Una New York che non avevi mai visto: l’ambientazione decopunk

Il punto di forza più immediato e duraturo di Aether and Iron è la sua ambientazione. La New York del 1932 immaginata da Seismic Squirrel non è una città orizzontale: è una città verticale, fatta di isole fluttuanti tenute in sospensione da enormi propulsori ad etere e collegate da ascensori gravitazionali, treni volanti e navi aeree. I quartieri ricchi si trovano nelle altitudini più elevate, con vista pulita sul cielo. I distretti poveri, i cosiddetti Lowers, vivono nell’ombra proiettata dalle isole superiori, governati da Baroni con metodi e filosofie proprie, spesso brutali. Ogni distretto ha una sua identità fisica e culturale, e la stratificazione sociale è letterale: si sale o si scende nella gerarchia urbana in senso fisico.

L’estetica Art Deco è ovunque, nelle linee geometriche delle architetture, nei veicoli, nei costumi dei personaggi, nelle interfacce di gioco. Lo stile illustrato a mano richiama i fumetti investigativi degli anni Trenta e contribuisce a costruire un’identità visiva coerente e riconoscibile. Non è un gioco che mostra l’azione direttamente: la rappresentazione è statica, con artwork e ritratti dei personaggi che fungono da scenari, e tutto ciò che accade viene descritto in forma testuale. È una scelta stilistica precisa, non un limite di budget, e chi accetta la logica della visual novel ibrida troverà un’atmosfera densa e convincente.

Gia Randazzo e il noir: la narrazione come pilastro

La protagonista è Gia Randazzo, contrabbandiera di origini italiane con un passato difficile e un futuro tutt’altro che garantito. Il gioco inizia con un incarico apparentemente semplice: scortare una giovane scienziata di nome Nelly tra i distretti bassi della città. Come vuole la tradizione noir, l’incarico si rivela molto più complicato del previsto, e Gia si ritrova coinvolta in una cospirazione che tocca il cuore stesso della tecnologia che tiene la città in volo.

La narrazione si svolge attraverso un voice over continuo di Gia, che commenta l’ambiente, i personaggi incontrati e le proprie riflessioni interiori con uno stile da detective privato filtrato attraverso la cultura italiana dell’immigrazione. RPGamer descrive la performance di Rhiannon Moushall come fondamentale per la riuscita del tono noir del gioco. Il cast complessivo è forte, con oltre 200 personaggi doppiati e una scrittura che ha coinvolto autori con esperienze su Mass Effect, Far Cry e Sovereign Syndicate. La colonna sonora originale è firmata da Christopher Tin, doppio vincitore del Grammy, e da Alex Williamson, noto per il lavoro sulla serie Civilization. Il risultato sonoro è uno degli elementi tecnici più riusciti del gioco, capace di sostenere l’atmosfera nelle sessioni di lettura e nei combattimenti. RPGamer segnala alcune imperfezioni tecniche nel doppiaggio secondario, ma si tratta di episodi isolati in un quadro complessivo solido.

Il sistema narrativo si avvicina a Disco Elysium nella struttura: Gia ha tre rami di abilità principali, ciascuno suddiviso in tre specializzazioni, che modificano la narrazione e offrono opzioni di dialogo aggiuntive. Le scelte più significative richiedono il superamento di prove tramite lancio di dadi, con modificatori positivi legati allo sviluppo delle specializzazioni. Il fallimento è possibile e fa parte dell’esperienza, come sottolinea più fonti: l’incertezza del dado è intenzionale e coerente con la tradizione dei giochi di ruolo da tavolo da cui il gioco si ispira apertamente. Le scelte influenzano la reputazione di Gia, le relazioni con i compagni e l’evoluzione dei distretti, con percorsi narrativi abbastanza ramificati da giustificare una seconda partita.

Il combattimento su veicoli: l’idea più coraggiosa e più divisiva

La meccanica che distingue Aether and Iron da qualsiasi altro RPG narrativo del periodo è il sistema di combattimento tra veicoli. Gli scontri non avvengono a piedi ma in movimento, su mappe a griglia viste dall’alto con la strada che scorre, dove il giocatore controlla un convoglio di massimo tre veicoli e deve gestire posizionamento, punti azione, armi e abilità dei compagni mentre traffico, detriti e biforcazioni improvvise cambiano le condizioni del campo ogni turno.

Il movimento verso l’alto e il basso nella griglia (ovvero la decelerazione) è gratuito, mentre lo spostamento laterale e l’avanzamento consumano punti azione. Alcune armi funzionano solo da posizioni specifiche: un’arma che attacca lateralmente richiede di affiancare il bersaglio, un’arma posteriore richiede di superarlo. Gli eventi ambientali casuali, come la caduta di detriti o l’arrivo improvviso di veicoli civili ostili, introducono variabili imprevedibili che rendono ogni scontro unico. LadiesGamers descrive il sistema come genuinamente diverso da qualsiasi cosa esista nel genere, capace di restituire la tensione di un inseguimento in forma a turni. 4News cita una sequenza di inseguimento tra i livelli bassi della città come uno dei momenti più tesi dell’intero gioco.

Il limite, unanimemente riconosciuto, è la profondità tattica limitata. Phenixx Gaming lo dice esplicitamente: il sistema funziona, non delude, ma chiamarlo un’esperienza tattica profonda sarebbe disonesto. La maggior parte degli scontri si risolve con gli stessi pattern, e la curva di difficoltà non scala abbastanza da richiedere adattamenti significativi alla build. È un sistema che affascina per l’originalità del concept più che per la sua complessità intrinseca.

Durata, ritmo e a chi si rivolge

RPGamer stima la durata complessiva in circa 20 ore, strutturate in un prologo, tre atti principali e un finale relativamente breve. Le missioni secondarie sono poche e legate ai personaggi compagni: non c’è un open world da esplorare liberamente, né attività di contorno nel senso tradizionale. Il ritmo è quello di un romanzo interattivo con interruzioni combattimento: lunghe sezioni testuali alternate a scontri veicolarci. Gamesurf segnala che il gioco risulta a tratti ‘troppo testuale e troppo poco visivo’, una critica legittima per chi si aspetta una rappresentazione più dinamica degli eventi. Chi invece ama i GDR narrativi pesanti, lo stile di Disco Elysium o le visual novel con sistema di regole, troverà il ritmo naturale e appagante.

Il gioco non è localizzato in italiano: i testi sono disponibili in inglese, spagnolo, francese, tedesco, polacco, russo, portoghese brasiliano e cinese semplificato. La quantità di testo è significativa, e la conoscenza dell’inglese scritto è un requisito concreto per apprezzare pienamente l’esperienza.

Proprio in queste giornate, arrivano titoli come Twinkleby: un gioco che arriva, ti guarda con aria gentile e ti sussurra “ehi, se vuoi non fare nulla, va bene lo stesso”.

Da appassionato di lunga data di Animal Crossing, l’ho installato con la solita diffidenza di chi negli anni ha visto troppi indie cozy travestiti da esperienze zen e che invece ti chiedono di raccogliere 800 margherite per sbloccare una sedia color crema. Oltre alla sempre attuale diffidenza nei confronti di titoli indie che si presentano in maniera molto semplice e dimessa, che spesso nascondono una realizzazione approssimativa.

Stavolta, per fortuna aggiungerei, possiamo dire che nella nostra scatola dei cioccolatini videoludici, abbiamo pescato bene: Twinkleby non è quel tipo di gioco. È un’esperienza rilassata, quasi rituale, in cui la progressione non è dettata da punti o missioni, ma da un gesto lento e deliberato: arredare lo spazio. Letteralmente, come se fossimo il Piccolo Principe.

L’arrivo a Twinkleby e il gameplay

Appena avviato, il gioco non ti prende per mano. Ti lascia fluttuare: un piccolo personaggio stilizzato, il nostro alter ego senza volto come a rappresentare più  l’idea di una persona che una persona stessa, si ritrova su unapiattaforma sospesa nel cielo.

Davanti a noi, il vuoto. Intorno, un silenzio ovattato e una colonna sonora che sembra composta da sospiri, foglie e campanellini; non è la pubblicità di qualche tisana zen, mal’inizio di un viaggio.

Incontrato l’emulo di Nook, ovvero un simpatico negoziante dove rifornirci di tutto quello che ci può servire nel corso della nostra partita, potremo avviare il tutoriali. Anche se, in effetti parlare di tutorial è parzialmente errato: il gioco infatti ci suggerisce con piccoli segni luminosi dove posare gli occhi e poche righe di testo ci illustrano qualcosa di facilmente intuibile da parte di qualsiasi giocatore con un minimo di esperienza.

Twinkleby non ti spiega come si gioca; ti invita a capirlo, e nel frattempo ti fa rilassare. Una scelta rischiosa in un’epoca in cui ogni titolo ti bombarda di HUD, missioni, checklist e “daily login bonus”, ma qui funziona perchè il gioco aderisce alla filosofia less is more e non vuole stressarci ma farci rilassare.

Il mondo di Twinkleby è composto da isole fluttuanti; come ne Il Piccolo Principe sono piccole, intime, come miniature di un collezionista o rappresentazioni di un sogno di bambini. Ogni piattaforma è un microcosmo: puoi arredarla, decorarla, spostare oggetti, modificare la luce, far crescere piante e fiori; fondamentalmente è come giocare con un diorama digitale, uno di quelli che avresti voluto da bambino ma che si sarebbe rotto alla prima spolverata, o comunque uno di quelli troppo complicati da costruire.

Come avrai inutito, nel gioco nulla ti obbliga a seguire uno schema. Il nostro obiettivo sarà rendere felici gli abitantiche si trasferiranno sull’isoletta: il come è totalmente lasciato a noi giocatori. Possiamo costruire una casetta perfetta o una torre di caos creativo.

E se qualcosa non dovesse più piacerci ad un certo punto? Beh, possiamo prendere l’oggetto e lanciarlo fuori dallo spazio: letteralmente ogni mobile, ogni sedia, ogni lampada può essere catapultata nell’abisso, con un gesto di ribellione gentile.

E va detto che il suono del plop che segue è stranamente soddisfacente, al punto da invitarci a buttare via quante più cose possibili, anche se controproducente dal punto di vista di inventario e risorse economiche..

A questo punto è abbastanza chiaro come in Twinkleby non succede molto: non ci sono missioni, nemici, boss o livelli.

Il loop è estremamente semplice: esplora, raccogli, decora, sperimenta. E, come avviene per altri titoli a cui Twinklebydeve evidentemente più di qualcosa, in questa semplicità che si nasconde la sua forza.

Il gameplay è una danza lenta tra creatività e contemplazione, non giochi per vincere, ma per stare: è come se nel mondo frenetico del gaming moderno, Twinkleby ci dicesse che la noia può essere una forma d’arte.

Il sistema di costruzione è intuitivo, anche se all’inizio un po’ rigido; con il mouse puoi ruotare gli oggetti, trascinarli, impilarli e sistemarli come preferisci.

E’ vero, talvolta la fisica gioca brutti scherzi, un tavolino può scivolare nel vuoto con troppa facilità, ma fa parte del fascino: la goffaggine diventa estetica e quando alla fine tutto sarà sistemato esattamente come lo vogliamo, sentiremo un senso di ordine e ordine che va oltre lo schermo.

E’ strano da dire, ma Twinkleby ti dà la sensazione di aver messo in ordine anche la testa.

Non è tutto rose e fiori: Twinkleby ha limiti evidenti, primo tra tutti la ripetitività. Dopo le prime ore, la mancanza di nuovi stimoli si fa sentire, ma è anche normale in titoli di questo tipo.

Inoltre la varietà degli oggetti e delle decorazioni è discreta, ma non infinita e la progressione è lenta.

A un certo punto si sente il bisogno di uno scopo in più, anche solo un piccolo evento o una micro-storia da scoprire. Ma non c’è niente di questo: devi essere tu a costruirti il senso, e onestamente non tutti hanno voglia o capacità di farlo.

Un altro grande difetto, paradossalmente visto il tipo di gioco, è la longevità: mi riesce difficile immaginare qualcuno restare su Twinkleby per decine di ore, ma dopotutto va bene così. È un’esperienza breve, intensa e contemplativa, perfetta per una serata di pioggia ma non per una settimana di maratone.

Del resto, non tutti i giochi devono durare per sempre.

C’è una malinconia di fondo in Twinkleby; non esplicita, ma palpabile. È la solitudine delle sue isole, dei personaggi senza volto, del cielo che non finisce mai.

Non c’è una storia scritta, ma c’è una narrativa implicita: quella del giocatore che costruisce un mondo per sé, per stare bene, per respirare. In un certo senso, Twinkleby non parla di decorare spazi, ma di decorare silenzi.

Dopo qualche ora mi sono accorto che non stavo più giocando, ma riflettendo sul ritmo, sulla calma, su quanto poco spazio lasciamo alla lentezza nella nostra quotidianità.

Il gioco mi ha ricordato che fermarsi non è un fallimento, ma un atto di cura. E non pensavo che un titolo con mobili volanti e minuscole isolette me lo avrebbe insegnato.

Segnali di stile: grafica e sonoro

Dal punto di vista visivo, il gioco abbraccia un minimalismo colorato: texture morbide, tinte pastello, forme tondeggianti. È come se Animal Crossing e Journey avessero avuto un figlio cresciuto leggendo libri di mindfulness.

Ogni isola ha una propria personalità cromatica: ci sono spazi sereni e altri più malinconici, e la cosa sorprendente è che spesso bastano tre o quattro oggetti per cambiare completamente l’atmosfera. In definitiva, il gioco non ha bisogno di effetti speciali e grafica spaccamascelle per colpirti: gli bastano i colori.

Un aspetto che mi ha davvero colpito è l’audio: la colonna sonora non è una melodia continua ma un tessuto di suoni ambientali: vento, acqua, piccoli toni di xilofono che si accendono quando muovi o posizioni oggetti.

È un’armonia interattiva, un po’ come se stessi “suonando” il mondo senza accorgertene.

Ogni azione ha un suono preciso e morbido: il rumore di un oggetto che si posa, il fruscio dell’erba quando cammini, il woosh quasi infantile quando lanci qualcosa nello spazio. Tutto è calibrato per essere piacevole, mai fastidioso, mai ripetitivo.

Conclusioni

+             Atmosfera rilassante e unica

+             Audio e colonna sonora meravigliosamente integrati

+             Perfetto per sessioni brevi e rigeneranti

–              Ripetitivo dopo alcune ore

–              Poche meccaniche di progressione

–              Longevità limitata

Impatto wow 7

Grafica 6.5

Sonoro 7

Gameplay 6

Serenità 7,5

Totale 7

Preparati a fare una scelta

In The Necromancer’s Tale dovremo tuffarci all’interno di un mondo RPG ricco di una storia ben costruita. Sarà necessario padroneggiare i rituali contenuti all’interno di un antico libro di incantesimi. Radunare un esercito di non morti e marciare contro i nostri nemici. Sarà necessario comunicare con il regno dei morti e lottare contro la discesa nella follia. Attraverso segreti, l’uso attento della diplomazia, del ricatto, utilizzare occasionalmente la coercizione o la seduzione, fino a quando non saremo pronti a rivalere il nostro vero essere.

Riti e rituali

Davanti a noi si estende un gigantesco libro di incantesimi, pieno di potenti riti di morte e di rianimazione. Sarà compito nostro riuscire a decifrare le pagine in esso contenute e a padroneggiare i suoi oscuri e arcani rituali senza impazzire o essere impiccato dagli ignoranti abitanti del villaggio. Riuscire a gestire il potere e i progressi che esso porta richiederà grande determinazione, astuzia e segretezza.

La storia

The Necromancer’s Tale è un gioco che contiene in sé una grossa fetta narrativa, con 400.000 parole di narrazione scritta a mano, in cui interagire e con oltre 180 personaggi non giocanti(NPC), ognuno con il proprio ritratto disegnato a mano (lo sviluppatore ci tiene a far sapere che non è stata usata nessuna IA generativa nel gioco). Sarà necessario indagare, negoziare, costringere e adulare per raggiungere i propri obbiettivi. Il sistema di fiducia del gioco fa sì che le scelte del giocatore, anche durante una conversazione, abbiano un impatto reale. Se la fiducia degli abitanti del villaggio scende troppo, le decisioni del giocatore ne risentiranno, se scendono ulteriormente, questo potrà portare ad un processo e ad una sicura impiccagione, o ad un linciaggio della folla inferocita.

Combattimenti

Il gioco prevede combattimenti tattici a turni tra il giocatore, i suoi alleati e i suoi servitori non morti, contro una varietà di nemici, sia naturali che soprannaturali. Il giocatore potrà sfruttare una vasta gamma di armi, rituali e incantesimi di battaglia per sconfiggere i propri avversari.

Esplorazione

The Necromancer’s Tale è ambientato in un regno di fantasia basato su una storia alternativa tra Venezia e il Mar Adriatico nel 1733. Ambientato in un’epoca al confine tra pensiero razionale e superstizione, scienza e magia. Il mondo è oscuro e pericoloso, gli intrighi di corte si scontrano con la magia nera mentre la chimica emerge dall’alchimia.

Longevità

Secondo stime ufficiali, per completare una partita occorreranno tra le 25 e le 50 ore. Questo a seconda di quanto tempo dedicherete ai contenuti secondari e all’esplorazione del mondo di gioco, e anche a seconda che si decida di affrontare i combattimenti di persona o di utilizzare la risoluzione automatica degli scontri. Sono presenti inoltre finali multipli che mostrano le conseguenze delle scelte fatte dal giocatore sul futuro.

Per un’ulteriore approfondimento di The Necromancer’s Tale vi invito a dare un’occhiata alla recensione completa disponibile sul nostri sito, trovate qui il link all’articolo.

Finalmente dopo l’uscita lo scorso luglio su PC adesso finalmente anche tutti i possessori di console potranno fare un viaggio nella storia e nella propria follia, ma attenzione a non perdersi, i paesani non attendono altro che farvi la festa…

Non si tratta di un progetto legato a grandi franchise o nomi altisonanti, e proprio per questo riesce a ritagliarsi una sua identità. Hozy si inserisce in quella corrente di giochi “cozy” che negli ultimi anni hanno trovato sempre più spazio, ma lo fa con una personalità più intima, quasi riflessiva. Non è solo un passatempo rilassante: è un’esperienza costruita attorno alla quotidianità, alle abitudini e a quei piccoli momenti che spesso nella vita reale passano inosservati.

