È comunque possibile scegliere un’illuminazione permanente, mantenendo sempre il giorno o la notte indipendentemente dall’orario reale. L’esperienza ruota attorno a raccolta, pesca, arredamento e piccoli incarichi quotidiani, seguendo un ritmo deliberatamente tranquillo.

Nel ridente mondo di Cozy Grove: Camp Spirit

L’avventura comincia con l’incidente dell’autobus degli Spirit Scout, che lascia il protagonista bloccato in uno strano campeggio popolato da orsi fantasma. Il giocatore assume il ruolo di un giovane esploratore spirituale incaricato di aiutare queste creature a ricordare il proprio passato e a risolvere le questioni rimaste in sospeso dopo la morte.
Al centro dell’accampamento si trova Flamey, un falò senziente che richiede continuamente tronchi spirituali per aumentare il proprio potere, illuminare nuove zone e restituire colore all’ambiente.

Ogni orso propone una serie di incarichi e, completandoli, sviluppa gradualmente il proprio rapporto con il protagonista. Una volta raggiunto un certo numero di cuori, vengono mostrati nuovi ricordi e frammenti della sua vita precedente. Dietro l’aspetto tenero e i giochi di parole sugli orsi si nascondono temi spesso più malinconici del previsto, legati alla perdita, ai rimpianti e alle difficoltà personali.

Gameplay

La struttura di gioco segue una routine facilmente riconoscibile: si parla con gli orsi, si accettano le loro richieste, si cercano o si costruiscono gli oggetti necessari e si consegnano i tronchi ottenuti a Flamey. Le missioni sono prevalentemente fetch quest e richiedono di recuperare materiali, trovare oggetti nascosti oppure realizzare determinate ricette.
Un registro tiene traccia degli incarichi attivi, mentre un sistema di suggerimenti permette di individuare gli oggetti più difficili da trovare. Quando le missioni principali della giornata terminano, è comunque possibile continuare a pescare, catturare insetti, scavare, raccogliere risorse o dedicarsi alla decorazione.

Il gioco offre numerose attività collaterali: si possono piantare alberi e cespugli, cucinare, collezionare animali domestici, ampliare la tenda e arredare praticamente ogni angolo del campeggio. Gli oggetti raccolti per la prima volta possono essere consegnati all’archivio in cambio di ricompense, dando ai completisti una lunga lista di cose da pescare, coltivare o estrarre dal terreno.
Animali e piante possiedono inoltre preferenze specifiche: alcuni apprezzano determinate decorazioni, mentre altri sembrano prendere personalmente la presenza di una sedia comune nelle vicinanze. Posizionare gli elementi corretti aumenta la loro felicità e permette di ottenere più risorse.

Progressione e contenuti

La progressione è legata soprattutto all’espansione dell’accampamento e alle storie degli orsi. Consegnando tronchi a Flamey vengono illuminate nuove aree, introdotti nuovi personaggi e sbloccate ulteriori attività. Parallelamente si accumulano ricette, abiti, decorazioni, strumenti e distintivi, mentre la tenda può essere ampliata per ottenere più spazio interno e nuovi depositi. Sono presenti anche negozi, sistemi di crafting e numerose valute o materiali, tra cui monete, quarzo ed essenze animali.

Il ritmo resta però fortemente vincolato alla scansione giornaliera. Una volta esauriti i dialoghi e i tronchi disponibili, la progressione narrativa si interrompe fino al giorno successivo. La ripetizione è quindi parte integrante dell’esperienza: parlare con gli orsi, completare richieste, consegnare tronchi, raccogliere risorse e ricominciare.
Anche i costi degli ampliamenti crescono rapidamente, introducendo una certa quantità di raccolta e vendita ripetuta. Gli strumenti possono inoltre rompersi e devono essere riparati, aggiungendo un ulteriore passaggio a una routine che aveva già abbastanza caselle da spuntare.

Comparto visivo e sonoro

Dal punto di vista artistico, Cozy Grove: Camp Spirit utilizza uno stile disegnato a mano, ricco di linee morbide, personaggi buffi e ambientazioni piene di piccoli dettagli. All’inizio le zone del campeggio appaiono grigie e spente, ma recuperano gradualmente colore quando vengono illuminate da Flamey o dagli altri punti luce.
Questa trasformazione rende immediatamente visibile l’avanzamento del giocatore e modifica l’aspetto delle aree senza dover necessariamente costruire un nuovo continente ogni due missioni. Gli orsi possiedono forme e caratteristiche legate alla loro vita precedente, rendendoli facilmente riconoscibili nonostante l’impostazione volutamente semplice.

La colonna sonora accompagna le attività con brani tranquilli e poco invasivi, adatti a un gioco pensato per la routine quotidiana. Non è presente un vero doppiaggio: durante i dialoghi gli orsi comunicano attraverso brevi versi ed effetti sonori. Sul piano tecnico, l’esperienza risulta generalmente stabile, anche se possono verificarsi rallentamenti momentanei durante alcune operazioni, come la consegna dei tronchi a Flamey.
La telecamera può essere avvicinata o allontanata, ma non ruotata, mentre gli oggetti possono essere orientati soltanto con angoli di novanta gradi. Quando molte decorazioni vengono posizionate una accanto all’altra, selezionare esattamente quella desiderata può trasformarsi in una piccola caccia al tesoro non richiesta.

Ariana and the Elder Codex, nasce dalla collaborazione con Idea Factory e Hyde, rappresentando una sorpresa quasi piacevole. Dietro una produzione modesta e un aspetto apparentemente semplice si nasconde un metroidvania bidimensionale curato, immediato e coinvolgente, capace di combinare combattimenti rapidi, esplorazione, progressione e una componente narrativa più elaborata del previsto. Pur con alcuni limiti, forse riconducibili al budget o alla solita disattenzione/strafottenza, il gioco si impone con un poco discreto risultato per Compile Heart… anche se le basi ci sono, vediamole insieme.

Cosa succede in Ariana and the Elder Codex

La protagonista della vicenda è Ariana, una giovane e prestigiosa bibliotecaria appartenente a un’organizzazione conosciuta semplicemente come la Biblioteca. Quest’ultima non è soltanto un luogo dedicato alla conservazione dei libri, ma una vera e propria istituzione responsabile della tutela della conoscenza e dell’equilibrio magico del mondo (non vi ricorda proprio niente?).

Ariana riceve l’incarico di restaurare i sette Codici degli Eroi, antichi tomi dotati di un potere straordinario. Da essi dipende infatti la diffusione della magia, una risorsa essenziale per la sopravvivenza dell’umanità e per il delicato rapporto esistente tra gli esseri umani e i demoni.
Il compito può essere portato a termine soltanto da Ariana, poiché le sue eccezionali capacità magiche le permettono di entrare fisicamente nei mondi custoditi all’interno dei Codici.

Parallelamente alla missione principale, la protagonista porta avanti una ricerca personale: scoprire che cosa sia accaduto ai suoi genitori, scomparsi in circostanze misteriose. La narrazione dedica molto spazio alla costruzione dell’ambientazione, introducendo gradualmente termini, eventi storici e informazioni sul funzionamento della magia.

Numerosi documenti consultabili nella Biblioteca approfondiscono il passato del mondo, mentre le conversazioni con gli altri personaggi permettono di comprendere meglio il ruolo dell’organizzazione. Ariana è una protagonista particolarmente riuscita: il suo incarico le impone di mantenere una certa distanza emotiva dalle storie contenute nei tomi, ma questa apparente freddezza nasconde fragilità, dubbi e un forte bisogno di conoscere la verità.
Anche personaggi come il suo assistente artificiale Veester e la brillante ricercatrice Divina Orden contribuiscono a dare personalità alla storia, creando un cast piacevole e ben caratterizzato.

Gameplay, combattimento ed esplorazione

In Ariana and the Elder Codex il combattimento è una componente interessante, si presenta come un incrocio tra action, platform e metroidvania. Ariana può equipaggiare sei incantesimi, distribuiti su due serie di comandi, mentre la lama magica rimane sempre disponibile per colpire da vicino e lanciare i nemici in aria.
Le debolezze elementali influenzano i danni e la barra di stordimento, mentre alcune combinazioni attivano il cosiddetto “Magic Burst”. Sulla carta c’è quindi parecchio da gestire; nella pratica gli scontri seguono spesso un ritmo più ragionato che frenetico, fatto di attacchi con la spada mentre si aspetta che le magie tornino disponibili.

Una volta scoperto quale elemento funziona meglio, molti avversari finiscono inoltre per essere affrontati con una strategia piuttosto simile, anche perché diverse creature ricompaiono semplicemente con un nuovo colore e una diversa affinità.

L’esplorazione prende qualche elemento dai metroidvania, aggiunge sezioni platform e poi prova a far convivere tutto nello stesso libro. Ariana ottiene abilità come il doppio salto e lo scatto aereo, utili, come al solito, per raggiungere scrigni e backtracking, ma le mappe rimangono generalmente compatte e limitate.
Tra una stanza e l’altra si alternano piattaforme, ostacoli, gruppi di nemici e combattimenti obbligatori, con un sistema di movimento che non sempre sembra pensato per salti particolarmente precisi. I boss, come di convenzione, introducono scontri più strutturati, suddivisi in più fasi e basati sulla lettura degli attacchi, ma sempre un po’ macchinosi.

Progressione, difficoltà e contenuti secondari

Il senso di progressione, che ti impedisci di disinstallarlo dopo 10 minuti, gira attorno a tre elementi principali: potenziare le magie, creare accessori e restaurare completamente i diversi Codici. Ogni tomo funziona come un piccolo mondo separato, con la propria ambientazione, la propria storia e una serie di attività da completare.
Arrivare alla fine del livello, infatti, non basta: per riempire davvero tutte le pagine bisogna affrontare battaglie opzionali, superare sezioni platform e ottenere valutazioni abbastanza alte nelle varie prove. Alcune sfide compaiono solo dopo aver eliminato quasi tutti i nemici presenti in una zona, così il gioco si assicura di non trasformare ogni schermata in una corsa disperata verso l’uscita.

Sono presenti tre livelli di difficoltà, modificabili nella stanza di Ariana o presso i punti di riposo. Aumentando la difficoltà diventano più importanti le debolezze elementali, il potenziamento delle magie e la scelta degli accessori, anche se il sistema di crescita rimane piuttosto lineare. Tra una missione e l’altra si torna nella Biblioteca, dove è possibile leggere documenti, parlare con lo staff e ricevere qualche ricompensa utile.

C’è anche un sistema interno di obiettivi, pensato per spingere a esplorare e sperimentare un po’ di più. L’avventura, però, non è particolarmente lunga e si conclude proprio quando Ariana ha finalmente raccolto abbastanza abilità da sembrare pronta a fare sul serio. Una o due aree aggiuntive avrebbero dato più spazio sia alla progressione sia alle possibilità offerte dal movimento e dal combattimento.

Comparto visivo, grafico e sonoro

Sul piano visivo, Ariana and the Elder Codex punta su uno stile colorato, personaggi chibi e illustrazioni in stile anime durante i dialoghi. Le animazioni sono semplici e gli effetti delle magie aiutano a distinguere gli elementi senza troppa confusione, mentre i diversi Codici cambiano ambientazione e palette per dare almeno un po’ di varietà al viaggio.Il riutilizzo di modelli, nemici e decorazioni rimane però evidente, e nella Biblioteca molti personaggi secondari condividono un aspetto simile, con il risultato che ricordarsi chi sia chi diventa quasi un’attività opzionale.

La colonna sonora accompagna esplorazione e combattimenti senza prendersi troppo spazio, mentre il doppiaggio inglese copre i dialoghi principali e dà maggiore presenza ai personaggi centrali. Nel complesso, il gioco preferisce una presentazione pulita e immediata a una particolarmente ricca di dettagli. L’identità visiva c’è, soprattutto nei ritratti e negli effetti magici, ma il budget ogni tanto si affaccia tra uno sfondo già visto e l’ennesimo nemico con un colore diverso.

Elden Ring Tarnished Edition: quali sono le nuove classi?

Le nuove classi di Elden Ring Tarnished Edition sono il Cavaliere pesante, orientato verso forza e resistenza, e il Cavaliere di Idus, costruito attorno a destrezza e armi leggere. Entrambe modificano soltanto il punto di partenza: durante la partita ogni statistica resta liberamente sviluppabile.

Il sito ufficiale delle classi di Elden Ring conferma i nomi italiani. Il Cavaliere pesante indossa una corazza d’acciaio e utilizza una grande scimitarra, mentre il Cavaliere di Idus proviene da una terra mai approfondita in precedenza e impiega equipaggiamento più leggero.

Il Cavaliere pesante parte dal livello 10 e privilegia Vigore, Tempra e Forza. Rispetto alla configurazione mostrata durante le prove precedenti, alcuni punti sarebbero stati spostati verso Mente e Fede, una scelta meno flessibile per chi vuole ridurre al minimo gli attributi estranei a una build basata esclusivamente sui danni fisici.

Cavaliere di Idus e Cavaliere pesante: cosa cambia nelle build

Il Cavaliere di Idus comincia invece dal livello 7 e concentra i valori migliori su Destrezza e Forza, mantenendo anche una discreta base di Mente e Fede. Il suo equipaggiamento comprende uno scudo e una spada leggera a due mani collegata alla categoria introdotta da Shadow of the Erdtree.

Questa origine può quindi interessare chi cerca un personaggio rapido, capace di alternare attacchi fisici e abilità che richiedono Fede. Il confronto più immediato è con il Samurai, ma il valore Arcano più basso e la diversa distribuzione iniziale favoriscono combinazioni Destrezza-Fede anziché le build dedicate agli effetti di stato.

La classe iniziale incide soprattutto sul min-maxing e sui personaggi mantenuti entro un livello preciso per il PvP. Per una normale partita, pochi punti iniziali raramente impediscono di cambiare direzione. Un discorso simile riguarda le configurazioni sperimentali viste in Elden Ring Nightreign: Deep of Night, dove adattamento ed equipaggiamento contano più di una singola statistica.

Tarnished Pack: prezzo, piattaforme e contenuti

Su Nintendo Switch 2 le novità sono comprese nella Tarnished Edition, che include gioco base, Shadow of the Erdtree e contenuti aggiuntivi. Su PlayStation, Xbox e PC saranno acquistabili separatamente tramite il Tarnished Pack da 4,99 euro, come indicato nella comunicazione ufficiale di Bandai Namco.

• 2 nuove classi iniziali
• 4 set di armature
• 3 personalizzazioni per Torrente

L’arrivo delle nuove origini offre un motivo concreto per iniziare un’altra partita, soprattutto agli appassionati di build ottimizzate. Resta da capire se il Cavaliere pesante diventerà davvero una scelta dominante nel PvP o se gli eventuali punti meno efficienti ne limiteranno l’uso rispetto alle classi storiche.

L’aggiornamento arriva inoltre mentre FromSoftware continua ad ampliare l’universo del gioco con contenuti come The Forsaken Hollows di Elden Ring Nightreign, confermando una gestione parallela del titolo originale e del suo spin-off cooperativo.

Il progetto sviluppato da Starlance Studios e Ironward non vuole limitarsi a riprodurre la struttura competitiva di StarCraft. Il giocatore potrà affrontare missioni narrative, costruire rapporti con i membri dell’equipaggio, partecipare a battaglie cooperative e influenzare una guerra galattica condivisa.

La versione in uscita il 20 luglio sarà però ancora in sviluppo. Prima di acquistare ZeroSpace conviene quindi conoscere orario previsto, contenuti disponibili, prezzo, lingua italiana e requisiti di sistema.

ZeroSpace, data e orario di uscita in Italia

La pagina ufficiale di ZeroSpace su Steam indica come data di pubblicazione il 20 luglio 2026.

Secondo i dati attualmente registrati da SteamDB, lo sblocco dovrebbe avvenire alle 17:00 UTC, corrispondenti alle 19:00 in Italia. L’orario non è ancora stato comunicato direttamente dagli sviluppatori e potrebbe subire modifiche nelle ore precedenti al lancio.

In sintesi:

• Data di uscita: 20 luglio 2026
• Orario italiano previsto: 19:00
• Piattaforma: PC tramite Steam
• Stato: Early Access
• Interfaccia e sottotitoli: disponibili in italiano
• Doppiaggio: soltanto in inglese

Al momento non sono state annunciate versioni per PlayStation 5, Xbox Series X|S o Nintendo Switch 2. ZeroSpace nasce quindi come titolo PC e non bisogna confondere l’assenza di una versione console al lancio con una cancellazione: semplicemente, gli sviluppatori non hanno presentato altri adattamenti.

Quanto costa ZeroSpace?

Il prezzo italiano di ZeroSpace non è ancora visibile su Steam. Gli sviluppatori hanno confermato che il gioco sarà acquistabile durante l’Early Access, ma non hanno indicato pubblicamente una cifra definitiva per il mercato europeo.

È importante sottolinearlo perché la presenza di una demo gratuita durante lo Steam Next Fest potrebbe far pensare a un modello free-to-play. ZeroSpace non è stato presentato come un gioco gratuito: la versione completa dell’Early Access dovrà essere acquistata.

Il team ha inoltre spiegato che il prezzo potrebbe aumentare durante lo sviluppo, parallelamente all’arrivo di nuovi contenuti. Chi acquisterà il gioco nelle prime fasi potrebbe quindi pagare meno rispetto a chi aspetterà la versione 1.0, ma resta necessario valutare quanto si è disposti ad accettare bug, bilanciamento provvisorio e funzionalità ancora incomplete.

ZeroSpace è stato uno dei titoli che hanno cercato visibilità attraverso le demo di giugno. Nel nostro approfondimento sullo Steam Next Fest e su come scegliere le demo più interessanti abbiamo spiegato perché questi eventi siano diventati fondamentali soprattutto per produzioni strategiche e indipendenti.

Cosa contiene l’Early Access di ZeroSpace

La versione disponibile dal 20 luglio non sarà una semplice demo estesa. Starlance Studios ha annunciato una struttura già piuttosto consistente, anche se inferiore a quella prevista per l’edizione definitiva.

Al lancio saranno disponibili:

• 13 missioni narrative della campagna
• Dialoghi interattivi con i membri dell’equipaggio
• 10 missioni cooperative
• Obiettivi e composizioni nemiche generate proceduralmente
• Modalità Skirmish contro altri giocatori
• Partite contro l’intelligenza artificiale
• 8 livelli di difficoltà per l’IA
• 4 fazioni principali
• 6 fazioni mercenarie
• 10 eroi
• Più di 90 unità ed eroi complessivi

La campagna seguirà Aster, comandante del Protectorate, in un settore di Orione attraversato da una guerra per il controllo del Flux. Questa risorsa permette i viaggi interstellari e la sua progressiva scarsità rischia di isolare intere civiltà.

