochi e promuove la diversità e l’inclusione nell’industria dei videogiochi. Ha tenuto diverse conferenze sul gioco, inclusi TED Talks e discorsi alla Game Developers Conference, dove ha discusso dei suoi metodi per creare giochi unici e coinvolgenti.

Nel 2012, Robin Hunicke ha co-fondato il fondo di investimento di giochi indipendenti Funomena, che ha lo scopo di aiutare gli sviluppatori di giochi indipendenti a creare titoli innovativi e di alta qualità. Ha anche insegnato game design presso la University of California e la University of Southern California.

Kim Swift

Kim Swift è una game designer americana nota soprattutto per il suo lavoro su puzzle game innovativi come Portal e Quantum Conundrum. Nata nel 1983, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei videogiochi presso la Valve Corporation di Gabe Newell.

Kim Swift ha lavorato come designer per diverse aziende, tra cui Valve, Airtight Games e Amazon Game Studios. È stata coinvolta nella creazione di Portal, puzzle game particolarmente innovativo che se non hai giocato DEVI recuperare a tutti i costi. Successivamente ha lavorato su Quantum Conundrum, altro puzzle game in cui il giocatore deve utilizzare la fisica per risolvere enigmi.

Nel 2014, Kim Swift ha lasciato Airtight Games per unirsi ad Amazon Game Studios, dove ha lavorato su giochi per il dispositivo di realtà virtuale Amazon Echo. Nel 2016 ha lasciato Amazon per unirsi a EA Motive come director per un nuovo titolo non ancora annunciato.

Kim Swift ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro nel settore dei videogiochi, tra cui il premio BAFTA per Portal nel 2008. È anche una sostenitrice attiva dell’inclusione nell’industria dei videogiochi e ha partecipato a diversi seminari sulla diversità nel gioco.

Resident Evil Requiem ha chiuso i suoi titoli di coda con un dettaglio piccolo, silenzioso e devastante per la community. Un gesto. Una mano. Un anello.

In pochi secondi, Capcom ha rimescolato trent’anni di lore, aperto una voragine di domande e scatenato uno dei dibattiti più accesi che il fandom della serie ricordi. Chi ha sposato Leon S. Kennedy? E perché nessuno se n’era accorto prima?

Il momento che ha cambiato tutto

Verso la fine di Resident Evil Requiem, dopo che Leon e Grace liberano Elpis, c’è una scena apparentemente ordinaria. Leon si toglie i guanti. Poi, con un gesto quasi casuale, infila una fede nuziale all’anulare sinistro.

Nessuna spiegazione. Nessun nome. Nessun volto.

Resident Evil Requiem ha nascosto nel suo finale un dettaglio che nessuno si aspettava: Leon S. Kennedy indossa una fede nuziale. Un gesto silenzioso, senza nomi e senza spiegazioni, che ha diviso la community tra chi punta su Ada Wong, chi su Claire Redfield e chi su nomi ben più sorprendenti. Le teorie si moltiplicano e la risposta, per ora, non arriva.

Capcom ha scelto deliberatamente il silenzio, lasciando che fosse il pubblico a costruire la risposta. Una scelta narrativa coraggiosa, o forse calcolata, che ha trasformato un dettaglio da due secondi in un caso editoriale globale.

La community si è spaccata immediatamente. Reddit, X, YouTube, Discord: ovunque la stessa domanda rimbalzava senza trovare risposta.

Ada Wong: la candidata più attesa

Il nome che ricorre più spesso nei thread è quello di Ada Wong.

Dal loro primo incontro in Resident Evil 2, Leon e Ada hanno costruito uno dei rapporti più complessi dell’intera saga. Un intreccio di lealtà, tradimenti, attrazione e scelte impossibili che si è trascinato per anni senza mai risolversi davvero.

Dopo Resident Evil 6, Ada è praticamente scomparsa dalla narrativa principale. Nessuna menzione, nessun cameo, nessuna spiegazione. Quel vuoto narrativo è diventato terreno fertile per ogni tipo di speculazione.

Su Reddit, l’utente Trick_Garlic7084 ha scritto: “Dopo tutto quello che questi due hanno attraversato insieme, deve essere lei. Piangerei se non fosse lei.”

Non tutti la pensano così, però. RamsesOz ha risposto con nettezza: “Sceglierei chiunque tranne Ada. Troppo ripetitivo. Troppo tossico.”

Il punto è esattamente questo: Ada è la risposta più ovvia, e spesso le risposte ovvie in Resident Evil si rivelano trappole.

Claire Redfield: l’ipotesi che regge meglio di quanto sembri

C’è un secondo nome che circola con insistenza, e ha radici più solide di quanto i detrattori ammettano: Claire Redfield.

Il legame tra Leon e Claire nasce anch’esso a Raccoon City, nella notte in cui tutto è crollato. Sono sopravvissuti insieme, hanno protetto Sherry Birkin insieme, e il loro percorso si è incrociato più volte negli anni successivi, incluso il film animato Infinite Darkness.

C’è però un indizio specifico che i fan hanno analizzato nei dettagli. Nei titoli di coda di Requiem viene riprodotta una canzone: una voce maschile e una femminile che cantano di un legame. Molti utenti la leggono come riferimento diretto alla scena dell’anello, con rimandi espliciti all’avventura condivisa nel Dipartimento di Polizia di Rochester.

L’utente DancingOnTheWaves su Reddit ha sintetizzato il sentimento con una certa enfasi: “Che momento per essere vivi, da fan di Leon S. Kennedy e Claire Redfield.”

Il punto debole di questa teoria? Non esistono scene romantiche esplicite tra i due. Il loro è sempre stato un rapporto di fiducia e sopravvivenza. Il salto verso il matrimonio richiederebbe una spiegazione narrativa che il gioco non fornisce.

Gli altri nomi: Sherry, Ashley, Jill

Il dibattito non si esaurisce con Ada e Claire. Altri tre nomi vengono citati regolarmente, con argomentazioni più o meno solide.

Sherry Birkin è forse la più interessante dal punto di vista narrativo. La bambina salvata a Raccoon City è cresciuta, ed è presente in Requiem con un dettaglio che ha fatto impazzire i più attenti: anche lei indossa un anello, anche se non all’anulare. Coincidenza? Rimando simbolico? La maggior parte dei fan tende però a escluderla, sostenendo che il rapporto tra Leon e Sherry abbia sempre avuto una dimensione quasi paterna.

Ashley Graham è il nome meno atteso. La figlia del presidente ha flirtato con Leon in Resident Evil 4, ricevendo in cambio un trattamento piuttosto freddo. Le uniche connessioni che i fan citano sono il firmware dell’orologio e la sportiva guidata da Leon, dettagli che potrebbero legarsi alla famiglia Graham. Nulla di conclusivo.

Jill Valentine viene menzionata raramente, e la ragione è semplice: tra lei e Leon i legami narrativi diretti sono quasi inesistenti. La sua presenza in questo dibattito dice più della disperazione dei fan che di indizi concreti.

Cosa dice la scena: una lettura più fredda

Vale la pena fare un passo indietro e guardare il dettaglio dell’anello senza proiezioni.

Capcom non ha mostrato nessun volto. Non ha nominato nessuna persona. Ha semplicemente mostrato un gesto. Questo può significare due cose molto diverse: o la risposta esiste già nel gioco e richiede una seconda lettura più attenta, oppure la risposta verrà fornita in un secondo momento, probabilmente tramite un’espansione narrativa.

Il director Kōshi Nakanishi aveva già espresso interesse per un capitolo della saga Revelations dedicato a Leon. Se quell’ipotesi si concretizzasse, l’anello di Requiem diventerebbe il punto di partenza perfetto per una storia parallela.

La struttura narrativa del dettaglio è troppo precisa per essere casuale. Capcom sa esattamente quello che sta facendo. Il mistero è una scelta, non una dimenticanza.

Il valore narrativo di una domanda senza risposta

C’è qualcosa di interessante nel modo in cui Resident Evil Requiem gestisce questa rivelazione.

La serie ha sempre alternato momenti di azione pura a elementi di lore più sottili, spesso trascurati dalla narrativa principale. Ma un anello nuziale sul protagonista storico della saga, mostrato nell’ultimo minuto del gioco, è un segnale preciso.

Leon S. Kennedy ha una vita al di fuori delle missioni. Qualcuno lo aspetta. Qualcuno ha scelto di stare accanto a un uomo che vive perennemente sull’orlo dell’apocalisse. Questa sola informazione, indipendentemente dal nome, cambia il peso emotivo del personaggio in modo sostanziale.

Il fandom lo ha percepito immediatamente. E la reazione, caotica e appassionata, dimostra quanto Leon sia ancora un personaggio capace di generare coinvolgimento autentico dopo trent’anni.

FAQ

Chi ha sposato Leon in Resident Evil Requiem? Il gioco non rivela l’identità della moglie di Leon. Nella scena finale, Leon indossa una fede nuziale, ma nessun nome o volto viene associato al gesto. La community specula principalmente su Ada Wong e Claire Redfield.

Cosa significa l’anello di Leon nel finale di Requiem? È un dettaglio narrativo deliberatamente ambiguo inserito da Capcom. Suggerisce che Leon si sia sposato durante gli eventi che precedono o seguono il gioco, ma non fornisce ulteriori informazioni. Molti lo interpretano come il setup per un’espansione o un capitolo successivo.

Ada Wong è la moglie di Leon Kennedy? È l’ipotesi più popolare tra i fan, supportata dalla lunga storia tra i due personaggi. Non ci sono prove esplicite nel gioco che la confermino.

Claire Redfield potrebbe essere la moglie di Leon? Alcuni fan sostengono questa teoria basandosi sulla canzone dei titoli di coda e sul legame storico tra i due personaggi. Non esistono scene romantiche esplicite che la supportino direttamente.

Sherry Birkin porta anche lei un anello in Requiem? Sì, ma non all’anulare sinistro. Il dettaglio è stato notato da diversi fan, ma la maggior parte lo considera una coincidenza piuttosto che un indizio diretto.

Ci sarà un’espansione che spiega il matrimonio di Leon? Non è stato annunciato nulla di ufficiale. Il director Kōshi Nakanishi ha espresso interesse per un possibile Revelations 3 con Leon protagonista, che potrebbe fornire una risposta.

Tu chi pensi che abbia sposato Leon? Ada, Claire, o hai una teoria tutta tua? Scrivilo nei commenti: vogliamo leggere la tua versione. E se vuoi essere il primo a sapere quando usciamo con nuovi approfondimenti sulla saga, seguici su Instagram.

Era il 2012 quando Bioware ha messo sul tavolo il progetto. Oltre tredici anni dopo, quello che rimane è una delle storie più istruttive e dolorose dell’industria videoludica moderna. Non tanto per come è finita, ma per quante volte avrebbe potuto andare diversamente e non è andata.