Fin dai primi minuti, è evidente che Hozy non vuole correre. E se sei abituato a ritmi serrati, potrebbe spiazzarti. Ma è proprio lì che il gioco inizia a funzionare.

Di cosa parla Hozy

La narrazione di Hozy è volutamente sottile, mai invadente. Non ci sono grandi colpi di scena né una trama tradizionale che ti trascina da un punto A a un punto B. Piuttosto, il gioco costruisce una storia fatta di frammenti, sensazioni e contesto.

Ti ritrovi immerso in un ambiente domestico, uno spazio che diventa progressivamente familiare. Non è solo uno scenario: è quasi un’estensione del protagonista, anche se quest’ultimo rimane volutamente poco definito. Questa scelta non è casuale. Hozy preferisce lasciare spazio all’interpretazione, permettendoti di proiettarti direttamente nell’esperienza.

I personaggi, quando presenti, non sono mai invasivi. Le interazioni sono leggere, spesso implicite, e contribuiscono a creare un senso di connessione senza mai forzarlo. Non aspettarti dialoghi lunghi o cinematiche elaborate. Qui tutto passa attraverso piccoli dettagli: un oggetto spostato, una routine che cambia, un elemento che suggerisce più di quanto mostri.

L’ambientazione è uno degli aspetti più riusciti di Hozy. Ogni spazio è costruito con attenzione, e si percepisce una cura quasi artigianale nel modo in cui gli ambienti comunicano emozioni. Non c’è bisogno di spiegazioni esplicite: è il mondo stesso a raccontare.

Questo approccio minimalista funziona, ma richiede una certa predisposizione. Se cerchi una trama forte e dichiarata, potresti sentirti un po’ spaesato. Se invece ti lasci andare, scoprirai una narrazione più sottile, ma anche più personale.

Il gameplay

Il gameplay di Hozy è il cuore dell’esperienza, ma non nel senso tradizionale del termine. Non ci sono sfide complesse, né sistemi profondi da padroneggiare. Qui il gameplay è fatto di azioni semplici, ripetitive solo in apparenza, che costruiscono lentamente un ritmo.

Ti ritroverai a svolgere attività quotidiane, a interagire con l’ambiente in modo naturale, quasi intuitivo. Il gioco non ti prende per mano, ma nemmeno ti lascia completamente solo. Ti suggerisce cosa fare, senza mai imporlo.

Questa libertà controllata è uno degli aspetti più interessanti di Hozy. Non ci sono obiettivi pressanti, timer o penalità. Puoi prenderti il tuo tempo, esplorare, sperimentare. E soprattutto, puoi fermarti. Sembra banale, ma non lo è: pochi giochi oggi ti permettono davvero di non fare nulla.

Le meccaniche sono volutamente essenziali. Non aspettarti combattimenti, sistemi di progressione complessi o sfide tecniche. Hozy punta tutto sull’interazione lenta e significativa. Ogni azione ha un peso, anche se minimo, e contribuisce a costruire un senso di continuità.

C’è però un limite evidente: questa struttura può risultare troppo leggera per chi cerca una vera sfida. Dopo alcune ore, potresti iniziare a percepire una certa ripetitività. Non è un difetto in senso assoluto, ma è una conseguenza diretta delle scelte di design.

Se entri nel giusto stato mentale, però, il gameplay di Hozy diventa quasi meditativo. Non è un gioco da “completare”, ma da vivere.

Livello tecnico

Dal punto di vista tecnico, Hozy non punta al realismo, ma a uno stile coerente e riconoscibile. La grafica è pulita, con un uso intelligente dei colori e delle luci. Non cerca di stupire, ma riesce comunque a creare un’atmosfera forte.

Gli ambienti sono curati nei dettagli, e anche gli oggetti più semplici contribuiscono a dare profondità al mondo di gioco. C’è una sensazione costante di armonia visiva, che si sposa perfettamente con il ritmo generale dell’esperienza.

Il comparto sonoro è uno degli elementi più riusciti. Le musiche sono delicate, mai invasive, e accompagnano il giocatore senza distrarlo. I suoni ambientali, invece, giocano un ruolo fondamentale: ogni piccolo rumore contribuisce a rendere il mondo più credibile.

Non aspettarti un doppiaggio strutturato, perché non è quello il focus del gioco. La comunicazione passa attraverso altri canali, e funziona proprio per questo.

Sul fronte delle prestazioni, Hozy si comporta bene. Non ci sono particolari problemi tecnici evidenti, e l’esperienza risulta fluida. È un gioco che gira senza sforzi e che non richiede hardware particolarmente potente, il che lo rende accessibile a un pubblico ampio.

Nel complesso, il livello tecnico è coerente con la visione del progetto. Non eccelle in senso tradizionale, ma funziona esattamente come dovrebbe.

Socialiskigrad: di cosa si tratta e come funziona il gameplay

In Socialiskigrad il giocatore inizia come sindaco di una giovane repubblica e, sviluppando città e infrastrutture, può espandere la propria influenza politica fino a raggiungere la presidenza. La struttura di gioco combina costruzione tile-based, gestione delle risorse, tasse, scioperi, servizi pubblici e sviluppo di numerosi distretti in diversi biomi. La progressione non è solo urbanistica: ogni decisione economica e infrastrutturale ha ricadute sulla stabilità politica e sul consenso popolare.

L’ambientazione post-sovietica è il punto di partenza per un sistema di gioco che guarda tanto ai classici del genere quanto alle dinamiche di potere tipiche dei regimi a partito unico. Gestire scioperi e servizi pubblici accanto alla pianificazione urbana introduce una componente sociale che va oltre la semplice ottimizzazione delle risorse, avvicinando Socialiskigrad ai gestionali con elementi di simulazione politica più che ai city builder puramente infrastrutturali.

La pagina ufficiale del gioco è disponibile su Steam, dove è possibile aggiungere il titolo alla wishlist e seguire gli aggiornamenti dello sviluppo. La data di uscita non è ancora stata comunicata.

Sgriusoft e il panorama dell’indie italiano: un genere ancora raro

Sgriusoft si inserisce in un segmento ancora poco affollato dell’indie italiano: i city builder e i gestionali complessi rimangono un territorio dominato da studi nordeuropei e anglosassoni, con poche eccezioni nazionali di rilievo. Socialiskigrad punta su un’ambientazione che non ha molti precedenti diretti nel genere, il contesto post-sovietico con la sua estetica brutalista e le sue dinamiche politiche specifiche, come elemento di differenziazione rispetto ai concorrenti.

Per chi segue il panorama degli indie su PC, il genere dei city builder ha visto negli ultimi anni una proliferazione di titoli con approcci molto diversi, dal minimalismo di Islanders alla complessità di Anno o Frostpunk. Socialiskigrad sembra voler occupare una fascia intermedia, con una struttura accessibile nella costruzione tile-based ma arricchita da layer gestionali e politici che aggiungono profondità.

Lord of Hatred non è una semplice aggiunta di contenuti. È un’espansione più ambiziosa, più corposa e più consapevole, costruita per parlare sia a chi ha seguito Diablo IV fin dal primo giorno, sia a chi aspettava un motivo concreto per tornare a Sanctuarium. Il contesto è quello di un gioco che negli anni ha ricevuto modifiche, correzioni, aggiustamenti al loot, alla progressione e all’endgame. In questo scenario, Lord of Hatred arriva con un compito preciso: dimostrare che Diablo IV può ancora crescere senza perdere la propria identità.

Il nome dell’espansione è già una promessa. Lord of Hatred richiama direttamente Mefisto, il Signore dell’Odio, figura storica della saga e presenza centrale nell’immaginario di Diablo. Non siamo più davanti a una minaccia lontana, sussurrata o soltanto evocata. Qui l’odio diventa tema, motore narrativo e atmosfera. Ogni area, ogni dialogo, ogni scontro sembra ruotare attorno a questa idea di corruzione che non distrugge solo i corpi, ma scava dentro le persone, nelle comunità e nelle fedi.

Il risultato è un’espansione cupa, densa, a tratti persino più classica nella sua anima di quanto Diablo IV fosse al lancio. Lord of Hatred guarda al passato della serie, ma non si limita a vivere di nostalgia. Recupera elementi iconici, come il Paladino, e li affianca a novità più rischiose, come il Warlock, creando un contrasto molto interessante tra fede, luce, controllo e dannazione.

Storia e ambientazione di Lord of Hatred

La storia di Lord of Hatred riprende il filo lasciato dagli eventi precedenti e lo porta verso una resa dei conti più diretta con Mefisto. Senza entrare in spoiler, l’espansione costruisce la propria narrazione intorno all’avanzata dell’odio e alle conseguenze che questa forza produce su Sanctuarium. Non si tratta soltanto di combattere demoni più grandi o boss più spettacolari. Il punto centrale è capire quanto in profondità il male sia già riuscito a insinuarsi.

L’ambientazione principale è Skovos, una regione attesa da tempo dai fan della saga. Le isole di Skovos offrono un cambio di scenario netto rispetto alle terre già visitate in Diablo IV. Qui non domina la palude soffocante di Nahantu, né il gelo crudele delle Fractured Peaks. Skovos ha una personalità diversa: antica, mitologica, luminosa in superficie ma profondamente contaminata sotto la pelle.

È proprio questo contrasto a rendere l’ambientazione interessante. Le coste, i templi, le rovine e gli insediamenti dell’arcipelago trasmettono un senso di civiltà perduta, di grandezza consumata dal tempo. Skovos sembra un luogo nato per custodire leggende, ma Lord of Hatred si diverte a sporcarle, a piegarle, a mostrare cosa accade quando persino un territorio carico di memoria e spiritualità viene raggiunto dall’influenza di Mefisto.

La scrittura mantiene il tono tragico tipico di Diablo IV. I personaggi non sono mai davvero al sicuro, e anche chi sembra mosso da buone intenzioni viene spesso trascinato in zone morali grigie. Lord of Hatred funziona perché evita di trasformare la lotta contro Mefisto in una semplice battaglia tra bene e male. L’odio, qui, non è solo il potere di un demone. È qualcosa che si propaga, che divide, che rende fragile ogni certezza.

Mefisto resta una presenza dominante. Anche quando non è direttamente in scena, il giocatore ne avverte il peso. La sua minaccia è psicologica prima ancora che fisica. Lord of Hatred riesce bene nel ricordare che i Primi Maligni non sono semplicemente mostri da abbattere, ma forze capaci di deformare il mondo e le persone.

I personaggi secondari accompagnano l’avventura senza rubare completamente la scena, ma contribuiscono a dare corpo al viaggio. Alcuni funzionano meglio di altri, ma in generale l’espansione mostra una maggiore sicurezza nel ritmo narrativo. Le missioni principali alternano momenti più spettacolari ad altri più cupi e raccolti, lasciando respirare l’ambientazione senza trasformare tutto in una corsa continua verso il prossimo boss.

Un gameplay revisionato

Sul piano del gameplay, Lord of Hatred è una delle espansioni più importanti per Diablo IV perché non si limita ad aggiungere una nuova zona e qualche attività secondaria. Blizzard interviene sulla progressione, sulle classi, sulla costruzione dei personaggi e sul modo in cui il giocatore vive l’endgame.

Il combattimento resta il cuore assoluto dell’esperienza. Diablo IV continua a funzionare quando ti mette davanti orde di nemici, effetti devastanti, abilità concatenate e loot che piove dopo uno scontro particolarmente duro. Lord of Hatred non cambia questa base, ma la arricchisce con nuove possibilità. Il ritmo resta aggressivo, fisico, soddisfacente. Ogni classe mantiene una propria identità, ma l’espansione spinge ancora di più sulla personalizzazione.

La grande novità è rappresentata dalle due nuove classi giocabili: Paladino e Warlock.

Il Paladino è il ritorno che molti aspettavano. È una classe storica, legata all’immaginario più classico di Diablo, e in Lord of Hatred viene reinterpretata con attenzione. Non è soltanto un guerriero corazzato che colpisce con armi sacre. È una figura costruita sul contrasto tra difesa, punizione e supporto. Può resistere, proteggere, potenziare e infliggere danni con abilità legate alla luce sacra.

La cosa migliore del Paladino è la sensazione di solidità. Quando lo usi, percepisci subito un’identità forte. Non è rapido e nervoso come altre classi, ma trasmette controllo. Entra nello scontro, tiene la posizione, assorbe la pressione e risponde con colpi pesanti. È una classe pensata per chi ama sentirsi al centro della battaglia, senza rinunciare a strumenti tattici e build differenti.

Il Warlock, invece, rappresenta il lato opposto. Se il Paladino incarna la fede e la disciplina, il Warlock gioca con ciò che dovrebbe essere proibito. È una classe più oscura, più ambigua, basata sul controllo di energie infernali e sull’uso di poteri demoniaci. Non serve l’Inferno: lo sfrutta. Questa idea è molto interessante perché si inserisce perfettamente nel tema dell’espansione. In un capitolo dedicato all’odio, controllare forze corrotte per combattere una minaccia ancora più grande ha un peso narrativo e ludico notevole.

Il Warlock offre uno stile di gioco più tecnico, meno immediato del Paladino, ma molto affascinante. Le sue abilità permettono di gestire gruppi di nemici, evocare poteri oscuri, creare pressioni continue sul campo e costruire build basate su danni nel tempo, controllo o esplosioni più aggressive. È una classe che premia chi ama sperimentare, perché dà l’impressione di poter essere modellata in modi molto diversi.

L’introduzione di due classi così contrastanti è uno dei punti di forza di Lord of Hatred. Non si tratta solo di “più contenuto”, ma di due modi differenti di leggere Diablo IV. Il Paladino è tradizione, ritorno, sicurezza. Il Warlock è rischio, novità, compromesso morale. Insieme danno all’espansione una varietà importante e aumentano molto la voglia di ricominciare un personaggio da zero.

Anche l’esplorazione di Skovos funziona bene. La regione è costruita con una buona varietà visiva e una struttura che incoraggia a deviare dal percorso principale. Le nuove spedizioni, gli eventi, i dungeon e le attività di fine gioco danno corpo all’espansione, anche se non sempre evitano del tutto la ripetitività tipica del genere.

L’endgame è più ricco e meglio organizzato rispetto al passato. Lord of Hatred introduce nuove attività pensate per chi vuole continuare a giocare dopo la campagna, con sfide più dure e ricompense più mirate. Il loot resta il motore principale, ma la progressione appare più leggibile. Il nuovo sistema di avanzamento degli eroi e le modifiche all’albero abilità danno maggiore libertà nella costruzione delle build, rendendo più interessante il lavoro di rifinitura del personaggio.

Non tutto è perfetto. Alcune attività, dopo molte ore, finiscono comunque per mostrare una certa ciclicità. È un limite quasi fisiologico per Diablo, ma resta presente. Inoltre, con due nuove classi e tante modifiche alla progressione, il bilanciamento non sempre dà l’impressione di essere definitivo. Alcune combinazioni sembrano più efficaci di altre, e i giocatori più attenti troveranno inevitabilmente build dominanti.

Un altro aspetto molto importante di Lord of Hatred riguarda la progressione generale del personaggio, che Blizzard ha rivisto in maniera più sostanziale rispetto a quanto sembri inizialmente. Il sistema resta riconoscibile per chi ha passato centinaia di ore su Diablo IV, ma l’espansione introduce modifiche che rendono la crescita del personaggio più fluida e meno dipendente dal farming esasperato delle fasi finali.

Le build iniziano a “funzionare” molto prima rispetto al passato, dando al giocatore la sensazione di costruire davvero il proprio stile di combattimento già durante la campagna. Anche l’albero abilità appare più aperto alla sperimentazione, con una maggiore libertà nel creare sinergie tra poteri, equipaggiamento e bonus passivi. A questo si aggiungono il ritorno del Cubo Horadrico, utilizzato per manipolare e migliorare il loot, e i nuovi Talimani, che introducono bonus aggiuntivi e una caccia all’equipaggiamento più interessante. Lord of Hatred cerca quindi di rendere la progressione meno dispersiva e più gratificante, puntando su un equilibrio migliore tra immediatezza e profondità. Il risultato è un Diablo IV più leggibile, più dinamico e soprattutto meno frustrante nella costruzione delle build di alto livello.

Nonostante questo, il gameplay di Lord of Hatred riesce nel suo obiettivo principale: dare nuova energia a Diablo IV senza tradirne la natura.

Livello tecnico

al punto di vista tecnico e artistico, Lord of Hatred conferma la forza di Diablo IV. Blizzard continua a dimostrare una cura notevole nella costruzione degli ambienti, nella direzione artistica e nella gestione dell’atmosfera.

Skovos è una delle regioni più riuscite del gioco. Non punta soltanto sull’orrore esplicito, ma su un senso di bellezza corrotta. Le rovine antiche, le coste, i templi e le aree contaminate costruiscono un’identità visiva forte. Il gioco riesce spesso a farti fermare per osservare l’ambiente, anche se pochi secondi dopo sarai di nuovo circondato da creature pronte a farti a pezzi.

Il comparto artistico lavora molto bene sul contrasto tra luce e oscurità. Questo è particolarmente evidente anche nelle due nuove classi. Il Paladino porta con sé effetti sacri, bagliori, aure e colpi luminosi, mentre il Warlock sporca lo schermo con energie infernali, evocazioni e poteri più disturbanti. La leggibilità dell’azione resta buona, anche quando lo schermo si riempie di nemici ed effetti.

Il design dei nemici mantiene lo standard elevato della serie. Le creature legate all’influenza di Mefisto sono deformi, aggressive, spesso sgradevoli nel modo giusto. Diablo IV ha sempre avuto un’ottima capacità di rendere il mostruoso credibile, e Lord of Hatred continua su questa strada.