Le battaglie continueranno a utilizzare raccolta delle risorse, costruzione della base, produzione delle unità e controllo del territorio, ma saranno integrate con scelte narrative e rapporti tra i personaggi. Gli sviluppatori citano una struttura vicina ai giochi di ruolo nei quali le decisioni modificano alleanze e conseguenze della storia.

Fazioni, mercenari e stili di gioco

Uno degli elementi più interessanti di ZeroSpace è la possibilità di combinare una fazione principale con gruppi mercenari specializzati.

Il Protectorate punta su soldati veterani, attacchi diretti e mezzi pesanti. I Grell sono invece creature vegetali capaci di trasformare il terreno diffondendo biomassa, mentre la Legion of Truth utilizza grandi quantità di unità sacrificabili e mezzi corazzati.

La quarta fazione, gli Xol, dovrebbe completare la selezione dell’Early Access. A queste forze si aggiungeranno le fazioni mercenarie, utilizzabili per modificare la composizione dell’esercito e compensare i punti deboli della propria scelta principale.

Questo sistema potrebbe rendere ZeroSpace meno rigido rispetto agli RTS tradizionali. Due giocatori che utilizzano la stessa fazione principale potranno costruire eserciti molto diversi scegliendo mercenari, eroi e potenziamenti differenti.

Campagna, cooperativa e guerra galattica

ZeroSpace non è pensato esclusivamente per gli scontri competitivi. La campagna per giocatore singolo rappresenta uno dei pilastri del progetto e contiene sequenze narrative, dialoghi e decisioni capaci di modificare lo sviluppo degli eventi.

La modalità cooperativa proporrà invece missioni con obiettivi variabili e composizioni nemiche procedurali. Il risultato delle attività contribuirà alla Galactic War, una mappa condivisa nella quale migliaia di giocatori potranno sostenere alleanze e conquistare territori.

La presenza contemporanea di campagna, PvP, cooperativa e guerra persistente è uno degli aspetti più promettenti, ma anche uno dei rischi principali. ZeroSpace dovrà dimostrare di riuscire a mantenere equilibrate tutte queste componenti senza sacrificare la qualità della campagna o la leggibilità delle battaglie.

L’Early Access servirà proprio a raccogliere feedback e correggere i sistemi meno convincenti. È lo stesso percorso seguito da numerosi progetti indipendenti che utilizzano Steam per sviluppare il gioco insieme alla community, come abbiamo raccontato parlando di Windrose e della sua crescita in Early Access.

ZeroSpace si è fatto conoscere anche attraverso le prove gratuite di giugno. Nel nostro approfondimento sullo Steam Next Fest e su come scegliere le demo migliori abbiamo spiegato perché questi eventi siano diventati decisivi per gli strategici e le produzioni indipendenti.

Quanto durerà l’Early Access?

Starlance Studios prevede di mantenere ZeroSpace in Early Access per circa un anno. Non si tratta però di una scadenza vincolante: la durata potrà cambiare in base ai feedback dei giocatori e alle necessità dello sviluppo.

Per la versione 1.0 sono previsti:

• Nuove missioni della campagna
• Altre attività cooperative
• Mappe Skirmish fino a 4 contro 4
• Nuove fazioni
• Altri comandanti cooperativi
• Nuovi mercenari
• Maggiori interazioni nella guerra galattica
• Altri eventi e rapporti tra i personaggi
• Completamento della storia cinematografica

La versione disponibile il 20 luglio sarà dunque giocabile, ma non conterrà ancora l’intera campagna e tutte le funzioni progettate per l’edizione definitiva.

Requisiti PC di ZeroSpace

ZeroSpace richiede un computer di fascia almeno media e 50 GB di spazio disponibile.

I requisiti minimi indicati su Steam sono:

• Sistema operativo: Windows 10 a 64 bit
• Processore: AMD o Intel con 4 core a 3 GHz
• Memoria: 16 GB di RAM
• Scheda video: NVIDIA GTX 1080 Ti oppure AMD RX 5700
• DirectX: versione 11
• Connessione Internet a banda larga
• Spazio disponibile: 50 GB

Per la configurazione consigliata vengono richiesti un processore con 8 core a 3 GHz e una scheda video NVIDIA RTX 3060 Ti oppure AMD RX 6800.

La GTX 1080 Ti indicata come requisito minimo è ancora una scheda relativamente potente. Chi utilizza un portatile o un PC meno recente dovrebbe quindi attendere i primi test sulle prestazioni prima dell’acquisto.

Conviene acquistare ZeroSpace subito?

ZeroSpace può essere interessante fin dal lancio per chi ama gli strategici in tempo reale e vuole contribuire allo sviluppo attraverso feedback, partite competitive e sperimentazione delle diverse fazioni.

Chi cerca invece una campagna completa, un bilanciamento definitivo e un’esperienza priva di problemi dovrebbe aspettare almeno i primi aggiornamenti. L’Early Access comprende già numerose modalità, ma resta una versione in lavorazione.

La scelta dipende soprattutto dalle aspettative: ZeroSpace non arriva il 20 luglio come gioco completo, ma come base già giocabile di un progetto destinato a crescere per almeno un altro anno.

Il potenziale è evidente. La combinazione tra battaglie in tempo reale, scelte narrative, mercenari e guerra galattica può dare nuova energia a un genere che raramente osa unire così tante strutture. Dal 20 luglio scopriremo se la prima versione sarà abbastanza solida da sostenere questa ambizione.

Molto del clamore attorno al titolo resta legato alle accuse di plagio nei confronti di Pokémon, ma il cosiddetto Pokémon con i fucili continua a convincere grazie alla fusione tra elementi survival e monster catcher. I Pal restano fondamentali per sviluppare la base, creare equipaggiamento e superare le Torri Boss.

Con la versione 1.0 il sistema di Work Suitability, quello che determina l’efficienza dei Pal nei lavori di base, è stato ridisegnato per offrire ruoli più significativi, e il numero di Pal duplicati necessari per il rank massimo è sceso da 116 a 48. La buona notizia è che i Pal iniziali più utili restano in gran parte gli stessi: li trovi ancora nell’isola di partenza, tra il Plateau of Beginnings e le Windswept Hills. Per il quadro completo delle novità rimandiamo al nostro articolo dedicato al lancio di Palworld 1.0.

I migliori Pal da catturare nella fase iniziale di Palworld 1.0

Ecco cinque creature che si dimostrano ancora molto utili nelle prime ore di gioco della versione 1.0, sia per la produzione alla base sia per l’esplorazione.

Chikipi

Una delle mansioni più importanti per far funzionare la base è procurarsi cibo, e Chikipi aiuta proprio in questo grazie alle uova che produce. È una delle prime creature che si incontrano nell’isola iniziale, insieme a Lamball, utile per la lana, e Cattiva, un lavoratore instancabile buono su più fronti.

Foxparks

Foxparks resta uno dei migliori Pal da catturare all’inizio anche nella 1.0. Alla base si occupa delle mansioni legate al fuoco, dall’accendere il falò per cucinare all’avviare le fornaci per lingotti e materiali. Il suo Partner Skill lo trasforma in un lanciafiamme equipaggiabile, molto efficace contro i nemici di tipo Erba e Ghiaccio nelle prime Torri Boss, anche se ha un tempo di ricarica di circa 100 secondi.

Pengullet

Questo piccolo pinguino è tra le prime creature di tipo Acqua che si incontrano nel gioco. Un Pal di questo elemento resta importante per irrigare le piantagioni di bacche, garantendo una fonte costante di cibo, e per far funzionare strutture come il frantoio che trasforma le pietre in frammenti di Paldium.

Eikthyrdeer

Eikthyrdeer ricorda per certi versi il cavallo Torrent di Elden Ring: una volta sbloccata l’abilità apposita, può eseguire un doppio salto mentre viene cavalcato, ed è tra i mount più consigliati anche nella guida iniziale della 1.0. Messo a lavorare presso il sito di disboscamento garantisce inoltre grandi quantità di legname, una delle risorse più richieste nelle prime ore.

Digtoise

Per creare strutture ed equipaggiamento avanzato servono numerosi lingotti, ottenibili fondendo in fornace gli elementi estratti dalle rocce con il piccone. Digtoise resta una scelta solida per questo compito grazie alla sua elevata capacità di estrazione, ed essendo un Pal di elemento Terra risulta utile anche contro il primo boss del gioco. Con il redesign del sistema di Work Suitability introdotto in 1.0 conviene comunque verificare in gioco il livello esatto della sua statistica di estrazione.

Per rivivere l’annuncio originale del gioco, resta disponibile il secondo trailer di Palworld, pubblicato ai tempi della fase di sviluppo iniziale del titolo.

• Chikipi: uova e rifornimento di cibo per la base
• Foxparks: fuoco per cucina, fornaci e combattimento
• Pengullet: irrigazione delle piantagioni e frantoio
• Eikthyrdeer: mount con doppio salto e disboscamento
• Digtoise: estrazione mineraria ed elemento Terra utile contro i boss

Il gioco nasce infatti come ripubblicazione moderna di The Dark Eye, avventura horror psicologica sviluppata originariamente da Inscape e pubblicata nel 1995 da Warner Interactive Entertainment per Windows e Mac. La nuova edizione è arrivata su Steam il 15 febbraio 2026 con GMedia come publisher, mantenendo sostanzialmente intatta l’esperienza originale, compreso il formato visivo e l’interfaccia multimediale dell’epoca.
Non siamo quindi davanti a un vero remaster, ma a un recupero quasi archeologico: affascinante per valore storico, ma inevitabilmente problematico quando lo si giudica con gli occhi di oggi.

Il macabro in Edgar Allan Poe’s Interactive Horror

La struttura narrativa di Edgar Allan Poe’s Interactive Horror: 1995 Edition è uno degli aspetti più interessanti dell’intera operazione. Il gioco non si limita ad adattare alcuni racconti di Edgar Allan Poe, ma li incastona dentro una cornice originale, in cui il protagonista senza nome visita alcuni parenti e viene progressivamente risucchiato in una spirale di tensione familiare, malattia, follia e visioni. La storia principale procede a intermittenza, interrompendosi quando l’ambiente assume una tonalità irreale e il giocatore viene spinto a cercare oggetti chiave che aprono l’accesso ai racconti interni.

Le tre storie principali adattate sono Il cuore rivelatore, Il barile di Amontillado e Berenice, tutte affrontate da una prospettiva particolarmente disturbante: il giocatore può infatti vivere gli eventi sia dal punto di vista della vittima sia da quello del carnefice. Questa doppia prospettiva è forse l’idea più forte del gioco, perché trasforma racconti già noti in una sorta di teatro mentale interattivo, dove non si tratta tanto di “vincere”, quanto di abitare per qualche minuto una psicologia malata, ossessiva e destinata alla rovina.

Gameplay

Sul piano del gameplay, però, l’opera mostra tutti i suoi limiti, sia come prodotto degli anni Novanta sia come port moderno poco rifinito. Edgar Allan Poe’s Interactive Horror: 1995 Edition è tecnicamente un’avventura in prima persona punta e clicca, ma sarebbe fuorviante aspettarsi enigmi classici, inventario articolato, combinazioni di oggetti o scelte realmente determinanti. Il gioco procede più per hotspot, sequenze da attivare e micro-interazioni ambientali che per puzzle design tradizionale.

Secondo la struttura originale di The Dark Eye, non ci sono punti, bivi narrativi sostanziali o decisioni di vita o di morte: il giocatore deve individuare l’elemento giusto nello scenario per far avanzare la scena successiva. Questo crea un ritmo molto particolare, quasi da installazione interattiva, ma anche una frustrazione evidente.

Gli hotspot sono spesso minuscoli, l’interfaccia richiede precisione e le azioni devono talvolta essere compiute in un ordine estremamente specifico. L’inventario, poi, è ridottissimo e permette di trasportare un solo oggetto alla volta. Il risultato è un’esperienza più da sopportare che da padroneggiare: interessante se affrontata come esperimento storico, molto meno se cercate un’avventura grafica fluida, leggibile e gratificante.

Direzione artistica, grafica e atmosfera

Il motivo principale per cui questo gioco merita ancora una discussione è il suo aspetto visivo. The Dark Eye combinava ambienti 3D prerenderizzati, animazioni stop-motion, sequenze video e figure dall’aspetto volutamente artificiale, creando un’estetica sospesa tra teatro di marionette, incubo vittoriano e CD-ROM sperimentale. I personaggi hanno volti deformati, tratti quasi umani ma sempre leggermente sbagliati, capaci di generare quell’effetto perturbante che oggi assoceremmo facilmente alla “uncanny valley”.

Non è un horror che punta al jumpscare o alla paura immediata: il suo registro è più sottile, marcio, febbrile. Si ha costantemente la sensazione che il mondo di gioco sia sul punto di collassare, come se ogni stanza, ogni volto e ogni pausa nei dialoghi nascondessero qualcosa di irrimediabilmente compromesso. In questo senso, la grafica è tecnicamente datata ma artisticamente ancora notevole. Il limite, semmai, è che questa edizione non sembra valorizzare davvero il materiale originale: lo conserva, certo, ma senza quel lavoro di restauro, pulizia o contestualizzazione che avrebbe potuto renderlo più accessibile senza tradirne l’identità.

Ambiente sonoro e stile recitativo

Il comparto sonoro è un altro elemento fondamentale dell’identità del gioco. La presenza di William S. Burroughs come voce narrante contribuisce in modo decisivo al tono straniante dell’esperienza: la sua lettura non ha il calore di una narrazione tradizionale, ma un andamento secco, ipnotico, quasi tossico, perfetto per accompagnare un’opera che parla di ossessione, paranoia e disfacimento mentale.
Anche la componente musicale ha un peso importante, con Thomas Dolby coinvolto nella colonna sonora originale insieme ad altri compositori. Il risultato è un tappeto audio rarefatto, più inquieto che apertamente spaventoso, capace di sostenere l’atmosfera anche quando l’interazione si fa lenta o poco chiara.

I silenzi, le voci distorte, i rumori ambientali e le pause contribuiscono a costruire una dimensione quasi onirica, in cui il giocatore non è mai completamente sicuro di trovarsi davanti a un racconto, un ricordo o un’allucinazione. Anche qui, però, bisogna accettare la natura profondamente datata del prodotto: il sonoro funziona più come documento artistico che come esperienza rifinita secondo gli standard contemporanei.

Problemi tecnici e qualità del port

Il problema più grave di Edgar Allan Poe’s Interactive Horror: 1995 Edition non è il fatto di essere vecchio, lento o sperimentale. Quello fa parte della sua identità. Il vero nodo è la qualità del port. Da quanto emerge dall’esperienza di gioco descritta, questa edizione presenta crash, freeze e problemi di progressione abbastanza seri da compromettere la fruizione. La cosa più preoccupante è che il gioco stesso avverte il giocatore della presenza di due modalità: una “normal edition”, con salvataggi più comodi ma bug potenzialmente bloccanti, e una “legacy edition”, meno problematica sul fronte della progressione ma comunque esposta a blocchi durante il salvataggio.

È una scelta quasi grottesca: invece di offrire una versione stabile, il port chiede al giocatore di scegliere quale tipo di problema preferisce affrontare. Questo pesa enormemente sul giudizio finale, perché un’opera storicamente importante meriterebbe una conservazione migliore. Non basta rendere un vecchio gioco avviabile su PC moderni: serve anche garantirne l’affidabilità minima, soprattutto quando la struttura è già lenta, criptica e punitiva.

Un titolo più dal valore storico

La longevità di Edgar Allan Poe’s Interactive Horror: 1995 Edition non va misurata come quella di un’avventura moderna. Non è un gioco lungo, non ha grande rigiocabilità e non propone finali multipli o percorsi realmente divergenti. Il suo valore sta piuttosto nell’esperienza, nella curiosità e nell’importanza storica. Come documento del periodo CD-ROM multimediale, è affascinante: rappresenta un momento in cui il videogioco provava a fondersi con teatro, letteratura, video digitale, animazione artigianale e sperimentazione sonora.

Si può definire questo evento come il ritorno moderno del gioco come una “restaurazione” pensata per rendere nuovamente accessibile uno degli adventure più strani degli anni Novanta, pur segnalando che le modifiche rispetto all’originale sono minime e che il cambio di titolo è legato a questioni di trademark. Come prodotto da acquistare oggi, invece, il discorso cambia: la curiosità può bastare agli appassionati di horror rétro, agli studiosi del medium o ai fan di Poe, ma difficilmente convincerà chi cerca un’esperienza solida, moderna e piacevole da giocare. È più un reperto che un gioco pienamente consigliabile.

Come avevamo già raccontato nella nostra guida al Next Fest di giugno, i festival tematici di Steam non sono solo sconti: per i quattro giorni dell’evento la homepage dedica spazio visivo al genere, portando visibilità a titoli che normalmente vivono nell’ombra. L’evento include sconti su tutti i giochi del genere che soddisfano i criteri di partecipazione, possibili demo gratuite e livestream degli sviluppatori.

Cosa sono i social deduction game: il genere spiegato in breve

I social deduction game sono giochi multiplayer in cui l’informazione è nascosta e asimmetrica. Un gruppo di giocatori ha un obiettivo comune, ma una minoranza ha obiettivi opposti e nascosti. Il cuore dell’esperienza è la comunicazione: accusare, difendersi, convincere, mentire e interpretare le reazioni degli altri. La struttura narrativa più classica è quella dei giochi da tavolo Lupo Mannaro e Mafia, portata su schermo con meccaniche digitali. Il genere ha avuto una prima esplosione con Among Us durante la pandemia del 2020, ma le sue radici sono più profonde: titoli come Town of Salem (2014) e Project Winter (2019) esistevano già anni prima. Quello che Among Us ha fatto è portare il genere a un pubblico di massa, aprendo la strada a una nuova generazione di titoli che hanno affinato la formula.

Goose Goose Duck: il migliore sostituto gratuito di Among Us

Goose Goose Duck di Gaggle Studios è gratuito, supporta fino a 16 giocatori con chat vocale di prossimità integrata e offre decine di ruoli unici che rendono ogni partita radicalmente diversa dalla precedente. I giocatori sono divisi in oche e anatre: le oche completano compiti, le anatre sabotano e cercano di eliminarle. Il sistema di ruoli neutrali aggiunge un terzo vettore strategico con obiettivi personali segreti. Con oltre 80.000 recensioni positive su Steam e continui aggiornamenti, è il punto di ingresso ideale per chi si avvicina al genere per la prima volta. Durante il Social Deduction Fest aspettati eventi in-game e potenziali contenuti cosmetici a tema.

Town of Salem 2: il Mafia digitale nella sua forma più profonda

Town of Salem 2 di BlankMediaGames è la versione evoluta del classico del 2014. Con oltre 50 ruoli diversi distribuiti tra le fazioni Town, Mafia e Neutrale, è il social deduction game con la maggiore profondità tattica disponibile su Steam. Il ciclo giorno/notte struttura ogni partita: di giorno i cittadini votano chi giustiziare, di notte ogni ruolo esegue la propria azione in segreto. È più impegnativo di Among Us e richiede una curva di apprendimento più lunga, ma per chi ama la complessità strategica è un’esperienza difficile da replicare altrove. Il Social Deduction Fest è uno dei momenti migliori per acquistarlo scontato.