Questa è la storia di cosa non ha funzionato. E sono tante cose.

Un’idea senza identità

Tutto parte da una premessa ambiziosa e da un problema fondamentale: nessuno sapeva con precisione cosa dovesse essere Anthem.

Nel 2012, terminata la produzione di Mass Effect 3, Casey Hudson presenta ad EA un progetto nuovo. Un titolo completamente online, capace di generare numeri simili a quelli di FIFA. EA accetta, attratta dal modello game as a service, quella categoria di prodotti pensati per generare flussi di entrate costanti nel tempo.

Il progetto si chiama Dylan, come la musica senza tempo. Un nome leggermente ottimista, considerando che a quel punto il gioco non aveva ancora una direzione chiara.

L’unica certezza era l’ambientazione: un action game in cui il giocatore indossa un’armatura futuristica e sopravvive in un mondo alieno. Un concetto visivamente forte, ma ancora vuoto dentro. Che tipo di gioco sarebbe stato? Un MMO? Un looter shooter? Un action con elementi narrativi? Domanda aperta.

E due anni dopo, nel 2014, Hudson lascia il progetto. Anthem rimane orfano nel momento peggiore possibile, prima che qualunque risposta fosse stata trovata.

I cambi di guardia che non hanno aiutato

La direzione creativa passa a Jonathan Warner, ex producer Disney. Un buon professionista, ma chiamato a raccogliere un’eredità che in realtà non esisteva ancora.

Nel frattempo Dragon Age: Inquisition esce con ottimi risultati. Il morale interno è alto. Parte del team di quell’RPG si unisce al progetto Anthem, convinti di trovare una base solida su cui costruire. Trovano quasi niente.

L’idea gameplay esisteva appena sulla carta: tute spaziali ispirate alla NASA, raccolta risorse, eventi catastrofici casuali che spezzano la routine. Uno scheletro. Dal team di Dragon Age arriva anche il narrative designer David Gaider, ma la sua permanenza dura meno di un anno. Il suo stile di scrittura non viene apprezzato dalla direzione, la componente sci-fi viene ritenuta troppo simile ad altri titoli in sviluppo e Gaider se ne va. La storia entra in un ciclo infinito di cancellazioni e riscritture che non si fermerà più.

Il Frostbite Engine: la scelta sbagliata imposta dall’alto

Mentre il progetto cercava un’identità narrativa, dall’esterno arrivava un’altra decisione che avrebbe complicato tutto: l’obbligo di usare il Frostbite Engine.

Il motore grafico proprietario di EA, sviluppato da DICE per Battlefield, era pensato per sparatutto in prima persona. Non per un action in terza persona esclusivamente online. Adottarlo su Anthem ha significato buttare i prototipi delle fasi iniziali, tagliare gli elementi dinamici del paesaggio e trascorrere mesi interi solo a fixare il codice per fare girare qualcosa che quel motore non era progettato per fare.

A peggiorare le cose, gli esperti di Frostbite presenti in Bioware vengono riassegnati a FIFA per supportare la migrazione tecnica del franchise. Una scelta che lascia il team senza le risorse tecniche necessarie proprio nel momento in cui ne avrebbe avuto più bisogno.

Il sistema di volo: bellissimo e problematico allo stesso tempo

Il volo era la meccanica più spettacolare di Anthem. Probabilmente una delle migliori implementazioni di quella sensazione Iron Man che un videogioco abbia mai prodotto. E proprio per questo, è stata anche una delle fonti di tensione più costanti durante lo sviluppo.

Volare significa muoversi veloce. Veloce significa che il mondo di gioco deve reggere quantità enormi di contenuti sia in orizzontale che in verticale. Le arene di combattimento non possono funzionare con le coperture tradizionali. I nemici devono avere intelligenza artificiale capace di gestire attacchi dall’alto. L’intera architettura di gioco cambia.

Risultato: il volo viene rimosso, reintegrato, rimosso di nuovo, reintegrato ancora. Nessuno vuole prendersi la responsabilità di una decisione finale. Quella meccanica che avrebbe potuto essere il cuore di Anthem diventa invece una fonte continua di instabilità produttiva.

La demo dell’E3 2017 e il punto di non ritorno

Nel giugno 2017, dopo anni di sviluppo caotico, Anthem si presenta al mondo con uno dei trailer più impressionanti di quella tornata E3. Sette minuti che sembravano promettere tutto.

Il problema è che quello che il pubblico stava guardando non era reale. Nemmeno chi aveva messo le mani sul codice sapeva davvero dove stesse andando il progetto. Dentro al team circolava una domanda: come costruiamo quello che abbiamo appena mostrato?

In un certo senso quella demo è stata necessaria. Ha dato al progetto un obiettivo tangibile, qualcosa di visibile da raggiungere. Ma ha anche fissato aspettative impossibili da soddisfare con i tempi e le risorse disponibili.

La guerra civile interna tra Edmonton e Austin

Nella fase produttiva successiva al reveal, Bioware Edmonton viene affiancata da Bioware Austin. Due studi, due culture, nessuna comunicazione vera.

Edmonton si occupa della direzione creativa, Austin della produzione. Sulla carta ha senso. Nella pratica genera una frattura profonda. La sfiducia reciproca trasforma la collaborazione in una fonte di tensione quotidiana. Le figure chiave iniziano ad abbandonare il progetto una dopo l’altra. Lo scrittore Drew Karpyshyn entra nel team, lavora meno di un anno, se ne va dopo una carriera decennale in Bioware.

Nei titoli di coda di Anthem compaiono numerosi nomi di persone che avevano già lasciato il progetto da tempo.

La Bioware Magic: quando la fede nel metodo sostituisce il metodo

Con 16 mesi alla scadenza, Mark Darrah viene nominato executive producer. È lui a dare una struttura al caos: quello che funziona resta, quello che non funziona si elimina, quello che è iniziato va portato fino in fondo.

Ma il team entra in crunch pesante. Straordinari prolungati, pressione costante, deadline fissa. In quel clima si consolida una convinzione radicata in Bioware: la cosiddetta Bioware Magic. L’idea che, nonostante tutto, le cose si sistemino negli ultimi mesi di sviluppo. Era già successo con Mass Effect, con Dragon Age Origins, con Inquisition. Sarebbe successo anche questa volta.

Questa convinzione diventa pericolosa quando sostituisce la pianificazione. I problemi di bilanciamento vengono rimandati. L’end game viene lasciato incompleto. Tanto è un live service: si sistema dopo il lancio.

Il lancio, i numeri e il 59 su Metacritic

Il 22 febbraio 2019 Anthem arriva sugli scaffali. Sette anni di sviluppo si cristallizzano in un punteggio Metacritic di 59. Il più basso nella storia di Bioware.

La critica e i giocatori concordano su alcuni punti positivi: il sistema di volo è spettacolare, le animazioni sono di qualità. Ma il gameplay è ripetitivo, il sistema di ricompense è sbilanciato, l’end game è quasi inesistente. E su una cosa in particolare Anthem non riesce a distinguersi: le due firme storiche di Bioware, la componente ruolistica e la narrazione guidata dai personaggi. Due assenze pesantissime per uno studio che si definisce specializzato esattamente in quelle cose.

Titoli come Destiny, The Division e Warframe avevano già fissato uno standard preciso per i looter shooter. Arrivare dopo, con un prodotto incompleto, ha reso la rimonta quasi impossibile.

Anthem Next e la seconda morte

Dopo il lancio, la gestione del live service passa a Bioware Austin. Il team texano conosce i titoli online, integra i feedback, migliora l’end game, risolve i bug più evidenti. Ma è una squadra troppo piccola per sostenere il peso di un progetto così compromesso. Il resto dello staff viene spostato su Dragon Age 4.

Nel 2020, in occasione del primo anniversario, viene annunciato Anthem Next: un rework completo, una seconda possibilità. Per qualche mese sembrava possibile. Screenshot, aggiornamenti, prove visive di un’interfaccia rinnovata simile a quella di Destiny 2.

Poi il silenzio.

A febbraio 2021 Bioware annuncia che lo sviluppo di Anthem Next è definitivamente interrotto. Il gioco muore per la seconda volta. In molti si aspettavano una storia di redenzione, una rinascita dopo un avvio disastroso. Non è arrivata.

A luglio 2025, EA decide di chiudere i server.

Un problema più grande di Anthem

La chiusura dei server di Anthem non è solo la fine di un gioco. È il punto in cui la storia smette di riguardare Bioware e inizia a riguardare tutti.

Anthem era un titolo always online. Anche giocando in solitaria, ogni azione passava dai server di EA. Non esiste modalità offline, non esiste un fallback. Senza server, il gioco non funziona. Chi lo ha comprato, anche a prezzo pieno, ha acquistato un accesso a tempo determinato senza saperlo.

Non è come un abbonamento Netflix, dove il patto è trasparente: paghi, accedi, smetti di pagare, smetti di accedere. Anthem veniva venduto come prodotto. Una copia da mettere sullo scaffale. Un acquisto singolo. E poi qualcuno ha deciso che non conveniva più tenerlo in vita.

Esistono iniziative come Stop Killing Games, un movimento nato per tutelare i titoli online che cessano di funzionare al termine del supporto del publisher. La domanda che pongono è precisa: è sbagliato pretendere che un gioco online duri per sempre, o è sbagliato vendere un servizio con data di scadenza come se fosse un prodotto?

Non c’è una risposta semplice. Mantenere un’infrastruttura online ha un costo reale. Ma il confine tra prodotto e servizio conta, e in questo caso è stato ignorato.

Quello che rimane

Anthem era uno splendido bambino nato da genitori sbagliati. Questa frase riassume meglio di qualunque analisi tecnica quello che il gioco è stato.

C’era qualcosa dentro: il sistema di volo era genuinamente straordinario, il mondo aveva fascino, l’idea di fondo non era sbagliata. Ma la visione è cambiata troppe volte, le decisioni sono state rimandate troppo a lungo, le pressioni esterne hanno schiacciato uno studio che non aveva gli strumenti per reggere tutto questo.

L’ultima sera in cui i server erano ancora attivi, il subreddit di Anthem era pieno di persone che giocavano per l’ultima volta. Qualcuno cercava il platino. Qualcuno postava la prima missione che aveva fatto anni prima. Qualcuno semplicemente volava.

Per qualche ora Anthem era tornato a essere vivo.

Tu cosa ricordi di Anthem? Hai giocato al lancio, o lo hai recuperato dopo? Raccontacelo nei commenti, ci fa piacere leggere le vostre esperienze dirette. E se vuoi restare aggiornato su tutto quello che succede nel mondo del gaming, seguici su Instagram.

Marathon di Bungie è entrato in questa fase. Il titolo è ora disponibile su Steam, PlayStation 5 e Xbox Series X|S, con un lancio globale simultaneo che ha eliminato i soliti giochi di fuso orario.

