La risposta breve è semplice: la scheda ufficiale del PlayStation Store indica fino a 4 giocatori online su PS5. Jagex descrive allo stesso modo l’esperienza principale come un’avventura affrontabile da soli oppure insieme a un massimo di tre amici. Esiste però anche il discorso dei server dedicati, che su PC hanno già innalzato il limite a sei partecipanti: una distinzione importante per evitare di confondere le diverse modalità.

Quanti giocatori supporta RuneScape Dragonwilds su PS5?

Su PlayStation 5 RuneScape Dragonwilds supporta ufficialmente un massimo di 4 giocatori online. L’informazione arriva direttamente dalla pagina ufficiale di RuneScape Dragonwilds sul PlayStation Store, che specifica sia la possibilità di giocare in singolo sia quella di partecipare a sessioni online fino a quattro utenti.

In pratica puoi quindi creare un gruppo composto dal tuo personaggio e da altri tre amici. Non sei obbligato a giocare in multiplayer: la componente online è opzionale e Jagex ha confermato che l’intera avventura può essere affrontata anche in solitaria.

Su PS5 serve però PlayStation Plus per utilizzare le funzionalità multiplayer online. Chi preferisce giocare completamente da solo può invece affrontare Dragonwilds anche offline, senza dover mantenere una connessione costante ai server.

Come funziona la co-op di RuneScape Dragonwilds

Dragonwilds nasce come survival open world cooperativo. I giocatori arrivano sul continente di Ashenfall e devono raccogliere materiali, creare strumenti ed equipaggiamento, costruire rifugi, aumentare le proprie abilità e prepararsi ad affrontare creature sempre più pericolose.

La cooperativa non è quindi una modalità separata rispetto alla campagna principale. Il gruppo condivide lo stesso mondo e può collaborare direttamente nelle normali attività del survival: esplorazione, raccolta delle risorse, costruzione della base, combattimenti e progressione attraverso le diverse regioni.

La struttura rende particolarmente naturale dividersi i compiti. Un giocatore può concentrarsi sulla raccolta dei materiali mentre gli altri esplorano, costruiscono oppure preparano equipaggiamento e consumabili. Quando iniziano gli scontri più impegnativi, avere un gruppo permette inoltre di distribuire l’attenzione dei nemici e sfruttare approcci differenti al combattimento.

• Su PS5 sono supportati fino a 4 giocatori online.
• È possibile affrontare il gioco completamente in solitaria.
• Il multiplayer online su PS5 richiede PlayStation Plus.
• La cooperativa riguarda direttamente esplorazione, crafting, costruzione e combattimento.
• La versione console debutta insieme alla versione 1.0 il 15 settembre 2026.

RuneScape Dragonwilds ha il cross-play?

Sì. Jagex ha confermato il cross-play tra le piattaforme in vista della versione 1.0. La conferma è arrivata direttamente dallo studio quando è stata annunciata l’edizione PlayStation 5: l’obiettivo dichiarato è permettere ai giocatori delle diverse piattaforme di formare insieme il proprio gruppo.

Successivamente Jagex ha ribadito la presenza del cross-play annunciando l’uscita simultanea del 15 settembre. La versione completa arriverà su PC e console, mentre a luglio lo studio ha confermato tra le piattaforme di lancio anche Nintendo Switch 2. Tutti questi sistemi fanno quindi parte dell’espansione di Dragonwilds oltre la fase di Accesso Anticipato su Steam.

La pagina ufficiale dedicata all’arrivo su console chiarisce inoltre che i personaggi PC esistenti potranno essere utilizzati per giocare con utenti delle altre piattaforme. Cross-play e trasferimento dei salvataggi non sono però la stessa cosa.

Cross-play non significa cross-save

Uno degli aspetti più importanti riguarda proprio i salvataggi. Jagex ha specificato che non è previsto il trasferimento dei progressi tra piattaforme. Chi possiede già Dragonwilds su Steam non potrà quindi prendere il proprio salvataggio e trasferirlo direttamente su PS5.