Project Winter: sopravvivenza nel ghiaccio con traditori nascosti

Project Winter di Other Ocean Interactive fonde il genere del social deduction con il survival in un ambiente invernale ostile. Otto giocatori devono cooperare per riparare strutture e fuggire dalla mappa, ma due di loro sono traditori con istruzioni per sabotare il gruppo e impedire la fuga. La gestione delle risorse, del freddo e degli obiettivi distribuiti sulla mappa aggiunge una dimensione tattica che va oltre la semplice discussione e il voto. È uno dei titoli più tesi del genere: la necessità di collaborare anche con chi sospetti tradire crea dinamiche di paranoia difficili da replicare in altri contesti. Spesso disponibile in bundle durante i festival tematici Steam.

I nuovi arrivi del genere: cosa cercare durante il Fest

Il Social Deduction Fest è anche il momento migliore per scoprire titoli più recenti o meno conosciuti che arricchiscono il genere con angolazioni originali. Tra i titoli emersi negli ultimi anni che meritano attenzione durante il festival: Dread, un social deduction game in prima persona con telecamere di sicurezza e meccaniche di infiltrazione; First Class Trouble, ambientato su una nave spaziale con un’estetica retrò e meccaniche di ossigeno che aggiungono pressione alle discussioni; e Feign, versione digitale del Lupo Mannaro con logica village e stile grafico accessibile.

Il catalogo del Fest include sia i grandi nomi che decine di indie più piccoli: la pagina ufficiale dell’evento su Steam è il posto migliore per esplorare, filtrare per prezzo e scoprire qualcosa di inaspettato. Lo Steam Social Deduction Fest parte il 13 luglio alle 19:00 ora italiana e si chiude il 16 luglio. La pagina ufficiale sarà disponibile su Steam dall’apertura dell’evento.

Una storia semplice, ma con una pressione costante

La premessa narrativa di Fortune Seller non ha bisogno di lunghi dialoghi o cinematiche spettacolari per funzionare. Dovremo gestire una piccola bottega piena di oggetti strani, clienti ancora più strani e un problema molto concreto: i debiti (dato il periodo della dichiarazione dei redditi mi ci sono immedesimato parecchio). Ogni settimana l’affitto aumenta, e se non si riesce a raggiungere l’obiettivo economico richiesto, la partita finisce.

Questa struttura crea una tensione immediata, perché ogni vendita non è mai soltanto una vendita, ma un passo necessario per non essere schiacciati dal sistema. L’ambientazione funziona proprio perché mescola il quotidiano con il disturbante: da una parte c’è il negozio, il denaro, la merce da piazzare; dall’altra ci sono reliquie ambigue, facce inquietanti, richieste assurde e un senso costante di minaccia. Non è una storia raccontata in modo tradizionale, ma una cornice che dà peso a ogni scelta.

Il cuore Fortune Seller: incastrare, vendere, moltiplicare

Il sistema principale di Fortune Seller ruota attorno all’inventario dei clienti. Ogni cliente presenta una griglia, quasi da puzzle alla Tetris, e noi dovremo inserire al suo interno gli oggetti disponibili. Ogni reliquia ha una forma, un valore e una categoria, quindi il semplice atto di “vendere qualcosa” diventa subito un problema di ottimizzazione spaziale.

Più si riempie la griglia, più aumenta il moltiplicatore legato al riempimento, e un oggetto apparentemente modesto può diventare molto più redditizio se posizionato nel modo giusto. Il gioco introduce poi caselle modificatore, positive o negative, che premiano o penalizzano certe categorie. Un bonus alchemico, per esempio, può raddoppiare il valore di un oggetto compatibile, mentre una casella sfavorevole può rovinare un piazzamento. È qui che Fortune Seller smette di sembrare semplice e inizia a diventare pericolosamente strategico.

Tarocchi, incantesimi e costruzione della run

La parte più interessante arriva quando il gioco comincia ad aprire i suoi sistemi di progressione. Tra una vendita e l’altra si costruisce un mazzo di tarocchi, ottenendo bonus permanenti o effetti alternativi tramite carte rovesciate. È questo sistema a dare identità alla run: non si tratta solo di vendere bene nel singolo turno, ma di capire che tipo di economia si vuole costruire. Gli incantesimi aggiungono un ulteriore livello tattico.

Carte come Charge, Polish o Flame possono trasformare un oggetto mediocre in una fonte enorme di guadagno, ma sono risorse limitate e vanno usate al momento giusto. In parallelo, vendere oggetti di una certa categoria aumenta l’arcana associata, spingendoci a specializzarci in organici, antichi, cimeli o alchemici. Il problema è che specializzarsi troppo può diventare rischioso quando i clienti iniziano a chiedere altro.

Progressione, difficoltà e varietà delle build

Fortune Seller è un gioco che non perdona la superficialità. La curva di difficoltà sembra piuttosto ripida: le prime richieste economiche sono gestibili, ma già dopo poche settimane gli obiettivi salgono in modo aggressivo, passando da migliaia a decine di migliaia, poi centinaia di migliaia e infine cifre enormi. Questo significa che il gioco pretende ottimizzazione vera.

Non basta piazzare oggetti a caso, né affidarsi a una singola vendita fortunata: bisogna pianificare, investire, capire quando comprare nuovi oggetti, quando prendere contratti e quando evitare rischi inutili.
Le diverse build sbloccabili aiutano a mantenere fresca l’esperienza, perché cambiano l’oggetto distintivo iniziale e il modo in cui conviene affrontare la partita. Alcune strategie puntano su un singolo oggetto di altissimo valore, altre su tanti piccoli oggetti incastrati con precisione. È un roguelike più matematico che istintivo.

Atmosfera: gotico, sporco e leggermente sbagliato

Uno degli elementi più riusciti di Fortune Seller è l’atmosfera. Il gioco non punta su un horror esplicito, ma su un’inquietudine continua, fatta di dettagli strani e immagini disturbanti. I clienti sembrano fotografie consumate di persone che non vorresti incontrare davvero, gli oggetti hanno nomi bizzarri e sgradevoli, le fasi lunari assumono espressioni quasi malate, e tutto contribuisce a dare la sensazione che il mondo del gioco sia storto.

Non è semplicemente una bottega di antiquariato: è un luogo in cui ogni reliquia sembra avere una storia poco rassicurante e ogni transazione sembra nascondere qualcosa. Questo tono gotico dà personalità a un sistema che, altrimenti, rischierebbe di essere solo una sequenza di calcoli. Fortune Seller funziona perché riesce a rendere inquietante perfino una moltiplicazione di valore o una griglia riempita al millimetro.

Il limite principale: tanto calcolo mentale

Il difetto più evidente di Fortune Seller è anche una conseguenza diretta delle sue qualità. Quando i sistemi iniziano a stratificarsi, il gioco richiede moltissimo calcolo mentale. Bisogna valutare forme, valori, categorie, bonus di riempimento, modificatori, incantesimi, effetti dei tarocchi, crescita dell’oggetto distintivo e possibili conseguenze delle scelte future.

Per chi ama ottimizzare, questo è esattamente il fascino del gioco: il momento in cui tutto si incastra e il numero finale esplode dà una soddisfazione enorme.
Per altri, però, può diventare stancante. Fortune Seller non è un gestionale rilassante da tenere in sottofondo: è un puzzle economico travestito da negozio maledetto. Richiede attenzione, memoria e voglia di ragionare. Quando funziona, crea quella classica dipendenza da “ancora una vendita”. Quando pesa, invece, può sembrare quasi un lavoro.

The Adventures of Elliot non è il solito gioco di ruolo corale con party numeroso, menu complessi e battaglie a turni. Qui il protagonista è uno, Elliot, accompagnato dalla fata Faie, e il viaggio si costruisce attraverso dungeon, rovine, enigmi ambientali, strumenti da utilizzare e combattimenti in tempo reale. È una scelta interessante, perché dimostra la volontà di non usare l’HD-2D soltanto come richiamo nostalgico, ma come base per un’avventura più fisica e immediata.

Il gioco arriva con aspettative importanti proprio per il nome che porta dietro. Quando si parla di Team Asano e Square Enix, il pubblico pensa subito a produzioni curate, tradizionali ma eleganti, spesso capaci di parlare agli appassionati di vecchia data senza risultare semplicemente antiquate. The Adventures of Elliot: The Millennium Tales prova a fare esattamente questo: essere familiare, accogliente e leggibile, ma non pigro.

Non sempre riesce a sfruttare fino in fondo tutte le sue idee, soprattutto quando entra in gioco il tema del tempo. Però il viaggio resta piacevole, solido e costruito con una cura evidente. È il classico titolo che difficilmente travolge, ma che sa farsi voler bene mentre lo si gioca.

Storia, personaggi e ambientazione di The Adventures of Elliot

La storia di The Adventures of Elliot ruota attorno a un mondo in difficoltà, dove l’umanità vive sotto minaccia e il passato continua a pesare sul presente. Elliot è un avventuriero incaricato di esplorare antiche rovine fuori dalla sicurezza del regno, ma quella che sembra inizialmente una missione pericolosa e abbastanza lineare si trasforma presto in qualcosa di molto più ampio. Il viaggio finisce per attraversare epoche diverse, portando il protagonista e Faie dentro una vicenda che riguarda memoria, destino e conseguenze lasciate dal tempo.

La premessa ha un fascino immediato. L’idea di viaggiare attraverso quattro ere diverse dà al gioco un respiro più grande rispetto alla semplice avventura fantasy, anche se bisogna essere chiari: The Adventures of Elliot non sfrutta sempre il viaggio temporale con la forza che avrebbe potuto avere. Ci sono momenti in cui vedere luoghi e situazioni cambiare nel corso delle epoche funziona bene, perché dà la sensazione che il mondo abbia davvero una storia alle spalle. In altri passaggi, invece, il meccanismo sembra più un modo per variare scenari e obiettivi che un vero motore narrativo capace di ribaltare il racconto.

Elliot è un protagonista classico, quasi volutamente semplice. Non è tormentato, non è ambiguo, non è costruito per sorprendere con grandi conflitti interiori. È l’eroe da avventura tradizionale: coraggioso, disponibile, pronto a buttarsi nei guai quando c’è qualcosa da sistemare. Questo può farlo sembrare poco originale, ma dentro il tono del gioco funziona. The Adventures of Elliot non vuole decostruire l’eroe fantasy; vuole recuperarlo con sincerità.

Faie, la fata che lo accompagna, aggiunge movimento e colore al viaggio. Non è solo una presenza narrativa, perché ha anche un ruolo attivo nel gameplay, ma dal punto di vista del racconto serve soprattutto a dare ritmo ai dialoghi e a rendere meno solitario il cammino. La sua presenza alleggerisce l’avventura, a volte con un tono molto esplicito e fiabesco, altre con interventi utili a guidare il giocatore.

Il mondo di gioco ha il pregio di essere chiaro, leggibile e pieno di piccoli luoghi da esplorare. Regni, rovine, caverne, templi e insediamenti costruiscono una geografia classica ma efficace. Non siamo davanti a un universo narrativo rivoluzionario, e alcuni snodi della trama risultano prevedibili, ma l’atmosfera generale è coerente. The Adventures of Elliot: The Millennium Tales funziona soprattutto come racconto d’avventura, meno come grande epopea drammatica.

La scrittura alterna momenti gradevoli ad altri più convenzionali. I dialoghi a volte spiegano troppo, e il tono può diventare un po’ ingenuo per chi cerca una narrazione più matura. Però c’è una qualità che non va sottovalutata: il gioco non è cinico. Crede davvero nella propria avventura, nei suoi personaggi e nella voglia di scoprire cosa si nasconde dietro la prossima rovina.

Gameplay

Il gameplay è la parte più importante di The Adventures of Elliot, perché è qui che il gioco trova la sua identità più netta. La struttura richiama apertamente gli action adventure classici: visuale dall’alto, mondo progressivamente esplorabile, dungeon, enigmi, strumenti da usare, passaggi bloccati da sbloccare più avanti e combattimenti in tempo reale.

Il paragone con certe avventure alla Zelda nasce spontaneo, ma sarebbe riduttivo fermarsi lì. The Adventures of Elliot usa quella base come linguaggio comune, poi la mescola con elementi da action RPG e con il gusto Square Enix per personalizzazione, equipaggiamento e progressione. Non c’è un sistema di combattimento a turni, non c’è un party tradizionale da gestire e non c’è la classica crescita basata solo sui livelli. Qui conta soprattutto come combatti, quali strumenti porti con te e come migliori le armi attraverso le risorse trovate esplorando.

Elliot può utilizzare diversi tipi di armi, e questa varietà dà una buona freschezza agli scontri. Spada, arco, catene, falci, martelli e altri strumenti offrono approcci differenti, non soltanto numeri diversi. Alcune armi funzionano meglio a distanza, altre permettono di colpire più nemici, altre ancora diventano utili anche fuori dal combattimento, durante l’esplorazione o la risoluzione di ostacoli ambientali. Il gioco dà il meglio quando ti costringe a cambiare ritmo, passando da una stanza piena di nemici a un enigma, da un boss a una deviazione nascosta.

La presenza di Faie arricchisce la formula. La fata può aiutare in combattimento, raccogliere oggetti, interagire con alcuni elementi dello scenario e supportare Elliot in varie situazioni. In cooperativa, un secondo giocatore può controllarla direttamente, trasformando l’avventura in un’esperienza più leggera e condivisa. Non è una modalità che cambia completamente il gioco, ma aggiunge una dimensione piacevole, soprattutto per chi vuole affrontare il viaggio in compagnia.

Molto interessante anche l’uso della magicite, che permette di modificare e potenziare le armi con effetti aggiuntivi. È un sistema abbastanza semplice da capire, ma utile per dare personalità alla build. Non si arriva mai a livelli di complessità eccessivi, e questa è una scelta precisa. The Adventures of Elliot preferisce restare accessibile, evitando di sommergere il giocatore con statistiche, crafting pesante o equipaggiamenti casuali da confrontare ogni cinque minuti.

L’esplorazione è uno dei punti più riusciti. Il mondo si apre gradualmente e invita spesso a deviare dal percorso principale. Caverne opzionali, scrigni, piccoli enigmi e zone raggiungibili solo dopo aver ottenuto un determinato strumento creano quella sensazione piacevole di avventura classica, dove ogni deviazione può portare a qualcosa. Non tutto è memorabile, ma il ritmo funziona. Spesso capita di partire verso un obiettivo preciso e ritrovarsi altrove, catturati da una grotta, una scorciatoia o un segreto intravisto lungo la strada.

I dungeon sono ben costruiti, anche se raramente sorprendono in modo radicale. Alternano combattimenti, enigmi e passaggi ambientali con una buona chiarezza. La difficoltà resta generalmente accessibile, ma non priva di momenti più impegnativi, soprattutto nei boss e in alcune fasi avanzate. I combattimenti contro i nemici più importanti sono piacevoli perché chiedono attenzione a movimenti, finestre d’attacco e uso delle risorse, senza trasformarsi in lunghe prove di pazienza.

I limiti emergono soprattutto nella ripetizione. Dopo molte ore, alcune attività iniziano a somigliarsi, e la struttura rischia di diventare prevedibile. Anche il tema del viaggio temporale, come detto, avrebbe potuto incidere di più sul gameplay. Ci sono idee interessanti, ma non sempre vengono portate alle estreme conseguenze. The Adventures of Elliot è più sicuro che audace, e questo lo rende molto piacevole, ma raramente sorprendente fino in fondo.

Livello tecnico

Dal punto di vista visivo, The Adventures of Elliot: The Millennium Tales è un altro esempio riuscito di HD-2D. La combinazione tra sprite bidimensionali, scenari tridimensionali, profondità di campo, luci moderne e texture retrò continua ad avere un fascino notevole. Il gioco è bello da guardare non perché punti al realismo, ma perché trasforma la nostalgia in qualcosa di vivo.

Le ambientazioni sono colorate, leggibili e spesso ricche di atmosfera. I dungeon hanno una buona identità, i villaggi trasmettono calore e le aree naturali beneficiano molto dell’illuminazione. Il colpo d’occhio funziona soprattutto quando il gioco gioca con contrasti, riflessi e profondità, dando a luoghi apparentemente semplici una qualità quasi da diorama.

Il design dei personaggi è più tradizionale, ma coerente. Elliot e Faie non sono figure rivoluzionarie, però si inseriscono bene nel mondo. Anche i nemici seguono una direzione classica, con creature leggibili e riconoscibili. In combattimento, la chiarezza visiva resta generalmente buona, e questo è fondamentale per un action RPG in tempo reale.

Il comparto sonoro accompagna bene il viaggio. Le musiche hanno quel tono avventuroso, malinconico e fiabesco tipico delle produzioni Square Enix più tradizionali, senza però raggiungere sempre vette indimenticabili. Alcuni brani funzionano molto bene nelle aree esplorative, altri restano più discreti. Gli effetti sonori sono puliti, con colpi, magie e interazioni ambientali sufficientemente chiari.

Il doppiaggio, quando presente, sostiene il tono del gioco senza stravolgerlo. La scrittura resta comunque molto legata ai testi e ai dialoghi tradizionali, quindi il peso maggiore dell’esperienza rimane nelle conversazioni scritte e nella messa in scena.

Sul piano delle prestazioni, The Adventures of Elliot si comporta bene sulle piattaforme moderne. L’esperienza è fluida, i caricamenti non spezzano troppo il ritmo e l’interfaccia rimane generalmente chiara. Qualche piccola rigidità nelle animazioni e alcuni momenti più carichi visivamente non compromettono l’esperienza, ma ricordano che l’obiettivo non è stupire con la potenza tecnica pura. Il gioco punta sulla coerenza artistica, e da quel punto di vista centra il bersaglio.

Attack on Titan 3 racconterà i principi del corpo di ricerca e la sua inevitabile fine, facendo immergere il giocatore nella storia dell’opera con la possibilità di viverla ancora una volta dal punto di vista degli eroi di Paradis. Sarà possibile scegliere personaggi con diverse abilità e formare una squadra a seconda di queste capacità.

Il movimento tridimensionale sarà una parte fondamentale del gameplay, che è stato naturalmente migliorato così come i giganti, che sono stati resi ancora più spaventosi. Proprio come nell’animazione della serie originale, quella di apertura del nuovo gioco è stata disegnata dallo studio MAPPA, che ancora una volta ha portato in vita i personaggi dell’opera rendendoli incredibilmente vivi ed espressivi. Questa scena sarà disponibile soltanto dopo un aggiornamento.

Le novità del gameplay di Attack on Titan 3

Con la possibilità di avventurarsi oltre le mura, i giocatori potranno esplorare i territori circostanti, ma ciò renderà anche le cose più difficili: il carburante dell’attrezzatura dovrà essere tenuto d’occhio, bisognerà mantenere alta la morale del gruppo per essere più forti in combattimento, e inoltre sarà necessario costruire basi per rifornirsi.