Il concept è chiaro fin dall’inizio: sei un mercenario cibernetico su Tau Ceti, un pianeta colonizzato che custodisce segreti e risorse contese. Muori. Rinasci. Torni. E ogni volta porti con te qualcosa di nuovo.

Il trailer cinematico di lancio accompagna questa filosofia con una colonna sonora originale firmata Ryan Lott & Son Lux, con testo e voce di Poppy. Il brano si chiama “In Death We’ve Just Begun” ed è già disponibile sulle principali piattaforme di streaming. La colonna sonora completa è uscita il 6 marzo 2025.

Cosa c’è nel gioco al day one

Se hai partecipato al Server Slam la fase di beta aperta che ha preceduto il lancio sappi che la versione finale è un prodotto sostanzialmente diverso.

Non è un aggiornamento: è un redownload completo.

Il build di lancio include elementi che nella fase di test erano completamente assenti. Per un quadro esaustivo di tutto quello che Bungie ha preparato per l’uscita, ti invitiamo a leggere il nostro speciale: Tutti i contenuti al lancio del nuovo sparatutto di Bungie è il punto di partenza più completo. In sintesi, dal primo accesso trovi:

• Sei fazioni, inclusa Sekiguchi Genetics, con progressione completa tramite contratti
• Sei Runner shell di lancio, tra cui Thief, il personaggio più atteso dai giocatori competitivi
• Tre zone esplorabili, con Outpost che si sblocca il giorno successivo al lancio
• 28 armi con sistema di mod, impianti e core per costruire build personalizzate
• Cosmetici guadagnabili, achievement e storytelling attraverso il Codex

Outpost richiede di raggiungere il Runner Level 12 prima di potervi accedere. Non è una limitazione casuale: Bungie ha scelto deliberatamente di dare alla community il tempo di equipaggiarsi prima di buttarsi in una delle zone più pericolose del gioco.

Il calendario dei contenuti: cosa arriva e quando

Marathon non arriva tutto in una volta. La struttura a stagioni è parte integrante del design del gioco.

Outpost e le prime 48 ore

Outpost apre il giorno dopo il lancio. Chi arriva preparato con buon equipaggiamento e livello adeguato potrà entrarci tra i primi. Chi invece preferisce consolidare le basi avrà comunque modo di farlo senza fretta.

Ranked e Cryo Archive: seconda metà di marzo

La modalità Ranked arriva nella seconda metà di marzo. Stessa finestra temporale per Cryo Archive, che si attiva nel momento in cui i giocatori sbloccano l’accesso orbitale un gate narrativo che lega il progresso al mondo di gioco.

Cross-play e cross-save attivi

Marathon supporta cross-play completo tra PC, PS5 e Xbox Series X|S. Il cross-save permette di portare il proprio account e la propria progressione da una piattaforma all’altra senza perdere nulla. Su console è richiesto un abbonamento online attivo.

I premi del Server Slam: come e quando arrivano

Se hai giocato durante la fase di test, Bungie non ti ha dimenticato.

Se vuoi rileggere tutto quello che è successo in quella finestra, Marathon Open Beta parte oggi: orario, Server Slam e cosa devi sapere prima di entrare copre ogni dettaglio di quel periodo. I cosmetici guadagnati nel Server Slam e gli Arrival Cache vengono distribuiti nel corso del primo giorno di lancio, direttamente nella casella di posta in-game. I tempi di consegna possono variare: se al login non vedi ancora nulla, aspetta qualche ora prima di preoccuparti.

Attenzione alla scadenza: i premi vanno riscattati entro la fine della Stagione 1. Chi non effettua l’accesso entro quella data perde definitivamente le ricompense guadagnate.

Per i Twitch Drops ottenuti guardando gli stream durante il Server Slam: vengono accreditati al profilo Bungie.net e consegnati in-game al lancio. Il Twitch Sponsored Kit può richiedere fino a 48 ore e va riscattato entro il 31 marzo.

Twitch Drops al lancio: sei ricompense, quattro ore di streaming

Marathon e Twitch proseguono la loro collaborazione anche nella fase post-lancio.

Come funziona: collega il tuo account Bungie.net a Twitch, guarda stream con i Drops attivi nella directory ufficiale del gioco, poi riscatta manualmente ogni ricompensa dall’inventario Twitch prima di accedere al gioco.

La finestra attiva va dal 5 marzo alle 19:00 italiane al 9 marzo alle 19:00 italiane. Le sei ricompense disponibili seguono una progressione basata sul tempo di visione:

Il 14 marzo si terrà anche il Tau Ceti Cup, un evento con team di creator che si sfidano per il titolo di migliori Runner del pianeta. Nuovi Drops disponibili anche in quella occasione.

I charm esclusivi per piattaforma

Ogni piattaforma porta con sé un piccolo bonus estetico riservato ai propri giocatori.

Su Steam il charm Crowbar viene assegnato automaticamente al primo accesso.

Su Xbox i charm Emerald Clutch ed Emerald Catch arrivano allo stesso modo, senza azioni aggiuntive.

Su PlayStation la situazione è leggermente diversa: i tre charm esclusivi (For Freedom, Battle Guitar, Onryō) vanno recuperati manualmente dal PlayStation Store, dove sono disponibili dal giorno del lancio.

Come funzionano le stagioni in Marathon

Marathon è strutturato attorno a un modello a stagioni. La Stagione 1 è già attiva dal lancio e porta con sé contenuti, progressione e la narrativa iniziale del mondo di Tau Ceti.

Il reset stagionale è una scelta di design precisa, non una concessione al modello live service. Se vuoi capire perché Bungie ha puntato su questa struttura e cosa significa in pratica per chi gioca, Marathon resetta tutto ogni tre mesi. E sai una cosa? Ha perfettamente senso analizza il ragionamento dietro quella scelta.

Bungie ha già condiviso alcune anticipazioni su cosa arriverà con la Stagione 2, senza però svelare i dettagli completi. Il ritmo dei contenuti, la gestione delle ricompense stagionali e la cadenza degli aggiornamenti faranno parte della conversazione che il team intraprenderà con la community nei prossimi mesi.

Problemi tecnici, code e assistenza

I lanci di giochi live service portano quasi sempre con sé qualche attrito nelle prime ore.

Bungie lo sa e ha predisposto canali di monitoraggio attivi: BungieServerStatus su Twitter e Bluesky aggiorna in tempo reale lo stato dei server, mentre il Discord ufficiale è il punto di riferimento per aggiornamenti rapidi e supporto dalla community.

Per problemi specifici errori di account linking, mancata ricezione di premi, crash il Marathon Help Center sul sito ufficiale è il posto giusto da cui partire.

FAQ

Marathon è free-to-play? Sì, Marathon è un gioco free-to-play con acquisti cosmetici opzionali. Non sono presenti meccaniche pay-to-win.

Posso giocare Marathon su PC con un controller? Sì, la versione Steam supporta il gamepad. Il gioco gestisce nativamente l’input da controller su tutte le piattaforme.

Cosa succede se non raggiungo il Runner Level 12 in tempo per Outpost? Outpost non ha una finestra temporale limitata: resta accessibile anche dopo il primo giorno. Il livello 12 resta comunque il requisito d’accesso permanente.

Marathon ha una modalità solo PvE? No. Marathon è un extraction shooter con interazioni PvP integrate nel mondo di gioco. L’esperienza PvE pura non è prevista nel design attuale.

Quanto spazio occupa Marathon? Bungie non ha comunicato una dimensione ufficiale definitiva. Controlla la tua piattaforma di riferimento per i requisiti aggiornati.

La progressione del Server Slam viene trasferita nel gioco completo? No. La progressione della fase beta non viene trasferita. Solo i cosmetici guadagnati come ricompense vengono consegnati in-game.

Hai già fatto il tuo primo run su Tau Ceti? Raccontaci come è andata nei commenti: zona scelta, Runner shell, prima morte inevitabile. Vogliamo sapere tutto.

E se vuoi restare aggiornato su Marathon e su tutto il mondo dei giochi live service, seguici su Insthttps://www.instagram.com/icrewplaycomagram usciamo ogni giorno con news, guide e contenuti che non trovi altrove.

Ora e ufficiale. Assassin’s Creed: Black Flag Resynched esiste, Ubisoft lo ha confermato con un post sul proprio blog, e con lui e arrivata anche la prima immagine ufficiale del progetto.

Non e un semplice remaster. E un remake. E il capitolo che molti considerano ancora oggi il miglior Assassin’s Creed di sempre.

Ubisoft conferma Resynched: cosa sappiamo ufficialmente

Il post pubblicato sul blog ufficiale Ubisoft non lascia spazio a interpretazioni. Il titolo completo del progetto e Assassin’s Creed: Black Flag Resynched, e insieme alla conferma e arrivato il primo artwork ufficiale.

L’immagine mostra Edward Kenway a bordo di una nave pirata, con il logo e il titolo del remake in bella vista. Niente di estremamente dettagliato sul piano tecnico, ma sufficiente per capire la direzione estetica e confermare che il progetto e in sviluppo attivo.

Il comunicato stesso gioca con il tono della saga. Ubisoft ha citato direttamente il credo degli Assassini: “Niente e vero. Tutto e lecito.” Aggiungendo poi, con una punta di ironia, che in questo caso specifico qualcosa di vero c’e eccome. Un modo per strizzare l’occhio ai fan e ammettere implicitamente che le voci erano fondate.

Data di uscita e piattaforme: cosa c’e e cosa manca ancora

Ubisoft non ha comunicato una data di uscita ufficiale. Il post e volutamente scarno di dettagli, pensato piu come annuncio di esistenza che come presentazione completa del prodotto.

Le informazioni confermate fino ad ora:

• Titolo: Assassin’s Creed: Black Flag Resynched
• Data di uscita: non ancora annunciata
• Piattaforme: non ancora confermate ufficialmente, ma PS5, Xbox Series X/S e PC sono le destinazioni piu probabili

Alcune indiscrezioni circolate nelle ultime settimane suggeriscono pero che Resynched potrebbe arrivare gia nel corso del 2025. Nulla di confermato, ma la tempistica dell’annuncio, arrivato senza preavviso e con un tono che invita a “tenere il binocolo puntato verso l’orizzonte”, fa pensare che ulteriori dettagli siano dietro l’angolo.

Cosa potrebbe cambiare rispetto all’originale del 2013

L’originale Assassin’s Creed 4: Black Flag uscì nel 2013 e rimane uno dei titoli piu amati dell’intera saga. Merito di una formula che mescolava l’esplorazione dei Caraibi, il combattimento navale, la narrativa piratesca di Edward Kenway e una colonna sonora entrata nella memoria collettiva dei giocatori.