Il personaggio utilizzato su PC potrà partecipare a sessioni cross-platform con utenti console, ma i file di salvataggio restano associati alla piattaforma di origine. È una distinzione da tenere presente soprattutto per chi ha già accumulato molte ore durante l’Accesso Anticipato e sta valutando di passare alla versione PlayStation 5.

La conferma arriva dalla comunicazione ufficiale di Jagex sull’edizione PS5, nella quale lo studio distingue esplicitamente il supporto al cross-play dalla possibilità di trasferire i salvataggi.

Perché si parla anche di 6 giocatori?

Cercando informazioni sul multiplayer di Dragonwilds potresti imbatterti anche nel numero sei. Non si tratta necessariamente di un’informazione sbagliata: durante l’Accesso Anticipato Jagex ha introdotto infatti i server dedicati, aumentando da quattro a sei giocatori la capienza massima di queste sessioni.

I server dedicati sono arrivati con l’aggiornamento 0.11 del marzo 2026 e possono essere ospitati autonomamente su PC oppure attraverso servizi esterni. La documentazione ufficiale di Jagex indica esplicitamente un massimo di sei partecipanti per questi server.

Lo stesso studio ha però avvertito che, almeno al momento dell’introduzione della funzione, il bilanciamento di salute e danni era stato progettato soprattutto per gruppi fino a quattro persone. Una partita con cinque o sei utenti poteva quindi offrire un equilibrio differente rispetto all’esperienza standard.

Su PS5 il limite è 4 oppure 6 giocatori?

Per la versione PlayStation 5 la risposta più prudente è 4 giocatori online. È il numero indicato direttamente dal PlayStation Store per l’edizione console e coincide con il gruppo standard composto dal giocatore più tre amici descritto da Jagex.

Il limite di sei riguarda invece la funzione dei server dedicati già disponibile nell’ecosistema PC. Jagex ha confermato cross-play e server dedicati come elementi importanti dell’evoluzione del gioco, ma la documentazione ufficiale disponibile prima del lancio non chiarisce in modo sufficientemente esplicito se un utente PS5 potrà partecipare a una sessione dedicata da sei persone superando così il limite di quattro riportato sullo store Sony.

Fino a quando Jagex o PlayStation non specificheranno diversamente, è quindi meglio considerare quattro giocatori come il dato certo per la co-op PS5 al lancio.

Quando esce RuneScape Dragonwilds su PS5?

RuneScape Dragonwilds uscirà su PlayStation 5 il 15 settembre 2026, contemporaneamente al passaggio alla versione 1.0. Il gioco lascerà quindi l’Accesso Anticipato iniziato su PC e porterà sulle nuove piattaforme la versione completa della prima grande fase narrativa.

Jagex ha spiegato che il lancio 1.0 includerà anche nuovi contenuti e servirà a completare l’arco narrativo legato alla Regina dei Draghi Kuldra. Lo studio ha comunque già precisato che il raggiungimento della versione 1.0 non rappresenterà la fine dello sviluppo: Dragonwilds continuerà a ricevere aggiornamenti anche dopo settembre.

RuneScape Dragonwilds conviene in co-op?

La possibilità di affrontare Dragonwilds completamente da soli resta importante, ma molti dei sistemi sembrano naturalmente predisposti alla collaborazione. Raccolta, costruzione, crafting e combattimenti contro i draghi sono attività che possono essere distribuite fra più giocatori, riducendo i tempi necessari per preparare una spedizione e permettendo al gruppo di specializzarsi.

La presenza del cross-play è probabilmente la caratteristica più interessante in vista dell’uscita console: non sarà necessario acquistare tutti la stessa versione per formare una compagnia. Se Jagex manterrà senza limitazioni questa impostazione nel passaggio alla 1.0, trovare tre amici con cui esplorare Ashenfall dovrebbe essere decisamente più semplice.