I giganti potranno sferrare attacchi letali ed avranno comportamenti più realistici e pericolosi, per questo i giocatori dovranno stare attenti e combattere senza sosta per evitarli. Attack on Titan 3 è ancora in sviluppo e il suo rilascio è previsto per l’inverno su PlayStation 5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S e PC tramite Steam.

Voyagers of Nera

Inizialmente lanciato in accesso anticipato per PC tramite Steam l’uscita completa di Voyagers of Nera è prevista per ottobre, mentre l’ultimo importante aggiornamento “Esploratore degli Abissi” è già disponibile.

Voyagers of Nera è essenzialmente un gioco cooperativo di sopravvivenza e crafting che unisce un massimo di dieci giocatori. Il gioco è ambientato in un vasto oceano ricco di antiche rovine e diversi biomi.

Il magico mondo di Nera

Nera è un mondo oceanico magico e ricco di bellezza, magia e pericoli. Il giocatore impersona Echo, un discendente degli antichi protettori di questo mondo, ormai estinti. Il suo compito sarà quello di solcare i mari, sconfiggere le mostruose creature degli abissi e risvegliare gli spiriti prima che questi svaniscano per sempre.

Da solo o in gruppo il giocatore potrà navigare verso isole lontane o cavalcare le onde. Dovrà costruire le proprie navi da zero, aggiungendo vele, decorazioni, cannoni e postazioni magiche. Sarà possibile immergersi nelle profondità marine per trovare preziose risorse e tesori nascosti cercando di fare attenzione a non disturbare ciò che si cela negli abissi.

Un viaggio ricco di avventura

Il viaggio oltre a essere ricco di avventure porterà il giocatore a scoprire interessanti biomi, come un arcipelago formatosi attorno ad un misterioso colosso caduto o coloratissime scogliere coralline che si ergono verso il cielo. Per sopravvivere non basterà costruire la propria nave ma sarà necessario creare imponenti basi costiere, forgiare nuove armi e risvegliare i potenti spiriti della natura, combattendo creature mostruose abitanti sia della terra che del mare.

Sarà necessario inoltre costruire villaggi in continua espansione e personalizzabili grazie ad un sistema di costruzione particolare. Ogni base che viene costruita permette di raffinare risorse, cucinare e creare nuovi equipaggiamenti. In aggiunta questa fungerà da santuario per gli spiriti del mondo. Costruendo le giuste strutture sarà possibile attirarli e proteggerli. In cambio questi alimenteranno magicamente il proprio insediamento, sbloccando creazioni più potenti.

Alla ricerca degli spiriti antichi

Un tempo ogni bioma era la dimora di un potente spirito antico, ma questi ora sono dispersi e perduti. Starà al giocatore trovare i loro frammenti perduti e risvegliarli per ereditare i loro incredibile potere e riportare il mondo di Nera alla normalità.

Voyagers of Nera è un’esperienza che da il proprio meglio sia in solitaria che con gli amici. I giocatori potranno condividere l’avventura fino a dieci amici sullo stesso server. L’aggiunta è possibile in qualsiasi momento e sarà possibile ricoprire ruoli diversi. Che una persona preferisca l’avventura, la creazione, il combattimento o la costruzione ogni scelta contribuisce al progresso del gruppo.

Il gioco è atteso su PC ad Ottobre tramite Steam, mentre per i possessori di console sarà necessario attendere qualche mese in più. Al momento il gioco purtroppo non è stato tradotto in italiano ma è possibile giocarlo in diverse lingue, tra cui l’inglese. Al momento in cui l’articolo viene redatto inoltre su Steam il gioco è in sconto fino al 9 luglio, da 29,99 euro a 19,79. Non resta che attendere l’uscita o buttarsi sulla versione ad accesso anticipato, e in questo periodo in cui il desiderio di buttarsi tra le fresche e cristalline acque è più che mai alto forse vale la pena concedersi una pausa nel mondo di Voyagers of Nera.

I grandi RPG: Cyberpunk, Baldur’s Gate 3, Clair Obscur e The Witcher 3

La fascia degli RPG di qualità è quella con i rapporti qualità-prezzo più interessanti di questo Summer Sale. Cyberpunk 2077 è in offerta a 17,99 euro (sconto del 70% dal prezzo base di 59,99 euro), con l’espansione Phantom Liberty disponibile separatamente a 17,99 euro. Dopo anni di aggiornamenti post-lancio, il gioco di CD Projekt Red è oggi uno dei migliori RPG open world disponibili su PC, e questo prezzo lo rende un acquisto quasi obbligato per chi non lo ha ancora nella libreria. Baldur’s Gate 3 scende a 44,99 euro con uno sconto del 25%: non è il taglio più aggressivo della storia del gioco, ma per un titolo che ha venduto decine di milioni di copie e continua a ricevere aggiornamenti gratuiti, è comunque il momento giusto per prenderlo. Clair Obscur: Expedition 33, il JRPG francese che ha sorpreso tutti all’inizio del 2026, è disponibile a 39,99 euro. The Witcher 3: Wild Hunt Complete Edition tocca il prezzo simbolico di circa 9,99 euro, espansioni incluse: una delle proposte di valore più solide dell’intera storia dei saldi Steam.

I titoli recenti in sconto per la prima volta: EA Sports FC 26 e Diablo IV

Il Summer Sale porta sconti anche su titoli usciti nel corso degli ultimi mesi. EA Sports FC 26 è disponibile a 13,99 euro, un prezzo eccezionale per un gioco sportivo ancora attivo con aggiornamenti regolari. Diablo IV è in offerta a 29,99 euro, un buon momento per entrare nel gioco prima dell’inizio della Stagione 14 del 30 giugno. Borderlands 4 scende a 34,83 euro, mentre Elden Ring: Nightreign è disponibile a 29,99 euro.

I classici da recuperare: Red Dead 2, God of War Ragnarök e Star Wars Jedi Survivor

I titoli usciti tra il 2020 e il 2024 toccano in questo Summer Sale alcuni dei loro prezzi più bassi di sempre. Red Dead Redemption 2 scende a 14,99 euro con uno sconto del 75%: è ancora uno degli open world più belli mai realizzati, e a questo prezzo non esistono scuse per non averlo nella libreria. God of War: Ragnarök è in offerta a 40,19 euro con un -33%, il suo primo sconto significativo su PC. Star Wars Jedi: Survivor tocca i 13,99 euro con uno sconto dell’80%, confermandosi una delle offerte più aggressive dell’intera tornata dei saldi.

I grandi affari sotto i 10 euro: Titanfall 2, Sekiro e Hollow Knight

• Titanfall 2: circa 4,49 euro. La campagna single player è una delle esperienze FPS più originali mai realizzate. A questo prezzo non ci sono più scuse.
• Sekiro: Shadows Die Twice: circa 29,99 euro con sconto del 50%. Il più tecnico dei giochi FromSoftware, e per molti il migliore.
• Hollow Knight: circa 7,19 euro. Il punto di riferimento dei metroidvania indie, ancora insuperato per qualità dell’esplorazione.
• Hotline Miami: circa 0,99 euro. Probabilmente l’acquisto più assurdo in termini di rapporto qualità-prezzo dell’intero Summer Sale.
• Hades: circa 9,99 euro. Il roguelike che ha ridefinito il genere, ancora oggi tra i meglio recensiti di sempre su Steam.

Come comprare in modo intelligente: tre consigli pratici

Primo: usa SteamDB per verificare se il prezzo in sconto è davvero il minimo storico del gioco o semplicemente lo sconto standard. Alcuni titoli vengono scontati allo stesso identico prezzo a ogni saldo: aspettare non porta vantaggi, ma almeno sai che non stai perdendo nulla. Secondo: se un gioco è nella tua wishlist, Steam ti ha già notificato automaticamente dello sconto. Controlla la wishlist prima di navigare a caso nella homepage dei saldi. Terzo: come ricordavamo nel nostro articolo sulle date dei saldi Steam 2025 e 2026, il Summer Sale è storicament il secondo evento più importante dell’anno dopo il Winter Sale di dicembre: chi aspetta il Winter Sale troverà probabilmente gli stessi sconti, ma non c’è garanzia che alcuni titoli rimangano allo stesso prezzo. Il prossimo grande evento Steam dopo la chiusura del 9 luglio sarà l’Autumn Sale in autunno. Per esplorare il catalogo completo delle offerte, il punto di partenza è la pagina ufficiale dello Steam Summer Sale 2026.

La serie di Blue Reflection ha avuto inizio con l’uscita del primo gioco nel 2017, da allora la serie RPG si è espansa con un anime, un gioco per dispositivi mobile e un sequel su console grazie anche alla supervisione della serie a cura del celebre illustratore Mel Kishida, charter designer di Hanasaku Iroha e illustratore di Heaven’s Memo Pad. Per tutti quelli che non hanno sentito parlare di questa interessante saga ma vogliono prepararsi alla sua imminente uscita di raccolta di giochi, Blue Reflection Quartet contiene infatti tutte e quattro le emozionanti storie, l’editore Koei Tecmo offre una utile panoramica.

Il mondo di Blue Reflection

Il primo Blue Reflection narra la storia di Hinako una ballerina che dopo un’infortunio alla gamba è costretta a mettere da parte i suoi sogni, incontra Yukuzi e Lime che le conferiscono poteri magici e le chiedono aiuto per sconfiggere Sephira che sta minacciando il mondo. A Hinako viene promesso che se sconfiggerà il nemico il suo desiderio potrà avversarsi. Nel tentativo di tirare sul palco la ragazza si pone l’obbiettivo di raccogliere frammenti di emozioni, noti come frammenti, per diventare abbastanza forte e sconfiggere Sephira.

In questa nuova versione le texture sono state aggiornate in alta risoluzione e aggiunti nuovi effetti visivi, come un migliore effetto dell’acqua e altri effetti che aiutano a creare un’atmosfera più coinvolgente. Sono state inoltre introdotte nuove funzionalità, come il salvataggio automatico per un esperienza più fluida.

Blue Reflection: Ray

In questo capitolo invece ci viene narrata la storia di Hiori Hirahara una ragazza solare e ottimista e di Ruka Hanari, timida e impacciata, insieme cambieranno la storia l’una dell’altra e del mondo intero. Questo gioco offre una versione condensata della storia, con i personaggi principali realizzati in 3D. I giocatori dovranno seguire Hiori e Ruka mentre esplorano il Common e rivivono i loro ricordi, nel tentativo di affrontare uno studente di un’altra accademia che sta cercando di ricreare il mondo. Nuove storie espandono la lore di gioco, un nuovo prologo e un nuovo epilogo collegano questo capitolo alle altre opere della serie.

Blue Reflection: Sun

Questo capitolo è stato sviluppato come gioco per dispositivi mobile e racconta la storia di un gruppo di studenti che stanno vivendo in un mondo ormai alla fine e che nel frattempo cercando di aggrapparsi alla speranza di un possibile futuro. La storia di Sun è stata riproposta come videogioco per console utilizzando i sitemi di Blue Reflection: Secon Light in modo da ricreare le memorabili battaglie del gioco originale. Sono stati aggiunti 24 nuovi eventi dei personaggi, oltre alla storia principale, il prologo e l’epilogo del gioco originale in modo da collegare anche in questo caso questo capitolo agli altri capitoli della serie.

Blue Reflection: Second Light

Questo gioco racconta la storia di un gruppo di studenti senza memoria che si ritrovano a vivere in uno strano mondo. Attraverso le loro avventure dovranno scavare dentro di sé per recuperare i loro ricordi e scoprire la verità sul mondo in cui vivono. Uscito per la prima volta nell’ottobre del 2021 questa versione di Blue Reflection include otto personaggi aggiuntivi provenienti dalle storie di Ray e Sun che possono unirsi alla battaglia. Questi nuovi personaggi si uniscono anche a Yuzuki e Lime come nuove aggiunte nella modalità foto. Sono state incluse inoltre nuove funzionalità come una maggiore velocità di combattimento, maggiore velocità durante l’esplorazione e l’accelerazione degli eventi, offrendo un esperienza di gioco migliorata.

Tutto quello che potete trovare in Blue Reflection Quartet

Oltre alla raccolta di tutti i giochi della serie, questa edizione racchiude anche una serie di aggiunte che andranno ad arricchire l’esperienza di gioco di tutti i fan.

All’interno della raccolta è presente un database che offre una comprensione più approfondita del mondo della serie di Blue Reflection. Qui sarà possibile consultare diagrammi cronologici degli eventi principali delle storie, nonché schemi delle relazioni tra i personaggi della intera serie. Questa panoramica dettagliata dei personaggi renderà l’esperienza di gioco più ricca e piacevole.

Una galleria di immagini dove è possibile ammirare le illustrazioni di Mel Kishida.

Un bonus per il pre ordine digitale che offre un set di quattro cornici foto speciali.

Il gioco come già anticipato nel titolo è previsto per il 30 luglio di quest’anno, sarà disponibile per diverse piattaforme, tra cui PlayStation 5, Switch 1 e 2 e PC tramite Steam. Il gioco sarà localizzato in diverse lingue anche se sembra che al momento non sia prevista una versione in italiano. I fan della nostra nazione dovranno accontentarsi di giocarlo in inglese ma con una edizione così ricca di contenuto sembra proprio che lo sforzo valga la pena.

Breach of Trust, invece, sceglie una via più narrativa e più drammatica. Non sembra interessato soltanto ad aggiungere varianti, tecnologie o fazioni, ma a costruire uno scenario autonomo, riconoscibile, quasi teatrale.

New Edinburgh: una nuova città, gli stessi fantasmi

In questo nuovo capitolo non sarà più Nuova Londra la nostra casa, ma ci sposteremo a Nuova Edimburgo (preferisco il nome in inglese), una città costruita attorno a un vulcano dormiente e segnata da una forte instabilità politica.

L’incipit è cupo anche per gli standard della serie, il ché ci piace devo dire. Il vecchio Capitano è morto suicida dopo una ribellione. Non era un buon leader, e la città che lascia dietro di sé non è soltanto danneggiata sul piano materiale, ma compromessa sul piano morale.
Noi entriamo in scena venendo eletti Primo Cittadino di New Edinburgh, ma questa elezione non ha il sapore limpido di una rinascita democratica. È piuttosto una soluzione d’emergenza, una toppa istituzionale applicata su una frattura ancora aperta.

Questo è un punto fondamentale. Breach of Trust non parte dalla domanda classica: “come salverai la tua città?“. Parte da qualcosa di più scomodo: “come governerai una città che ha già smesso di credere nei suoi governanti?“

Il vulcano, in questo senso, non è solo scenario. È una minaccia latente, una presenza che dorme sotto la città e che può risvegliarsi in qualsiasi momento. New Edinburgh sembra quasi una Pompei del gelo: una comunità costretta ad andare avanti, produrre, negoziare e sopravvivere mentre sotto i suoi piedi resta aperta la possibilità del disastro. È un’immagine potente, perché rispecchia la città stessa: apparentemente ancora in piedi, ma costruita su una frattura pronta a esplodere.

La diplomazia non è mai facile in Frostpunk 2

Il vero cuore narrativo di Breach of Trust è Aurora, ex colonia alimentare di New Edinburgh, dichiaratasi indipendente, ed è qui che il titolo del DLC trova il suo significato più forte. La “breach of trust”, la rottura della fiducia, non indica semplicemente una crisi diplomatica, ma una frattura storica, politica e morale: Aurora non è un nemico qualsiasi, né una minaccia esterna arrivata dal nulla, bensì una comunità che un tempo faceva parte del sistema di New Edinburgh e che ora rifiuta quel rapporto.

La premessa è tanto semplice quanto efficace: New Edinburgh ha poco cibo, mentre Aurora ne ha molto di più e, di conseguenza, la sopravvivenza della città principale dipende da una comunità che non vuole più essere subordinata. È una tensione perfettamente frostpunkiana e la storia è, per quanto possibile, molto verosimile in un futuro distopico.
Insomma cade a fagiolo il proverbio latino: homo homini lupus.

Il punto interessante è che Aurora non viene rappresentata come un semplice deposito di risorse, ma come un soggetto politico, con una propria forza, una propria dignità e un proprio orgoglio.
In questo senso, gli indicatori di forza e resistenza funzionano molto bene: il primo misura il peso economico e militare di Aurora, mentre il secondo rappresenta la sua volontà di opporsi.

Dove la diplomazia fallisce è guerra

La novità più evidente è l’introduzione della dimensione militare. Con le caserme si possono addestrare plotoni, produrre armi pesanti e attaccare Aurora. È un’aggiunta importante, perché Frostpunk ha sempre raccontato la violenza del potere, ma raramente l’ha resa così esplicita.

Il rischio era trasformare un dilemma politico in un semplice calcolo bellico: ho abbastanza soldati, quindi vinco. Fortunatamente, Breach of Trust sembra più intelligente di così.
La forza può funzionare, ma non risolve davvero il problema. Occupare Aurora significa prendere il controllo di una città ostile, gestire resistenza, sabotaggi, tensioni e fazioni pronte a ribellarsi.

In questo senso, la guerra non è una scorciatoia eroica, ma una scorciatoia tossica. Può dare risultati immediati, ma lascia conseguenze profonde. È una delle idee più coerenti con l’identità della serie: in Frostpunk le decisioni peggiori spesso sono anche le più efficaci, ed è proprio per questo che fanno male.

Il vulcano come motore del gameplay

Uno degli aspetti più interessanti del DLC è il modo in cui la minaccia ambientale viene ripensata. Frostpunk è una serie costruita attorno al gelo, al freddo, alla tempesta, alla paura della temperatura che scende. Breach of Trust non cancella questa eredità, ma decide di spostarla. Qui la grande minaccia non arriva soltanto dal cielo o dall’inverno eterno, ma dal sottosuolo. Il vulcano di New Edinburgh produce tremori, danneggia distretti, obbliga a continue riparazioni e rende la città un organismo fisicamente instabile.

Questa è una scelta importante, perché evita di riproporre ancora una volta la tormenta bianca come culmine della tensione. Breach of Trust prova invece a costruire un’ansia diversa: non l’attesa di una singola catastrofe climatica, ma la gestione di una pressione intermittente, sismica, quasi nervosa.
Insomma se avete avuto difficoltà con Winterhome disinstallate questo DLC.

Ogni risorsa investita nell’espansione urbana può mancare quando bisogna riparare un distretto colpito da un tremore. Ogni prefabbricato speso troppo in fretta può trasformarsi in una condanna poche settimane dopo. Il DLC sembra quindi costruire una forma di tensione meno spettacolare ma più costante: la sensazione che la città non sia mai davvero stabile.

Criticamente, questa è una delle intuizioni migliori di Breach of Trust. Il vulcano non è solo una minaccia nuova; è un modo per rinnovare il linguaggio della serie. Frostpunk resta Frostpunk, ma cambia il tipo di paura che ci trasmette.