Ubisoft non ha ancora parlato di cosa cambiera nel remake. Ma le indiscrezioni dei mesi scorsi, alcune delle quali sembravano piuttosto circostanziate, parlavano di:

• Grafica completamente rifatta, con modelli dei personaggi molto piu dettagliati
• Animazioni dinamiche rinnovate rispetto all’originale
• Condizioni meteorologiche dinamiche che influenzano mare e navigazione
• Design ridisegnato su piu fronti, pur mantenendo l’identita del titolo originale

Nessuna di queste informazioni e stata confermata da Ubisoft. Restano nel territorio delle voci, per quanto insistenti e provenienti da fonti che in passato si sono rivelate attendibili.

Un elemento che aveva alimentato ulteriormente le speculazioni era la comparsa di una statuetta di Edward Kenway su un sito di rivendita, apparentemente legata al remake. Un dettaglio che all’epoca aveva fatto rumore, anche se non proveniva da canali ufficiali.

Il contesto: cos’altro sta succedendo nell’universo Assassin’s Creed

La conferma di Resynched non arriva da sola. Il post di Ubisoft contiene anche aggiornamenti su altri progetti della saga, che vale la pena conoscere per capire dove sta andando il franchise.

Assassin’s Creed Shadows sta entrando nella fase finale del suo ciclo post-lancio. Ubisoft ha chiarito che da questo momento in avanti gli aggiornamenti saranno meno frequenti e di entita minore. Ha pero lasciato aperta la porta a qualche sorpresa, senza specificare di cosa si tratti.

Assassin’s Creed Witch e descritto come un progetto con ambizioni importanti, attualmente in sviluppo parallelo ad altri titoli. I tempi di attesa, stando alle parole di Ubisoft, saranno lunghi. Nessuna finestra temporale e stata indicata.

Assassin’s Creed Unity ha ricevuto una patch che porta il gioco a girare a 60 fps stabili. Una notizia che ha sorpreso molti, considerando l’eta del titolo e la sua storia travagliata al lancio.

Perche Black Flag e ancora il capitolo piu amato della saga

Dodici anni dopo la sua uscita originale, Black Flag conserva un posto speciale nella memoria dei giocatori. Non solo per la qualita del prodotto in se, ma per quello che rappresentava all’epoca: un capitolo che aveva osato fare qualcosa di diverso, mettendo la pirateria e la navigazione al centro dell’esperienza invece di relegarle a sottotrama.

Edward Kenway era un protagonista fuori dagli schemi. Non un assassino per vocazione, non un eroe in cerca di redenzione. Un contrabbandiere opportunista trascinato in qualcosa di piu grande, con una caratterizzazione che ancora oggi regge il confronto con i protagonisti dei capitoli piu recenti.

Il combattimento navale, le battaglie tra galeoni nel mezzo di tempeste tropicali, le canzoni dei pirati cantate dall’equipaggio: erano dettagli che costruivano un’atmosfera difficile da replicare. Resynched ha il compito di preservarla, non di stravolgere.

Cosa aspettarsi nei prossimi mesi

L’annuncio di oggi e un primo passo, volutamente cauto. Ubisoft ha confermato l’esistenza del remake senza scoprire le carte su tempistiche, dettagli tecnici o piattaforme. Una strategia che suggerisce una comunicazione progressiva nelle settimane e nei mesi a venire.

Con le principali fiere di settore all’orizzonte, e ragionevole attendersi una presentazione piu completa di Resynched nel corso del 2025. Trailer di gameplay, dettagli sulle piattaforme e molto probabilmente una finestra di lancio piu precisa.

Per chi ha giocato Black Flag nel 2013 e per chi non lo ha mai vissuto, il momento di tornare sui Caraibi si sta avvicinando.

FAQ

Assassin’s Creed Black Flag Resynched e un remake o un remaster? Ubisoft lo ha definito implicitamente un remake, non un semplice remaster. Le indiscrezioni parlano di grafica, animazioni e sistemi completamente rifatti, non di un semplice aggiornamento tecnico dell’originale.

Su quali piattaforme uscira Assassin’s Creed Black Flag Resynched? Non ancora confermato ufficialmente. PS5, Xbox Series X/S e PC sono le piattaforme piu probabili, ma Ubisoft non ha ancora comunicato nulla in merito.

Quando esce Assassin’s Creed Black Flag Resynched? La data di uscita non e stata annunciata. Alcune indiscrezioni indicano un possibile lancio nel corso del 2025, ma si tratta di voci non confermate.

L’originale Assassin’s Creed 4 Black Flag restera disponibile dopo il remake? Non ci sono indicazioni che il titolo originale verra rimosso dalle piattaforme. I due prodotti dovrebbero coesistere.

Assassin’s Creed Witch e collegato a Black Flag Resynched? Sono due progetti separati. Witch e un nuovo capitolo in sviluppo con tempistiche molto piu lunghe. Resynched e il remake di un titolo gia esistente.

Tu eri tra quelli che aspettavano questo annuncio, o preferiresti un capitolo completamente nuovo? Scrivilo nei commenti: ci interessa sapere quanto Black Flag conti ancora per chi segue la saga da anni.

Se vuoi essere tra i primi a sapere quando arrivano trailer, date e dettagli su Resynched, seguici su Instagram: ogni giorno aggiornamenti su tutto il mondo videoludico.

Ma la domanda è semplice: è davvero il miglior Nioh di sempre?

Nioh 3 cresce anche nei numeri

Il successo commerciale parla chiaro: Nioh 3 ha superato 1 milione di copie in tempi record, diventando il capitolo più veloce della serie in termini di vendite. Se vuoi approfondire i numeri e il confronto con i capitoli precedenti puoi leggere qui:

• Nioh 3 supera 1 milione di copie: è il capitolo più veloce della serie

Un risultato che dimostra quanto la fanbase fosse pronta per un ritorno in grande stile.

Semi open world: evoluzione o compromesso?

La struttura cambia radicalmente rispetto ai primi due capitoli.

Non abbiamo più solo missioni lineari selezionabili da mappa, ma grandi hub esplorabili con:

• Zone a completamento percentuale
• Side quest chiamate “Myth”
• Lesser Crucibles (mini-arene)
• Crucibles principali (i dungeon classici in stile Nioh)

L’esplorazione è più libera ma resta strutturata. Non siamo davanti a un open world puro: è una mappa a settori con checklist evidenti.

Chi ama il completismo si troverà a casa. Chi preferisce ritmo serrato potrebbe percepire un rallentamento.

Style Shift: Samurai vs Ninja

La novità centrale è il sistema di cambio stile.

Samurai

• Combattimento più tecnico
• Stance sbloccabili
• Key Pulse completo
• Maggiore controllo diretto

Ninja

• Movimento più rapido
• Accesso a Ninjutsu
• Maggiore pressione mid-range
• Niente Key Pulse classico

All’inizio sembra una funzione cosmetica. Dopo diverse ore diventa una parte strategica del gameplay.

Il problema? Devi gestire due set completi di equipaggiamento separati.

Il sistema di loot è ancora più complesso

Se hai giocato Nioh 2 sai già che il loot è invasivo. In Nioh 3 la gestione raddoppia:

• Equip Samurai
• Equip Ninja
• Soul Core
• Guardian Spirit
• Blacksmith potenziabile
• Clan bonus
• Reputazione
• Titoli

La profondità è enorme. L’accessibilità meno.

Non a caso molti giocatori stanno cercando consigli per le prime ore, perché Nioh 3 non perdona chi entra impreparato. Se sei all’inizio ti consiglio questo approfondimento:

• Nioh 3 non perdona: come sopravvivere alle prime ore senza farti demolire

Combat system: ancora il punto di forza assoluto

Qui Team Ninja resta su livelli altissimi.

Il sistema include:

• Burst Counter
• Spirit Skills
• Living Artifact (fusione tra Yokai Shift e Living Weapon)
• Gestione stamina differenziata tra umani e Yokai
• Grapple su stamina break

Il feeling è ancora una volta tecnico e punitivo. La differenza la fa la build.

Il passaggio tra Samurai e Ninja rende il combattimento più dinamico, soprattutto nei boss fight più complessi.

Boss fight: qualità altissima, ma troppi riutilizzi

Uno dei limiti più evidenti è il riuso di boss già visti in passato.

Alcuni scontri sono memorabili. Altri sembrano variazioni minime.

Se vuoi un confronto più diretto sulla qualità generale puoi leggere anche la recensione PS5 pubblicata sul sito:

• Nioh 3, recensione (PlayStation 5)

La valutazione è positiva, ma evidenzia proprio questo aspetto.

Sistema magico rivisto

La magia ora passa dai Soul Core.

Questo significa:

• Incantesimi meno abusabili
• Build meno sbilanciate
• Maggiore dipendenza da drop

È una scelta che rende il sistema più controllato, ma anche meno immediato rispetto a Nioh 2.

New Game Plus: solo l’inizio

Il primo NG+ introduce:

• Nuovo tier di equip
• Nemici più aggressivi
• Build più raffinate
• Scaling più severo

Storicamente Nioh cambia completamente con i DLC. E considerando che Team Ninja sta già valutando ulteriori sviluppi futuri, come riportato qui:

• Nioh 3, Team Ninja sta valutando lo sviluppo

È lecito aspettarsi ulteriori evoluzioni nel meta endgame.

Performance tecnica

Su PS5:

• Ottima stabilità
• Tempi di caricamento ridotti
• Frame rate solido

Su PC:

• Buone performance generali
• Patch correttive post-lancio

Steam Deck:

• Prestazioni insufficienti
• Non consigliato per un action tecnico come questo

Cosa funziona davvero

• Combat system tra i migliori nel panorama action
• Style Shift più profondo del previsto
• Progressione ricchissima
• Personalizzazione ampia

Cosa convince meno

• Gestione equip eccessivamente complessa
• Riutilizzo boss
• Open world non rivoluzionario
• Prezzo elevato

Vale il prezzo pieno?

Se ami la serie, sì.

Se sei nuovo, preparati a una curva di apprendimento ripida.

Non è un titolo pensato per essere immediato. È pensato per essere padroneggiato.

Nioh 3 non è una rivoluzione totale. È un’evoluzione ambiziosa che rafforza ciò che la serie sa fare meglio: combattimento tecnico e profondità di build.

Hai già completato Nioh 3?
Ti sta convincendo lo Style Shift o preferivi il sistema classico?

Scrivicelo nei commenti e raccontaci la tua build.
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È una previsione? Una provocazione? O un modo per ricordare che l’industria cambia più in fretta di quanto i nostalgici vorrebbero?

Proviamo a mettere ordine.

Le parole di Seamus Blackley: “Xbox verso un lento addio”?

Blackley ha commentato la recente nomina di Asha Sharma alla guida della divisione Xbox con una metafora brutale: non un rilancio, ma una gestione “palliativa”.