Il sonoro è uno degli elementi più efficaci. Le musiche accompagnano l’esplorazione senza diventare invadenti, mentre gli effetti ambientali aiutano a dare vita a Skovos. Il rumore del mare, i sussurri, i colpi, le urla dei demoni e le esplosioni delle abilità costruiscono una miscela sonora molto solida. Il doppiaggio mantiene un buon livello, con interpretazioni coerenti con il tono cupo della storia.

Sul piano delle prestazioni, l’espansione si comporta generalmente bene. Nelle situazioni più caotiche possono emergere piccoli cali o momenti di confusione visiva, soprattutto durante gli eventi più affollati o nelle fasi in cui molte abilità vengono attivate contemporaneamente. Nulla che rovini davvero l’esperienza, ma qualche rifinitura resta necessaria.

Nel complesso, Lord of Hatred è un’espansione tecnicamente robusta, artisticamente ispirata e molto coerente con l’identità oscura di Diablo IV.

Di cosa parla Cthulhu: The Cosmic Abyss e come funziona il gioco

La storia si svolge in un 2053 in cui il cambiamento climatico ha devastato la superficie terrestre. Le grandi corporation, a corto di risorse, si rivolgono agli oceani inesplorati, ignare dell’orrore antico che stanno per risvegliare. Noah è un investigatore di Ancile, una divisione segreta di Interpol specializzata in affari soprannaturali. Nel corso dell’avventura riceve un impianto neurale che ospita un’intelligenza artificiale chiamata Key, sua compagna di investigazione per tutta la durata del gioco. La scelta di un protagonista di colore è deliberata: Big Bad Wolf ha dichiarato esplicitamente di volersi distanziare dal razzismo notorio di Lovecraft.

Il sistema di indagine si basa su una mappa mentale in cui le prove vengono connesse tra loro per raggiungere conclusioni deduttive. Le deduzioni finali non consegnano automaticamente la soluzione: spetta sempre al giocatore capire cosa fare concretamente con le informazioni raccolte. Ogni mistero offre percorsi alternativi e passaggi segreti da scoprire, la narrativa è ramificata e ogni capitolo dispone di due possibili esiti. Il livello complessivo di corruzione accumulato da Noah influenza le opzioni disponibili nel finale.

Il gioco non include combattimento diretto in senso tradizionale. La maggior parte del tempo è dedicata a esplorazione lenta, investigazione e risoluzione di puzzle. Cthulhu: The Cosmic Abyss è realizzato in Unreal Engine 5, con ambienti che sfidano le leggi della fisica.

Come si posiziona il gioco secondo la critica

La ricezione è stata complessivamente mista, con valutazioni che variano sensibilmente da testata a testata. I punti di accordo sono abbastanza chiari.

Sul fronte positivo la critica riconosce quasi unanimemente la qualità dell’atmosfera: la progettazione delle creature è curata, il design del suono è impressionante e la colonna sonora costruisce la tensione nei momenti giusti. Il sistema investigativo con la mappa mentale è descritto come avvincente quando funziona, capace di coinvolgere il giocatore nell’analisi delle prove per lunghi tratti.

Le critiche ricorrenti riguardano invece la pulizia tecnica al lancio: il gioco richiede di centrare un mirino estremamente piccolo sugli oggetti per interagirvi, alcuni recensori hanno riscontrato bug che bloccavano la progressione e problemi con il sistema di salvataggio automatico. Big Bad Wolf ha rilasciato patch correttive dopo il lancio indirizzando i problemi più gravi.

La durata si attesta intorno alle 8-12 ore per una singola run, con variazioni legate all’approccio all’esplorazione. Il confronto più frequente nelle recensioni è con la serie Sherlock Holmes di Frogwares, per via del sistema di connessione degli indizi. Big Bad Wolf è lo stesso studio di Vampire: The Masquerade – Swansong e The Council: chi conosce quei titoli ha già un’idea precisa di cosa aspettarsi.

Contenuti inclusi e demo gratuita

Una demo gratuita è disponibile su Steam per chi vuole provare il gioco prima dell’acquisto. Il pacchetto digitale completo include DLC aggiuntivi come la Shining Trapezohedron Quest, una colonna sonora digitale, un artbook non-euclideo e uno scenario per il gioco di ruolo da tavolo Arkham Horror.

I Hate This Place, non molto da Scooby-Doo

La storia segue Elena Rutherford, una giovane donna che torna nel ranch maledetto della propria famiglia per capire cosa sia successo a sua madre. La famiglia Rutherford sembra intrappolata in questa realtà distorta, incapace di liberarsi completamente dalla maledizione che avvolge il luogo. Elena, invece, pare avere una libertà maggiore: può entrare e uscire da questo incubo, almeno inizialmente, ma ben presto viene risucchiata in una vicenda fatta di sparizioni, creature mostruose, cultisti, fantasmi e presenze sovrannaturali.

Tra queste spicca il cosiddetto Horned Man, figura centrale del mistero e presunto responsabile del caos che ha colpito il ranch. Il problema principale, però, è che la narrazione non riesce mai davvero a valorizzare le sue premesse. Molti momenti importanti arrivano in modo quasi casuale, spesso tramite missioni secondarie che comunque potremmo mancare se vogliamo fare solo le missioni principali. Le rivelazioni non hanno sempre il giusto peso, il tizio “cornuto” non risulta particolarmente inquietante e anche la componente cospirativa, che avrebbe potuto allargare molto l’universo narrativo, resta poco approfondita. Ci sono note, documenti e frammenti da leggere, ma non bastano a dare alla storia la forza che avrebbe meritato.

Survival, stealth e combattimento

Dal punto di vista del gameplay, I Hate This Place prova a combinare survival horror, crafting, combattimento, stealth e base building. Il gioco ci porta ad esplorare il ranch dei Rutherford e le zone circostanti, tra foreste, bunker, strutture abbandonate e luoghi contaminati dalla maledizione. L’idea di base è buona con il raccogliere risorse, costruire oggetti, migliorare la propria base, evitare i nemici quando possibile e combattere solo quando necessario.

Il gioco introduce anche un sistema legato al rumore, con indicatori visivi in stile fumetto che mostrano quanto stiamo attirando l’attenzione. È forse una delle sue trovate migliori, nonostante non sia un’idea completamente nuova.
Personalmente mi è tornato subito in mente XIII di Ubisoft, con il suo linguaggio visivo da fumetto e gli effetti sonori graficati.

Tuttavia, l’esecuzione non è sempre convincente. Il combattimento risulta spesso pesante, soprattutto per via di nemici troppo resistenti, capaci di assorbire diversi colpi anche quando vengono centrati da vicino con armi potenti come il fucile.
Le granate sembrano poco efficaci, i nemici alternano momenti banali ad altri frustranti e la stamina rende gli scontri più macchinosi che tesi. Lo stealth funziona meglio in alcune sezioni, ma viene rovinato da nemici insistenti e da situazioni non sempre leggibili. Si muore spesso, si perde progresso e non sempre per colpa di un errore da parte nostra.

Esplorazione, crafting e sopravvivenza

La parte più interessante del gioco emerge quando I Hate This Place ci lascia un po’ di respiro invitandoci a esplorare, raccogliere materiali e prepararsi alla sopravvivenza. Il ciclo giorno-notte è anch’essa una delle idee migliori: durante il giorno l’atmosfera resta inquietante ma più gestibile, mentre di notte il mondo diventa molto più ostile, con mostri aggressivi e visibilità ridotta.
Bello il clima che viene a crearsi perché ci porta a pianificare meglio gli spostamenti, a capire quando rientrare alla base e a sfruttare torcia, armi e risorse con maggiore attenzione.

Il crafting non sembra inutilmente complesso e permette di creare armi, oggetti utili, strumenti da lancio e miglioramenti per il ranch. Anche la costruzione della base ha una sua funzione concreta, perché aiuta a ottenere cibo e materiali con meno fatica. Le blueprint sparse nella mappa danno un buon incentivo all’esplorazione e alcuni codici o enigmi ambientali aggiungono varietà.
Interessanti anche le indagini paranormali sui fantasmi, dove il gioco cambia leggermente registro e introduce una dimensione alternativa in cui la lanterna rivela dettagli nascosti. Sono momenti riusciti, anche se a volte poco guidati e non sempre chiarissimi nella soluzione.

La grafica a fumetto funziona sempre

Sul piano visivo, I Hate This Place è probabilmente nel suo territorio migliore. Lo stile da fumetto horror anni ’80 è forte, riconoscibile e ben adattato al linguaggio videoludico. Di giorno il mondo è colorato, quasi pop, mentre di notte diventa più cupo e minaccioso. Gli effetti della maledizione che si espandono sul terreno, le mutazioni nelle aree di laboratorio e il design dei mostri aiutano a costruire un’identità molto precisa.

Anche i menu sono curati: il taccuino di Elena, pieno di schizzi, note, missioni e mappa, è uno degli elementi più riusciti dell’interfaccia. L’estetica richiama chiaramente un immaginario horror retrò, vicino a certe atmosfere da fumetto indipendente e da racconto sovrannaturale anni ’80. Peccato che l’atmosfera non sia sempre sostenuta dalla scrittura e dal ritmo. Il gioco appare inquietante, ma raramente riesce a fare davvero paura. La paura resta più una promessa estetica che una sensazione costante durante l’esperienza.

Negli horror, il sound fa metà del lavoro

Il comparto audio accompagna discretamente l’esperienza, ma non riesce a lasciare un segno forte. Il doppiaggio è presente, però le interpretazioni non sembrano particolarmente memorabili e in alcuni momenti risultano un po’ rigide. Ci sono anche problemi di sincronizzazione o coerenza: alcune battute partono a metà, altre non corrispondono perfettamente ai balloon testuali, e in generale la componente vocale non sempre valorizza le scene.

Più gravi sono i problemi tecnici: NPC e nemici duplicati, mappe che non si aprono, missioni che non vengono segnate come completate, marker che portano nel posto sbagliato e attacchi nemici che continuano a infliggere danno anche quando l’animazione sembra ormai finita.
Ancora più fastidiosi sono i blocchi completi del gioco, perché perdere venti o trenta minuti di progresso in un survival horror non è un dettaglio trascurabile. Su PC il frame rate sembra stabile, ma su Steam Deck l’esperienza appare meno affidabile. Anche le opzioni di accessibilità sembrano piuttosto limitate, con impostazioni base per lingua, risoluzione, grafica e frame rate, ma poco altro.

Crea la più grande città pirata

Il giocatore dovrà gestire il proprio covo di pirati, creare una flotta per esplorare i mari e sfidare costantemente la Corona per mantenere alta l’Età d’oro della pirateria. Dalle botti di birra fino ai furfanti e spadaccini, sarà necessario gestire complesse catene di produzione e governare con astuzia un equipaggio turbolento al fine di di mantener il controllo sui mari. L’Età d’oro della pirateria sta per finire a meno che il giocatore non riesca a impedirlo.

Corsair Cove è un city builder che ti permette di pensare in grande, costruendo senza vincoli sia su scogliere che su colline, gestendo diversi tipi di produzione, dai cannoni alle potenti navi per poter solcare i mari in compagnia del proprio equipaggio. Sarà possibile saccheggiare e depredare le isole vicine oppure esplorare terre misteriose o produrre le merci in proprio. Sarà però necessario anche tenere il morale dell’equipaggio alto per evitare ammutinamenti.

Preparati all’arrembaggio

Il giocatore partirà da un’isola deserta con nient’altro che il relitto di una nave e un piccolo equipaggio. Sarà necessario usare l’ingegno piratesco per sfruttare le occasioni che si presenteranno. Grazie anche alla possibilità di costruire ovunque sarà possibile costruire un porto sicuro da dove partire per nuove vette nuove conquiste.

L’isola non sarà solamente la casa dell’equipaggio, ma anche un utile nascondiglio dalla Corona. Sarà possibile costruire di tutto, dagli alloggi per la ciurma alle taverne fino anche a fortificazioni difensive, in modo da costruire un porto davvero sicuro contro le incursioni nemiche. Grazie a complessi sistemi di ponti, teleferiche e congegni di vario tipo sarà possibile trasportare vari tipi di merci in modo efficiente. Estendere la propria influenza sulla vasta isola è importante per ottenere l’accesso a risorse distanti, dal ferro al rame o al legname e le fibre. Ma attenzione: mano a mano che gli edifici si espandono, gli spostamenti diventano più difficili da gestire in maniera efficiente. La minaccia incombente dei lacchè della Corona richiederà una flotta in risposta e una popolazione che cresce necessiterà di maggiori risorse e catene di produzione per soddisfare i suoi bisogni.

Tra bottiglie di Rum

Una flotta maggiormente equipaggiata necessita attrezzature più avanzate e equipaggi specializzati. Ci vuole molto per irritare i pirati, ma a lungo andare se le loro esigenze vengono ignorare non esiteranno ad abbandonare la causa, lasciandovi completamente alla deriva.

Per riuscire a conquistare i mari, le navi più potenti avranno bisogno specialisti come bombardieri e navigatori, e di tutta una serie di oggetti specifici, come cannocchiali, medicine, sciabole e tanto altro. Le navi più formidabili invece necessiteranno di marinai d’élite, dai discendenti dei primi bucanieri ai corsari veterani che richiederanno una fornitura costante di tabacco, pistole e bende per gli occhi.
Sarà necessario affinare le catene di produzione per fabbricare e distribuire oltre 50 tipi di merci: cibo, dalle gallette al pollo arrosto, vestiti, dai semplici pantaloni agli abiti eleganti, e tutto il resto, dalle protesi di legno alle bottiglie di alcolici e alle armi di ogni calibro.

Aldilà del mare

I mari aldilà dell’isola sono vasti e ricchi di opportunità ma anche di pericoli. Il giocatore dovrà costruisci navi ma anche stringere anche alleanze per contrastare la Corona. Andare alla ricerca di stupendi tesori ma anche confrontarsi con pericoli come i feroci kraken e minacce ultraterrene e pirati leggendari da aggiungere alla propria ciurma.

Sarà possibile aiutare i contrabbandieri con le loro merci, cercare tesori nascosti, giocare d’azzardo e saccheggiare flotte nemiche. Inseguire e intercettare navi nemiche ingaggiandole in combattimenti a turni la cui scelta della nave, dell’equipaggio e del capitano, unità alla abilità tattica del giocatore, determinerà il vincitore.

Scegli la tua rotta

Corsair Cove sembra offrire al giocatore la libertà di scelta che ogni fan del mondo dei pirati si aspetta di avere. Affrontare le missioni al proprio ritmo, sviluppare la propria società attraverso una vasta scelta di possibilità che meglio si adattano al proprio stile di gioco.

Questo nuovo gioco sembra promettere molto ai fan del genere, non resta che aspettare e vedere se queste promesse verranno mantenute. Al momento non resta che attendere l’annuncio della data precisa, al momento ferma ad un generico 2026. Il gioco uscirà per PC su Steam, Epic Games Store e Microsoft Store in diverse lingue tra cui l’italiano.

Come riscattare i codici in Rocket League

La procedura è semplice e funziona allo stesso modo su tutte le piattaforme, sia su PC che su console. Avvia Rocket League e, una volta nel menù principale, entra in Impostazioni. Da lì, spostati sulla scheda Extra, all’estrema destra del menù, e seleziona Utilizza codice. Si aprirà una schermata dove potrai digitare il codice: dopo aver premuto il tasto di conferma, se il codice è valido tornerai automaticamente alle impostazioni senza ricevere messaggi di errore. Esci nel menù principale e il cosmetico sbloccato apparirà con una notifica a schermo direttamente nel tuo inventario.

Un dettaglio importante: i codici sono sensibili alle maiuscole e alla punteggiatura, quindi inseriscili esattamente come indicato qui sotto.

I codici attivi ad aprile 2026

Al momento è attivo un solo codice, verificato e funzionante:

• popcorn — sblocca il boost di rarità Limited “Popcorn”, che emette chicchi di popcorn e il classico suono del mais che scoppietta. È il codice attivo da più tempo nella storia di Rocket League.

I codici possono scadere senza preavviso, soprattutto quelli legati a eventi o collaborazioni. È quindi consigliabile riscattarli il prima possibile. Per restare aggiornato sui nuovi codici, il modo più rapido è seguire i canali ufficiali di Rocket League su X e YouTube, oppure tenere d’occhio le trasmissioni degli eventi RLCS: spesso i nuovi codici vengono rilasciati proprio durante i broadcast.

Biker, legami e tanta azione

La storia verte su una banda di giovani motociclisti che si scioglie alla scomparsa del loro leader. Cinque anni dopo il leader e il suo migliore amico si ritrovano in un mondo post-apocalittico, decidendo di percorrere la strada insieme alla ricerca di cosa sia successo durante quel periodo di tempo.

Fin da subito è percepibile la volontà di continuare con quello stile distintivo tipico dell’autore, fatto di malinconia, personaggi dai caratteri profondi e gameplay ristretto all’osso. Lo sviluppatore però questa volta cambia le carte in tavola e cambia radicalmente anche l’ambientazione, spostandosi in un contesto post-apocalittico che vuole ampliare l’esperienza di gioco.

Una storia di amicizia

Approfondendo ulteriormente la storia vediamo che al centro di tutta la narrazione troviamo infatti una giovane banda di biker che decide di sciogliersi a causa della misteriosa scomparsa del proprio leader. Cinque anni dopo, il protagonista della storia è River, il migliore amico del leader, che ritrova per caso Cosmo, il suo vecchio amico in un mondo ormai cambiato.

L’incontro però non è quello che River si sarebbe aspettato. Cosmo infatti sembra apparentemente lo stesso di sempre, ma qualcosa non sembra tornare. Questa sensazione diventa il punto di partenza di una storia costruita su relazioni, dubbi e tensioni personali. Elementi che da sempre caratterizzano le opere di Yeo.

Il viaggio di River infatti non è solo un viaggio fisico, ma anche profondo ed emotivo. Seguire il suo vecchio amico Cosmo non significa solo andare in cerca della verità ma anche mettersi di fronte al proprio passato e con tutto ciò che è rimasto irrisolto.

Gameplay ristretto all’osso

The Concrete Sutra #1 sembra proporre un sistema di gameplay che unisce elementi da Beat’em up a scorrimento tipici dello sviluppatore con una struttura narrativa più complessa e approfondita. L’approccio al gioco è essenziale: niente progressione complessa con alberi delle abilità o lunghe sessioni di crescita del personaggio.