Olden Era mette a disposizione sei fazioni giocabili: Temple, Necropolis, Grove, Dungeon, Hive e Schism. Alcune rievocano fazioni storiche della saga, come la Necropolis presente gia’ in Heroes of Might and Magic III; altre, come Hive e Schism, sono creazioni originali di Unfrozen. In questa guida trovi una descrizione dettagliata di ciascuna, con indicazioni sullo stile di gioco, i punti di forza, le debolezze e il tipo di giocatore a cui si adatta meglio. Nota bene: il gioco e’ ancora in Early Access, quindi alcune meccaniche e valori di bilanciamento potrebbero cambiare con gli aggiornamenti futuri.

Temple: equilibrio e disciplina militare

Temple rappresenta la fazione umana per eccellenza in Olden Era. Proviene dall’isola di Karigor ed e’ governata dalla Somma Inquisizione, un ordine religioso che ha varcato le acque di Jadame per diffondere la propria fede, con le parole o con la spada. L’esercito di Temple combina unita’ corpo a corpo solide con attaccanti a distanza efficaci, una composizione bilanciata che garantisce flessibilita’ in quasi ogni situazione di combattimento. La meccanica caratteristica di questa fazione e’ il sistema del Morale: mantenendo alto il morale delle proprie truppe si ottengono azioni aggiuntive durante il turno, un vantaggio che nelle fasi avanzate di una battaglia puo’ risultare decisivo. Temple e’ la fazione ideale per chi vuole costruire un esercito affidabile senza dipendere da combo complesse. E’ accessibile ai nuovi arrivati ma offre comunque profondita’ strategica ai giocatori esperti che sanno sfruttare al meglio i cicli di buff e il controllo del campo di battaglia.

Necropolis: logoramento e nonmorti

Necropolis e’ una delle fazioni piu’ iconiche dell’intera saga Heroes of Might and Magic e in Olden Era mantiene intatta la propria identita’. Guidata dal Capo della Gilda dei Negromanti, proviene dalle terre dei morti attorno a Shadowspire. Il suo esercito comprende scheletri, vampiri, lich e razziatori di tombe: unita’ prevalentemente corpo a corpo che compensano la relativa lentezza con una resistenza straordinaria. La meccanica fondamentale di Necropolis e’ la Necromanzia: al termine di ogni combattimento, una parte delle unita’ nemiche sconfitte viene reintegrata nell’esercito del giocatore come nonmorti, rendendo ogni vittoria un’opportunita’ di crescita. A questo si aggiungono maledizioni e capacita’ di drenaggio vitale che logorare gli avversari turno dopo turno. Necropolis e’ la scelta di chi preferisce partite lunghe, di attrito, in cui il proprio esercito diventa via via piu’ grande mentre quello nemico si svuota. Contro l’intelligenza artificiale e’ particolarmente efficace; in multiplayer richiede un avvio piu’ attento perche’ i giocatori umani tendono a punire le fasi iniziali lente.

Grove: natura e semplicita’ tattica

Grove e’ la fazione naturistica di Olden Era e si distingue per essere la piu’ accessibile dell’intero roster. Le sue unita’, tra cui faun, fenice ed erbofilax, sono strettamente legate al mondo naturale e si dividono con chiarezza in due ruoli: attaccanti a distanza che infliggono danni e unita’ corpo a corpo che assorbono i colpi in prima linea. Questo schema tattico diretto e’ uno dei motivi per cui Grove viene spesso consigliata ai nuovi giocatori: permette di concentrarsi sull’apprendimento dei sistemi di gioco, come la generazione di Focus e la progressione degli eroi, senza dover decifrare meccaniche di fazione particolarmente complesse. Grove dispone inoltre di una rete di teletrasporto tramite funghi che collega le citta’ possedute, aggiungendo uno strato di controllo della mappa che diventa prezioso nelle partite su mappe di grandi dimensioni. Non e’ la fazione piu’ potente in assoluto, ma e’ quella con il margine di errore piu’ ampio, il che la rende un ottimo punto di partenza per chi si avvicina per la prima volta al genere degli strategici a turni. Su iCrewPlay trovi anche una guida introduttiva ai giochi di strategia per chi vuole approfondire le basi del genere prima di buttarsi in Jadame.

Dungeon: aggressivita’ e meccaniche avanzate

Dungeon e’ considerata da molti la fazione piu’ forte dell’attuale versione Early Access di Olden Era, con una posizione dominante soprattutto nel multiplayer competitivo. Si tratta di una fazione che premia la padronanza tecnica: la sua meccanica principale e’ il sistema di stance switching, che consente di alternare la propria postura di combattimento durante la battaglia per adattarsi alle situazioni in continua evoluzione. Un giocatore che ignora questa meccanica otterra’ risultati mediocri; uno che la padroneggia sblocca combinazioni tattiche devastanti. L’esercito di Dungeon e’ costruito attorno all’aggressivita’ e alla capacita’ di adattamento rapido. Il costo di questa potenza e’ una curva di apprendimento piu’ ripida rispetto ad altre fazioni: Dungeon non e’ consigliata come prima scelta assoluta per chi e’ alle prime armi con Heroes of Might and Magic: Olden Era, ma diventa la fazione di riferimento per chi vuole competere ai livelli piu’ alti.

Hive: swarm, numero e pressione costante

Hive e’ una delle due fazioni originali di Olden Era, creata da Unfrozen senza radici dirette nei capitoli precedenti della saga. Tematicamente ispirata agli insetti, porta sul campo di battaglia unita’ come parassiti, locuste e waurm, tutte accomunate da un’estetica chitinosa e predatoria. Lo stile di gioco di Hive si basa sulla pressione numerica e sull’aggressivita’ costante: l’obiettivo e’ travolgere il nemico con la quantita’, non con la finezza tattica. La fazione ha due caratteristiche meccaniche distintive. La prima e’ la capacita’ Corpse Eater di alcune unita’, che permette di spostarsi sulla cella di un’unita’ sconfitta e divorarne il corpo per recuperare punti vita. La seconda e’ un bonus passivo che aumenta la potenza complessiva dell’esercito in base al numero di tipi di unita’ differenti schierati, incoraggiando una composizione varia piuttosto che lo stacking di una singola unita’. Il principale limite di Hive e’ la quasi totale assenza di attaccanti a distanza, il che la espone a composizioni avversarie che sfruttano la gittata. La fazione rende al massimo su mappe con terreni lavici e in partite dove si riesce a dettare il ritmo dello scontro.

Schism: il culto abissale per giocatori esperti

Schism e’ la sesta e ultima fazione rivelata per Olden Era, annunciata nell’agosto 2025 come sorpresa finale del roster. E’ anche la piu’ complessa e la meno adatta ai principianti: richiede pazienza, pianificazione a lungo termine e una buona comprensione delle meccaniche di gioco prima di esprimere il proprio potenziale. L’estetica e’ quella di un culto eldritch con creature corrotte e design stranianti. La meccanica centrale di Schism e’ Abyssal Communion, un sistema che genera risorse speciali durante la battaglia e permette di potenziare le unita’ in modo progressivo. Nei momenti di picco Schism e’ in grado di chiudere il campo di possibilita’ del nemico e dilagare, ma richiede di superare una fase iniziale delicata. Non e’ una fazione per chi vuole risultati immediati, ma per chi e’ disposto a investire tempo per padroneggiarne le sfumature. Se ti interessano i giochi di strategia a turni con fazioni profonde, su iCrewPlay abbiamo parlato anche di Songs of Conquest, altro titolo che ha segnato il genere negli ultimi anni.

Quale fazione scegliere

La risposta dipende quasi interamente dallo stile di gioco. Grove e Temple sono le scelte piu’ sicure per chi si avvicina per la prima volta alla serie: offrono eserciti leggibili, meccaniche dirette e un margine di errore generoso. Necropolis e’ ideale per chi ama le partite di logoramento e vuole vedere il proprio esercito crescere in modo organico dopo ogni battaglia. Hive soddisfa chi preferisce un approccio aggressivo e frenetico, con la consapevolezza che la mancanza di unita’ a distanza va gestita con cura nella composizione dell’esercito. Dungeon e’ la fazione da scegliere se si punta al gioco competitivo e si e’ disposti a investire tempo nell’apprendimento del sistema di stance. Schism, infine, e’ la sfida per i giocatori che cercano profondita’ estrema e non si spaventano di fronte a un avvio difficoltoso.

• Temple: bilanciata, flessibile, consigliata ai nuovi giocatori
• Necropolis: logoramento e Necromanzia, ottima contro l’intelligenza artificiale
• Grove: la piu’ accessibile, ottima per imparare i sistemi di gioco
• Dungeon: la piu’ potente in multiplayer, richiede padronanza avanzata
• Hive: aggressivita’ pura e pressione numerica, senza attaccanti a distanza
• Schism: la piu’ complessa, per giocatori esperti che cercano una sfida

Heroes of Might and Magic: Olden Era e’ acquistabile su Steam in Early Access al prezzo di circa 39,99 euro. Essendo un titolo in sviluppo attivo, il bilanciamento tra le fazioni e’ destinato a evolversi con i prossimi aggiornamenti: la roadmap prevede nuovi contenuti gia’ nel corso dell’estate 2026, tra cui una modalita’ teamplay e una revisione completa delle abilita’ degli eroi.

Questo accogliente RPG d’avventura a scorrimento laterale si prepara ad arrivare sulle vostre piattaforme cullato dalle musiche di una rinomata compositrice, Cecile Corbel, nota per il suo lavoro su Arrietty – Il mondo segreto sotto il pavimento, comporrà infatti la colonna sonora del videogioco.

Una storia calda come il pane

The Witch’s Bakery è un RPG di avventura che metterà i videogiocatori e le videogiocatrici nei panni di una allegra strega che decide di partire alla volta della moderna Parigi con l’intento di aprire una pasticceria. Questa pasticceria però non è come le altre, Lunne, questo è il nome della strega, ha un potere speciale: può leggere nel cuore delle persone e guarire le emozioni attraverso la magia!

Vivi la magia della splendida Parigi

Appena arrivati a Parigi, dovremo indossare i panni di Lunne, e dovremo vivere la quotidianità di essere una strega-panettiera e di gestire una pasticceria in pieno centro città. Ogni giorno sarà scandito da tre fasi. Il giorno durante il quale Lunne dovrà gestire la sua pasticceria e servire i clienti insieme al suo gruppo ben affiatato di amici. La sera, momento fondamentale della giornata in cui la nostra strega potrà scoprire i segreti della città, stringere nuove amicizie e addentrarsi nei cuori tormentati delle persone che ha vicino. La notte invece non è meno importante delle altre due fasi, qui infatti Lunne si riposa, affina la sua magia, decora la pasticceria e trascorre del tempo ristoratore nel suo atelier. La storia si sviluppa giorno dopo giorno mentre Lunne guadagnerà esperienza, denaro, fama e cercando di fare nuovi incontri e di guarire i cuori malati dei suoi amici.

Attraversa i colori di Parigi

Una volta terminata la propria giornata di lavoro, Lunne potrà visitare i diversi e sfaccettati quartieri di Parigi, li potrà incontrare nuovi amici e personaggi principali della storia, partecipare ad attività per imparare nuove e fondamentali abilità, fare qualche acquisto compulsivo in libreria, acquistando nuovi libri di ricette e molto altro. Uno dei tanti quartieri in cui Lunne si imbatterà durante le sue gite notturne è Le Quai des Bouquinistes, situato nel VI Arrondissement questo pittoresco quartiere parigino è famoso per i suoi librai, le sue collezioni di vari articoli di intrattenimento come Vinili, Poster e vecchie riviste ma anche, naturalmente, per la splendida cattedrale di Notre-Dame. Come presto imparerà Lunne, ogni quartiere ha i suoi personaggi, le sue attività e i suoi negozi.

Una storia che mescola emozioni e magia

Per alcune persone che Lunne incontrerà nel corso della sua avventura, le emozioni dentro di loro sono così profondamente represse che la strega dovrà spingersi all’interno del loro cuore per aiutarle. Aiuta Lunne ad entrare nel loro Palazzo del Cuore, uno spazio magico dove le emozioni e i pensieri prendono forma. Lunne dovrà guidare l’emozione personificata di nuovo all’interno del proprio cuore. All’interno del Palazzo del Cuore, Lunne scoprirà le lotte interiori più profonde e dovrà trovare l’ingrediente chiave di cui ha bisogno per preparare un pane che guarirà la persona interessata.

Mentre attendiamo di sapere con certezza la data di uscita di questo magico e originale RPG a tema dolci e magia, lo sviluppatore e l’editore hanno annunciato il prezzo di lancio delle edizioni fisiche. PlayStation 5, Switch 2 e Switch usciranno al prezzo di 34,99 €. Per chi acquisterà la copia in anticipo è previsto inoltre in regalo un ricettario digitale. Il gioco verrà localizzato in diverse lingue, tra cui l’italiano. Non avete più scuse quindi, scaldate i fornelli e pulite la cucina, Lunne, la sua scopa volante e il suo gatto rosa sono in arrivo a casa vostra.

Preparati a fare una scelta

In The Necromancer’s Tale dovremo tuffarci all’interno di un mondo RPG ricco di una storia ben costruita. Sarà necessario padroneggiare i rituali contenuti all’interno di un antico libro di incantesimi. Radunare un esercito di non morti e marciare contro i nostri nemici. Sarà necessario comunicare con il regno dei morti e lottare contro la discesa nella follia. Attraverso segreti, l’uso attento della diplomazia, del ricatto, utilizzare occasionalmente la coercizione o la seduzione, fino a quando non saremo pronti a rivalere il nostro vero essere.

Riti e rituali

Davanti a noi si estende un gigantesco libro di incantesimi, pieno di potenti riti di morte e di rianimazione. Sarà compito nostro riuscire a decifrare le pagine in esso contenute e a padroneggiare i suoi oscuri e arcani rituali senza impazzire o essere impiccato dagli ignoranti abitanti del villaggio. Riuscire a gestire il potere e i progressi che esso porta richiederà grande determinazione, astuzia e segretezza.

La storia

The Necromancer’s Tale è un gioco che contiene in sé una grossa fetta narrativa, con 400.000 parole di narrazione scritta a mano, in cui interagire e con oltre 180 personaggi non giocanti(NPC), ognuno con il proprio ritratto disegnato a mano (lo sviluppatore ci tiene a far sapere che non è stata usata nessuna IA generativa nel gioco). Sarà necessario indagare, negoziare, costringere e adulare per raggiungere i propri obbiettivi. Il sistema di fiducia del gioco fa sì che le scelte del giocatore, anche durante una conversazione, abbiano un impatto reale. Se la fiducia degli abitanti del villaggio scende troppo, le decisioni del giocatore ne risentiranno, se scendono ulteriormente, questo potrà portare ad un processo e ad una sicura impiccagione, o ad un linciaggio della folla inferocita.

Combattimenti

Il gioco prevede combattimenti tattici a turni tra il giocatore, i suoi alleati e i suoi servitori non morti, contro una varietà di nemici, sia naturali che soprannaturali. Il giocatore potrà sfruttare una vasta gamma di armi, rituali e incantesimi di battaglia per sconfiggere i propri avversari.

Esplorazione

The Necromancer’s Tale è ambientato in un regno di fantasia basato su una storia alternativa tra Venezia e il Mar Adriatico nel 1733. Ambientato in un’epoca al confine tra pensiero razionale e superstizione, scienza e magia. Il mondo è oscuro e pericoloso, gli intrighi di corte si scontrano con la magia nera mentre la chimica emerge dall’alchimia.

Longevità

Secondo stime ufficiali, per completare una partita occorreranno tra le 25 e le 50 ore. Questo a seconda di quanto tempo dedicherete ai contenuti secondari e all’esplorazione del mondo di gioco, e anche a seconda che si decida di affrontare i combattimenti di persona o di utilizzare la risoluzione automatica degli scontri. Sono presenti inoltre finali multipli che mostrano le conseguenze delle scelte fatte dal giocatore sul futuro.

Per un’ulteriore approfondimento di The Necromancer’s Tale vi invito a dare un’occhiata alla recensione completa disponibile sul nostri sito, trovate qui il link all’articolo.

Finalmente dopo l’uscita lo scorso luglio su PC adesso finalmente anche tutti i possessori di console potranno fare un viaggio nella storia e nella propria follia, ma attenzione a non perdersi, i paesani non attendono altro che farvi la festa…

Quando esce Deltarune Chapter 5 e a che ora

Il Chapter 5 sarà disponibile simultaneamente su tutte le piattaforme il 24 giugno 2026 alle 11:00 EDT, che corrispondono alle 17:00 ora italiana. Il lancio globale sincronizzato è una scelta precisa di Toby Fox: già con i capitoli precedenti aveva evitato finestre di uscita sfasate per regione, e qui mantiene la stessa impostazione.

Non ci sono informazioni ufficiali su pre-load o dimensioni del download. Chi ha già acquistato il gioco troverà il Chapter 5 disponibile come aggiornamento gratuito, senza nessun passaggio aggiuntivo.

Su quali piattaforme è disponibile Deltarune Chapter 5

Il gioco esce su PC (via Steam e altri store digitali), Nintendo Switch, Nintendo Switch 2, PlayStation 4 e PlayStation 5. Non è prevista una versione Xbox: nessun capitolo di Deltarune è mai arrivato sulle console Microsoft, e il Direct del 9 giugno non ha cambiato questa situazione.

Chi parte da zero deve acquistare il gioco base al prezzo di 24,99 dollari (il costo dei capitoli 3, 4 e di tutti quelli futuri fino al settimo). I capitoli 1 e 2 restano gratuiti su tutte le piattaforme, e sono il punto di partenza consigliato per chiunque non abbia ancora incontrato Kris e Susie.

Cosa racconta il Chapter 5 e dove si inserisce nella storia

Deltarune è un RPG a episodi sviluppato da Toby Fox, lo stesso autore di Undertale, e si svolge in una realtà parallela in cui il protagonista Kris vive in una città di mostri. Insieme a Susie e al principe Ralsei, affronta mondi oscuri generati da fontane di oscurità che minacciano di espandersi nel mondo reale.

Il Chapter 4 aveva lasciato aperte diverse questioni narrative pesanti. Il trailer del Chapter 5 mostra Kris, Susie e Ralsei coinvolti in uno scontro, un momento di vicinanza tra i personaggi e la visita a quello che sembra un tempio. Toby Fox ha dichiarato di aver volutamente escluso dal trailer le scene più importanti, per preservare le sorprese a chi giocherà senza spoiler.

Una delle ipotesi più accreditate tra i fan riguarda il festival che viene menzionato già dal Chapter 2: molti dialoghi nel gioco sembrano costruire verso questo evento, e il Chapter 5 potrebbe essere il momento in cui si svolge davvero.