La sua tesi è semplice. Microsoft sta investendo enormemente nell’IA generativa. Se l’azienda vede il futuro nel cloud e negli algoritmi, tutto ciò che non rientra nel core business dell’intelligenza artificiale rischia di diventare secondario. E in questa visione, Xbox sarebbe un ramo non più centrale.

Un’accusa indiretta anche alla leadership di Satya Nadella, descritta come orientata quasi esclusivamente all’innovazione AI.

Parole forti. Ma le parole non sono fatti.

Microsoft punta sull’IA: Xbox è davvero fuori strategia?

Microsoft sta investendo miliardi nell’intelligenza artificiale. Questo è oggettivo. Azure, Copilot, partnership strategiche: l’IA è centrale.

Ma attenzione a un errore logico. Pensare che IA e gaming siano mondi separati è una visione miope. Il cloud gaming, l’ottimizzazione delle prestazioni, la generazione procedurale di contenuti, l’analisi dei dati dei giocatori: tutto questo vive nell’intersezione tra tecnologia e intrattenimento.

Xbox non è più solo una console. È un ecosistema che comprende Game Pass, servizi cloud, PC e integrazioni multipiattaforma.

Xbox non è più soltanto una console, ma un servizio che vive di aggiornamenti continui e rotazione costante del catalogo. Proprio per capire quanto sia centrale questa strategia basta guardare agli ultimi movimenti del servizio in abbonamento, con nuovi ingressi e addii che ridefiniscono ogni mese il valore percepito della piattaforma. Se vuoi un quadro completo dell’attuale situazione, qui trovi tutti i nuovi giochi e quelli che lasciano il catalogo di Xbox Game Pass a febbraio 2026: https://www.icrewplay.com/xbox-game-pass-febbraio-2026-giochi/

Se Microsoft guarda al futuro, potrebbe non abbandonare Xbox. Potrebbe ridefinirla.

GOG e il grido d’allarme sulla preservazione dei videogiochi

Mentre si discute del futuro, un’altra questione emerge: il passato.

La piattaforma GOG ha lanciato un appello chiaro. I videogiochi rischiano di scomparire. Non metaforicamente. Tecnicamente.

Sistemi operativi obsoleti, licenze scadute, codici sorgente perduti. Senza interventi attivi, molti titoli diventano ingiocabili. La preservazione videoludica non è automatica. Richiede investimenti, adattamenti tecnici, lavoro legale.

GOG propone versioni DRM free e compatibili con hardware moderno, ma sottolinea un punto cruciale: senza il supporto economico dei giocatori, il modello non regge.

Qui c’è un paradosso affascinante. L’industria corre verso l’IA e il cloud, mentre il patrimonio culturale rischia di sgretolarsi. Il gaming è giovane, ma la sua memoria è fragile.

Ubisoft riorganizza Assassin’s Creed: ritorno alle radici?

In mezzo a queste turbolenze, Ubisoft ha annunciato un nuovo team dirigenziale per il franchise Assassin’s Creed IV: Black Flag e l’intera saga di Assassin’s Creed.

Figure storiche come Jean Guesdon tornano in ruoli chiave. L’obiettivo dichiarato è guidare il brand in una nuova fase strategica.

Dopo anni di critiche su formule ripetitive e saturazione del mercato, Ubisoft sembra voler affidare il timone a chi conosce davvero l’identità della serie.

Qui c’è un segnale interessante. Mentre Microsoft guarda avanti con l’IA, Ubisoft guarda indietro per rafforzare le fondamenta. Due strategie opposte, entrambe razionali.

Helldivers 2 e il fallimento di Cyberstan: quando la community perde

Nel frattempo, il campo di battaglia digitale non aspetta nessuno. In Helldivers 2, l’offensiva su Cyberstan si è conclusa con una disfatta clamorosa: 200 milioni di morti virtuali.

Evento comunitario fallito. Conseguenze narrative attivate. Escalation del conflitto in arrivo.

Questo è un esempio brillante di design emergente: il fallimento dei giocatori modifica il mondo di gioco. Non è solo marketing. È dinamica sistemica. È il medium che evolve.

Xbox sta morendo o sta mutando?

La verità raramente è binaria.

Dire che Xbox sta per finire è una narrativa potente, ma ignora i dati strutturali. Microsoft continua a investire in acquisizioni, servizi e integrazione cross-platform.

Al tempo stesso, l’industria sta cambiando pelle. Console tradizionali, cloud gaming, IA generativa, preservazione storica: sono forze che convivono e si scontrano.

La domanda non è se Xbox morirà. La domanda è: quale forma avrà tra dieci anni?

La storia del gaming è fatta di cicli. Atari sembrava eterna. Sega sembrava invincibile. Eppure il mercato si trasforma.

Il punto interessante non è la fine. È la metamorfosi.

Se il dibattito sul futuro della divisione è acceso, lo è anche l’attesa per i prossimi titoli in arrivo su Series X e Series S. Il 2026 sarà un banco di prova decisivo per capire la direzione del brand. Qui trovi la lista aggiornata con tutti i giochi Xbox in uscita nel 2026 su Series X|S: https://www.icrewplay.com/xbox-2026-tutti-giochi-series-x-s/

E chi ama i videogiochi dovrebbe guardare questi segnali non con panico, ma con attenzione critica. Perché il futuro dell’industria non è scritto nei tweet o nelle interviste provocatorie. È scritto nei modelli economici, nelle scelte strategiche e nella capacità di adattamento.

Il gaming è giovane. È tecnologico. È culturale. E come ogni ecosistema vivo, cambia.

La domanda vera è se noi, come giocatori, siamo pronti a cambiare con lui.

Tu come la vedi? Xbox è in declino o sta evolvendo? Scrivicelo nei commenti e seguici su Instagram per analisi quotidiane sul futuro del gaming.

1. I nemici reagiscono come veri assassini

Non ci sono punching ball. Ogni nemico legge le tue mosse, schiva, contrattacca e punisce ogni colpo ritardato. Anche i soldati comuni usano combo e prese che ti lasciano senza fiato. Il gioco non regala tempo per respirare: è una danza di morte in cui devi conoscere il ritmo alla perfezione.

2. La parata perfetta è una scienza

Il sistema di difesa è spietato. La parata non è un gesto passivo ma una scelta strategica. Se sbagli il tempismo, subisci danni pesanti. Se lo azzecchi, apri la finestra per un contrattacco devastante. Il risultato è un ritmo da combattimento che non perdona esitazioni: il controller deve diventare un’estensione della tua mente.

3. Le combo puniscono la distrazione

Ogni combo di Ninja Gaiden 4 richiede attenzione millimetrica. Se premi un tasto fuori tempo, la sequenza si interrompe e l’avversario reagisce. Il training mode con Tyran serve proprio a insegnarti la disciplina: imparare le combo è come allenare un’arte marziale. Il gioco ti obbliga a memorizzare ogni sequenza e a trasformarla in istinto.

4. La frenesia è una scommessa rischiosa

La frenesia ti rende più potente, ma se la attivi nel momento sbagliato, la sprechi in pochi secondi. La barra si ricarica lentamente, e per usarla bene devi prevedere i movimenti dei nemici. È una meccanica che bilancia potenza e autocontrollo, e premia chi sa mantenere la calma nel caos totale.

5. I boss sono una prova di resistenza mentale

Ogni boss è un muro. Non basta colpirlo: devi capire quando attaccare, quando arretrare e quando sfruttare le aperture. Alcuni cambiano pattern a metà scontro, altri aumentano la velocità man mano che subiscono danni. Batterli significa imparare da ogni errore e accettare di morire decine di volte prima di trovare il varco giusto.

6. Le armi cambiano tutto

Ninja Gaiden 4 non si limita a darti armi diverse, ma ti obbliga a imparare di nuovo ogni volta. La spada del drago è veloce e bilanciata, ma il kusarigama ha un raggio più lungo e movimenti più lenti. Passare da un’arma all’altra richiede adattamento costante, e ogni tipo di nemico risponde meglio a stili diversi. Non esiste una comfort zone.

7. Il training non perdona

Nel Darknest, Tyran non ti lascia margine per la distrazione. Ogni esercizio valuta precisione e velocità. Le lezioni sembrano tutorial, ma in realtà sono test di sopravvivenza. Il training mode diventa un passaggio obbligato per imparare il linguaggio del gioco. Qui capisci che la vera difficoltà di Ninja Gaiden 4 non è morire, ma imparare a non ripetere mai lo stesso errore.

8. I checkpoint sono un lusso

Dimentica i salvataggi automatici frequenti. In Ninja Gaiden 4, morire significa ripetere intere sezioni. Ogni successo è conquistato con costanza, memoria e riflessi. È un design punitivo, ma coerente con la filosofia del gioco: la vittoria vale solo se te la guadagni.

9. I 120 fps aumentano la pressione

La fluidità è un’arma a doppio taglio. A 120 fps il gioco risponde con immediatezza assoluta, ma anche gli avversari. Il ritmo è serrato e la finestra di reazione minuscola. Tutto accade in un battito di ciglia. È un’esperienza tecnica che amplifica la tensione e obbliga a una concentrazione costante.

10. Il DNA di Team Ninja resta intatto

Platinum Games ha aggiunto stile e fluidità, ma il cuore è sempre quello del Team Ninja: ferocia, precisione e punizione. Non ci sono scorciatoie, non ci sono aiuti. Ninja Gaiden 4 ti rispetta solo se impari a rispettarlo. È un patto tra giocatore e gioco: o migliori tu, o smetti di giocare.

Quanto è difficile Ninja Gaiden 4?

La risposta è semplice: moltissimo. È difficile come un Souls ma più rapido, più tecnico e più concentrato sull’esecuzione pura. Ninja Gaiden 4 non è pensato per farti divertire subito, ma per insegnarti a diventare migliore. La soddisfazione arriva dopo decine di sconfitte, quando finalmente ogni movimento diventa naturale. A quel punto il gioco si trasforma: non è più una sfida, ma un’estensione del tuo controllo.

Leggi anche: Ninja Gaiden 4 combo e abilità da sbloccare nel training mode

Un ritorno alla gloria dell’action giapponese

Nel 2025 pochi titoli hanno il coraggio di essere così spietati. Ninja Gaiden 4 riprende l’essenza dei grandi action giapponesi, fatta di disciplina, studio e riflessi. È una lezione di design che premia l’impegno e la pazienza, un omaggio a chi non cerca scorciatoie ma perfezione.
Chi riesce a domarlo non ottiene solo un trofeo, ma la sensazione di aver conquistato qualcosa di autentico.

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Eppure, proprio quando tutto sembrava pronto per un grande epilogo, qualcosa si è inceppato. La saga è cresciuta, si è espansa, ha venduto oltre 230 milioni di copie… ma la sua struttura narrativa più ambiziosa non ha mai ricevuto una chiusura coerente. Vediamo perché.