L’attenzione è posta tutta sull’azione e sull’esperienza diretta. I combattimenti sembrano risultare semplici ma efficaci, supportati dall’utilizzo di armi e oggetti creando un gameplay semplice ma coinvolgente.

La durata dell’esperienza come per il gamplay è breve ma intensa, in base al tipo di approccio può durare tra un’ora e mezza e due ore. Come altri titoli del genere è pensata per essere vissuta più come un’esperienza da vivere tutta d’un fiato.

Attività secondarie e esplorazione

Mentre si avanza verso la conclusione della storia il gioco ha previsto alcune storie secondarie create per aumentare l’esperienza di gioco. Queste missioni opzionali offrono un ottimo momento di svago dalla storia principale ma offrono anche un’approfondimento al mondo di gioco.

Sono previste anche diverse modalità tra cui la modalità storia e quella arcade. L’esplorazione gioca un ruolo importante all’interno della lore di gioco ed è consigliato, anche per allungare un pò l’esperienza, di lasciarsi andare alle sottostorie, in modo da comprendere meglio cosa sia successo al mondo di gioco.

Questa nuova opera dell’autore di Friends of Ringo Ishikawa e Fading Afternoon è in uscita a breve, per il momento il gioco sarà tradotto solo in Cinese, Inglese e Russo, vista la traduzione dei suoi precedenti giochi anche in altre lingue è lecito pensare che in futuro arriveranno altre traduzioni. Al momento però la lingua italiana non è prevista in nessuno dei suoi giochi. Il gioco al momento uscirà solo su Pc tramite Steam, in futuro, visto l’arrivo dei suoi precedenti giochi anche su Switch è plausibile pensare che arriverà anche lì. Per il momento occhi aperti a tutti i fan, il prossimo mese potranno tuffarsi nella nuova avventura di Yeo.

Molti bug sono stati sistemati, come ad esempio il crush che avveniva utilizzando degli specifici incantesimi, scale che non funzionavano o oggetti che non apparivano nel menù. Inoltre, la stamina è stata aumentata e il danno preso da esplosivi ridotto.

Tombwater: la trama

Questo gioco di avventura 2D in pixel art mischia lo stile di combattimento soulslike con quello di avventura dei vari Zelda, ma è ambientato in una cittadina western desolata. Il protagonista è un pistolero alla ricerca del suo amico perduto, che si ritroverà insieme a lui in questo posto dimenticato da Dio e pieno di nemici inquietanti e minacciosi. Ma per contrastarli sarà possibile utilizzare oltre 50 armi come pistole, lame e addirittura lanciare incantesimi, usare amuleti protettivi e costruire diversi oggetti che saranno di molto aiuto durante le battaglie.

Attraverso scenari variegati come canyon, miniere, foreste e praterie, Tombwater offre anche tante zone segrete ed opzionali, esplorabili interagendo con gli NPC e accettando le loro quest. Fino al 14 aprile, il gioco sarà disponibile a 20,39€ con lo sconto del 20%, e a 25,85€ per la versione deluxe, che comprende soundtrack e art book.

Mettetevi comodi e lasciatevi cullare dalle note

In Wax Heads i giocatori vestiranno i panni di un neo assunto alla Repeaters Records, uno storico negozio di vinili famosi per la capacità dei suoi addetti nel consigliare sempre l’album giusto al cliente giusto. I tempi però sono cambiati, e con essi anche il modo di porsi verso i clienti. Per mantenere vivo il famoso negozio il giocatore dovrà scegliere se dedicarsi con passione ai clienti più eccentrici o mettersi a chiacchierare con i colleghi.

Wax Heads è un gioco di simulazione narrativa cozy-punk sul lavoro in un negozio di dischi in difficoltà. I giocatori potranno chiacchierare con clienti eccentrici dai giusti unici, esplorare una collezione di dischi fatti a mano, innamorarsi delle band(e dei loro drammi!) o semplicemente rilassarsi con i propri colleghi.

Caratteristiche Pricipali

Simulazione di vita cozy-punk immersiva

Wax Heads offre una simulazione di vita cozy-punk immersi: il giocatore potrà perdersi in una narrazione emozionante e stimolante su comunità, misteri musicali e spirito di sfiducia. Aiutare clienti accattivanti e indecisi a trovare i loro dischi perfetti mentre si discute di musica con propri adorabili colleghi. Il suo compito è aiutare la Repeater Records a ritrovare il suo ritmo!

Colonna sonora originale da urlo

Attraverso una colonna sonora originale e unica, il giocatore verrà trasportato da un sound ricco di decine di brani originali che spaziano tra generi, band ed epoche diverse. Ogni canzone è creata per essere un gioiello nostalgico. Da pezzi da cantina truci a pezzi indie sognanti e profondi. È una playlist creata per risuonare nella testa di chiunque giochi anche dopo aver smesso di giocare.

Collezione di dischi artigianali

Sarà possibile frugare tra casse piene di oltre 80 album disegnati a mano, band immaginate con amore e note di copertina che premiano la curiosità. Ogni disco ha la sua personalità, la sua storia e la sua fanbase. La band Metal Jarhead ha davvero ucciso il suo cantante e gli ha messo la testa in un barattolo? È vero che il rapper RXXX era un presentatore televisivo per bambini? Qualcuno ha mai visto Mimi?

Motley Crew of Loveable Oddballs

Repeater Records è gestito e frequentato da un cast a rotazione di eccentrici, nerd della musica e clienti abituali caotici. Ogni personaggi è pieno di personalità, stranezza e opinioni discutibili su cosa sia la “vera musica”. Il giocatore dovrà imparare a conoscerli e a godersi le loro chiacchiere, dopotutto, sono loro l’anima del negozio!

Casse di enigmi da risolvere

Dalle richieste dei clienti alle bizzarrie del negozio, il gioco permette inoltre di immergere il giocatore in una varietà di enigmi intimi. Il giocatore dovrà decodificare gli indizi e andare a caccia del consiglio musicale perfetto sfogliando dischi, scorrendo i social media e studiando attentamente le riviste musicali locali. Il gioco potrebbe anche mettervi a gestire le luci per le band locali, a progettare poster per concerti e a impacchettare ordini!

I creatori di Wax Heads

I creatori di Wax Heads, Patattie Games è costituito da un duo indie punk composto da due sviluppatori, il creativo Murray Somerwolff(Welcome to Elk, Spitkiss, Dead Pete Unleashed) e il programmatore creativo Rothio Tome(ex ingegnere di supporto per sviluppatori UNITY e uno dei più famosi streamer spagnoli GameDev).

Proprio il direttore creativo Murray Somerwolff di Patattie Games durante una intervista ha dichiarato:

“Con Wax Heads vogliamo riportare la magia della connessione umana attraverso la musica. Desideriamo celebrare e riaccendere la passione per la scoperta musicale in uno spazio fisico, quella sensazione unica di frugare tra gli album, trovare qualcosa da stringere tra le mani, una canzone in cui perdersi o una nuova band da amare”

In uscita il 5 Maggio su PlayStation 5, Xbox Series, Switch e PC su Steam, questo interessante gioco di simulazione narrativa a tema dischi si propone come un’interessante alternativa a tutti quei giochi di simulazione portando con sé uno stile unico e una vera passione per la musica. Il gioco sarà tradotto in diverse lingue tra cui però al momento non figura l’italiano, speriamo che presto venga localizzato anche da noi, nel frattempo però sarà possibile giocarlo in inglese.

Secondo la maggior parte delle dottrine cristiane tutt’ora esistenti, la Pasqua ha un significato più intimo rispetto alla semplice rinascita a nuova vita del mondo simboleggiata dal rifiorire degli alberi e dal ritorno degli uccelli migratori, ovvero la resurrezione di Gesù di Nazareth, a propria volta simbolo della promessa di vita eterna portata all’umanità grazie al suo sacrificio sulla croce.

Ebbene, non serve essere cristiani per testimoniare un ritorno dal regno dei morti. Anche il mondo videoludico, infatti, ha i propri risorti.

Quella che ti propongo in questo articolo è una carrellata di cinque personaggi tornati (o riportati) indietro dalla morte, i quali, a onor del vero, sarebbero molto più di cinque. Tuttavia, per rendere la lettura più leggera, ho selezionato quelli più conosciuti e più amati (magari c’è anche il tuo preferito. Chissà!). Onorevole menzione va a Sir Daniel Fortesque, intramontabile protagonista di Medievil, che non ho volutamente inserito in quanto si tratta di un mostro sacro del mondo videoludico.

Prima di iniziare, ti avviso che saranno presenti numerosi spoiler, per cui, se non vuoi incorrere in uno di essi perché magari non hai ancora giocato i titoli di cui uno o più personaggi tra questi sono protagonisti, ti consiglio di saltare i paragrafi a loro dedicati. Cominciamo!

1. Dante (Dante’s Inferno)

Se come me hai già una certa età, forse ricordi ancora Dante’s Inferno, un capolavoro uscito nel 2010 in esclusiva su PlayStation 3 che riproponeva in chiave horror gli eventi descritti nella prima cantica della Divina Commedia, l’opera poetica più importante della letteratura italiana. In quest’avventura dinamica, dal gameplay quasi identico a quello dei primi God of War, abbiamo come protagonista lo stesso autore del poema, Dante Alighieri, nelle inusuali vesti di un crociato di ritorno dalla Terra Santa per salvare l’amata Beatrice dalle grinfie di Lucifero, che vuole fare della ragazza simbolo della purezza femminile la sua infernale regina.

Più che di vera e propria resurrezione, qui si parla di fuga dalla morte, o meglio di sconfitta della morte. L’evento avviene in pieno early game: Dante, impegnato nel sanguinoso assedio della città di San Giovanni d’Acri, viene ferito alle spalle da un guerriero musulmano. Caduto in ginocchio e agonizzante, gli viene incontro la Morte stessa, che gli annuncia perpetua dannazione a causa dei propri peccati.

Il poeta crociato, illuso sulla propria immacolatezza dalle parole ingannevoli di un sicofante religioso, il quale aveva garantito a lui e compagni d’armi indulgenza plenaria grazie alla partecipazione alla spedizione contro gli infedeli, non accetta il verdetto del Tristo Mietitore, e lo affronta in battaglia in una dimensione alternativa interpretabile come la “via per l’Aldilà” (che bello, una boss fight a inizio gioco). Lo scontro si conclude con la vittoria di Dante, che decide di tenere per sé la falce del suo avversario, che diverrà la sua arma principale per praticamente tutto il gioco.

2. Geralt di Rivia (The Witcher)

Se hai giocato la meravigliosa trilogia di The Witcher sai già che farlo significa di fatto spoilerarsi la trama dei sette romanzi dello scrittore polacco Andrzej Sapkowski, i quali per primi raccontano le avventure del cacciatore di mostri Geralt di Rivia. Lo strigo dalla bianca chioma e dagli occhi ambra, infatti, era rimasto ucciso alla fine dell’ultima delle sopracitate opere letterarie (La Signora del Lago) in un modo piuttosto poco piacevole (infilzato dal forcone di un rabbioso contadino xenofobo). Stessa sorte era toccata poco dopo alla sua amata Yennefer di Vengerberg, stremata dallo sforzo magico compiuto proprio per tentare di salvare Geralt.

CD Projekt Red, che ha preso le redini degli eventi almeno fino a La stagione delle tempeste, ottavo capitolo letterario della Saga di Geralt di Rivia, uscito in Polonia nel 2013, ha continuato la storia più o meno da dove si era interrotta, ponendo un Geralt in preda ad una grave amnesia fuori dalla fortezza di Kaer Morhen, dimora degli strighi della Scuola del Lupo. Nel seguito del primo The Witcher (2007) si giunge a scoprire cosa è effettivamente successo: sia Geralt che Yennefer, in punto di morte, erano in realtà stati salvati da Ciri, allieva e figlia adottiva di Geralt, e da lei portati sull’isola di Avalon.

L’idillio dei due amanti viene tuttavia interrotto da un attacco della Caccia Selvaggia, un’orda di potenti stregoni elfi che rapisce Yennefer. Raggiunti gli aguzzini della sua metà, Geralt gli si offre in cambio della libertà di lei. Accettata la proposta e opportunamente cancellata la memoria della maga dai capelli corvini, la Caccia Selvaggia finisce col perdere anche il suo nuovo accolito. La fuga dello strigo si collega direttamente con gli eventi del primo episodio videoludico.

A conti fatti, la resurrezione di Geralt potrebbe essere interpretata come una metafora di rinnovamento metanarrativo, in questo caso di un personaggio che da letterario si fa videoludico.

3. John Marston (Red Dead Redemption)

Chiunque abbia giocato il leggendario Red Dead Redemption (2010) di Rockstar Games è rimasto senza dubbio traumatizzato dall’iconica morte di John Marston, simbolo della fine dell’era del Selvaggio West e dei fuorilegge. Questo tema è stato ripreso anche nel titolo prequel Red Dead Redemption II (2018), dove il pistolero ricompare in tutta la sua durezza, sebbene più giovane di circa dodici anni.

L’epopea di questo antieroe, che sembrava aver incontrato il proprio destino sull’uscio del proprio fienile, crivellato di colpi, in realtà ottiene una ben orchestrata espansione dal sapore horror nel DLC Red Dead Redemption: Terrore dall’Oltretomba, dopo la fine del quale il bandito dal grilletto facile riemerge letteralmente dalla propria tomba in forma di non-morto. Tutto ciò a causa della reiterazione della maledizione da lui stesso sventata a causa della necrofilia (e tafofilia) del suo collaboratore Seth Briars, comparso sia nell’early game della storia originale che nel DLC appena citato.

4. Talion (La Terra di Mezzo)

Il protagonista dei due titoli action RPG ispirati (ma non al cento per cento conformi) alle opere di J.R.R. Tolkien pubblicati da Warner Bros. Interactive Entertainment possiede un soprannome molto eloquente: il Senzamorte (sì, lo so che esiste un solo e unico Senzamorte e si chiama Durin I). L’origine di questo epiteto è ben manifesta: basta anche solo iniziare La Terra di Mezzo: L’ombra di Mordor (2014) per assistere al ritorno del ramingo di Gondor posto a guardia del Cancello Nero dalla morte a causa di una terribile maledizione impostagli dalla Mano Nera di Sauron, che gli impedisce di trovare l’eterno riposo in compagnia di sua moglie e suo figlio.

In questo caso si può dire che siamo in presenza di non una ma molteplici resurrezioni, visto che a ogni eventuale morte, Talion ritornerà sistematicamente in quanto, per l’appunto, incapace di morire, consentendoci di proseguire l’avventura.

5. Kratos (God of War)

L’ultimo di questa rassegna pasquale, ma il primo nel cuore di tantissimi gamer (forse anche nel tuo) è il dio della guerra più amato del mondo videoludico. Un personaggio in continua evoluzione, controverso, carismatico e dotato di uno spessore psicologico quasi senza pari che, nel corso delle sue gesta cantate fin dall’ormai lontano 2005, è letteralmente tornato dall’Oltretomba (anzi da diversi oltretomba) diverse volte. Dall’Ade di God of War III (2010) al Helheim del God of War del 2018, passando per le sue diverse morti, apparenti o reali che fossero, rispettivamente per mano di Ares (God of War, 2005), Zeus (God of War II, 2007) e sé stesso (God of War III).

Questi numerosi ritorni alla vita dell’uomo che si è fatto dio e del dio che è tornato uomo fanno di Kratos quasi un’allegoria dell’animo umano, incatenato alle proprie convinzioni, religiose e non, e allo stesso tempo desideroso di liberarsene, finendo poi per rimpiangerle disprezzandole al tempo stesso.

Giunti alla fine di questo lungo ma spero piacevole excursus, colgo l’occasione per augurarti, da parte di tutti noi di iCrewPlay, una buona Pasqua.

Gli easter egg di Read Dead Redemption

• Dopo i titoli di coda di Red Dead Redemption 2 si riprenderanno i comandi di John mentre parla con Abigail in un punto specifico della mappa. Esattamente dove verranno seppelliti alla fine del primo capitolo.
• The Strange Man, ovvero “lo strano tizio” che solo John può incontrare in Red Dead Redemption, è il personaggio più misterioso della saga. Appare in diversi interni del vasto mondo di gioco, tra cui in RDR2. Per l’esattezza in un dipinto, che prenderà gradualmente forma, in una capanna abbandonata nel Lemoyne, sotto la quale giace la stranamente perfetta carcassa di un alligatore in gabbia.
• Proprio come in GTA V è possibile aver un incontro ravvicinato con un UFO. L’evento si sblocca dopo aver recuperato un sermone particolarmente inquietante in un capanno di caccia nell’Heartlands. Tornandoci alle 2 di notte si potrà avvistare l’oggetto volante non identificato.

• Non solo UFO, in RDR2 è possibile imbattersi nel fantasma di una donna nei pressi di Lagras e in un treno fantasma se, verso le 3 di notte, ci si ritrova a passare accanto ai binari nel Lemoyne.

Gli easter egg di Assassin’s Creed

• Nel secondo capitolo della saga, mentre si fa parkour tra i tetti, si può sentire un dialogo tra due NPC che parlano di un secondo crociato incappucciato. Riferimento esplicito al cavaliere oscuro: Batman.
• In Valhalla, accedendo al laptop di Layla, è possibile leggere alcune mail con riferimenti alla pandemia COVID.
• Sempre in Valhalla, e sempre nel laptop di Layla, si possono ascoltare file audio di Desmond Miles: il primo protagonista della saga.
• Nel primo capitolo, dopo aver lasciato Masyaf, avremo l’opportunità di uccidere silenziosamente l’assassino Jamal. Questo è possibile in quanto Jamal è colui che ha tradito l’ordine aprendo le porte della città ai Templari. In realtà questo ci è permesso in quanto sarebbe dovuto essere l’obiettivo di una missione che poi è stata eliminata.
• Easter egg e riferimenti alla saga sono praticamente in ogni media. Da Skyrim a Dead sland, da Far Cry 3 a Dragon Age II, fino ai Simpsons.