Cosa succede dopo: Chapter 6, Chapter 7 e i piani futuri

Deltarune è pianificato in sette capitoli totali. Toby Fox ha comunicato nella newsletter di annuncio del Chapter 5 che lo sviluppo del sesto capitolo è già avviato. Ha anche accennato alla possibilità che, se le cose procedono bene, il lavoro sul Chapter 7 inizi entro la fine del 2026.

Non si tratta di date o impegni concreti: Fox è storicamente prudente sulle previsioni temporali. Ma il ritmo attuale è diverso rispetto agli anni passati. Tra il Chapter 2 (2021) e i Chapter 3 e 4 (2025) erano passati quattro anni. Il Chapter 5 arriva meno di un anno dopo, il che suggerisce una pipeline di produzione più fluida e un team più strutturato rispetto agli inizi del progetto.

Per chi vuole prepararsi in modo più ampio, giugno e luglio 2026 sono un mese ricco di uscite rilevanti: Warhammer 40.000 Darktide riceve la classe Skitarii il 23 giugno, mentre Outward 2 entra in Early Access il 7 luglio. Il Chapter 5 si inserisce in un periodo di lancio particolarmente affollato.

Se Toby Fox riuscisse davvero a chiudere la serie entro il 2028, Deltarune diventerebbe uno dei progetti indie più lunghi e ambiziosi mai portati a termine da un team così piccolo. Ma per ora, l’unica data che conta davvero è quella del 24 giugno, alle 17:00 italiane.

La missione è quella di collaborare cercando di non farsi impazzire a vicenda. Alcuni minigiochi potrebbero diventare volontariamente frustranti per testare lo spirito della vostra squadra: ogni modalità ha la cosiddetta opzione “honk”, che nessun giocatore può mutare e che deve quindi subire ogni volta che qualcun altro decide di usarla.

Clowntown e i mille modi per perdere la pazienza

Il minigioco Face Paint prevede di colorare semplici immagini, all’apparenza un compito facile e innocuo, se non fosse che gli NPC possono rovinare l’opera iniziale: la situazione degenererà presto in un caos totale che porterà alla creazione di disegni esageratamente elaborati. Spelling Bee consiste nel formare parole dapprima semplici, ma la cui difficoltà continuerà a crescere fino a che non sarà necessario indovinarne alcune con addirittura 28 lettere.

La modalità Party si divide in due: il co-op permette di creare livelli da capo, decidendo insieme obiettivi e difficoltà, mentre la modalità Contest è la “versione cattiva”: tutti contro tutti, ogni clown per sé e nessuno che si copre le spalle.

Clowntown arriverà prossimamente per PC su Steam e sarà tradotto in inglese, russo, francese, spagnolo, portoghese, tedesco, cinese, giapponese e coreano. Per restare aggiornati sulle novità a riguardo, è possibile seguire gli account di Batterystaple Games su Bluesky e X.

Cos’è lo Steam Next Fest e come funziona

Lo Steam Next Fest nasce come strumento a doppio uso: da un lato aiuta i giocatori a scoprire giochi che potrebbero non trovare mai da soli nell’oceano del catalogo Steam, dall’altro permette agli sviluppatori di raccogliere feedback reali prima del lancio e costruire un pubblico. L’evento si ripete tre volte l’anno, a febbraio, giugno e ottobre, e ogni titolo può partecipare una sola volta: questo significa che le demo che trovi al Next Fest sono, nella maggior parte dei casi, la prima e unica finestra pubblica su quel gioco prima dell’uscita.

Durante i sette giorni dell’evento le demo sono scaricabili e giocabili come qualsiasi altro titolo della tua libreria Steam. Alcune restano disponibili anche dopo la chiusura del festival, ma molti sviluppatori le ritirano il 22 giugno: se vuoi giocarle, devi farlo quella settimana. Oltre alle demo, l’evento include livestream degli sviluppatori e sessioni di domande e risposte, utili per capire la visione dietro un progetto prima ancora di scaricarlo.

Il problema reale: troppe demo, troppo poco tempo

Le edizioni recenti del Next Fest hanno superato le mille demo disponibili contemporaneamente. Anche dedicando ogni sera della settimana all’evento, non riusciresti a toccare nemmeno il dieci percento del catalogo. Il rischio concreto è uno solo: apri Steam il 15 giugno, ti perdi nello scroll infinito della pagina dedicata, scarichi tre demo a caso, ne finisci una, e il 22 giugno l’evento è già chiuso. La guida che segue esiste proprio per evitare questo scenario. Non è una lista di titoli consigliati, che per definizione invecchia nel giro di pochi giorni. È un metodo, valido per questa edizione e per tutte le prossime.

Prima del 15 giugno: il lavoro che fa la differenza

Il giocatore che si presenta al Next Fest senza preparazione è quello che si perde.

Chi ottiene il massimo dall’evento di solito ha già fatto il grosso del lavoro prima che inizi. Il punto di partenza è la tua wishlist su Steam. Se hai aggiunto giochi negli ultimi mesi, alcuni di loro potrebbero partecipare al Next Fest con una demo: Steam ti avvisa direttamente nella sezione notifiche. Controlla anche le pagine di giochi che segui da tempo e che non hanno ancora una data di uscita: il Next Fest è spesso l’occasione in cui uno sviluppatore indie decide di mostrare per la prima volta qualcosa di giocabile.

Un secondo strumento utile è SteamDB, il sito non ufficiale che traccia le variazioni del database di Steam: nei giorni precedenti all’evento vengono solitamente aggiunte decine di voci relative alle nuove demo, offrendo un’anteprima del catalogo prima dell’apertura ufficiale. Infine, tieni d’occhio i canali delle community che segui, come il nostro, che nei giorni precedenti al 15 giugno pubblicheranno selezioni dei titoli più attesi. Il tempo che dedichi prima è tempo che risparmia dentro l’evento.

Come usare i filtri di Steam in modo intelligente

Quando il festival apre, la pagina principale dello Steam Next Fest presenta i titoli in evidenza scelti da Valve, che spesso sono quelli con il maggiore budget promozionale, non necessariamente i migliori. Per andare oltre, usa i filtri. Steam permette di filtrare le demo per genere, tag, lingua supportata e numero di giocatori. Alcuni tag particolarmente utili per chi cerca qualità sono quelli più specifici: cerca per tag come metroidvania, soulslike, city builder, deck building o qualsiasi sotto-genere che conosci di apprezzare. I titoli taggati con specificità tendono a essere più consapevoli del proprio pubblico rispetto a quelli che si limitano a action o adventure. Un secondo filtro utile è quello per lingua italiana: se la localizzazione è importante per te, filtrare subito riduce il rumore in modo significativo.

I segnali che indicano una demo che vale il tempo

Non tutte le demo sono uguali. Una demo di qualità è quella in cui lo sviluppatore ha pensato all’esperienza del giocatore, non solo alla quantità di contenuto mostrato. Prima di scaricare, guarda la pagina Steam del gioco: una pagina curata, con descrizione chiara, screenshot che mostrano davvero il gameplay (non solo artwork), un trailer recente e almeno una data di uscita indicativa è un buon segno. Uno sviluppatore che ha investito nella comunicazione ha quasi sempre investito anche nella demo.

Guarda poi le recensioni della demo stessa, se presenti: Steam permette agli utenti di lasciare recensioni sulle demo separate dal gioco base, e anche poche decine di riscontri positivi in pochi giorni indicano che qualcosa ha convinto le persone a fermarsi e scrivere. Un altro segnale positivo è la presenza di livestream programmati dallo sviluppatore durante il Next Fest: un team che dedica tempo a presentare il proprio gioco in diretta è tendenzialmente un team che crede in quello che ha fatto. Infine, valuta la dimensione del file: una demo da 500 MB o meno scarica in pochi minuti e non occupa spazio prezioso. Una demo da 15 GB richiede una scelta più consapevole.

I segnali di allarme da riconoscere subito

Altrettanto utile è saper riconoscere le demo che probabilmente non meritano il tuo tempo limitato. Una pagina Steam con un solo screenshot e nessun trailer è quasi sempre una bandiera rossa: lo sviluppatore non è ancora pronto per il pubblico, e la demo probabilmente lo riflette. Stesso discorso per le pagine con descrizioni vaghe che non spiegano cosa si fa effettivamente nel gioco. Attenzione anche alle demo che mostrano soltanto una sequenza introduttiva senza gameplay reale: il Next Fest è pensato per far giocare, non per mostrare filmati. Se la descrizione della demo dice esplicitamente che non include gameplay interattivo, puoi scendere in lista. Un ultimo segnale: se un gioco simile ne hai già giocati dieci e sei in cerca di qualcosa di nuovo, fidati del tuo senso di stanchezza da genere. Il Next Fest è il posto migliore per scoprire qualcosa fuori dalla propria zona di comfort.

La regola dei venti minuti: come giudicare una demo correttamente

Una demo al Next Fest dura in media tra i venti e i quaranta minuti. È poco, ma è abbastanza per capire se un gioco merita attenzione. La regola pratica più utile è questa: dai a ogni demo almeno venti minuti prima di esprimere un giudizio.

I primi cinque minuti di qualsiasi gioco nuovo sono spesso scomodi: i controlli non sono ancora automatici, le meccaniche non sono chiare, l’ambientazione è nuova. Molti giocatori abbandonano una demo in questa fase e perdono qualcosa che avrebbero potuto apprezzare. Al contrario, se dopo venti minuti non senti ancora il desiderio di continuare, è una risposta chiara. Non perdere altro tempo: chiudi, disinstalla e passa al prossimo.

Con cento demo potenzialmente interessanti e sette giorni a disposizione, l’economia del tempo è tutto. Come abbiamo già notato coprendo il Next Fest di ottobre 2024, spesso le demo più interessanti sono quelle di titoli quasi sconosciuti che si fanno notare proprio grazie a un’idea originale nelle prime fasi di gioco.

Wishlist e feedback: quello che molti dimenticano di fare

Il Next Fest non è solo consumo passivo di contenuto. Per gli sviluppatori indipendenti, ogni aggiunta alla wishlist durante l’evento è un segnale concreto che conta: Steam usa i dati della wishlist per determinare la visibilità futura del gioco sulla piattaforma.

Se hai giocato una demo e ti ha convinto, aggiungere il gioco alla wishlist è il gesto più semplice e più utile che puoi fare. Costa dieci secondi e vale molto di più per uno studio piccolo di qualsiasi altro segnale di supporto. Se hai giocato a lungo, considera di lasciare anche una recensione sulla demo: il feedback concreto su cosa ha funzionato e cosa no è quello di cui gli sviluppatori hanno più bisogno in questa fase. Molti studi indie prendono decisioni di design significative proprio in base alle reazioni raccolte durante il Next Fest. La tua opinione, espressa in modo costruttivo, può letteralmente influenzare come il gioco uscirà. Trovi il catalogo completo dell’evento sulla pagina ufficiale dello Steam Next Fest.

Su iCrewPlay seguiremo l’evento con segnalazioni delle demo più interessanti: tieni d’occhio la nostra sezione PC a partire dal 15 giugno.

Un progetto quasi interamente nato da una persona

Dietro Sol Brothers si cela principalmente Victor Abresol, sviluppatore indipendente francese che ha curato in prima persona quasi ogni aspetto del progetto: programmazione, game design, costruzione del mondo di gioco e narrazione. Un dato che rende ancora più significativo il livello di ambizione del titolo, paragonabile per scala e cura ai migliori esempi del genere prodotti da team ben più numerosi. L’annuncio della data di uscita PC è avvenuto durante l’AG French Direct 2026, lo showcase dedicato alle produzioni indipendenti francesi.

La trama: un mondo antico, due soli e una guerra dimenticata

Maseylia è un pianeta antico, plasmato dal fragile equilibrio di due soli e da una forza misteriosa chiamata il Cuore di Maseylia: un’energia planetaria vivente legata all’armonia di ogni forma di vita. Molto tempo prima degli eventi narrati, una civiltà proveniente dal cielo arrivò sul pianeta e visse inizialmente in pace con il suo popolo durante un periodo ricordato come l’Entente.

Affascinati dalla ricchezza di Maseylia e dalla sua connessione con il Cuore, i nuovi arrivati iniziarono lentamente a cercare il controllo su quel potere. La loro scoperta portò infine alla guerra. Cento anni dopo, le cicatrici del conflitto sono ancora visibili. Il giocatore interpreta un giovane Maseyliese cresciuto in isolamento all’interno di una caverna nascosta insieme a un pugno di sopravvissuti.

Quando suo padre Cain scompare durante una spedizione oltre i confini del loro rifugio, il protagonista si avventura per la prima volta nelle rovine del vecchio mondo. Seguendo le tracce lasciate da Cain, il viaggio condurrà attraverso miniere dimenticate, antiche foreste, città sepolte e resti di campi di battaglia consumati dal tempo, scoprendo poco a poco la verità sulla caduta di Maseylia.

Gameplay: libertà di movimento e sequence breaking

Il cuore di Maseylia: Echoes of the Past è la progressione basata sullo sblocco di nuove abilità di movimento, che non aprono semplicemente nuovi corridoi ma trasformano radicalmente il modo di leggere e attraversare l’intero mondo di gioco. Le abilità confermate includono:

• Dash a 360 gradi: schivata direzionale in qualsiasi direzione nello spazio tridimensionale.
• Doppio salto: per raggiungere piattaforme e percorsi sopraelevati.
• Trasformazione fasica: permette di attraversare la materia solida per accedere ad aree altrimenti inaccessibili.
• Traversata subacquea: consente di esplorare zone sommerse.
• Controllo del livello dell’acqua: meccanica ambientale per modificare l’accesso a sezioni del mondo.
• Gancio: per aggrapparsi a strutture distanti e aumentare la verticalità dell’esplorazione.

La struttura è esplicitamente pensata per il sequence breaking: i giocatori curiosi che esplorano oltre il percorso ovvio vengono premiati con accessi anticipati ad aree, segreti e percorsi alternativi. Il mondo è verticale e pienamente interconnesso in tre dimensioni, a differenza di molti metroidvania 3D che riducono di fatto l’esplorazione a un piano orizzontale. Chi ama questo approccio troverà in Maseylia un invito diretto, in linea con quanto abbiamo già discusso nel nostro approfondimento sui metroidvania indie da non perdere.

Combattimento e boss

Il sistema di combattimento è costruito attorno alla stessa mobilità che governa l’esplorazione. Gli scontri con le creature ostili e i boss di grandi dimensioni richiedono di sfruttare l’agilità del personaggio: spostamento, tempismo e controllo dell’arena sono elementi centrali, più che l’accumulo di statistiche offensive. L’approccio narrativo al lore si ispira dichiaratamente a Dark Souls, con una storia tragica da ricostruire attraverso resti, rovine e tracce lasciate da civiltà scomparse, senza spiegazioni dirette. Un metodo che premia la curiosità e l’osservazione dell’ambiente.

Ispirazioni artistiche: Metroid Prime, Hollow Knight e Moebius

Le influenze dichiarate da Victor Abresol comprendono Metroid Prime per la struttura esplorativa tridimensionale, Hollow Knight per la densità del lore e l’atmosfera, e Pseudoregalia per il sistema di movimento. Sul piano visivo, il riferimento principale è Moebius, il fumettista francese Jean Giraud, la cui fantascienza onirica e visionaria permea l’estetica del titolo: rovine aliene, strutture techno-organiche, foreste, scenari sospesi tra natura e tecnologia compongono un universo con una sua identità precisa, distante sia dall’estetica dark fantasy comune al genere sia dalla fantascienza militare. Il gioco si localizza bene in un filone di metroidvania con forte personalità visiva che ha trovato nel mercato indipendente il proprio terreno di elezione.

Data di uscita, piattaforme e demo

Maseylia: Echoes of the Past esce il 19 giugno 2026 su PC via Steam, con pieno supporto a Steam Deck e Linux. Le versioni console per PlayStation 5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2 sono confermate per il 2026 senza una data precisa. Il gioco è già disponibile in lista dei desideri su Steam, dove è scaricabile anche la demo gratuita aggiornata di recente con un sistema di mappa completamente rivisto, un sistema di valuta e un diario. Per chi vuole farsi un’idea dell’esperienza prima del lancio, la demo è il punto di partenza più diretto: è disponibile su Steam gratuitamente.

The Elder Scrolls Online — Stagione Uno: Il Ritorno della Gilda dei Ladri

Con il lancio delle Stagioni, The Elder Scrolls Online ha inaugurato una nuova era per la distribuzione dei contenuti, introducendo una maggiore varietà di aggiornamenti e una rinnovata attenzione al feedback della community. La Stagione Uno: Il Ritorno della Gilda dei Ladri è il primo nuovo contenuto narrativo dedicato all’iconica Gilda dei Ladri in ESO dal 2016, anno in cui era uscita l’espansione Thieves Guild originale, e si costruisce direttamente sulla trama di quel capitolo. I giocatori si uniranno alla gilda per affrontare il nefasto Cartello Koldane e portare le operazioni della gilda fino a Daggerfall, con una nuova storia, un cast rinnovato e nuovi sistemi pensati per offrire modi inediti di interagire con i personaggi, le gilde e gli ambienti del mondo di gioco. Il trailer è disponibile sul canale YouTube ufficiale di Bethesda.

Fallout 76 — Infestazioni: invasioni dinamiche e boss élite

Fallout 76 introduce le Infestazioni, una nuova modalità di gioco ad alta difficoltà che porta pericolose invasioni di fazioni in diverse zone degli Appalachi. Le Infestazioni compaiono in modo organico nel mondo di gioco, trasformando aree familiari in zone di guerra presidiate da nemici imprevedibili. Ogni invasione culmina in uno scontro con potenti boss élite, ciascuno con mutazioni e meccaniche uniche che richiedono coordinazione e preparazione. Le ricompense includono oggetti leggendari a quattro stelle, la rarità più elevata nel sistema di progressione del gioco. La struttura richiama quella dei mini-raid, con la particolarità di essere distribuita in modo dinamico su tutta la mappa degli Appalachi piuttosto che confinata in aree dedicate. Con questo aggiornamento, Fallout 76 raggiunge il suo 68° aggiornamento gratuito dalla data di lancio nel 2018, confermando una media di otto aggiornamenti gratuiti di contenuto e sistemi all’anno. Il trailer è disponibile sul canale YouTube ufficiale di Bethesda.

Solarpunk esce oggi: piattaforme, prezzo e Game Pass

Solarpunk è disponibile su PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 e PC. Su computer il gioco arriva tramite Steam, Epic Games Store e GOG, mentre su Xbox entra anche nel catalogo Game Pass dal giorno del lancio per Cloud, console e PC.

Il prezzo comunicato per il lancio è di 22,99 euro su diverse piattaforme, con possibili variazioni in base allo store e alla regione. Su PlayStation in Europa il prezzo indicato sale a 24,99 euro, dato che colloca Solarpunk nella fascia degli indie premium e non dei survival tripla A.

La pagina ufficiale Solarpunk su Steam descrive il gioco come un’avventura sandbox basata su costruzione, agricoltura, raccolta risorse e viaggi tra isole. La presenza su Game Pass riduce la soglia d’ingresso per chi vuole provarlo prima di acquistarlo.