La nascita della storia nel presente in Assassin’s Creed

Quando nel 2007 esce il primo Assassin’s Creed, molti pensavano di vivere soltanto un’avventura medievale. Invece Ubisoft introduce un elemento inatteso: il protagonista non è l’assassino Altair, ma Desmond Miles, un uomo del presente costretto dalla multinazionale Abstergo Industries a rivivere le memorie dei suoi antenati tramite l’Animus.

L’Animus non è solo un espediente sci-fi. È un dispositivo narrativo potentissimo. Permette alla saga di saltare tra epoche e culture senza incoerenze. Spiega le barriere dell’open world. Giustifica la lingua comune. E, soprattutto, crea un filo conduttore.

Il conflitto tra Assassini e Templari non è archeologia romantica. È ancora vivo.

Assassin’s Creed 2 e l’esplosione del potenziale

Con Assassin’s Creed II, la struttura si rafforza. Il cosiddetto “Bleeding Effect” permette a Desmond di acquisire le abilità dei suoi antenati. Non è più solo un osservatore: si sta trasformando in un assassino moderno.

Inoltre entra in scena un elemento destinato a cambiare tutto: gli Isu, civiltà preumana tecnologicamente avanzata. La saga suggerisce una catastrofe imminente. Si parla apertamente di fine del mondo.

A questo punto la direzione sembra chiara: la trilogia doveva culminare in uno scontro nel presente.

Il piano originale e il finale mai realizzato

Il director Patrice Désilets aveva concepito Assassin’s Creed come trilogia. Il terzo capitolo avrebbe portato Desmond a diventare maestro assassino e affrontare una catastrofe globale ispirata al calendario Maya del 2012.

In alcune versioni preliminari, la Terra sarebbe stata distrutta da una gigantesca eruzione solare. Solo Desmond e Lucy sarebbero sopravvissuti, lasciando il pianeta per fondare una nuova civiltà.

Nel prodotto finale, Assassin’s Creed III chiude la storyline in modo molto diverso. La minaccia c’è. Il sacrificio pure. Ma l’epica promessa si dissolve. Muore Desmond. Non nasce un nuovo inizio.

Il grande capitolo contemporaneo non arriva mai.

Il paradosso del successo Ubisoft

Qui entra in gioco un fattore strategico: il successo commerciale.

La saga diventa il marchio più redditizio di Ubisoft. Con numerosi capitoli e spin-off, fermarsi dopo una trilogia diventa impensabile. Il problema è che la storia nel presente era costruita per arrivare a una conclusione.

Cosa succede allora?

Si diluisce.

In Assassin’s Creed Brotherhood e Assassin’s Creed Revelations, la trama moderna rallenta. Desmond finisce in coma. L’avanzamento si blocca. Il focus si sposta su Ezio, amatissimo dal pubblico.

La struttura originaria inizia a mostrare crepe.

Black Flag, Juno e le storyline lasciate aperte

Con Assassin’s Creed IV: Black Flag Ubisoft prova una nuova formula. Il protagonista moderno è anonimo, in prima persona. L’ambientazione piratesca funziona, ma la trama contemporanea apre nuovi fili, soprattutto legati a Juno.

Il problema? La storia di Juno non si chiude nei giochi. Viene spostata nei fumetti.

Per una saga che aveva fondato la propria identità sulla continuità narrativa, è una scelta che frammenta la coerenza interna.

Leila Hassan e la ricerca di una nuova direzione

Con Assassin’s Creed Origins arriva Layla Hassan. Nuova protagonista, nuova linea narrativa, nuovo Animus portatile.

La saga tenta di ricostruire una direzione moderna. I capitoli successivi proseguono questo filo, ma senza un piano percepibile a lungo termine. La sensazione è quella di una struttura che procede per aggiunte successive, non per architettura complessiva.

Nel frattempo alcuni capitoli, come Assassin’s Creed Unity e Assassin’s Creed Syndicate, riducono drasticamente la componente nel presente.

La saga sembra quasi volerla dimenticare.

Perché la storia nel presente non è mai esplosa

Il punto centrale è questo: la storia nel presente di Assassin’s Creed era costruita per culminare in un payoff. Tutte le memorie degli antenati servivano a preparare Desmond. Era un addestramento. Un accumulo di tensione.

Quando il marchio è diventato troppo importante per fermarsi, quella tensione non ha potuto trovare uno sbocco definitivo.

Risultato?

• Finale affrettato
• Archi narrativi interrotti
• Personaggi introdotti e poi abbandonati
• Elementi cruciali spostati su media secondari

È il paradosso delle saghe longeve: l’espansione continua rende difficile pianificare una chiusura coerente.

La saga ha perso qualcosa?

Dipende dal punto di vista.

Se si guarda solo alle ambientazioni storiche, Assassin’s Creed continua a funzionare. Se si osserva la macro-narrazione, il quadro è diverso. L’idea dell’Animus come ponte tra epoche rimane brillante, ma la guerra contemporanea tra Assassini e Templari non ha mai avuto il grande capitolo dedicato che prometteva.

Un intero gioco ambientato nel presente, con Desmond pienamente formato, avrebbe rappresentato una rottura audace. Ubisoft ha scelto invece la continuità infinita.

Riflessione finale

La storia nel presente di Assassin’s Creed resta una delle intuizioni più ambiziose del medium. Ha ampliato l’orizzonte narrativo degli open world storici. Ha creato un universo coerente. Ha introdotto concetti come ISU, eredità genetica e cicli di distruzione globale.

Ma l’idea che doveva unire tutto non ha mai ricevuto una vera chiusura organica. Non per mancanza di visione iniziale, bensì per il peso del successo.

Ed è qui che la saga mostra la sua contraddizione più interessante: un progetto nato come trilogia epica si è trasformato in una serie perpetua. La promessa di un grande finale è rimasta sospesa tra le memorie dell’Animus.

FAQ SEO – Assassin’s Creed

La storia nel presente di Assassin’s Creed è finita?
La storyline di Desmond si conclude in Assassin’s Creed III, ma la componente moderna prosegue con altri personaggi come Layla Hassan.

Chi sono gli ISU in Assassin’s Creed?
Gli ISU sono una civiltà preumana avanzata che precede l’umanità e influenza l’intero conflitto tra Assassini e Templari.

Perché Desmond muore in Assassin’s Creed 3?
La sua morte serve a chiudere l’arco narrativo iniziale e liberare la saga dal vincolo della trilogia pianificata.

Tu eri tra quelli che volevano un intero capitolo ambientato nel presente? Scrivilo nei commenti e raccontaci quale finale avresti voluto vedere.
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Il nuovo Fable, in arrivo nel 2026 su piattaforme Xbox e PC, non viene definito dagli sviluppatori come “Fable 4”. È un reboot a tutti gli effetti. Ralph Fulton, general manager di Playground Games, lo dice senza giri di parole: questo non è il seguito diretto dei capitoli Lionhead. È un nuovo inizio, costruito rispettando lo spirito originale ma senza rimanere prigioniero del passato.

Un Albion finalmente open world

Per la prima volta nella storia della serie, Albion sarà un vero open world continuo. Niente zone scollegate, niente caricamenti tra un’area e l’altra. Colline, villaggi, città e foreste convivono in una mappa unica, pensata per essere esplorata senza vincoli artificiali.

L’esperienza maturata da Playground Games con Forza Horizon ha avuto un peso evidente. Il team sa come costruire mondi grandi, coerenti e tecnicamente solidi. La differenza, qui, sta nel fatto che Albion non è solo uno scenario da attraversare: è un ecosistema abitato.

Ogni edificio che incontri è accessibile. Ogni casa può essere visitata, acquistata, abitata. Una scelta che impatta in modo diretto sul design ambientale: ogni spazio deve avere una funzione, non solo un aspetto gradevole.

Oltre 1000 NPC con una vita persistente

Il cuore del progetto si chiama Living Population. Oltre mille NPC popolano Albion, e nessuno di loro è una semplice comparsa. Ogni personaggio ha una routine quotidiana completa: si sveglia, va al lavoro, passa il tempo libero, rientra a casa, dorme.

Questo significa che ogni NPC ha una casa. Ha un letto. Ha un posto nel mondo. Se lo segui per un’intera giornata, non sparirà nel nulla dopo qualche metro. Continuerà a fare ciò che fa, anche quando tu non lo guardi.

Playground ha definito questa caratteristica come non negoziabile. Parlare con chiunque, in qualsiasi momento, è una colonna portante del nuovo Fable. Non più gesti o interazioni semplificate: tutte le conversazioni sono completamente doppiate.

Interazioni che vanno oltre il dialogo

Fable è sempre stato ricordato per il suo rapporto diretto con la popolazione. Il reboot non solo recupera questa idea, ma la espande in modo radicale.

Puoi conoscere gli NPC nel tempo. Imparare i loro nomi. Capire cosa amano e cosa detestano. Scoprire dove lavorano, come passano le giornate, che opinione hanno di te. Le relazioni non sono superficiali: evolvono in base alle azioni, alla reputazione, alle scelte morali.

Le opzioni sono numerose: parlare, flirtare, sposarsi, avere figli, divorziare, assumere qualcuno o licenziarlo. Gli NPC reagiscono. Ricordano. Cambiano atteggiamento. In alcuni casi prendono decisioni autonome che ti coinvolgono.

Questa struttura trasforma la popolazione in un “gioco nel gioco”, un sistema parallelo che convive con missioni, combattimenti ed esplorazione.

Reputazione, mortalità e conseguenze

Il Living Population non serve solo a rendere Albion più credibile. È legato in modo diretto ai sistemi di reputazione e mortalità, che verranno svelati più nel dettaglio nel corso del 2026.

Le azioni hanno conseguenze visibili. Se ti comporti in un certo modo, le persone lo sanno. Ne parlano. Cambiano atteggiamento. Le relazioni possono rafforzarsi o deteriorarsi. In alcuni casi, interrompersi del tutto.

Playground vuole che il giocatore senta il peso delle proprie scelte non solo nelle quest, ma nella vita quotidiana del mondo di gioco. Albion non è un fondale statico. È una comunità.

Tradizione e cambiamento

Nonostante il reboot, Fable rimane riconoscibile. Tornano elementi storici come i lavori, la gestione delle proprietà, le città iconiche come Bowerstone, oltre a nemici storici come Hobbes e Balverines.

Il tono resta fiabesco, ironico, a tratti grottesco. Le animazioni, i dialoghi e le situazioni quotidiane puntano a ricreare quel senso di leggerezza che ha reso la serie diversa dagli altri GDR fantasy medievali.

La differenza è nella scala e nella profondità dei sistemi. Ogni scelta progettuale sembra orientata a una parola chiave: coerenza.

Un progetto ambizioso, senza scorciatoie

Gestire oltre mille NPC con routine complete, dialoghi doppiati e interazioni persistenti non è semplice. Fulton racconta come questa decisione abbia costretto il team a ripensare l’intero processo di sviluppo, dal level design all’audio, fino alla scrittura narrativa.