Gli easter egg di Metal Gear

• In Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, ultimo capitolo dell’arco narrativo di Solid Snake, è possibile imbattersi nel primo elicottero abbattuto da lui abbattuto nel primo capitolo.
• Nella missione secondaria 112 di Metal Gear Solid V: Phantom Pain è possibile salvare niente meno che Hideo Kojima. La missione non è altro che un “copia e incolla” della prima missione “Arti Fantasma” in cui dobbiamo salvare Kazuhira Miller.

• Sempre in Phantom Pain, se si torna alla base particolarmente sporchi e con Quiet come spalla, la bellissima cecchina ci regalerà una doccia bollente insieme a lei.

Questi sono solo alcuni dell’infinità di easter egg che sono stati scoperti nei giochi sopra citati. Chissà quanti ancora sono nascosti nelle immense mappe di questi fantastici open world.

Una spia come nessun’altra

Grazie alle informazioni fornite da ZA/UM possiamo farci una idea più specifica di quello che lo sviluppatore ha in serbo per i videogiocatori:

ZERO PARADES si pone come un videogioco di spionaggio ricco di storia. Il videogiocatore sarà portato ad entrare nei panni di un agente dalla mente brillante ma tormentata, impegnato in una missione disperata. Il protagonista dovrà ricostruire la propria rete distrutta, districare una sanguinosa ragnatela di intrighi e alla fine della storia dimostrare il proprio valore o mandare di nuovo tutto in fumo.

Il giocatore impersonerà i panni della brillante ed esausta Hershel Wilk, nome in codice Cascade. Cinque anni prima ha condotto una squadra nell’abisso e da quel momento viene perseguitata dai propri fallimenti. Ora viene richiamata all’azione per un misterioso incarico che potrebbe dargli l’opportunità di riscattarsi.

Il giocatore nei panni di Hershel Wilk si ritroverà coinvolto in una lotta a tre per il potere culturale e ideologico, ambientata in una città nuova e indimenticabile. In ZERO PARADES il mondo stesso agisce come un personaggio, con i suoi segreti, traumi e miracoli da scoprire.

L’improvvisazione è la chiave della sopravvivenza

Durante il gioco è possibile che non tutte le missioni vadano come previsto, ciò che però conta è come ci si rialzi da ogni sconfitta. Come un operatore, i tuoi dati sono nelle mani del destino. Se non vanno come avevi programmato sarà necessario trovare nuove strade improvvisando e sperare che le conseguenze siano accettabili.

Quando le cose si fanno difficili avere un amico accanto fa la differenza. Purtroppo per te però Hershel non è il tipo da farsi degli amici e ti toccherà affrontare tutto da solo. Ti ritroverai infatti ad affrontare banchieri internazionali, tecnofascisti stranieri, doppelganger psichici, un presentatore paranoico, un uomo con una scatola al posto del cuore e molti altri. Ogni personaggio che incontrerai nel corso dell’avventura ha i propri obbiettivi, le proprie convinzioni e i propri segreti da svelare e sfruttare a tuo vantaggio.

Caratteristiche principali

• Diventa un’anti-icona: gioca nei panni di Hershel, brillante, implacabile, magnetica e… maledetta. Un’ex agente operativo di punta il cui tocco riduce tutto in cenere. Pericolosa tanto per i suoi nemici quanto per i suoi amici.
• Spionaggio reinventato: immergiti in un mondo clandestino di cancellazione della memoria, programmi spaziali falliti e pop star finanziate dallo stato. Questo è lo spionaggio senza fronzoli: niente parate, niente lieto fine, almeno probabilmente non per te.
• Imparare dagli errori: nelle vita di un agente operativo il fallimento è inevitabile. Qui si apre un’altra strada: ogni passo falso spalanca porte che il successo potrebbe superare in un attimo.
• Un GDR di spionaggio ricco di storia, dallo studio che ha creato Disco Elysium. Un mix di profondità psicologica tipica dei romanzi di spionaggio, sfumature surreali e personaggi ben delineati.
• Una questione di identità: chi sei quando nessuno ti guarda? O, almeno, quandocredi che nessuno ti stia guardando? In ZERO PARADES la risposta ti definirà molto di più del semplice incarico. Affronta il terrore della realtà rinunciando a parti di te stesso e cerca di non impazzire nel frattempo.

Questo nuovo ed interessante progetto di ZA/UM sembra aprire le porte ad un gioco ricco di contenuti e dalla struttura avvincente. Il gioco è in uscita il 21 maggio e sarà localizzato per il momento solamente in inglese, speriamo che l’italiano arrivi in occasione della sua uscita su PlayStation 5. Al momento del gioco è possibile scaricare una demo disponibile su Steam.

Therapy Simulator: conversazioni e scelte morali

Il cuore della demo è il sistema di dialoghi ramificati con i pazienti: ogni risposta contribuisce a delineare il “profilo” del terapeuta che stiamo costruendo, oscillando tra approcci più bruschi e altri più professionali o empatici. La metrica è doppia: karma e XP. Agire in modo aggressivo o derisorio erode il karma limitando molte opportunità, mentre rispondere con empatia e metodo lo accresce, ampliando l’afflusso di pazienti e la reputazione dello studio.

È un impianto semplice ma leggibile, con il pregio di comunicare uno stile relazionale con conseguenze sistemiche. Al netto di questo, la demo fa intravedere i limiti del modello: scelte “cattive” producono prevedibilmente crolli, ma per reggere nel tempo serviranno dialoghi sfaccettati, dilemmi senza esito univoco, interazioni cumulative (ricadute in appuntamenti successivi) e trame personali che evolvono. Buona l’idea del patient sheet consultabile prima del colloquio: introduce pianificazione e responsabilizza.
Meno felice, per ora, l’hitbox di interazione coi pazienti, a volte capriccioso; sembra banale, ma in giochi basati su ritmo conversazionale un click mancato spezza l’immersione. Apprezzabile l’annuncio di più opzioni di dialogo nella roadmap: non basta allungare il testo, serve progettare “architetture” di conversazione, con stati emotivi, trigger tematici, e ritorni che riconoscano il nostro passato. Così il karma smette di essere “semaforo verde/rosso” e diventa identità professionale in evoluzione.

Gestione dello studio e progressione

Il trittico Calendario – Management – Negozio è la vena gestionale del progetto. In calendario si fissano gli slot di visita; nel management si intravvedono assunzioni (assistente, segretaria, ruoli “segreti”) e perfino elementi bizzarri alla “therapy horse/cat/dog”; nella crescita si parla di espansione dell’ufficio e dell’area, con un orizzonte da studio che diventa “mini-impresa”. C’è pure un accenno a bollette e affitti, che potrebbero trasformare il conto economico in vincolo ludico interessante: pianificare il flusso pazienti, bilanciare reputazione e margini, evitare overbooking e burnout.

Oggi, però, quasi tutto è potenziale: il denaro si accumula ma non si spende, l’XP si ferma attorno ai 40 punti, il negozio (arredi, tavoli, quadri) non entra davvero nel ciclo del valore, e la lingua di certe voci del pannello management non è localizzata. In questo stallo, la progressione perde mordente: senza sblocco di sistemi (stanze, strumenti, team), l’atto di “curare–incassare–vedere il report” rischia di farsi routine. La chiave per la release sarà chiudere il circuito: denaro → investimenti → servizi/comfort → più afflusso/miglior esito → reputazione/karma → nuove possibilità meccaniche. Se a questo si aggiunge reclutamento significativo (assistenti con tratti e sinergie), agende che si popolano in modo sistemico e arredi con tag gameplay (privacy acustica, comfort, decor) misurabili nel comportamento dei pazienti, il simulatore potrebbe guadagnare profondità e ritmo loop-to-loop.

Un’interfaccia non male

Sul fronte tecnico, il titolo gira fluida e non è esigente: bene, perché la semplicità grafica lascia risorse a UI leggibile e testi corposi. Proprio qui, però, sarebbe utile avere font e pannelli migliori dato che non sempre armonizzano con lo sfondo; i report giornalieri (pazienti trattati, XP, entrate/uscite, saldo finale) sono chiari nell’intento ma potrebbero beneficiare di gerarchie visive migliori (peso tipografico, colori funzionali, microiconografia) e di storico consultabile per analisi a medio periodo.

Per quanto riguarda la qualità di gameplay quotidiano, oltre al salvataggio, aiuterebbero: tooltips su ogni modifica ambientale con effetti simulativi chiari; log conversazionale rivedibile; filtri per agenda e tipologie di caso; preset di risposta salvabili; test di usabilità per sanare hitbox e “zone morte” del mouse. L’audio, abbastanza discreto, potrebbe adottare cues diegetici (rumori d’ufficio, suoni di pagina) per feedback sottili; la musica dovrebbe modulare con la tensione del colloquio più che restare tappezzeria. Infine, un tutorial interattivo breve e ripetibile, separato dalla narrativa dell’intern, alleggerirebbe l’onboarding e renderebbe la prima mezz’ora meno ridondante nelle run successive.

Potenziale, rischi e prospettive etiche

Il nodo più delicato è il tono. Il titolo dimostra che si può strizzare l’occhio all’ironia senza gettare alle ortiche il rispetto: alcune linee di dialogo veicolano buon senso psicoeducativo e mettono l’accento sull’ascolto. Detto questo, la finzione terapeutica chiede responsabilità di design. Un’ottima idea è la proposta di modalità “seria/non seria”: consentire a chi vuole un’esperienza sobria di disattivare costumi e gag mantiene inclusivo il gioco. Ancora più importante è evitare che le scelte “vincenti” si traducano in ricette semplicistiche: meglio premiare processi (ascolto, validazione, esplorazione) che battute magiche. Il karma non dovrebbe funzionare da “moralometro” binario, ma anzi riflettere coerenza professionale, limiti, deontologia (inviare, quando serve, a figure esterne; riconoscere quando non si è adatti a trattare un caso).

Sul piano sistemico, un “empire builder” di studi rischia di mercificare la cura: la scrittura dovrebbe ammettere ambiguità e costi, non solo bonus, e ricordare che non siamo “salvatori” ma professionisti con vincoli.

Il rock è la musica del diavolo. Vero!

Dal punto di vista narrativo, Devil Jam non punta su una trama esplicita o particolarmente articolata, ma costruisce comunque un contesto tematico coerente con la sua identità. Il gioco ci mette nei panni di un musicista intrappolato negli inferi, costretto a combattere orde di demoni utilizzando la musica come arma principale. Non c’è una progressione narrativa tradizionale fatta di dialoghi o cutscene. Tutta la lore e la storia emerge piuttosto attraverso l’atmosfera, lo stile visivo e il loop di gameplay, tipico dei roguelike. Devil Jam non racconta tanto una storia quanto un’esperienza: quella di un musicista dannato che trasforma il suono in violenza per imporsi in un mondo infernale.

Devil Jam: ritmo e strategia

Una delle caratteristiche più interessanti di Devil Jam è il tentativo di integrare il ritmo all’interno del sistema di combattimento, anche se questo elemento non risulta sempre incisivo come ci si potrebbe aspettare. Gli attacchi, infatti, si attivano automaticamente seguendo una cadenza regolare, permettendo al giocatore di concentrarsi principalmente sul movimento, sul posizionamento e sulla gestione delle risorse, in pieno stile survivor-like.
Questo approccio semplifica l’azione senza renderla superficiale, soprattutto grazie alla presenza di una griglia di abilità a 12 slot che introduce una componente strategica significativa: ogni arma, buff o passiva occupa uno spazio e può interagire con gli elementi adiacenti, incentivando il giocatore a pianificare attentamente le proprie combinazioni.

Più che sul tempismo musicale, quindi, il gameplay si fonda sulla costruzione della build e sull’ottimizzazione delle sinergie. La possibilità di attivare o disattivare l’auto-aim aggiunge ulteriore flessibilità, adattandosi sia a chi preferisce un’esperienza più immediata sia a chi cerca un controllo più attivo tramite la mira manuale. Nel complesso, il gioco propone loop intensi e progressivamente più impegnativi, in cui la sopravvivenza contro orde di nemici e boss rappresenta il fulcro dell’esperienza, mentre il ritmo resta più un elemento di contorno che una vera meccanica portante.

Progressione e roguelike: metagioco e ricompense

Sul piano della progressione, Devil Jam adotta una struttura roguelite piuttosto classica ma funzionale. Ogni run contribuisce alla crescita complessiva del personaggio: pur perdendo i potenziamenti temporanei alla morte, si sbloccano progressivamente nuove abilità, opzioni e miglioramenti che rendono le partite successive più gestibili. Le quest, basate su obiettivi come sopravvivere per un certo tempo o eliminare specifici nemici, aggiungono una spinta ulteriore alla rigiocabilità e incoraggiano a sperimentare approcci diversi.

Tuttavia, la progressione non è immediata: le prime run possono risultare lente e poco incisive, richiedendo un minimo di investimento prima che il sistema inizi a esprimere il suo potenziale. Una volta superata questa fase iniziale, il gioco diventa più coinvolgente, anche se nel lungo periodo la varietà limitata di contenuti e situazioni può portare a una certa ripetitività. Nel complesso, si tratta di un sistema solido, che supporta bene il loop di gioco, pur senza introdurre elementi particolarmente innovativi rispetto agli standard del genere.

Boss, nemici e sfida: caos infernale con alti e bassi

Devil Jam costruisce la propria esperienza attorno a ondate sempre più intense di nemici e a boss che scandiscono il ritmo della run. Il flusso di gioco è quello tipico dei survivor-like: la pressione cresce progressivamente, costringendo il giocatore a migliorare il proprio posizionamento e a sfruttare al meglio le abilità a disposizione. I boss rappresentano i momenti più significativi, offrendo scontri impegnativi e visivamente distinti che mettono alla prova la capacità di gestire il caos a schermo e ottimizzare le proprie build. Superarli restituisce una buona sensazione di progresso, soprattutto nelle fasi iniziali, dove la curva di apprendimento è più marcata.

Con il passare delle run, però, emergono alcuni limiti legati alla varietà: il numero contenuto di nemici, boss e ambientazioni può rendere l’esperienza ripetitiva, soprattutto considerando la durata relativamente lunga delle partite. Nonostante questo, il sistema di combattimento resta solido e coinvolgente, riuscendo a mantenere alta la tensione durante gli scontri più affollati, pur senza raggiungere livelli particolarmente innovativi o sorprendenti.

Constance: i contenuti

Seduta nella sua cameretta, Constance ci accompagna nella sua mente, unica artefice di quel mondo fantastico, colorato e allo stesso tempo decadente, che percorreremo in un viaggio quasi onirico, fatto di ambientazioni che variano dallo steam-punk pieno d’ingranaggi e leve a mondi fatati fino a scendere negli scenari più dark, veri e propri incubi, dai quali risvegliarci a colpi di pennello. Sarà infatti proprio questa l’arma che Constance porterà con sé in questo viaggio in due dimensioni per distruggere i tanti e vari nemici incontrati sul suo percorso.

La struttura del gioco

Il gioco si sviluppa attraverso quadri che a differenza dei classici platform 2D risultano interconnessi come in un’unica mappa per livello, raggiungibili tramite porte magiche, fenditure e altri artifici, attraversando oltre sei tipi di biomi diversi, ognuno rappresentante lo stato d’animo della giovane protagonista. Enigmi da risolvere, minigames intriganti, amici da incontrare e boss sempre più minacciosi da sconfiggere sono solo alcuni degli elementi che si troveranno nel gioco durante il quale dovremo raccogliere potenziamenti e migliorie alle nostre tecniche di pittura che si tradurranno in colpi sempre più mortali per i nemici mentre la nostra Constance fluttuerà tra i vari background, tra salti acrobatici e animazioni tutte dipinte a mano. Constance ha una durata stimata tra le 8 e le 10 ore di gioco.

L’equilibrio è la chiave!

Essendo il gioco una metafora che vuole rappresentare le sfide e le battaglie quotidiane della vita personale e professionale della giovane protagonista, l’equilibrio è uno dei valori principali dell’avventura. La pittura di Constance infatti potrà essere corrotta dagli incubi e dai mostri incontrati, fino ad avere pesanti effetti negativi. È per questo che le varie tecniche di pittura dovranno essere usate saggiamente per non raggiungere il limite di corruzione e procedere al prossimo livello in maniera serena.

Un viaggio da ricordare

Compagno di viaggio di Constance sarà anche il suo diario, che al completamento di varie missioni secondarie, enigmi e minigames, si arricchirà di nuovi elementi che costruiranno la storia. Il tutto condito sempre da disegni magistralmente dipinti a mano con colori vivi che fanno da contraltare alle ambientazioni cupe e inquietanti.

I flashback e il ritorno dalla morte

Tra i vari espedienti narrativi troveremo la capacità di tornare a ritroso nella mente di Constance che dovrà affrontare momenti della sua vita personale tramutati in incubi da affrontare e superare grazie all’aiuto del giocatore. Ma non sempre vi sarà il lieto fine. In caso di sconfitta però starà al giocatore scegliere se ricominciare da un punto d’inizio senza penalità o se riprendere da dove si è lasciati ma con un grosso fardello in più da portare, che si traduce in effetti negativi sul personaggio da dover gestire.

La colonna sonora: la chicca di un gioco ben costruito

Già dalle prime scene del gioco e del video introduttivo si capisce già che BTF Games ha voluto dare molta enfasi al comparto sonoro. Le musicalità variano da musiche dolci in stile “mondo di Amelie” accompagnate da scenari che sembrano riprendere i palazzi e le strutture di una decadente Parigi di inizio ‘900 fino a colonne sonore di stampo più epico che troveremo nei momenti di maggior tensione del gioco, contro i boss di fine turno o episodi della trama particolarmente significativi. Un comparto che si sposa benissimo con i contrasti di colore, dai più accesi (il viola della protagonista su tutti) ai più dark, in un connubio che riesce a portare il giocatore proprio lì dove gli sviluppatori volevano: la mente creativa, sognatrice e allo stesso tempo problematica di Constance.