Perché Solarpunk piace ai fan dei survival rilassati

Solarpunk non cerca la tensione continua di altri survival. Il ciclo principale ruota attorno alla costruzione della base, alla gestione delle risorse, alla coltivazione di cibo e all’uso di energia solare ed eolica. La sopravvivenza resta presente, ma non sembra costruita per mettere il giocatore sotto pressione costante.

Il tratto più riconoscibile è il dirigibile, usato per spostarsi tra isole fluttuanti e ampliare il raggio d’azione. Invece di puntare su combattimenti, raid o PvP, Solarpunk lavora su esplorazione leggera, arredamento, cooperativa e automazione. Il risultato parla soprattutto a chi ama il lato cozy del survival crafting.

La scheda Xbox di Solarpunk su Microsoft Store insiste proprio su casa, fattoria, gadget e viaggi tra isole. È una scelta chiara: il gioco vuole essere accessibile, creativo e giocabile anche da chi non cerca una sfida aggressiva.

Cosa aspettarsi da Solarpunk al lancio

Cyberwave ha scelto una comunicazione abbastanza diretta: Solarpunk non va interpretato come un survival infinito. La progressione principale viene indicata intorno alle 20 ore, poi il gioco lascia spazio a costruzione, decorazione, farming e obiettivi personali.

Non risultano elementi come PvP, server dedicati, crossplay o una grande campagna narrativa. Questo può deludere chi cerca un sandbox enorme, ma rende più chiaro il pubblico di riferimento: giocatori interessati a un’esperienza tranquilla, cooperativa e poco competitiva.

Il dato delle wishlist ha alzato le aspettative prima dell’uscita. Proprio per questo, il lancio su Game Pass potrebbe diventare la condizione migliore per Solarpunk: chi è incuriosito può provarlo senza trasformare ogni limite in una promessa mancata. La domanda ora è quanto questa formula rilassata riuscirà a trattenere i giocatori oltre le prime ore.

Sviluppato da Space Goblin Studio, il gioco porta il giocatore in una Terra preistorica osservata attraverso una lente fantascientifica. Non si tratta semplicemente di raccogliere risorse e costruire una base. ASTROBOTANICA mette al centro della propria esperienza la scoperta della flora, lo studio dell’ambiente e il rapporto tra tecnologia avanzata e natura primordiale.

Attualmente disponibile in accesso anticipato, il progetto mostra ancora diversi aspetti da rifinire, ma possiede già una caratteristica importante: una forte identità. In un settore dove molti survival finiscono per assomigliarsi, ASTROBOTANICA riesce a creare una personalità immediatamente riconoscibile, costruita attorno all’idea di esplorare, coltivare e comprendere un ecosistema lontano nel tempo.

Storia, personaggi e ambientazione in ASTROBOTANICA

La premessa narrativa di ASTROBOTANICA è tanto semplice quanto intrigante. Il protagonista è uno scienziato proveniente dal futuro che, a seguito di un incidente, si ritrova bloccato sulla Terra di milioni di anni fa. In questo ambiente remoto e ostile, l’obiettivo non è soltanto sopravvivere, ma anche trovare un modo per comprendere il mondo circostante e, possibilmente, tornare a casa.

La storia non viene raccontata attraverso lunghe sequenze cinematografiche o dialoghi continui. Al contrario, il gioco preferisce affidarsi all’esplorazione, alla scoperta e all’osservazione dell’ambiente. Documenti, tecnologie recuperate e analisi delle specie vegetali aiutano gradualmente a comprendere la situazione del protagonista.

L’ambientazione è senza dubbio uno degli elementi più interessanti. ASTROBOTANICA immagina una Terra primordiale rigogliosa, misteriosa e quasi aliena, pur essendo teoricamente il nostro stesso pianeta. Gigantesche felci, foreste incontaminate, formazioni rocciose imponenti e cieli che sembrano appartenere a un’altra epoca costruiscono un senso di meraviglia costante.

La natura diventa il vero personaggio principale dell’esperienza. Non è semplicemente uno sfondo da attraversare. È una presenza viva, da studiare, catalogare e sfruttare con attenzione. Molte delle piante presenti nel gioco hanno proprietà specifiche, utilizzabili per creare strumenti, migliorare le condizioni di sopravvivenza o sviluppare nuove tecnologie.

Questo approccio conferisce ad ASTROBOTANICA un tono molto diverso rispetto a molti altri survival. Non si basa soltanto sul pericolo e sulla scarsità di risorse, ma anche sulla curiosità scientifica e sul desiderio di comprendere ciò che ci circonda.

Gameplay

Il gameplay di ASTROBOTANICA combina elementi survival tradizionali con sistemi più orientati all’esplorazione scientifica e alla gestione delle risorse naturali.

Nelle prime ore il giocatore deve affrontare le necessità classiche del genere. È necessario raccogliere materiali, costruire strumenti rudimentali, trovare cibo e creare un rifugio. Tuttavia, il gioco introduce rapidamente il proprio elemento distintivo: lo studio della flora.

Molte delle attività ruotano attorno all’analisi delle piante. Attraverso strumenti scientifici e tecnologie recuperabili, il protagonista può catalogare specie, identificare proprietà e scoprire nuovi utilizzi per elementi apparentemente comuni. La progressione non si basa soltanto sull’accumulo di risorse, ma anche sulla conoscenza acquisita.

Questo sistema riesce a dare maggiore significato all’esplorazione. Ogni nuova area visitata può nascondere specie vegetali sconosciute, materiali rari o elementi che aprono nuove possibilità di sviluppo.

La costruzione della base rappresenta un altro pilastro dell’esperienza. Il giocatore può creare strutture sempre più avanzate, espandere il proprio insediamento e sviluppare strumenti capaci di semplificare la sopravvivenza quotidiana. Anche qui emerge la forte componente botanica del gioco, poiché molte tecnologie dipendono direttamente dalle risorse ottenute dalle piante.

L’esplorazione è probabilmente la parte più affascinante dell’intera esperienza. Il mondo di gioco invita continuamente ad allontanarsi dalla sicurezza della base per scoprire nuovi biomi, raccogliere campioni e ampliare la propria conoscenza dell’ecosistema.

Al momento, trattandosi di un accesso anticipato, alcuni sistemi mostrano ancora margini di miglioramento. Alcune attività possono risultare ripetitive dopo diverse ore e la varietà di contenuti non è ancora paragonabile a quella dei survival più consolidati sul mercato. Tuttavia, le fondamenta sono solide.

ASTROBOTANICA riesce a distinguersi proprio perché evita di trasformarsi nell’ennesimo survival incentrato esclusivamente sul combattimento. L’azione esiste, ma non rappresenta il fulcro dell’esperienza. Il gioco preferisce premiare la scoperta, la pianificazione e la crescita graduale.

Livello tecnico

Dal punto di vista visivo, ASTROBOTANICA riesce a trasmettere molto bene il fascino del proprio mondo. Le ambientazioni naturali rappresentano il punto di forza principale, grazie a una vegetazione abbondante e a scenari che riescono spesso a comunicare una sensazione di meraviglia.

La direzione artistica punta su colori vivaci e su una rappresentazione quasi romantica della Terra primordiale. Alcuni scorci risultano particolarmente suggestivi, soprattutto durante le fasi di alba e tramonto.

Essendo ancora in accesso anticipato, non mancano alcune imperfezioni. Alcune animazioni appaiono ancora rigide e certi elementi ambientali potrebbero beneficiare di una maggiore varietà visiva. Anche l’ottimizzazione necessita ancora di qualche intervento, soprattutto nelle aree più ricche di vegetazione.

Il comparto sonoro accompagna bene l’esplorazione. I suoni della natura contribuiscono a creare immersione, mentre la colonna sonora interviene nei momenti opportuni senza risultare invasiva. Non si tratta di un accompagnamento musicale memorabile, ma svolge adeguatamente il proprio ruolo.

Dal punto di vista tecnico generale, ASTROBOTANICA mostra chiaramente la propria natura di progetto in evoluzione. Le basi sono promettenti, ma serviranno ulteriori aggiornamenti per raggiungere un livello di rifinitura davvero elevato.

La storia: Philabieldia, il regno di Huther e il Portale del Tempo

Il gioco è ambientato in Philabieldia, un continente dominato da tribù di bestie feroci che rendono il mondo esterno inaccessibile agli esseri umani. L’unico rifugio dell’umanità è il Regno di Huther, protetto da una barriera magica mantenuta dalla Principessa Heuria. Il protagonista è Elliot, un giovane avventuriero che insieme alla sua compagna fata Faie scopre un misterioso insieme di rovine appena oltre le mura del regno. All’interno delle rovine trovano il Portale del Tempo, un artefatto che permette di viaggiare attraverso diverse epoche storiche di Philabieldia.

La struttura narrativa si sviluppa attraverso quattro ere distinte: l’Era della Salvaguardia (il presente), l’Era della Ricostruzione (250 anni nel passato), e altre due epoche rivelate nel corso del gioco. Come mostra il PlayStation Blog del 18 maggio 2026, nell’Era della Ricostruzione il mondo assomiglia all’era attuale ma con differenze sottili che mantengono viva la curiosità esplorativa. L’obiettivo finale è spezzare la maledizione che pesa sulla Principessa Heuria, con le scelte e le scoperte fatte in ogni epoca che influenzano la comprensione della narrativa complessiva.

Gameplay: sette armi, combattimento in tempo reale e il nuovo effetto rolling cylinder

A differenza di tutti i precedenti titoli HD-2D di Team Asano, The Adventures of Elliot non ha combattimento a turni. Il sistema di gioco è in tempo reale, con una visuale dall’alto fissa in stile top-down. Elliot può equipaggiare contemporaneamente due dei sette tipi di arma disponibili, tra cui spade, archi, catene e falci, ognuna con abilità e effetti propri, e passare liberamente dall’una all’altra durante il combattimento. Il team ha dichiarato di voler che i giocatori pensino in modo creativo a quale arma si adatta meglio alla situazione.

Il sistema difensivo include uno scudo per bloccare e parare gli attacchi nemici, e una schivata e un teletrasporto che porta istantaneamente Elliot alla posizione di Faie. Le bombe servono sia in combattimento che per sbloccare passaggi nascosti nelle pareti. Le abilità di Faie, chiamate Fairy Actions, offrono supporto in battaglia. Il sistema di progressione si basa sul Magicite, cristalli equipaggiabili che potenziamo tramite un sistema di upgrade personalizzabile. La telecamera usa un nuovo effetto tecnico chiamato rolling cylinder, che aggiunge profondità ondulata agli ambienti senza perdere la chiarezza della visuale top-down, distinguendosi visivamente dai precedenti titoli HD-2D.

Co-op locale: il secondo giocatore controlla Faie

Una delle novità più significative rispetto ai precedenti titoli di Team Asano è il supporto alla co-op locale per due giocatori. Il secondo giocatore può prendere il controllo diretto di Faie, la compagna fata di Elliot, con le proprie abilità di combattimento e un ruolo attivo nel recupero degli oggetti e nella navigazione di enigmi e sezioni platform. «Volevamo che i giocatori potessero godersi il gioco insieme ad amici o familiari, aggiungendo ancora più fascino all’esperienza», ha dichiarato il Producer Naofumi Matsushita. La co-op era già presente nella demo di debutto rilasciata su Nintendo Switch 2 nell’estate del 2025, e il team ha confermato di aver ascoltato i feedback della community per migliorare la velocità di movimento e il bilanciamento delle armi rispetto a quella versione.

Edizioni disponibili: Standard, Digital Deluxe e Collector’s Edition

Il gioco è disponibile in tre configurazioni. La Standard Edition include il gioco base con il bonus preordine Elliot’s Departure Pack, un accessorio Departure Brooch e una Magicite di potenziamento attacco, valido per i preordini entro il 17 giugno 2026. La Digital Deluxe Edition aggiunge contenuti cosmetici aggiuntivi. La Collector’s Edition, disponibile esclusivamente sul Square Enix Store ufficiale al prezzo di 229,99 dollari, include la copia fisica del gioco, il codice per il Digital Deluxe Upgrade, la colonna sonora originale rimasterizzata e il Faie and the Door of Time Desktop Clock, un orologio da tavolo in stile diorama ispirato al Portale del Tempo del gioco. Il gioco non è annunciato per Xbox Game Pass, PlayStation Plus o Nintendo Switch Online.

È un titolo dal sapore artigianale, costruito più sulla profondità della simulazione che sull’impatto spettacolare immediato. La soddisfazione arriva poco alla volta, quando si comincia davvero a capire come reagisce la centrale, come dialogano tra loro i suoi sistemi e quanto sia sottile il confine tra controllo, errore e catastrofe.

Nucleares, cercando di non replicare Chernobyl

Dal punto di vista narrativo, Nucleares non punta su una storia tradizionale fatta di personaggi, dialoghi o colpi di scena cinematografici. La “trama”, come spesso accade nei simulatori di questo tipo, è più funzionale che narrativa. In questo contesto vestiamo i panni dell’operatore responsabile di una centrale nucleare, con un obiettivo tanto semplice da spiegare quanto complicato da raggiungere: partire da un impianto ancora parziale, instabile e tutto da ottimizzare, per trasformarlo poco alla volta in una centrale efficiente, aggiornata e capace di rispondere con continuità alla domanda della rete elettrica.

È una premessa semplice, ma funziona perché in Nucleares la storia si costruisce da sola, quasi sempre facendo danni. Una turbina spinta un po’ troppo oltre, resistori che iniziano a saturarsi, generatori di backup rimasti senza carburante, macchinari sostituiti senza averli isolati come si deve: ogni errore diventa un piccolo episodio da ricordare. E spesso il racconto è sempre lo stesso: “dai, provo questa cosa al volo”… seguito poco dopo da allarmi, panico e pentimento.

Anche la presenza dell’emergency escape train fuori dalla centrale è una trovata riuscita: è lì, pronto ad aspettarci, come a dire “tranquillo, prima o poi ti servirò”. È un dettaglio simpatico, ma racconta bene lo spirito del gioco.

Gameplay non approvato da Homer Simpson

Nucleares funziona perché riesce a combinare simulazione tecnica, esplorazione in prima persona e gestione progressiva dell’impianto. La sala controllo è completamente interattiva: non si tratta di premere un pulsante generico per “aumentare la potenza”, ma di leggere strumenti, interpretare segnali, bilanciare carichi, controllare la produzione e intervenire manualmente o tramite sistemi automatizzati. Il gioco evita però di diventare ingestibile distribuendo bene il carico operativo. Alcune attività ripetitive, come l’inserimento delle barre di controllo o la manutenzione preventiva, possono essere delegate a un assistente IA, mentre l’installazione e il potenziamento dei grandi macchinari passano da menu più tradizionali.

Altre mansioni, invece, restano fisiche e manuali, come per esempio se si utilizzano i generatori di backup, bisogna rifornirli oppure se si installano o sostituiscono banchi di resistori, bisogna farlo sul posto e ricordarsi prima di isolarli. La progressione è lenta, ma gratificante e servono un bel po’ di ore per costruire una centrale pienamente aggiornata e stabile.

Elementi interessanti, ma non centrali

Sul piano visivo, Nucleares non punta al fotorealismo puro, ma alla coerenza funzionale dell’ambiente. La centrale è interamente esplorabile, sia negli interni sia negli esterni. Il dettaglio più interessante non è tanto la qualità dei singoli asset, quanto il fatto che gli elementi siano realmente collegati al funzionamento della simulazione.
Le torri di raffreddamento, ad esempio, non sono semplici decorazioni: la condensa varia in base alla produzione dell’impianto (pur senza essere davvero realistica dal punto di vista fisico) e contribuisce a far percepire la centrale come una struttura viva e funzionante. Anche generatori, turbine, banchi di resistori e trasformatori sono materialmente presenti e influenzano le prestazioni della centrale.

Dal punto di vista sonoro, l’esperienza vive soprattutto di atmosfera industriale: turbine, allarmi, rumori meccanici e segnali di emergenza diventano parte integrante della tensione operativa. Non serve una colonna sonora invadente quando l’impianto stesso produce costantemente informazioni acustiche.
È un titolo che si guarda, si ascolta e soprattutto si interpreta, come una centrale vera che comunica attraverso strumenti, vibrazioni, allarmi e conseguenze.

Sviluppato da Snake Tower Games e pubblicato da Twin Sails Interactive, Moonsigil Atlas appartiene alla famiglia dei roguelike deckbuilder, ma evita di sembrare l’ennesima variazione sul tema. La sua identità nasce dall’incastro tra carte, griglia e gestione del campo, con una struttura che ricorda a tratti un puzzle game. Il risultato è un’esperienza più ragionata di quanto sembri, dove ogni turno diventa un piccolo esercizio di pianificazione.

Non è un gioco rilassante, e non vuole esserlo. Moonsigil Atlas pretende attenzione, perché anche una scelta apparentemente innocua può compromettere l’intero turno. Però proprio questa tensione lo rende interessante: quando una build inizia a funzionare, la soddisfazione è notevole.

Ambientazione e atmosfera

La trama di Moonsigil Atlas resta volutamente essenziale, ma il contesto ha personalità. Il giocatore affronta orrori cosmici e creature astrali utilizzando sigilli magici tracciati sulla superficie della luna. È un’idea bizzarra, quasi surreale, ma funziona perfettamente con l’atmosfera generale del gioco.

L’universo narrativo punta più sulla suggestione che sul racconto esplicito. Non ci sono lunghi dialoghi o personaggi descritti con grande profondità psicologica. Tutto passa attraverso estetica, nemici, nomi, simboli e sensazioni. Moonsigil Atlas costruisce un immaginario lunare, misterioso e leggermente inquietante, dove la magia sembra più una geometria proibita che un semplice potere da lanciare contro i mostri.

I protagonisti giocabili aggiungono varietà alla struttura. Si parte con Feldryn, figura da mago classico, basato su effetti persistenti, pesca di carte e moltiplicazione del danno. Proseguendo si sbloccano altri personaggi, come Aladara e Tark-thul, ognuno costruito attorno a meccaniche differenti. Questa progressione dà al gioco un buon senso di scoperta, perché cambiare personaggio significa davvero cambiare mentalità.

Il gameplay di Moonsigil Atlas

Il cuore di Moonsigil Atlas è il suo sistema di carte spaziale. Ogni sigillo ha una forma precisa e deve essere posizionato sulla luna, cioè sulla griglia di gioco. Non esiste una riserva di mana o energia: se hai spazio per piazzare una carta, puoi giocarla. Sembra una semplificazione, ma in realtà apre a decisioni molto più interessanti.

Ogni turno si pescano nuove carte, si valuta la situazione e si cerca di sfruttare al massimo la superficie disponibile. I sigilli possono essere ruotati, incastrati, combinati e usati per creare catene di effetti. Il vero limite non è quante carte puoi giocare, ma quanto bene riesci a organizzare il caos.