Ogni decisione tecnica ha avuto ripercussioni creative. Ogni scelta creativa ha imposto vincoli tecnici. È un equilibrio delicato, che punta a far convivere funzionalità e bellezza.

Il risultato, almeno sulla carta, è uno dei GDR più ambiziosi del 2026.

Fable non vuole solo tornare. Vuole dimostrare che un mondo aperto può essere popolato da persone, non da manichini.

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Remake e remaster non sono più eccezioni nostalgiche. Sono diventati una colonna dell’industria. E il 2026 si prepara a essere uno degli anni più affollati di sempre per chi ama i classici rivisitati.

Perché remake e remaster dominano il 2026

Negli ultimi anni il pubblico ha dimostrato una cosa chiara: non cerca solo novità, ma esperienze solide, con identità forti e mondi già collaudati. I remake permettono agli sviluppatori di correggere errori del passato, mentre i remaster servono a preservare giochi che rischierebbero di scomparire.

Il risultato è un equilibrio interessante: nostalgia per chi c’era, accessibilità per chi arriva adesso. Ed è esattamente quello che vedremo nel 2026.

Gothic Remake

Tra i ritorni più attesi c’è senza dubbio Gothic Remake. Non un semplice restauro, ma una ricostruzione completa di uno dei giochi di ruolo europei più amati. Atmosfera, libertà e ruvidità sono al centro del progetto, con l’obiettivo di mantenere l’anima originale aggiornandone struttura e controlli.

Prince of Persia: The Sands of Time Remake

Dopo uno sviluppo travagliato, Prince of Persia: The Sands of Time Remake torna finalmente sotto i riflettori. Il 2026 potrebbe essere l’anno giusto per rivedere uno dei platform action più influenti di sempre, con combattimenti modernizzati e una narrazione più fluida.

Silent Hill Remake

Il ritorno dell’horror psicologico passa da Silent Hill Remake. Un progetto delicato, perché toccare Silent Hill significa confrontarsi con aspettative enormi. L’obiettivo è riportare in vita l’angoscia, l’ambiguità e il peso psicologico che hanno reso la serie leggendaria.

Tomb Raider: Legacy of Atlantis

Con Tomb Raider: Legacy of Atlantis, Lara Croft si prepara a una nuova interpretazione. Non è solo una riedizione grafica, ma un tentativo di fondere esplorazione classica e sensibilità moderna, mantenendo l’identità avventurosa che ha definito il personaggio.

Max Payne 1 & 2 Remake

Il ritorno del noir videoludico passa da Max Payne 1 & 2 Remake. Bullet time, narrativa cupa e monologhi interiori vengono ripensati con tecnologia moderna, mantenendo intatto il ritmo e il tono che hanno reso Max Payne unico.

Assassin’s Creed 4: Black Flag Remake

Tra i remake più chiacchierati troviamo Assassin’s Creed 4: Black Flag Remake. Il capitolo piratesco è ancora oggi uno dei più amati della saga, e il rifacimento punta a rinnovare combattimenti navali, esplorazione e sistema di progressione.

Persona 4 Revival

Con Persona 4 Revival, Atlus continua la riscoperta dei suoi JRPG più iconici. Nuova veste grafica, interfaccia aggiornata e miglioramenti alla qualità della vita, senza toccare l’equilibrio narrativo che ha reso Persona 4 un cult.

Splinter Cell Remake

La stealth action torna in primo piano con Tom Clancy’s Splinter Cell Remake. Sam Fisher viene ripensato per un pubblico moderno, con IA più avanzata e un approccio alla furtività più profondo e credibile.

Star Wars: Knights of the Old Republic Remake

Chiude la lista uno dei nomi più pesanti: Star Wars: Knights of the Old Republic Remake. Un progetto enorme, che punta a riportare uno dei migliori GDR mai realizzati a un nuovo pubblico, senza snaturarne le scelte morali e la struttura ruolistica.

Il 2026 come anno spartiacque

Il 2026 non sarà solo un anno ricco di remake e remaster. Sarà un test definitivo per capire quanto l’industria sia capace di reinterpretare il passato senza limitarvisi. Alcuni di questi progetti riusciranno a superare l’originale, altri serviranno a preservarlo.

Una cosa però è certa: per chi ama i videogiochi, il passato non è mai stato così presente. E mai così pronto a essere giocato di nuovo.

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Il problema non è Dark Souls. Il problema è cercare di rifarlo all’infinito.

“Il miglior Dark Souls esiste già”

Parlando con Game Informer, Pollock è stato diretto: chiamare i giochi Soulslike ha “tenuto molti sviluppatori intrappolati in un loop”, quello di ricreare Dark Souls. Un obiettivo che, secondo lui, non ha senso.

Il motivo è semplice: Dark Souls è già il miglior Dark Souls possibile. Non perché sia perfetto, ma proprio perché è profondamente imperfetto. Le sue asperità, le sue rigidità, le sue scelte controcorrente hanno contribuito a renderlo memorabile.

Cercare di replicare ogni singolo elemento di quell’esperienza, dal combattimento basato sulla stamina fino al ritmo punitivo, porta spesso a giochi che sembrano esercizi di stile più che opere con una propria identità.

Cos’è davvero un Soulslike?

Da anni la definizione di Soulslike è oggetto di discussione continua. Combattimento lento e pesante, nemici letali, boss basati su pattern, recupero delle risorse dopo la morte. Ma non esiste una regola scritta.

L’unico vero collante è l’associazione diretta con Dark Souls. Ed è proprio questo il nodo critico. Quando un genere nasce come imitazione diretta di un singolo titolo, rischia di fossilizzarsi.

Secondo Pollock, imitare ogni aspetto dell’esperienza originale non produce qualcosa di rilevante. Produce qualcosa di riconoscibile, ma raramente necessario.

Another Crab’s Treasure e l’idea di rompere lo schema

È in questo contesto che nasce Another Crab’s Treasure. Un gioco che prende alcune fondamenta del Soulslike, ma le reinterpreta in modo radicale.

Il protagonista non è un cavaliere maledetto o un prescelto senza nome, ma un granchio. Il mondo non è una landa dark fantasy, ma un regno marino devastato dall’inquinamento. Le armature non sono scudi e piastre, ma rifiuti di plastica riciclati come gusci.

Dietro l’estetica leggera c’è una scelta precisa: dimostrare che il genere può ospitare temi diversi, toni differenti e persino un messaggio ambientale, senza perdere profondità ludica.

Una scommessa sul pubblico

Aggro Crab era consapevole del rischio. Entrare in un territorio così codificato e stravolgerne l’immaginario poteva alienare una parte della community più conservatrice. Eppure, come racconta Pollock, il team ha fatto una scommessa: credere che i giocatori fossero pronti a qualcosa di diverso.

Non un Soulslike “meno serio”, ma un gioco che usa quelle meccaniche per dire altro. Un’esperienza che non chiede di essere paragonata costantemente a Dark Souls, ma di essere giudicata per quello che propone.

Il limite delle etichette

Il punto centrale del discorso non riguarda solo i Soulslike. Riguarda le etichette in generale. Quando un termine diventa troppo ingombrante, smette di descrivere e inizia a condizionare.

Per molti sviluppatori, l’obiettivo diventa “fare un Soulslike”, non “fare un buon gioco”. E questo sposta il focus dalla visione alla replica.

Another Crab’s Treasure nasce invece da un’idea opposta: usare un linguaggio conosciuto per raccontare qualcosa di nuovo, anche a costo di spiazzare.

Un genere che deve evolvere

FromSoftware, con Demon’s Souls prima e Dark Souls poi, ha creato involontariamente un sottogenere. Ma non lo ha mai trattato come una formula immutabile. Basta guardare l’evoluzione che porta a Elden Ring.

Il messaggio di Pollock è chiaro: se persino chi ha creato quel linguaggio continua a cambiarlo, perché gli altri dovrebbero limitarsi a copiarlo?

Il futuro dei Soulslike, se così vogliamo ancora chiamarli, passa dalla capacità di osare. Di uscire dal loop. Di accettare che Dark Souls non vada superato, ma lasciato alle spalle come punto di partenza.

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Anche il mondo dei videogiochi prova a inserirsi in questo clima, ma con risultati molto meno convincenti. Se eventi temporanei e contenuti speciali funzionano, i titoli interamente dedicati al Natale sono pochi e spesso poco ispirati, prodotti più per sfruttare il periodo che per lasciare davvero il segno.

Natale e videogiochi

I videogiochi natalizi esistono, ma nella maggior parte dei casi rappresentano esempi di design frettoloso e idee poco riuscite. Non si parla di semplici livelli a tema o DLC stagionali, ma di giochi costruiti interamente attorno al Natale, con tutto ciò che ne consegue.

In questo articolo abbiamo raccolto 10 videogiochi natalizi che difficilmente qualcuno ricorda con affetto. Titoli che, se vi sono capitati sotto l’albero negli anni passati, raccontano una storia ben precisa. E non è quella di un Natale particolarmente fortunato.

Qui non troverete eventi speciali o cameo a tema: solo giochi pensati esclusivamente per il periodo natalizio. Se pensavate che il Natale fosse sempre sinonimo di buoni sentimenti, questa lista potrebbe farvi cambiare idea.

The Grinch – PlayStation – Anno di uscita 2000

Ispirato al celebre film con Jim Carrey, The Grinch su PlayStation riesce quasi a sembrare il titolo più dignitoso dell’intera selezione, il che dice molto sul livello generale. Parliamo di un platform 3D che prova a seguire la scia di giochi come Spyro the Dragon, ma senza mai avvicinarsi davvero a quel tipo di qualità.

Si controlla il Grinch mentre svolge attività ripetitive e poco sensate: recuperare oggetti, sabotare regali e infastidire i personaggi non giocanti sparsi nei livelli. Tutto funziona, tecnicamente, ma senza mai brillare.

Grafica anonima, gameplay piatto e comparto sonoro dimenticabile rendono l’esperienza prevedibile e stancante dopo poco. Non sorprende che all’epoca molte recensioni parlassero di un gioco frustrante e poco ispirato. Un titolo che esiste, fa il suo dovere minimo e poi sparisce dalla memoria, proprio come certi regali che finiscono in fondo all’armadio il giorno dopo Natale.

Terror in Christmas Town – PC – Anno di uscita 1995

Negli anni ’90 Doom è diventato il terreno di gioco preferito per chiunque volesse sperimentare con mod e conversioni totali. Da lì sono nati progetti di ogni tipo, alcuni curiosi, altri completamente fuori controllo. Terror in Christmas Town rientra senza problemi nella seconda categoria.