Se i capitoli precedenti puntavano molto sul senso di scoperta e sulla meraviglia di stringere legami con i mostri, qui il tono cambia leggermente. Non viene meno la componente avventurosa, ma si aggiunge una dimensione più consapevole, quasi malinconica. Il rapporto tra umani e creature non è più soltanto un legame positivo da celebrare, ma qualcosa che può essere messo in discussione, deformato e portato a conseguenze inattese.

Monster Hunter Stories 3 riesce a mantenere il cuore della serie, ma lo circonda di nuove domande. È ancora un gioco in cui allevi, combatti e cresci insieme ai tuoi compagni, ma è anche un viaggio che prova a raccontarti cosa succede quando quel legame si incrina. Il risultato è un titolo che cerca di crescere insieme al suo pubblico. Non sempre riesce a essere incisivo quanto vorrebbe, ma quando trova il giusto equilibrio tra gameplay e narrazione, riesce a lasciare un segno.

Storia e personaggi di Monster Hunter Stories 3

La trama di Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection ruota attorno a un fenomeno misterioso che altera il comportamento dei mostri, trasformandoli in versioni distorte e aggressive. Queste creature, un tempo legate ai Rider, iniziano a perdere il controllo, mettendo in crisi l’equilibrio che da sempre definisce questo mondo.

Il protagonista, come da tradizione, è un Rider, ma questa volta il suo ruolo non è semplicemente quello di crescere e diventare più forte. È qualcuno chiamato a comprendere cosa stia accadendo, a confrontarsi con una realtà che non segue più le regole conosciute e a prendere decisioni che hanno un peso reale.

Il tema centrale è quello del riflesso, della “distorsione”. Non solo dei mostri, ma anche delle persone. Monster Hunter Stories 3 prova a raccontare un mondo che si specchia in se stesso e non sempre riconosce ciò che vede. Questo si traduce in una narrazione più stratificata, dove le relazioni tra i personaggi diventano più complesse.

I comprimari sono uno degli elementi più riusciti. Non sono semplici compagni di viaggio, ma individui con convinzioni, dubbi e obiettivi personali. Alcuni credono ancora nel legame tra Rider e mostri, altri iniziano a metterlo in discussione. Questa tensione crea dinamiche interessanti, che si riflettono anche nel modo in cui la storia si sviluppa.

L’ambientazione è ampia e variegata, con regioni che spaziano da foreste rigogliose a territori più aridi e ostili. Ogni area ha una propria identità e contribuisce a rafforzare il senso di viaggio. Non si tratta solo di attraversare luoghi diversi, ma di percepire come il mondo stesso stia cambiando.

La costruzione narrativa non è perfetta. In alcuni momenti il ritmo rallenta eccessivamente, e certi passaggi risultano meno incisivi di quanto dovrebbero. Tuttavia, nel complesso, Monster Hunter Stories 3 riesce a raccontare una storia più ambiziosa rispetto ai capitoli precedenti, cercando di dare maggiore peso alle scelte e alle conseguenze.

Un gameplay migliorato sotto ogni aspetto

Il gameplay di Monster Hunter Stories 3 mantiene la struttura a turni che ha reso la serie accessibile e strategica allo stesso tempo, ma introduce diverse novità che arricchiscono l’esperienza.

Il sistema di combattimento si basa ancora sul triangolo classico tra attacchi di forza, velocità e tecnica, ma è stato reso più dinamico. Le battaglie scorrono con maggiore fluidità e le animazioni contribuiscono a rendere ogni scontro più spettacolare. Tuttavia, la vera evoluzione sta nella gestione dei Monstie.

Il legame con i mostri è sempre al centro del gameplay. Puoi catturarli, allevarli e farli crescere, ma ora il sistema genetico è stato ampliato, permettendo una personalizzazione ancora più profonda. Ogni creatura può essere modellata in base al tuo stile di gioco, rendendo la squadra una vera estensione delle tue scelte.

Le abilità condivise tra Rider e Monstie aggiungono un ulteriore livello di strategia. Non si tratta più solo di scegliere quale mostro usare, ma di capire come le sue capacità si integrano con quelle del protagonista. Questo crea sinergie interessanti e rende ogni combattimento meno prevedibile.

L’esplorazione è un altro punto di forza. Le mappe sono più aperte e ricche di segreti, con percorsi alternativi e aree nascoste che premiano la curiosità. I Monstie non servono solo per combattere, ma anche per muoversi nel mondo, superare ostacoli e raggiungere zone altrimenti inaccessibili.

Le missioni secondarie sono numerose e contribuiscono a dare profondità al mondo di gioco. Non tutte sono memorabili, ma alcune riescono a offrire spunti interessanti, sia a livello narrativo che di gameplay.

Non mancano però alcune criticità. Il sistema di combattimento, pur migliorato, può risultare ripetitivo nel lungo periodo, soprattutto se non si varia spesso la squadra. Inoltre, l’equilibrio tra difficoltà e progressione non è sempre perfetto, con momenti in cui il gioco risulta troppo permissivo.

Nonostante questi limiti, Monster Hunter Stories 3 riesce a offrire un gameplay solido e coinvolgente, capace di intrattenere sia i veterani che i nuovi giocatori.

Tecnicamente

Dal punto di vista tecnico, Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection si presenta come un titolo curato e coerente con la propria identità. Lo stile grafico rimane fedele all’estetica colorata e leggermente stilizzata della serie, ma con un livello di dettaglio superiore.

I modelli dei personaggi e dei mostri sono più definiti, e le animazioni risultano più fluide. Le ambientazioni sono ricche di particolari e contribuiscono a creare un mondo credibile, pur mantenendo un tono fiabesco. La colonna sonora accompagna bene l’esperienza, alternando brani più leggeri a tracce più intense durante i combattimenti. Gli effetti sonori sono adeguati e il doppiaggio, dove presente, aggiunge carattere ai personaggi.

Le prestazioni sono generalmente stabili, anche se in alcune situazioni possono verificarsi piccoli cali di frame rate. Nulla di grave, ma abbastanza evidente da essere notato. Nel complesso, il comparto tecnico non rivoluziona nulla, ma offre una base solida su cui costruire l’esperienza.

Shenmue III Enhanced: Le varie edizioni

L’edizione Standard del gioco includerà una copia del gioco, inclusa la cartuccia per Switch 2. L’edizione Special invece includerà una copia fisica del gioco, i disco BluRay “A Gamer’s Journey: The Definitive History of Shenmue”, l’artbook “The Making of Shenmue 3 Enhanced” e una confezione speciale.

L’edizione da collezione includerà una copia fisica del gioco con copertina esclusiva, una statuetta di Rio Hazuki in allenamento alta 15 centimetri, una pergamena in legno e un portachiavi, un set di stampe artistiche(poster A2, foglio di adesivi, carte Kung Fu e Shikishi), il disco BluRay “A Gamer’s Journey: The Definitive History of Shenmue”, l’artobook “The Making of Shenmue 3 Enhanced” e una scatola da collezione.

Shenmue III Enhanced: Tutto quello che vi aspetta

Ma di cosa tratta esattamente questa nuova edizione di Shenmue 3? Grazie ad ININ Games possiamo avere una panoramica più completa di tutto quello che ci aspetta.

Grazie alla Enhanced Edition infatti il giocatore potrà tornare nel mondo di Shenmue 3, l’ultimo capitolo della leggendaria saga di Yu Suzuki. Fedele alle sue origini ma arricchita da una versione migliorata, questa edizione offre il modo più completo e accessibile per vivere l’ultimo viaggio di Rio Hazuki.

Ambientato in un mondo ricco di dettagli ispirato alla Cina rurale, Shenmue 3 offre un’esperienza immersa e coinvolgente, incentrata sull’esplorazione, la narrazione e la vita quotidiana. Nei panni di Rio Hazuki, il giocatore indagherà su eventi misteriosi, si dovrà allenare nelle arti marziali, interagire con personaggi che sveleranno man mano i segreti che celano al protagonista. Il mondo segue il proprio ritmo, con NPC che vivono le loro routine quotidiane, condizioni meteorologiche dinamiche e innumerevoli attività opzionali che rendono l’ambiente autentico e vivo.

Il combattimento fonde la pratica delle arti marziali con battaglie in tempo reale, mentre elementi classici di Shenmue come i gashapon, i minigiochi e le interazioni ambientali dettagliate premiano la curiosità e la pazienza. Il gioco privilegia l’atmosfera, la scoperta e la profondità narrativa rispetto all’azione frenetica, creando un’esperienza unica nel suo genere.

Il mondo di Enhanced

Shenmue 3 Enhanced eleva questa avventura unica con grafica migliorata, prestazioni più fluide e perfezionamenti moderni opzionali. Texture migliorate, tempi di caricamento più rapidi e tecnologie di upscaling specifiche per la piattaforma danno vita al mondo con maggiore dettaglio, mentre numerose opzioni di qualità rendono il gioco più accessibile senza compromettere la visione originale. Tutti i principali miglioramenti possono essere attivati o disattivati, garantendo sia ai puristi che ai nuovi giocatori una modalità di gioco perfetta per ognuno.

Shenmue 3 Enhanced è pensato sia per tutti i fan della saga sia per chi si stia avvicinando solo ora al mondo di Rio Hazuki, Shenmue 3 Enhanced è il modo migliore per vivere questa saga leggendaria.

Caratteristiche principali

• Un’avventura open world ricca di vita: esplora un mondo dettagliato e ricco di storia, ispirato alla Cina rurale, con personaggi completamente doppiati, routine quotidiane, minigiochi e attività opzionali.
• Una storia epica di Yu Suzuki: continua il viaggio di Rio Hazuki in un’avventura unica che fonde mistero, esplorazione e arti marziali.
• Autentico gameplay di arti marziali: allenati, impara tecniche e combatti battaglie in tempo reale che premiano preparazione, tempismo e maestria.
• Grafica e prestazioni migliorate: texture più nitide, gameplay più fluido, tempi di caricamento più rapidi e presentazione più curata su tutte le piattaforme supportate.
• Miglioramenti moderni, opzionali per impostazione predefinita: miglioramenti alla qualità di gioco, opzioni di accessibilità e una modalità a telecamera fissa, tutte completamente attivabili/disattivabili.
• L’esperienza definitiva di Shenmue 3: la versione più raffinata e accessibile di Shenmue 3, ideale sia per i neofiti che per i fan di lunga data.

In conclusione sembra che la saga di Shenmue sia ben lungi dall’aver esaurito la sua vena creativa e sembra proprio che questa nuova edizione con tanti contenuti extra possa dare nuova linfa a una saga che tutti coloro che ci hanno giocato ricordano con affetto. Il gioco non ha ancora una data di uscita ma uscirà su diverse piattaforme tra cui Playstation 5, Xbox Series, Nintendo Switch 2 e PC tramite Steam, il gioco verrà tradotto in varie lingue tra cui l’italiano.

Da dungeon master ho sempre accettato questa contraddizione come parte del gioco.
Da persona attiva in politica, invece, la trovo molto più difficile da digerire. Perché costruire un ordine sociale è già complicato nel mondo reale. In un mondo dove metà della popolazione può lanciare incantesimi e l’altra metà potrebbe essere un mostro sotto copertura, diventa un’impresa quasi surreale.

Ed è proprio qui che Esoteric Ebb diventa interessante. Kafka diceva che: “Le catene dell’umanità torturata sono fatte di carta d’ufficio.” Christoffer Bodegård, creatore del gioco, lo sa benissimo e prova a imporre ordine burocratico a un universo popolato da maghi, mostri e poteri cosmici, assottigliando così il confine tra amministrazione pubblica e assurdo.

La missione del Chierico

Per spiegare cosa sia davvero Esoteric Ebb basterebbe tirare in ballo Disco Elysium. Non tanto per fare paragoni (che sarebbero pigri) quanto per indicare un territorio, ossia quello dei CRPG che smettono di essere giochi “su cosa fai” e diventano giochi su come pensi. In Esoteric Ebb questa idea prende una forma curiosamente familiare per chiunque abbia passato anni dietro uno schermo del dungeon master. I pensieri, come in Disco Elysium, non emergono da archetipi psicologici o voci interiori indistinte, ma dalle statistiche. In questo caso da quelle classiche di Dungeons & Dragons. Forza, Carisma, Saggezza, Intelligenza, quei numeri che normalmente servono a stabilire se riesci a spaccare una porta o convincere una guardia, qui diventano interlocutori.

Il filosofo William James parlava della mente come di una “corrente di coscienza”, un flusso continuo dove pensieri diversi competono per emergere. E anche in termini di gioco è proprio quello che succede in Esoteric Ebb: il Carisma vuole parlare, la Saggezza invita alla prudenza, l’Intelligenza analizza troppo. E poi c’è l’Io. Generalmente spaesato, raramente dotato di buonsenso logico, e costretto a fare quello che ogni essere umano fa nella vita reale: prendere una decisione dopo aver ascoltato troppe opinioni contemporaneamente. La scelta finale passa sempre attraverso questa piccola assemblea interiore, dove le caratteristiche competono tra loro per influenzare il corso degli eventi.

Nel caso di Esoteric Ebb, l’Io coincide con la figura del Chierico, un funzionario che lavora per la Città, intesa come pubblica amministrazione. Il momento è delicato, tra cinque giorni si terranno le prime elezioni. E proprio mentre la macchina amministrativa prova a mantenere una fragile parvenza di ordine, succede una cosa apparentemente banale: Il negozio del tè esplode. Il nostro compito sarà quello di indagare, ma in una città governata da regolamenti, partiti e protocolli, anche un’esplosione può trasformarsi molto velocemente in qualcosa di più grande. Molto più politico. E inevitabilmente, molto più assurdo.

C’è del gioco di ruolo in questo combat system

Una delle cose più curiose di Esoteric Ebb è che il combattimento non è mai davvero solo combattimento, almeno non nel senso tradizionale. In molti RPG lo scontro è una parentesi abbastanza netta. Finisce il dialogo, iniziano le botte, poi si torna a parlare. Qui invece le due cose convivono nello stesso spazio. I dialoghi non si fermano quando parte il conflitto e, anzi, sono proprio loro a governarlo. Le scelte che facciamo, il tono con cui rispondiamo e il modo in cui decidiamo di affrontare una situazione diventano parte integrante dello scontro.

Questo significa anche che Esoteric Ebb è perfettamente disposto a lasciarci prendere decisioni assurde. Possiamo affrontare una scena con la solennità di un eroe fantasy oppure trasformarla in una sequenza di risposte sarcastiche, provocazioni gratuite e tentativi improbabili di uscire da situazioni disperate. Il problema è che Esoteric Ebb prende queste scelte molto sul serio, anche quando noi non lo facciamo. E questo vuol dire che si può morire. Anche in modo piuttosto stupido. Anzi, molto spesso in modo stupido.

Fortunatamente esiste una rete di sicurezza che chiunque abbia passato un po’ di tempo con Dungeons & Dragons riconoscerà immediatamente. Anche in Esoteric Ebb, prima del game over, bisognerà superare i classici tiri contro la morte, quel momento sospeso in cui il destino del personaggio si decide con una manciata di dadi.

Quando invece le parole non bastano (o quando siamo stati noi a complicare le cose) entrano in gioco gli strumenti più classici. Durante l’avventura, infatti, è possibile apprendere diversi incantesimi memorizzando pergamene trovate o acquistate nel mondo di gioco. Come ho già accennato, Esoteric Ebb sfrutta la licenza gratuita di D&D 5e, perciò tutti gli incantesimi che troveremo saranno gli stessi del famoso gioco di ruolo carta e penna: cura ferite, grasso, infliggi ferite, etc.

Stile da vendere

Se la scrittura è il cuore pulsante di Esoteric Ebb, l’aspetto tecnico, estetica e colonna musicale, ne è la cornice. Ma non una di quelle dell’Ikea, semplice e anonima. Qui parliamo di una cornice che ha una sua voce, che non si limita a contenere il testo ma lo accompagna e lo valorizza. Ogni fondale è disegnato a mano, con uno stile fumettoso dai tratti marcati che si combina molto bene con i modelli tridimensionali, altrettanto cartooneschi, dei personaggi.

A completare il quadro c’è una colonna musicale particolarmente riuscita. Synth, chitarra acustica e strumenti a fiato accompagnano l’esplorazione con grande discrezione, definendo l’atmosfera dei vari momenti del gioco senza mai sovrastare i dialoghi. Tutto questo contribuisce a costruire quello che oggi definiremmo senza troppi giri di parole un mood cozy. Camminare per le strade di Waterlane, accompagnati da queste tracce musicali, trasmette una sensazione di calma quasi paradossale. Un po’ come potrebbe sentirsi un chierico appena riportato in vita, con una forte amnesia, che si ritrova davanti un mondo intero da riscoprire. Nessun peso sulle spalle, nessun rimorso, solo la curiosità di capire cosa succederà dopo.

Il problema è che la maggior parte delle persone guarda solo la lista. E sbaglia. Perché il valore del Game Pass non sta nei numeri, ma in come gestisci il tempo tra ciò che entra e ciò che sparisce.

Xbox Game Pass marzo 2026: tutti i giochi disponibili

Microsoft ha completato la lineup del mese, distribuendo le uscite tra inizio e fine marzo.

Giochi disponibili nella prima parte del mese

• Final Fantasy 3
• Kingdom Come: Deliverance 2
• to a T
• EA Sports F1 25
• Planet of Lana 2: Children of the Leaf
• Construction Simulator

Giochi aggiunti nella seconda metà di marzo

• Cyberpunk 2077
• Hollow Knight: Silksong
• DreamWorks Gabby’s Dollhouse: Ready to Party
• South of Midnight
• The Alters
• Disco Elysium
• Like a Dragon: Infinite Wealth
• Absolum
• Nova Roma
• The Long Dark
• Resident Evil 7

Non è una lista casuale. È costruita per coprire generi diversi e allungare il tempo medio di utilizzo del servizio.

Tabella completa Xbox Game Pass marzo 2026

Tabella giochi in uscita (da giocare subito)

Xbox Game Pass marzo 2026: i giochi più importanti del mese

Non tutti i titoli hanno lo stesso impatto. Alcuni cambiano il valore percepito dell’abbonamento.

Cyberpunk 2077

• Dopo anni di aggiornamenti, è diventato uno degli RPG più completi disponibili su console e cloud. Inserirlo nel catalogo significa offrire centinaia di ore potenziali a costo zero aggiuntivo.