I nemici non restano fermi a subire. Alcuni occupano parti della griglia con sigilli ostili, altri lasciano ostacoli, altri ancora riducono lo spazio utilizzabile o creano condizioni che rendono più difficile pianificare. Questa è una delle intuizioni migliori del gioco, perché trasforma ogni battaglia in una lotta per il controllo del campo.

La struttura roguelike funziona in modo piuttosto classico. Si affrontano aree successive, si raccolgono nuove carte, artefatti e potenziamenti, poi si arriva ai boss principali, gli Astral Titans. Questi scontri rappresentano il vero banco di prova di Moonsigil Atlas, perché non basta avere un mazzo potente: serve una sinergia precisa, una buona gestione dello spazio e anche una certa fortuna nella pesca.

Il problema principale sta proprio nel bilanciamento. Alcuni picchi di difficoltà possono risultare bruschi, soprattutto contro i boss. In certi momenti si ha la sensazione che una run buona possa comunque crollare per mancanza di spazio, pesca sfavorevole o pressione eccessiva del nemico. Moonsigil Atlas è stimolante, ma a volte anche severo oltre misura.

Detto questo, il sistema resta davvero originale. Ogni partita invita a ragionare in modo diverso rispetto ai deckbuilder tradizionali. Qui non si tratta solo di scegliere la carta più forte, ma di costruire un ecosistema di forme, effetti e posizionamenti.

Tecnicamente

Dal punto di vista artistico, Moonsigil Atlas ha uno stile etereo e molto riconoscibile. I colori vengono usati con intelligenza per distinguere personaggi, sigilli, effetti e minacce, mantenendo leggibile una schermata che altrimenti rischierebbe di diventare confusa.

La direzione visiva punta su atmosfere cosmiche, simboli magici e tonalità lunari. Non è un gioco spettacolare nel senso tradizionale, ma riesce a essere elegante. L’impatto è più ipnotico che esplosivo, e questa scelta si adatta bene al ritmo ragionato dell’esperienza.

Anche il sonoro funziona. Le musiche e gli effetti accompagnano la partita con un tono misterioso, quasi rituale, senza diventare invadenti. Non c’è un doppiaggio centrale da valutare, perché il gioco comunica soprattutto tramite interfaccia, carte e atmosfera.

Le prestazioni risultano solide. L’interfaccia è chiara, anche se alcune spiegazioni potrebbero essere più immediate. In un titolo così basato su effetti e interazioni, una maggiore trasparenza aiuterebbe soprattutto nelle prime ore.

Pubblicato da Team17, LumenTale è un RPG d’avventura in cui il giocatore segue Trey, un giovane senza memoria che si ritrova nel mondo di Talea, una terra popolata dagli Animon. Il gioco punta su esplorazione, combattimenti a turni, collezione di creature, evoluzioni, crafting e una struttura pensata per chi ama perdersi in un mondo colorato senza essere travolto da sistemi troppo aggressivi.

Non tutto funziona con la stessa efficacia, e qualche limite tecnico e strutturale emerge abbastanza presto. Però LumenTale ha una qualità importante: trasmette sincerità. Si sente che dietro c’è un progetto nato da passione, non da semplice calcolo commerciale.

Storia e ambientazione di Lumentale

La storia di LumenTale: Memories of Trey parte da una premessa semplice ma efficace. Trey si risveglia senza ricordare il proprio passato e inizia un viaggio per recuperare i frammenti della propria identità. Attorno a lui c’è Talea, un mondo luminoso, accogliente, ma anche attraversato da misteri antichi e tensioni non immediatamente visibili.

La narrazione non punta su toni cupi o su colpi di scena continui. Preferisce costruire un racconto di scoperta, amicizia e crescita personale. Trey non è un eroe già definito, ma un personaggio che il giocatore accompagna passo dopo passo, mentre impara a conoscere se stesso, gli altri e gli Animon.

Gli Animon sono il vero cuore emotivo dell’esperienza. Non sono soltanto strumenti da combattimento o creature da collezionare: LumenTale cerca di farli percepire come compagni di viaggio, ognuno con un design riconoscibile e una funzione precisa all’interno del sistema di gioco. Alcuni risultano più riusciti di altri, ma nel complesso il bestiario è piacevole, vario e abbastanza memorabile da spingere il giocatore a sperimentare.

Talea funziona bene come ambientazione perché alterna regioni differenti, comunità con identità proprie e una sensazione costante di avventura leggera. Non raggiunge sempre una profondità narrativa memorabile, ma riesce a sostenere il viaggio con un tono coerente. È un mondo pensato per essere esplorato con curiosità, non per schiacciare il giocatore con complessità eccessiva.

Il gameplay

Il gameplay di LumenTale segue le basi classiche del monster collector. Si esplorano aree, si incontrano creature selvatiche, si affrontano battaglie a turni, si catturano Animon e si costruisce una squadra sempre più efficace. Fin qui, il terreno è familiare. La differenza sta nel modo in cui il gioco prova ad ampliare la formula.

Il sistema di combattimento include scontri a turni con più creature coinvolte, spingendo il giocatore a ragionare non solo sul singolo Animon più forte, ma sulle sinergie della squadra. Tipi elementali, abilità, ruoli e combinazioni diventano importanti, soprattutto quando il gioco inizia a chiedere una gestione più attenta del party.

La struttura 4 contro 4 è una delle idee più interessanti di LumenTale, perché avvicina alcuni combattimenti a un RPG di gruppo più tradizionale. Non basta mandare avanti la creatura favorita e sperare che basti. Devi pensare a coperture, debolezze, ritmo dello scontro e capacità di supporto.

La cattura degli Animon funziona, anche se non sempre risulta chiarissima nelle sue percentuali e nelle sue condizioni. In alcuni momenti il gioco avrebbe beneficiato di spiegazioni più precise, soprattutto per evitare quella sensazione di tentativo un po’ cieco che può emergere durante le fasi di raccolta.

Oltre ai combattimenti, LumenTale inserisce crafting, cucina e uno spazio personalizzabile chiamato Anispace, pensato per rafforzare il legame con le creature. Sono elementi che danno respiro all’avventura e la rendono meno concentrata soltanto sulla progressione bellica. Non tutti questi sistemi hanno la stessa profondità, ma contribuiscono a costruire un’esperienza più accogliente e personale.

L’esplorazione è piacevole, anche se abbastanza tradizionale. Il mondo invita a cercare nuove creature, raccogliere materiali e parlare con i personaggi, ma non sempre sorprende davvero. LumenTale funziona meglio quando lascia emergere il piacere della scoperta tranquilla, meno quando prova a competere con produzioni più grandi sul piano della varietà e della rifinitura.

Livello tecnico

Sul piano artistico, LumenTale: Memories of Trey è colorato, pulito e gradevole. Lo stile visivo punta su un immaginario morbido, luminoso, molto vicino all’avventura fantasy per tutti, ma con abbastanza personalità da non sembrare soltanto una copia dei modelli più famosi.

I design degli Animon sono uno degli aspetti migliori. Alcune creature colpiscono subito, altre restano più anonime, ma nel complesso il lavoro è solido e dimostra una buona attenzione alla varietà. Anche le ambientazioni riescono a trasmettere calore, pur senza raggiungere sempre un livello di dettaglio altissimo.

Il sonoro accompagna bene l’avventura, con musiche leggere e coerenti con il tono generale. Non è una colonna sonora destinata a restare impressa in ogni brano, ma sostiene l’esplorazione senza risultare invadente. Il doppiaggio non rappresenta il fulcro dell’esperienza, mentre dialoghi e testi portano avanti una narrazione semplice e funzionale.

Sul fronte tecnico, invece, emergono alcuni limiti. LumenTale non è un gioco disastroso, ma mostra qualche incertezza tra animazioni, interfaccia e prestazioni, soprattutto nelle versioni meno performanti. Alcuni caricamenti, piccole rigidità e rifiniture mancanti ricordano la natura indipendente del progetto. Non rovinano l’esperienza, ma impediscono al gioco di apparire davvero impeccabile.

Sviluppato da Mopeful Games e pubblicato da Team17, Wardrum prende elementi da strategici a turni, rhythm game e roguelite, costruendo un’esperienza che cerca continuamente equilibrio tra pianificazione e precisione musicale. Non basta scegliere la mossa giusta. Devi anche eseguirla bene.

È proprio questo il punto più interessante del gioco. Wardrum non vuole essere solo un tactical RPG con una colonna sonora forte, ma un sistema in cui la musica diventa parte attiva del combattimento. Ogni errore di timing pesa. Ogni sequenza eseguita perfettamente cambia il ritmo dello scontro.

Il risultato è un titolo con un’identità molto chiara, anche se non sempre perfettamente rifinito. Wardrum alterna momenti davvero brillanti ad altri più faticosi, ma resta comunque uno dei progetti strategici più particolari usciti negli ultimi tempi.

La narrazione di Wardrum

L’universo di Wardrum ruota attorno a un mondo contaminato dalla cosiddetta “off-beat magic”, una forma di corruzione che ha spezzato l’armonia naturale delle terre conosciute. Villaggi, foreste e antiche rovine sono stati travolti da questa magia distorta, trasformando creature e territori in qualcosa di instabile e pericoloso.

Il giocatore guida una piccola compagnia di guerrieri chiamati Wardrummers, combattenti capaci di utilizzare il ritmo come arma e strumento di sopravvivenza. La trama non punta particolarmente sui colpi di scena o su una narrativa cinematografica, ma costruisce lentamente il proprio mondo attraverso dialoghi, eventi casuali e incontri durante le spedizioni.

L’ambientazione fantasy ha un tono sporco, tribale e decadente. Non ci sono grandi regni scintillanti o eroi impeccabili. Wardrum preferisce un’atmosfera più ruvida, fatta di accampamenti improvvisati, rovine contaminate e biomi sempre più corrotti man mano che si procede.

I personaggi disponibili riescono a distinguersi abbastanza bene grazie alle rispettive specializzazioni. Ci sono combattenti pesanti, assassini mobili, supporti musicali, evocatori e specialisti a distanza. Ognuno utilizza pattern ritmici differenti, e questo non cambia soltanto il gameplay, ma anche la personalità percepita del personaggio stesso.

La scrittura non è il punto più forte del gioco, ma funziona abbastanza da dare contesto alle run e mantenere vivo il senso di progressione. Wardrum punta molto più sul sistema di combattimento e sulla costruzione delle squadre che sulla narrativa vera e propria.

Il gameplay

Il gameplay è senza dubbio la parte più riuscita di Wardrum. Il gioco utilizza una struttura a turni classica, con combattimenti su griglia e gestione tattica del posizionamento, ma aggiunge sopra tutto un sistema ritmico che cambia completamente il feeling degli scontri.

Ogni abilità richiede input a tempo. Alcune azioni prevedono semplici pressioni sincronizzate, altre pattern più complessi, sequenze multiple o input mantenuti. Più il timing è preciso, maggiore sarà l’efficacia dell’azione. Colpi normali possono trasformarsi in critici devastanti, abilità di supporto diventano più forti e certi effetti secondari si attivano solo con esecuzioni perfette.

Wardrum riesce così a rendere i turni molto più attivi rispetto a tanti altri strategici tradizionali. Non sei semplicemente uno spettatore che seleziona comandi da un menu. Ogni turno richiede attenzione continua, sia tattica che ritmica.

Il sistema funziona sorprendentemente bene nelle prime ore. Pianificare il posizionamento della squadra, sfruttare il terreno e poi eseguire gli attacchi seguendo il beat crea un coinvolgimento molto particolare. Alcuni combattimenti diventano quasi una danza violenta, dove strategia e musica si fondono in modo naturale.

Anche l’ambiente gioca un ruolo importante. Ci sono trappole, dirupi, ostacoli, aree pericolose e condizioni climatiche che influenzano gli scontri. Puoi spingere nemici giù da un precipizio, creare imboscate o utilizzare il terreno per controllare il flusso della battaglia.

La struttura roguelite si basa su run attraverso differenti biomi. Ogni spedizione permette di ottenere nuove risorse, equipaggiamenti, trinket e potenziamenti permanenti. Dopo ogni fallimento si torna all’hub principale, dove è possibile migliorare i personaggi, sbloccare nuove opzioni e prepararsi meglio alla run successiva.

La progressione funziona abbastanza bene, soprattutto perché dà sempre la sensazione di ottenere qualcosa anche dopo una sconfitta. Wardrum cerca di premiare la perseveranza senza trasformare ogni morte in pura frustrazione.

Ci sono però alcuni limiti evidenti. Il problema principale è la ripetitività. Dopo diverse ore, il ritmo musicale di base inizia a diventare troppo familiare, e alcuni combattimenti si trascinano più del necessario. Le run possono risultare lunghe, e il numero elevato di scontri rischia a volte di diluire l’impatto delle idee migliori del gameplay.

Anche il bilanciamento non sempre convince. Alcuni nemici sembrano progettati più per logorare il giocatore che per metterlo realmente alla prova. In certe situazioni il gioco tende a sovraccaricare il campo con troppi avversari, trasformando lo scontro in un test di resistenza più che di strategia.

Nonostante questo, il nucleo ludico resta molto forte. Quando tutto funziona, Wardrum riesce davvero a offrire qualcosa di diverso rispetto ai classici tactical RPG.

Lato tecnico

Dal punto di vista artistico, Wardrum ha una personalità molto marcata. Lo stile visivo unisce pixel art dettagliata e ambientazioni tridimensionali, creando un colpo d’occhio piacevole e molto leggibile durante i combattimenti.

Le animazioni sono semplici ma efficaci, mentre gli effetti delle abilità riescono a dare peso agli scontri senza rendere il caos visivo ingestibile. I biomi principali cambiano abbastanza tra loro da mantenere viva l’atmosfera, passando da foreste rovinate a paludi, cripte e deserti corrotti.

Il comparto sonoro è fondamentale, e fortunatamente funziona bene. Le percussioni accompagnano continuamente il gameplay, diventando il cuore dell’esperienza. Ogni attacco, impatto e abilità è sincronizzato con il beat, creando una connessione molto forte tra audio e azione.

Il problema è che, nel lungo periodo, alcune tracce rischiano di diventare monotone. Considerando quanto il gioco dipenda dalla musica, una maggiore varietà sonora avrebbe aiutato parecchio a mantenere fresche le run più lunghe.

Sul piano tecnico generale, Wardrum si comporta bene. Le prestazioni restano stabili anche durante gli scontri più affollati e l’interfaccia riesce generalmente a mantenere leggibile il campo di battaglia.

La premessa è semplice ma efficace: il giocatore deve cercare di fuggire da un misterioso gioco da tavolo infestato, affrontando spiriti e configurazioni lasciate da altri giocatori. Turnbound non ti chiede riflessi, ma lucidità. Ogni scelta fatta prima del combattimento pesa, perché una volta iniziato lo scontro non resta che osservare se la tua costruzione regge davvero.

È un titolo ancora legato a una struttura da accesso anticipato, con contenuti non sterminati e margini evidenti di crescita, ma la base funziona già molto bene. Turnbound ha un’identità chiara e una formula che può diventare facilmente assuefacente.

Storia e ambientazione

La storia di Turnbound non è il centro assoluto dell’esperienza, ma riesce comunque a dare personalità al gioco. Il giocatore interpreta uno spirito errante intrappolato dentro un gioco da tavolo maledetto, costretto a combattere contro altri spiriti per ottenere la possibilità di realizzare un desiderio.

L’ambientazione è gotica, fiabesca e leggermente ironica. Non punta sull’orrore vero e proprio, ma su un’atmosfera da racconto oscuro, popolata da figure leggendarie e personaggi presi dall’immaginario collettivo. Tra gli eroi disponibili compaiono figure come Sun Wukong, Robin Hood e Alice, ognuno con uno stile riconoscibile e oggetti coerenti con il proprio mito.

Questa scelta dà a Turnbound un fascino particolare. Non c’è una narrazione pesante, ma ogni personaggio porta con sé un’identità precisa. Sun Wukong richiama mobilità e aggressività, Robin Hood suggerisce precisione e gioco a distanza, mentre Alice introduce combinazioni più strane e imprevedibili. Il mondo di gioco resta leggero, ma abbastanza caratterizzato da rendere ogni partita più gustosa.

Il gameplay di Turnbound

Il cuore di Turnbound è la sua fusione tra autobattler e inventory management. Prima dello scontro, il giocatore acquista unità, armi, oggetti e potenziamenti, poi deve sistemarli all’interno di una griglia. Ed è qui che il gioco trova la sua idea migliore: lo spazio è una risorsa tanto importante quanto la potenza degli oggetti.

Non basta comprare ciò che sembra più forte. Bisogna capire dove metterlo, come incastrarlo e quali bonus può attivare. Alcuni elementi influenzano le caselle vicine, altri funzionano meglio se posizionati in una certa direzione, altri ancora richiedono combinazioni specifiche. Turnbound diventa così una specie di Tetris strategico, dove l’inventario non è un contenitore passivo, ma il vero campo di battaglia.

Gli scontri sono automatici e asincroni. Questo significa che il giocatore combatte contro configurazioni create da altri utenti, come se affrontasse i fantasmi delle loro partite. È un’idea molto interessante, perché rende ogni scontro meno prevedibile rispetto a una semplice sequenza di nemici gestiti dall’intelligenza artificiale.

La progressione di una run si basa su acquisti, combinazioni, potenziamenti e adattamento. A volte il gioco non offre ciò che si vorrebbe, e proprio lì emerge la parte più stimolante: devi costruire una strategia con quello che hai, non con quello che avresti voluto. Turnbound premia chi sa leggere le sinergie e cambiare piano in corsa.

Il limite principale è la varietà. Dopo diverse partite, l’attuale numero di personaggi e strategie può iniziare a mostrare qualche ripetizione. Non è un difetto grave, perché la struttura è solida, ma il gioco avrà bisogno di nuovi eroi, oggetti e combinazioni per reggere davvero sul lungo periodo.

Livello tecnico

Sul piano visivo, Turnbound funziona grazie a uno stile molto coerente. L’interfaccia richiama un gioco da tavolo fisico, con una griglia che sembra quasi un oggetto da manipolare. Le illustrazioni hanno un gusto fantasy-gotico gradevole, e i personaggi riescono a distinguersi senza bisogno di effetti eccessivi.

Il sonoro accompagna bene l’esperienza, con musiche leggere e un tono quasi fiabesco. Non è un comparto audio memorabile, ma svolge il suo compito e rafforza l’atmosfera. Anche le animazioni degli scontri sono semplici ma leggibili, elemento fondamentale per capire cosa abbia funzionato e cosa invece abbia mandato in crisi la build.

Le prestazioni non sembrano rappresentare un problema. Turnbound è un titolo leggero, pensato più sulla chiarezza strategica che sull’impatto tecnico. Qualche rifinitura all’interfaccia e alla spiegazione di alcune meccaniche sarebbe utile, ma la struttura è già abbastanza pulita.