L’idea di base è semplice: prendere Doom, togliere demoni e inferni e rivestire tutto di decorazioni natalizie. I nemici diventano animali artici, le armi sparano effetti improbabili e al posto della violenza classica ci si ritrova con avversari che si trasformano in pupazzi di neve.

Il problema è che il concept, già fragile, viene accompagnato da una realizzazione poverissima. Niente colonna sonora, effetti sonori ridotti al minimo e un’atmosfera piatta che riesce nell’impresa di rendere noioso persino Doom. Un’occasione sprecata che dimostra come cambiare skin a un gioco leggendario non basti a renderlo interessante, nemmeno a Natale.

Elf the Movie – Game Boy Advance – Anno di uscita 2004

I film natalizi sono una certezza assoluta. Ogni anno tornano puntuali, tra grandi classici diventati tradizione e titoli più leggeri pensati per accompagnare pranzi infiniti e divani occupati per ore. Da Una poltrona per due a Mamma ho perso l’aereo, passando per Miracolo sulla 34ª strada, il Natale al cinema segue regole ben precise.

Tra questi rientra anche Elf, commedia che racconta la storia di un umano cresciuto tra gli elfi di Babbo Natale. Un film semplice, dichiaratamente natalizio, costruito per intrattenere senza troppe pretese e strappare qualche sorriso.

Il problema arriva quando, nel 2004, qualcuno decide che Elf debba diventare anche un videogioco. La versione per Game Boy Advance riesce nell’impresa di distinguersi per i motivi sbagliati: gameplay elementare, scelte di design discutibili e un’esperienza che ha fatto storia più per le critiche che per i meriti. Una delle recensioni più citate lo definisce senza mezzi termini come uno dei peggiori giochi mai usciti sulla piattaforma. E a quel punto non serve aggiungere altro.

Christmas Country – Philips CD-I – Anno di uscita 1996

Il Philips CD-i è una di quelle console che anche i giocatori più esperti ricordano a malapena, e non senza motivo. È diventata celebre soprattutto per due cose: la mancata collaborazione tra Nintendo e Sony, che finì per favorire Philips, e una libreria di giochi talmente disastrosa da trasformarsi, col tempo, in una miniera di meme.

Nonostante la presenza di franchise storici come Zelda e Mario, il CD-i non è mai riuscito a offrire un singolo titolo davvero convincente. Un fallimento su tutta la linea che, curiosamente, non ha impedito a qualcuno di comprarlo, specialmente nei Paesi Bassi.

Ed è proprio lì che la Creative Multimedia decide di pubblicare Christmas Country, un gioco natalizio che prova a imitare Super Mario senza comprenderne minimamente il funzionamento. Al posto dell’idraulico c’è un elfo, al posto del divertimento ci sono controlli imprecisi, animazioni rigide e una colonna sonora praticamente inesistente.

Il risultato è un clone povero sotto ogni aspetto, simbolo perfetto di cosa fosse il Philips CD-i: una console capace di trasformare anche le idee più semplici in esperienze da dimenticare in fretta.

The Santa Clause 3: The Escape Clause – Game Boy Advance – Anno di uscita 2006

Chiariamo subito: Santa Clause è davvero il titolo del gioco, e sì, è basato sulla celebre saga cinematografica con Tim Allen, popolarissima negli Stati Uniti. In Italia il volto di Allen è noto soprattutto per la trilogia di Santa Clause e per la sitcom Quell’uragano di papà, trasmessa in Rai negli anni ’90.

Il film racconta una premessa volutamente assurda: il personaggio interpretato da Tim Allen provoca accidentalmente la morte di Babbo Natale e si ritrova costretto a prenderne il posto. La saga conta tre film, ma solo l’ultimo ha ricevuto una trasposizione videoludica.

Il gioco, uscito in esclusiva su Game Boy Advance, è un platform in cui si controlla Santa Clause alle prese con Jack Frost, alternando combattimenti, consegna dei regali e intermezzi discutibili come il recupero di latte e biscotti. Sulla carta suona anche curioso, pad alla mano diventa un’esperienza lenta, ripetitiva e inutilmente lunga.

Un titolo che sfrutta il nome del film senza offrire idee interessanti o un gameplay degno di nota. Più che un gioco natalizio, una prova di pazienza che si può tranquillamente evitare.

Official Father Christmas – Commodore 64 – Anno di uscita 1989

Il titolo più datato di questa rassegna di videogiochi natalizi discutibili è Official Father Christmas, un nome che già di per sé solleva più domande che curiosità. “Official” rispetto a cosa, esattamente, resta un mistero che il gioco non si prende la briga di chiarire.

La struttura è divisa in tre fasi principali. Nella prima si controlla Babbo Natale alle prese con il recupero dei pezzi della slitta, smontata da ignoti. A rendere il tutto più surreale ci pensano gli elfi, che invece di aiutare fanno di tutto per ostacolare il giocatore.

Una volta rimessa in sesto la slitta, si passa alla raccolta dei regali e solo nell’ultima parte si arriva finalmente alla distribuzione dei doni. Un’idea che sulla carta segue la logica del Natale, ma che pad alla mano si traduce in un’esperienza ripetitiva, lenta e poco stimolante.

Un gioco che oggi ha valore solo come curiosità storica. Per i bambini cattivi esisteva il carbone; qui, invece, la vera punizione sarebbe stata ricevere Official Father Christmas e doverci giocare per un anno intero.

Rudolph the Red-Nosed Reindeer – Wii – Anno di uscita 2010

La Nintendo Wii è una console che divide: c’è chi la ricorda con affetto e chi preferisce dimenticarla. Di certo è stata la regina dei party game, soprattutto in Europa, dove ha visto uscire oltre 1200 giochi fisici. Con numeri del genere, era inevitabile imbattersi anche in qualche titolo natalizio… e non nel senso buono.

Rudolph the Red-Nosed Reindeer è il classico esempio di gioco etichettato come “per bambini”, formula spesso usata per giustificare meccaniche semplicistiche e una qualità generale piuttosto bassa. Un prodotto pensato più per finire sotto l’albero che per essere realmente giocato.

Il gioco prende spunto dalla renna più famosa di Babbo Natale e propone una serie di mini-giochi a tema natalizio: preparazione dei regali, consegna nei camini e poco altro. Il tutto è gestito da controlli imprecisi e idee ripetute fino allo sfinimento.

A rendere il quadro ancora più desolante ci pensa un dettaglio non da poco: secondo IGN, la modalità storia può essere completata in circa 10 minuti. Un tempo ridicolo anche per gli standard dei party game più superficiali. Un titolo dimenticabile, utile solo come esempio di quanto facilmente il Natale sia stato usato come pretesto per riempire scaffali.

Meno giochi così, più articoli da leggere: almeno qui il tempo è speso meglio

Attack of the Mutants Artificial Trees – PC (Flashplayer) – Anno di uscita 2004

Negli Stati Uniti esiste davvero la National Christmas Tree Association, un’organizzazione nata per promuovere l’uso degli alberi di Natale veri e contrastare quelli artificiali. Una realtà autentica, per quanto possa sembrare surreale.

Nel 2004, l’associazione decide di puntare su qualcosa di più moderno per attirare attenzione e consensi, scegliendo una strada quantomeno discutibile: un gioco in Flash pensato per colpire simbolicamente gli alberi di Natale sintetici.

Nasce così Attack of the Mutants Artificial Trees, una sorta di “acchiappa la talpa” in cui il giocatore deve eliminare alberi robotizzati. Un’idea che funziona giusto per pochi istanti, prima di diventare ripetitiva e irritante. Il fatto che fosse free to play non bastava certo a renderlo interessante.

Oggi il gioco risulta introvabile, probabilmente non per caso. Dopo la sua pubblicazione, infatti, diversi rivenditori di alberi artificiali protestarono apertamente contro la NCTA, accusandola di una comunicazione tutt’altro che amichevole. Un esperimento finito male, che dimostra come trasformare una battaglia commerciale in un videogioco natalizio possa facilmente ritorcersi contro chi ha avuto l’idea.

Santa Claus Saves the Hearth – PlayStation e Game Boy Advance – Anno di uscita 2002

In questa carrellata non poteva mancare un platform con ambizioni da Metroidvania, ed ecco quindi Santa Claus Saves the Hearth, un titolo che sembra esistere più per riempire uno scaffale che per reale necessità.

La trama mette in scena una strega malvagia, Nilam, che lancia un incantesimo su Babbo Natale poco prima della notte più importante dell’anno. Il giocatore veste i panni di Santa e deve fuggire da una serie di labirinti pieni di ostacoli e nemici.

Sulla carta l’idea prova a sembrare strutturata, ma pad alla mano emergono subito i problemi: gameplay lento, controlli poco reattivi e una colonna sonora talmente fastidiosa da distrarre più che accompagnare l’azione. A peggiorare il tutto, l’assenza totale di checkpoint, che costringe a ricominciare interi livelli dopo ogni errore.

Il risultato è un gioco frustrante, punitivo e privo di ritmo, che utilizza il Natale solo come pretesto estetico. Santa Claus Saves the Hearth riesce nell’impresa di rendere sgradevole perfino l’idea di salvare il Natale. E questo dice già tutto.

Elf Bowling – Nintendo DS e Game Boy Advance – Anno di uscita 2005

Chiudiamo questa rassegna di videogiochi natalizi improbabili con uno dei casi più assurdi mai finiti sotto un albero: Elf Bowling. L’idea è tanto semplice quanto inspiegabile: elfi natalizi in mutande usati come palle da bowling, lanciati contro altri elfi che fungono da birilli.

Nato su PC nel 1998, il gioco ha avuto un successo tale da generare una vera e propria saga, con numerosi capitoli praticamente identici tra loro. Qualcuno ha persino pensato di raccogliere i primi episodi in un bundle pubblicato su Nintendo DS e Game Boy Advance, nel tentativo di riesumare il concetto anche su console portatili.

Il gameplay non va oltre l’idea iniziale: si lancia, si colpisce, si ripete. Nessuna evoluzione, nessuna variazione significativa. E sì, il “premio” visivo resta lo stesso: elfi che finiscono a terra mostrando più del dovuto. Come se non bastasse, Elf Bowling è riuscito anche ad avere un film dedicato, dettaglio che rende l’intera operazione ancora più surreale.

Un concetto che fatica a reggere come videogioco e che diventa quasi mistico se si pensa a una trasposizione animata. Ma d’altronde è Natale: periodo in cui anche le idee peggiori trovano spazio.

Quando il Natale incontra i videogiochi… e va storto

Con questo tuffo nel lato più bizzarro e dimenticabile dei videogiochi natalizi, possiamo dire di aver visto davvero di tutto: idee pigre, licenze sprecate e titoli nati solo per sfruttare il periodo delle feste. Se pensavi che il Natale fosse sinonimo solo di buoni sentimenti e grandi classici, ora sai che anche sotto l’albero si può nascondere qualche incubo videoludico.

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