Hollow Knight: Silksong

• Uno dei sequel più attesi degli ultimi anni. Il suo arrivo non è solo un’aggiunta, ma un evento capace di generare traffico e discussione continua.

Like a Dragon: Infinite Wealth

• Narrazione forte, attività secondarie infinite e una struttura che spinge a sessioni lunghe. È il classico titolo che aumenta la retention degli utenti.

Disco Elysium

• Un’esperienza narrativa pura. Non punta sull’azione ma sulla scrittura, con un approccio quasi letterario. È uno dei giochi più distintivi del catalogo.

Planet of Lana 2 e il ruolo dei giochi “di passaggio”

Non tutto deve essere enorme per essere utile.

Planet of Lana 2: Children of the Leaf rappresenta perfettamente una categoria spesso sottovalutata: i giochi brevi ma intensi.

Questi titoli servono a:

• spezzare sessioni lunghe
• mantenere varietà
• evitare saturazione

Nel contesto Game Pass, hanno un valore strategico perché aumentano la frequenza di utilizzo senza richiedere un investimento di decine di ore.

Giochi rimossi da Xbox Game Pass marzo 2026

Qui si nasconde uno dei punti più trascurati dagli utenti.

Giochi rimossi entro metà mese

• Bratz Rhythmus & Stil
• Enter the Gungeon
• F1 23
• He is Coming
• Lightyear Frontier
• Mythwrecked: Ambrosia Island

Giochi rimossi a fine marzo

• Peppa Pig World Adventures
• Mad Streets

Quando un gioco esce dal catalogo, non è più incluso nell’abbonamento. Puoi acquistarlo con sconto, ma perdi il vantaggio principale del servizio.

Cosa giocare prima che i giochi vengano rimossi

Qui entra in gioco la strategia.

Se stai ignorando la lista dei titoli in uscita, stai sprecando valore.

Priorità consigliate

• Enter the Gungeon: veloce da iniziare, difficile da padroneggiare
• F1 23: ideale per sessioni rapide ma soddisfacenti
• Lightyear Frontier: interessante per chi ama gestione e crafting

Questi giochi hanno una finestra limitata. Rimandarli significa perderli o doverli comprare.

Come sfruttare davvero Xbox Game Pass nel 2026

Il Game Pass non premia chi accumula download. Premia chi seleziona.

Un approccio più efficace:

Alterna giochi lunghi e brevi

• Un RPG come Cyberpunk va affiancato a esperienze più rapide.

Dai priorità ai giochi in uscita

• Sono gli unici con scadenza reale.

Evita il multitasking estremo

• Iniziare cinque giochi contemporaneamente porta a non finirne nessuno.

Usa il cloud gaming

• Riduce il tempo di accesso e aumenta la frequenza di utilizzo.

Xbox Game Pass oggi: vale ancora il prezzo?

Il costo è aumentato, ma anche il livello medio dei contenuti.

Il valore reale dipende da un fattore semplice: quanto giochi.

• Se accedi spesso, il rapporto qualità-prezzo resta alto
• Se giochi poco, il servizio perde efficacia

Non è un abbonamento passivo. Richiede tempo attivo.

Stai ignorando metà del valore del Game Pass di marzo (e non te ne accorgi)

Xbox Game Pass marzo 2026 dimostra una cosa precisa: Microsoft non punta più sulla quantità, ma sulla permanenza.

Titoli come Cyberpunk 2077 o Like a Dragon non servono solo ad attirare. Servono a trattenere.

Ma c’è un paradosso.

Più scelta hai, più diventa difficile scegliere.
E senza una strategia, il catalogo si trasforma in rumore.

Chi seleziona gioca meglio.
Chi accumula, si perde.

Quale gioco inizi per primo questo mese? Scrivilo nei commenti e passa su Instagram per vedere le nostre scelte e le run più interessanti.

Stormind Games ha lavorato anche a titoli come Mafia: The Old Country e A Quiet Place, ma nonostante il successo di questi titoli, non si è sentito di abbandonare la saga di survival horror che i fan temevano venisse messa da parte. Il game director ha assicurato che questo capitolo andrà a fondo nella storia ma sarà un’esperienza godibile anche da chi non ha giocato i primi.

Remothered: una storia da brividi ambientata in Sicilia

Il nostro Paese è affascinante per molti e lo sappiamo benissimo: l’horror psicologico è un genere che dalle nostre parti è ancora poco esplorato, ma che grazie a questo tipo di autori può contribuire a farci conoscere anche nel modo meno convenzionale. Remothered: Red Nun’s Legacy è ambientato tredici mesi dopo la scomparsa di sei bambine in Sicilia e racconta di Susan, la madre di una di queste che spera ancora di trovarla viva.

Per questo si reca in una vecchia dimora nobiliare situata alle pendici dell’Etna, che però diventerà covo di fenomeni paranormali e in cui si ritroverà inseguita da alcuni stalker.

Gameplay e curiosità

Lo stealth è molto importante: dovremo nasconderci dagli stalker ed attaccare quando necessario, scoprire passaggi segreti mentre ricomponiamo i pezzi della storia della casa risolvendo dei puzzle. Alcune meccaniche del gioco comprendono ipnosi, percezione e manipolazione dell’ambiente. L’atmosfera di Remothered: Red Nun’s Legacy è un ovvio omaggio ai classici giochi horror in terza persona, e con buone probabilità ci regalerà un’esperienza al pari del primo capitolo.

Bentornati a Rengkok.

Bentornati a Rengkok, in questo luogo le corporazioni non solo controllano la nostra vita ma detengono anche i diritti sulla nostra morte. Siamo intrappolati all’interno di un ciclo di servitù in cui l’unico modo di sfuggire è la violazione del contratto. Il sistema è costruito per mantenerti in vita ma anche per mantenerti in un ciclo di sofferenza legato alla produttività. La via di fuga deve essere conquistata con la forza. L’unico modo per spezzare le catene di questo purgatorio distopico è costringere il mondo a lasciarti andare.

Ruiner 2 si evolve dal classico sparatutto top-down di culto ad un RPG profondo dove il mondo e le meccaniche ambientali di gioco interagiscono tra di loro. Il giocatore dovrà tornare all’interno dei paesaggi infernali industriali di Rengkok e nelle terre desolate circostanti con Shell giocabili unici e uno stile di combattimento definito dalle scelte del giocatore. Ruiner 2 evolve il combattimento mantenendo però la stessa formula. Gli avversari sono ancora selvaggi. La folla si accalca ancora. L’unica via è quella di attraversare il mondo di gioco. Se smetti di uccidere verrai ucciso.

Preparati a combattere

Il sistema di combattimento di Rengkok è un rompicapo ad alta velocità: i riflessi manterranno il giocatore in vita ma sarà la strategia che lo farà vincere. Sapere quando cambiare e cosa concatenare farà la differenza. Le sinergie sono ciò che separerà la sopravvivenza dal dominio. Sarà necessario concatenare le abilità degli Shell per creare cicli di combattimento che si intensificano ad ogni cambio. Le stesse regole valgono sia che si riesca a gestire una squadra da solo o che si unisca a tre giocatori in modalità cooperativa. Più Shell, più sinergie, posta in gioco più alta. Diventare il predatore sarà necessario per evitare di diventare la preda.

Il sistema Shell permetterà al giocatore di comandare un roster massimo di tre corpi di combattimento unici, passando da uno all’altro istantaneamente mano a mano che il combattimento si evolve. Invece di restare bloccati in una singola sessione per cento ore sarà più importante costruire un roster. Ogni Shell colpisce in modo diverso: uno stile di gioco distinto, abilità speciali, un ruolo diverso nel massacro. Non si sbloccano all’interno di uno dei menù di gioco, si potranno invece ottenere attraverso la sconfitta di uno dei boss che vi danno la caccia.

Nuove armi

Nelle profondità industriali di Rengkok è necessario recuperare ogni pezzo di tecnologia al fine di sopravvivere. Il giocatore potrà equipaggiare gli Shell con armi, equipaggiamento protettivo e impianti interni, ma ogni oggetti attinge a risorse limitate di quel Shell. Non sono previsti slot liberi e sarà quindi necessario dosare con intelligenze le proprie risorse. Migliorare il proprio equipaggiamento con il crafting aiuterà le possibilità di sopravvivenza. Le ricompense via via durante il gioco aumenteranno ma cosi anche il rischio. Il crafting offre equipaggiamenti per modificare il personaggio anche in maniere impreviste. La scelta è nelle mani del giocatore.

Evolviti o muori

Per sopravvivere ad un mondo di gioco progettato per eliminare qualunque cosa sarà necessario evolversi, le abilità acquisite saranno una utile fonte da cui attingere nei momenti di difficoltà.

Ogni Shell nel roster presenterà un percorso di progressione profondo e specializzato: quattro abilità, ognuna con nodi ramificati che cambiano il modo in cui quelle abilità si comportano, non solo la loro potenza. Più si va in profondità, più la build scelta si allontana da qualsiasi standard. Sarà necessario padroneggiare i percorsi scelti, trovare le sinergie tra gli Shell e smettere di seguire una build iniziando a scriverne una propria.

Una volta scoperta la configurazione perfetta sarà possibile eseguire combo devastanti, ed ogni vittoria porterà con se anche la conquista di sapere che è data dalla personale scelta del giocatore delle configurazioni scelte.

Caratteristiche principali

• Sei l’hacker: In Rengkok il potere è controllo. Sei un hacker che dirotta altro eroi, trasformandoli in “cuccioli” chiamati Shell. Sconfiggi boss unici, aggiungili alla tua collezione e tienili al guinzaglio.
• Crea il tuo roster di Shell: Ogni Shell che ottieni va nel tuo garage Shell. Crea il tuo roster di Shell, scegline tre per partita in singolo o due per quella cooperativa cambiale al volo. Il tuo roster è la tua build.
• Sfrutta le sinergie del roster: Ogni Shell ha un ruolo. Padroneggia le sinergie del tuo roster per innescare danni a cascata che nessuna Shell potrebbe infliggere da sola. Più profonde sono le tue combinazioni, più lontano puoi spingerti.
• Progressione Hacker: Il Karma aumenta il livello del tuo Hacker. Utilizzalo sulla Rete Neurale, un albero passivo che modella l’intero roster e definisce la tua build. Un albero, infinite combinazioni.
• Progressione Shell: Ogni Shell cresce autonomamente. Quattro abilità, due percorsi ramificati ciascuna: decine di nodi che ridefiniscono lo stile di gioco di ogni Shell. Combina e ricombina elementi nel tuo roster per creare sinergie letali.
• Sistema di Sovraccarico: Ogni Shell funziona con tre risorse: Energia, CPU e Memoria. Ogni pezzo di equipaggiamento attinge dalla riserva di quella Shell. Equipaggiati in modo intelligente: non ci sono slot liberi solo compromessi.
• Creazione illimitata: Ogni potenziamento è una scommessa. Spingiti oltre e il fattore complessità aumenta: maggiore è la ricompensa, maggiore è il rischio. L’oggetto può cambiare in modi imprevisti. Quanto lontano spingerti è una tua decisione.
• Finale di gioco infinito: Combatti attraverso livelli crescenti nei quartieri più oscuri di Rengkok: nemici più forti, bottino migliore, nessun limite. L’unico limite è la tua build.
• Modalità cooperativa fino a tre giocatori: Tre giocatori, sei Shell, un roster combinato. Coordina le tue sinergie e affronta insieme sfide che nessun roster potrebbe gestire da solo.
• Nessuna regola “Pay to win”: Ogni vantaggio di gioco è garatito. Le microtransazioni non influenzano il gameplay. La tua build, il tuo roster, i tuo progressi: niente di tutto questo è in vendita.

La data di uscita purtroppo resta ancora un mistero, speriamo che presto Reikon Games pubblichi qualche altra interessante notizia legata a questo interessante sequel. Al momento inoltre il gioco sembra essere localizzato in inglese, non resta che rimanere in attesa di ulteriori informazioni.

Due filoni narrativi paralleli ci permettono di conoscere i rispettivi protagonisti; uno è John Rowe, veterano della seconda guerra mondiale, diventato giornalista e di ritorno in Inghilterra alla ricerca della sua famiglia. Si ritrova a Breken House, ma i ricordi che ha della sua casa e del suo passato tornano a galla distorti.

Dall’altra parte c’è Gwen Porter, una detective che segue un caso di omicidio al Bordon Down Asylum e la sparizione di un paziente. Gli indizi la porteranno alla stessa Breken House, dove la sua storia si intreccerà con quella di Rowe.

Hollow Mire: i dettagli del gameplay

Lo stile di gioco punta e clicca combina la nostalgia degli anni 90 con ambientazioni dipinte a mano, ispirate all’Inghilterra del ventesimo secolo. La colonna sonora, oscura e malinconica, è prevalentemente composta in violoncello, e i personaggi sono doppiati da un cast professionale. I puzzle investigativi si alternano a sequenze flashback di guerra e, come in molti altri giochi contemporanei, le nostre scelte possono condurre a 8 diversi finali.

Le relazioni tra i personaggi possono variare a seconda delle interazioni che il giocatore ha con loro, e ogni decisione porterà inevitabilmente a una determinata svolta. Hollow Mire è un viaggio nella perdita e l’elaborazione del lutto in una delle epoche più buie della storia umana.

La demo di Hollow Mire: Shadow of Breken House è disponibile su Steam, e la versione integrale uscirà per PC nella seconda metà del 2026. L’evento durante il quale sarà annunciato si terrà il 20 marzo alle 6 del pomeriggio secondo l’orario centro-europeo.

Ha provato a unire l’horror lento di RE7, l’azione stilosa di RE4 Remake e la mitologia classica della serie.
Quando un franchise prova a fare tutto insieme, spesso si rompe qualcosa.

Qui no.

Ma non è tutto oro.

Se stai pensando di comprarlo al day one, questo è quello che devi sapere.

È davvero il miglior capitolo degli ultimi 20 anni?

I voti sono altissimi. Lo abbiamo analizzato nel dettaglio in
Resident Evil Requiem su Metacritic: il miglior capitolo degli ultimi 20 anni?

Sì, supera Village.
Sì, è tra i capitoli più apprezzati dell’era moderna.

Ma un Metascore alto non racconta tutta la verità.

Due giochi in uno: geniale o confuso?

In Requiem alterni:

• Grace Ashcroft, agente FBI, sezioni in prima persona, lente, tese, survival puro
• Leon S. Kennedy, terza persona, azione cinematografica, combo, potenziamenti

Con Grace torni ai corridoi stretti, enigmi, chiavi strane, inventario limitato, gestione risorse. È il lato più vicino a Resident Evil 7.

Con Leon sembra di giocare il seguito spirituale di RE4 Remake: calci contestuali, ascia devastante, upgrade completi alle armi.

Sulla carta sembra una crisi d’identità.

In pratica… funziona sorprendentemente bene.

Ma attenzione: il cambio di tono è evidente. Passi dal panico silenzioso alla scena da action hero nel giro di minuti. Se cerchi un horror puro al 100%, potresti storcere il naso.

Abbiamo approfondito proprio questo punto in
Resident Evil Requiem riesce a mettere d’accordo tutti i fan della serie?

Perché non tutti cercano lo stesso tipo di Resident Evil.

Il gameplay è solido? Sì. Ma c’è un “ma”

Il crafting torna, con una novità: raccolta del sangue dei nemici per creare oggetti extra. Meccanica interessante, ma aggiunge un’ulteriore gestione nell’inventario.

Leon invece ha un sistema di potenziamento completo:

• upgrade per caricatore, rinculo, potenza
• sbloccabili secondari
• valuta interna per comprare armi e miglioramenti

Non è una rivoluzione. È un perfezionamento.

Il vero problema? Alcune sezioni ricordano troppo i remake recenti. Se hai divorato Resident Evil 2 Remake o Resident Evil 4 Remake, noterai qualche riuso strutturale.

Non rovina l’esperienza. Ma si sente.

Se vuoi un’analisi più tecnica sul bilanciamento tra horror e azione, trovi tutto qui:
Resident Evil Requiem alza l’asticella tra horror e azione con nuovo gameplay

Quanto dura davvero?

Prima run: circa 10–11 ore.
Con rigiocabilità: 18–20 ore.

Ne parliamo in modo dettagliato in
Resident Evil Requiem: quanto durerà la storia? Potrebbe superare Village

Se ti aspetti un’esperienza da 40 ore, non è quel gioco.
È compatto. Ritmato. Pensato per essere rigiocato.

Attenzione agli spoiler (il finale divide)

Se vuoi sapere perché alcuni fan sono rimasti spiazzati dal finale, leggi:
Resident Evil Requiem spoiler online: Capcom prova a fermare tutto, ma il finale è già trapelato

Non entro nei dettagli qui, ma sì: il finale farà discutere.

Data di uscita, preload e contenuti extra

Prima di comprare controlla anche:

• Resident Evil Requiem: data di uscita, orario di sblocco, preload e dimensioni download
• Quando esce Resident Evil Requiem e quali contenuti extra avrai al lancio?
• Resident Evil Requiem: cosa includono le edizioni Standard, Deluxe e Steelbook del nuovo capitolo Capcom?
• Resident Evil Requiem: quali giochi devi giocare prima del 27 febbraio?

Perché magari non è il prezzo il problema… ma l’edizione che scegli.

Vale davvero il prezzo pieno?

✔ Se ami sia l’horror puro che l’action
✔ Se vuoi un Resident Evil “celebrativo”
✔ Se sei fan storico della saga

⚠ Se cerchi solo tensione alla RE7
⚠ Se odi il fan service

Requiem è un “greatest hits” giocabile.
Non reinventa tutto.
Ma unisce tutto.

E lo fa sorprendentemente bene.

Il verdetto PRIMA DI COMPRARE

Resident Evil Requiem non è il capitolo definitivo.
È il capitolo più ambizioso.

Non cambia le regole.
Ma dimostra che Capcom sa ancora giocare con la propria eredità.

Se sei fan, è difficile restarne deluso.
Se sei indeciso, aspetta un piccolo sconto e leggi tutti gli approfondimenti collegati sopra.

Dove comprare Resident Evil Requiem al miglior prezzo

Se hai deciso di prenderlo al day one, puoi trovare Resident Evil Requiem su Amazon a questo link:
https://amzn.to/4b9rsGd

Controlla sempre disponibilità, eventuali bonus preorder e differenze tra Standard, Deluxe e Steelbook prima di completare l’acquisto. A volte il prezzo oscilla nei primi giorni, quindi vale la pena monitorarlo.

È davvero il miglior capitolo moderno?

Con un Metascore molto alto, Requiem supera Village e si posiziona tra i migliori capitoli recenti.

Ma la vera domanda è un’altra:

È il più innovativo? No.
È il più completo? Forse sì.

Se vuoi approfondire come la serie è cambiata negli anni, puoi leggere anche:

• Resident Evil Requiem su Metacritic: è il miglior capitolo degli ultimi 20 anni?
• Resident Evil Requiem: data di uscita, orario di sblocco, preload e dimensioni download
• Resident Evil Requiem: quanto dura la storia? È più lungo degli altri?

Così hai il quadro completo prima di aprire il portafoglio.

Ora voglio la tua opinione.

Lo compri al day one o aspetti?
Scrivilo nei commenti e seguici su Instagram per altri “Prima di comprare” senza filtri.

Perché nel survival horror… l’errore di valutazione si paga caro.

Un esempio della considerazione per il doppiaggio nel mondo dei videogiochi si è avuto quando l’attore statunitense Christopher Judge ha rivelato il suo coinvolgimento nell’espansione di Marvel’s Avengers di Square Enix, prestando la voce a T’Challa/Black Panther.

Grandi nomi dietro ai doppiaggi videoludici

Non si tratta del primo e non sarà l’ultimo caso: già in passato diverse case videoludiche hanno optato per scritturare nomi noti del cinema affinché prestassero la propria voce (in alcuni casi anche le movenze) ai loro personaggi. Una scelta che a volte ha dato i suoi frutti, rivelandosi in altre occasioni un insuccesso.

Oggi ti propongo cinque titoli che hanno visto l’incursione di attori famosi tra le fila dei propri doppiatori.

Mentre leggi, tieni presente che ciò che segue non vuole essere una classifica. Si tratta di un excursus informativo che un letterato e politico di un’altra epoca avrebbe definito ‘commentario‘.

1. Death Stranding

Partiamo da un titolo recente (2019). L’ultima opera pubblicata di Kojima Hideo è stata un vero e proprio concentrato di prestiti dal cinema internazionale: una serie di attori più o meno conosciuti su cui spiccano i nomi di Norman Reedus e Mads Mikkelsen, rispettivamente nei panni del protagonista Sam Porter Bridges e di Clifford “Cliff” Unger.

Reedus è nato in Florida ma ha vissuto in diverse parti del mondo (compreso, ironia della sorte, il Giappone). Dopo una lunga serie di lavori divisi tra cinema e televisione è diventato un volto familiare al pubblico grazie alla sua interpretazione nel ruolo del redneck dal cuore d’oro Daryl Dixon, uno dei protagonisti della serie post-apocalittica The Walking Dead.

Mikkelsen, danese di Copenhagen dal volto impenetrabile, ha ricoperto nel corso della sua carriera attoriale ruoli eterogenei e sfaccettati: dall’enigmatico e imbattibile pokerista Le Chiffre (Casino Royale, 2006) all’affascinante e pericoloso Hannibal Lecter (Hannibal, 2013 – 2015), passando per il coraggioso cavaliere sarmata Tristano nel King Arthur di Antoine Fuqua (2004).

Entrambi si sono detti soddisfatti dell’esperienza. Reedus in particolare ha dichiarato di aver ricevuto parole incoraggianti riguardo la propria professione dallo stesso Kojima Hideo, il quale ha parlato della figura dell’attore come di un elemento insostituibile.

2. Beyond: Two Souls

Anche in questo caso abbiamo una coppia di star. Si tratta di Willem Dafoe ed Elliot Page (che all’epoca della produzione era conosciuto come Ellen Page), interpreti di Nathan Dawkins e Jodie Holmes, i due protagonisti di questa avventura grafica di Quantic Dream del 2013.

Dafoe è un’interprete di grande caratura, dotato di uno sguardo intenso ed espressivo. Attivo fin dai primi anni ottanta, ha offerto anche a questo titolo le sue doti attoriali e vocali.

Elliot Page è stato consacrato al grande pubblico per il suo ruolo da protagonista in Juno (2007) e gli appassionati di cinecomic lo ricorderanno per aver interpretato la mutante Shadowcat in due film della serie dedicata agli X-Men.

Anche Beyond: Two Souls si è rivelata a suo tempo (2013) una grande prova attoriale per i due interpreti, i quali si sono dovuti misurare con due personaggi tutt’altro che piatti, entrambi preda di sconforto e incertezze.

3. Assassin’s Creed

Nel primo Assassin’s Creed (2007) avemmo una guest star d’eccezione, la quale incarnava l’assassina sotto copertura Lucy Stillman, principale alleata del protagonista Desmond Miles sia nell’avvio che nei seguenti due titoli della saga Ubisoft.

Si tratta dell’attrice e doppiatrice statunitense Kristen Bell, già all’epoca con una notevole popolarità grazie al suo ruolo da protagonista nella serie televisiva Veronica Mars (2004 – 2019), oltre ad aver già preso parte a una lunga serie di progetti cinematografici e televisivi.

In quell’occasione prestò al personaggio di Lucy Stillman la voce e le fattezze del volto, non essendo ancora diffuso l’uso della tecnica della motion capture, che in quello stesso anno aveva visto la realizzazione di uno dei primi progetti filmici interamente girato con essa, ovvero il fantasy La leggenda di Beowulf, diretto da Robert Zemeckis.

4. Prince of Persia: Spirito guerriero

Nella seconda avventura dell’innominato Principe di Persia, arrivata sui nostri schermi nell’ormai lontano 2004, il protagonista si incontra e scontra con una fanciulla in pericolo che si rivela infine una femme fatale in piena regola: l’Imperatrice del Tempo Kaileena.

Per questo motivo, Ubisoft scelse colei che è considerata l’archetipo della femme fatale per doppiare il personaggio. La scelta ricadde sull’apprezzata Monica Bellucci, che non ha bisogno di presentazioni.

Pur essendo italiana di nascita e di lingua, l’attrice e modella si limitò a prestare la voce a Kaileena nella versione originale inglese, mentre il compito di doppiare in italiano l’Imperatrice fu affidato a Giò Giò Rapattoni, attiva principalmente nel doppiaggio di film e serie televisive, sia live action che d’animazione.

Rimanendo sul versante del doppiaggio italiano del titolo, vi fu un’altra incursione dal mondo del cinema. Si tratta dell’attore e modello torinese Dario Oliviero, in arte Gabriel Garko, che sostituì Yuri Lowenthal prestando la voce al protagonista.

Va ricordato che si trattò di interpretazioni unicamente vocali, dato che nessuno dei due personaggi ricorda nell’aspetto il proprio interprete vocale.

5. Mirror’s Edge

Siamo giunti alla conclusione di questa carrellata di doppiaggi con interpreti d’eccezione. Per questo titolo d’azione del 2008 il coinvolgimento di attori è stato quasi interamente italiano.

Si trattò in questo caso di una scelta parzialmente azzeccata, simile a quella discussa prima riguardo Gabriel Garko. A interpretare vocalmente la protagonista, la spericolata runner Faith Connors, fu Asia Argento.

Sebbene l’attrice avesse già all’epoca circa vent’anni di interpretazioni alle spalle, non si afferma lo stesso per quanto riguarda il versante vocale. Durante l’ascolto, infatti, si percepisce da parte sua il controllo costante dell’accento romano, che ha reso la sua interpretazione innaturale.

Curiosamente, anche il padre di Asia Argento, il celebre regista Dario, ha prestato la voce al personaggio di un titolo videoludico. Si tratta di Dead Space, apprezzato horror fantascientifico coevo dello stesso Mirror’s Edge, nel quale ha interpretato vocalmente il dottor Terrence Kyne.

In questo caso, la scelta si è rivelata discutibile, dato che, contrariamente alla figlia, il regista non sembra aver compiuto alcuno sforzo per mascherare la propria dizione, lasciando percepire l‘accento romano. Questo ha di fatto caratterizzato il dottor Terrence Kyne come un cittadino della capitale (un effetto che non era nelle intenzioni degli sviluppatori di Visceral Games).

Cosa ne pensi di queste scelte di doppiaggio? Faccelo sapere con un commento e seguici sui nostri canali social per non perdere i prossimi articoli.

In alcuni casi, questa seconda strada ha portato a risultati straordinari: giochi capaci non solo di replicare il successo del capitolo precedente, ma di superarlo sotto ogni aspetto, diventando punti di riferimento per l’intero medium.

Vediamo cinque sequel videoludici che sono riusciti in questa impresa.

Mass Effect 2

La saga di Mass Effect rappresenta ancora oggi uno dei vertici del GDR occidentale, ma è con il secondo capitolo che l’opera di BioWare raggiunge la sua forma più compiuta.

Il primo episodio aveva introdotto un universo affascinante, una narrativa ambiziosa e un forte impianto ruolistico, ma mostrava evidenti limiti sul fronte dell’azione. Il sistema di combattimento risultava legnoso e poco appagante, soprattutto se confrontato con gli sparatutto contemporanei dell’epoca.

Con Mass Effect 2, BioWare decide di intervenire in modo netto: il gunplay viene reso più reattivo, le coperture più funzionali e il ritmo generale dell’esperienza guadagna intensità. In cambio, viene leggermente ridimensionata la complessità GDR, scelta che si rivela vincente.

Il risultato è un equilibrio eccellente tra narrazione, azione e gestione dei personaggi. Le missioni dedicate ai compagni, la costruzione delle relazioni e una storia tesa e coinvolgente consacrano il gioco come il capitolo più amato dell’intera trilogia.

Assassin’s Creed II

Il primo Assassin’s Creed colpì tutti per atmosfera, ambientazione e libertà di movimento, ma soffriva di una struttura estremamente ripetitiva. Dopo poche ore, le missioni iniziavano a sembrare variazioni dello stesso schema.

Ubisoft prese atto delle critiche e con Assassin’s Creed II trasformò una buona idea in una saga leggendaria. Ambientato nell’Italia rinascimentale, il secondo capitolo introduce un protagonista carismatico come Ezio Auditore e una narrazione molto più curata.

Le attività vengono diversificate, il mondo di gioco diventa più vivo e la progressione è finalmente scandita da eventi e situazioni differenti. Ogni città ha una propria identità e la storia accompagna il giocatore con un ritmo decisamente più efficace.

Con questo capitolo, la serie smette di essere un esperimento interessante e diventa un fenomeno globale.

Jak 2: Renegade

Con Jak 2, Naughty Dog compie una delle svolte più coraggiose della propria storia. Il primo Jak & Daxter era un platform solido e colorato, ma ancora ancorato a schemi piuttosto tradizionali.

Il sequel cambia completamente tono: l’ambientazione diventa più cupa, la storia più articolata e il protagonista, finalmente dotato di voce, acquista una vera identità. Haven City è un mondo complesso, con tensioni politiche e sociali che danno profondità all’esperienza.

Il gameplay si espande con armi da fuoco, veicoli e nuove abilità, rendendo l’azione più varia e impegnativa. Anche dal punto di vista tecnico e narrativo il salto è evidente.

Jak 2 segna il momento in cui Naughty Dog inizia a emergere come uno dei migliori studi narrativi del settore.

Dragon Ball Z: Budokai Tenkaichi 2

Il primo Budokai Tenkaichi aveva finalmente portato Dragon Ball in arene completamente tridimensionali, ma lasciava ancora margini di miglioramento.

Il secondo capitolo fa esattamente ciò che un sequel dovrebbe fare: espande, rifinisce e perfeziona. Il roster cresce in modo significativo, le trasformazioni aumentano e la modalità storia ripercorre l’intera saga con maggiore completezza, includendo anche GT.

I combattimenti risultano più bilanciati, spettacolari e fedeli all’anime, mentre il comparto tecnico migliora in animazioni ed effetti. Le numerose modalità aggiuntive garantiscono una longevità enorme, sia in singolo che in multiplayer.

Ancora oggi viene ricordato come uno dei migliori giochi di Dragon Ball mai realizzati.

Horizon Forbidden West

Tra i sequel più recenti, Horizon Forbidden West dimostra come sia possibile migliorare un titolo già eccellente senza limitarsi a riproporne la formula.

Rispetto a Zero Dawn, il nuovo capitolo lavora soprattutto sulla narrazione: la storia diventa più personale, i personaggi più sfaccettati e Aloy viene approfondita in modo molto più umano. I dialoghi, le regie delle scene e il ritmo del racconto risultano sensibilmente più curati.

Anche il gameplay beneficia di numerose rifiniture, mentre il mondo di gioco si amplia con ambientazioni più varie, nuove macchine e sistemi di combattimento più flessibili.

Il risultato è un sequel che non si accontenta di replicare il successo del passato, ma lo supera, offrendo un’esperienza più matura e coinvolgente.

Conclusione

Realizzare un grande sequel non significa solo “fare di più”, ma fare meglio: capire cosa funzionava, correggere ciò che non convinceva e avere il coraggio di cambiare. I giochi citati dimostrano che, quando questa formula viene rispettata, il risultato può entrare di diritto nella storia dei videogiochi.

E per te? Qual è il sequel che ha superato il gioco originale?
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Sviluppato da Yokogoshi Systems e pubblicato da GRAVITY, THE GOOD OLD DAYS si inserisce nel solco del Metroidvania bidimensionale, richiamandone apertamente le strutture fondamentali: mappa interconnessa, progressione basata su abilità, backtracking e accessi condizionati. Allo stesso tempo, il gioco introduce un impianto narrativo e sistematico che lega in modo stretto l’esplorazione a una pressione costante: un debito da saldare entro la fine della giornata. Questo obiettivo non funge semplicemente da pretesto narrativo, ma definisce il ritmo, le priorità e le rinunce che scandiscono ogni run.

THE GOOD OLD DAYS, crescere troppo in fretta

La storia di THE GOOD OLD DAYS ruota attorno a Sean, un ragazzo che si ritrova improvvisamente a dover affrontare le conseguenze delle scelte del padre. Il debito lasciato dalla sua scomparsa non è solo un problema economico, ma un elemento che permea ogni aspetto della giornata di gioco. Non c’è un grande antagonista né una minaccia imminente in senso classico: il vero avversario è il tempo, e la consapevolezza che ogni deviazione ha un costo.

Il racconto procede in modo discreto, senza lunghe sequenze esplicative. Molto viene suggerito più che dichiarato, affidandosi ai dialoghi, agli incontri e soprattutto alle nostre azioni. Salvare o meno gli amici, esplorare determinate aree, accumulare più denaro del necessario o arrivare al tramonto con appena il minimo indispensabile: ogni run racconta una variante della stessa storia, senza mai indicare esplicitamente un percorso “corretto”.

Questa impostazione rafforza il tema centrale del gioco: la fine dell’infanzia come processo graduale, fatto di compromessi e rinunce. L’avventura non scompare, ma viene costantemente messa in discussione da responsabilità che non possono essere ignorate. In questo senso, THE GOOD OLD DAYS racconta la crescita non come evento traumatico, ma come una lenta presa di coscienza.

Il tempo è una risorsa

Uno degli elementi più interessanti di THE GOOD OLD DAYS è il modo in cui il tempo non viene utilizzato come semplice cornice narrativa, ma come vero e proprio pilastro strutturale dell’esperienza. La giornata di Sean ha una durata fissa e scandisce ogni nostra scelta. Il debito da ripagare non è soltanto un obiettivo finale, ma una pressione costante che influenza l’esplorazione, il combattimento e la gestione delle attività.

A differenza dei Metroidvania tradizionali, dove l’esplorazione tende a essere libera e dilatata, qui ogni passo ha un costo potenziale. Questo genera un curioso cortocircuito tra urgenza e curiosità: l’ambiente sotterraneo è progettato per invitare alla deviazione e alla scoperta, ma il tempo limitato spinge a ottimizzare, a scegliere, a rinunciare. Fermarsi a esplorare una caverna laterale può significare sacrificare una missione più redditizia in superficie.

Metroidvania con memoria

Dal punto di vista del design, THE GOOD OLD DAYS adotta una struttura chiaramente Metroidvania: mappa interconnessa, abilità che sbloccano nuove aree, backtracking e ostacoli codificati. Tuttavia, la progressione non è legata esclusivamente all’acquisizione di potenziamenti, ma anche e forse soprattutto all’accumulo di conoscenza.

Il sistema di reset dopo ogni finale, con il mantenimento di alcuni oggetti chiave e potenziamenti permanenti, introduce una logica affine al roguelike. Ogni run non serve solo a diventare più forti, ma a capire meglio il mondo di gioco: dove si trovano i percorsi alternativi, quali ostacoli possono essere aggirati, quali attività offrono il miglior rapporto tra tempo investito e ricompensa.

Col passare delle run, molte strutture inizialmente percepite come rigide si rivelano più flessibili di quanto sembri. Porte che sembravano obbligatorie possono essere bypassate, sezioni considerate chiuse diventano accessibili grazie a salti rischiosi o combinazioni di personaggi. La vera progressione avviene così nella nostra testa, più che nell’ inventario.

Il gruppo come sistema

Un ruolo fondamentale è svolto dal gruppo di amici di Sean. Ogni personaggio non rappresenta solo un’abilità diversa, ma una prospettiva alternativa sull’esplorazione. Nessuno è universalmente migliore degli altri: ciascuno eccelle in contesti specifici e risulta limitante in altri.

Questa impostazione spinge a ragionare in termini di complementarità piuttosto che di ottimizzazione pura. Il gruppo diventa un sistema modulare, da ricomporre in base alle esigenze della run. Il fatto che questi personaggi non vengano mantenuti tra una run e l’altra rafforza anche il loro valore narrativo: non sono strumenti permanenti, ma relazioni da ricostruire, legami che vanno ritrovati ogni volta.