RuneScape Dragonwilds co-op: cosa sapere in breve

In sintesi, chi acquisterà RuneScape Dragonwilds su PS5 potrà giocare da solo oppure creare un gruppo online da quattro persone. Il cross-play permetterà di incontrare utenti delle altre piattaforme, mentre i progressi non potranno essere trasferiti liberamente da un sistema all’altro.

I server dedicati complicano leggermente il quadro perché su PC permettono già sessioni fino a sei persone, ma questo dato non va confuso con il limite ufficialmente riportato per PS5. In attesa di eventuali ulteriori chiarimenti da Jagex, il riferimento da tenere a mente per la versione PlayStation resta quindi semplice: tu più altri tre giocatori.

Da questo punto in avanti ci sono naturalmente spoiler completi sulla storia e sulla conclusione. Se invece devi ancora iniziare l’avventura, puoi recuperare il nostro approfondimento su The Sinking City 2, piattaforme e caratteristiche del gioco prima di proseguire.

Come si arriva al finale di The Sinking City 2

Tutta la storia nasce dal rituale compiuto da Calvin e Faye per raggiungere le Dreamlands. Qualcosa però va storto: Calvin ritorna senza ricordare chiaramente ciò che è accaduto, mentre Faye rimane intrappolata in uno stato che il protagonista interpreta inizialmente come un coma. Salvare la donna diventa quindi la ragione per cui Calvin rifiuta di abbandonare Arkham nonostante l’inondazione, i morti rianimati e il progressivo collasso della città.

Il punto importante è che Frogwares costruisce fin dall’inizio la storia intorno a una domanda molto semplice: quanto è disposto a sacrificare Calvin per una sola persona? Anche la descrizione ufficiale su Steam presenta l’avventura come il confronto fra una vita e un’intera città. Non si tratta quindi soltanto di trovare Faye, ma di capire quale prezzo abbia la determinazione del protagonista.

Faye, le Dreamlands e la vera posta in gioco

Con il procedere dell’avventura diventa sempre più chiaro che il problema di Faye non può essere affrontato come una normale malattia. La sua condizione è direttamente collegata alle Dreamlands e alle forze che Calvin e lei hanno cercato di raggiungere attraverso il rituale. Il corpo della donna viene coinvolto negli esperimenti e negli eventi dell’Akeley Memorial Hospital, mentre Calvin continua a raccogliere strumenti e conoscenze che possano consentirgli di raggiungerla davvero.

È qui che il gioco ribalta lentamente la prospettiva iniziale. Calvin crede di essere l’uomo che deve strappare Faye a un fenomeno soprannaturale, ma ogni scoperta mostra quanto lui stesso sia ormai dentro quel fenomeno. Non esiste più una separazione netta tra Arkham, le Dreamlands e ciò che i due hanno evocato: il rituale iniziale ha aperto una porta che non può essere semplicemente richiusa tornando alla vita di prima.

Il portale e l’incontro finale con Faye

Nelle battute conclusive Calvin raggiunge il complesso che contiene il portale e utilizza l’Engraved Pod per attivare il dispositivo. Dopo averne allineato i componenti e fornito energia al meccanismo, attraversa finalmente il varco. La sequenza porta il protagonista in uno spazio sempre meno legato alle normali regole di Arkham, dove persino la barca torna a essere il mezzo con cui avanzare attraverso questo paesaggio impossibile.

Alla fine del percorso Calvin ritrova Faye. È un passaggio fondamentale perché il suo obiettivo personale, inseguito per l’intera campagna, sembra finalmente raggiungibile. Non siamo però davanti al classico salvataggio che precede i titoli di coda: rimane ancora un ultimo ostacolo, quasi una manifestazione materiale delle conseguenze generate dal rituale e dall’influenza che grava sulla città.

Slither Prime è il boss finale

L’ultimo combattimento vero e proprio è contro Slither Prime. A differenza di alcuni scontri precedenti, il boss non richiede un particolare enigma ambientale per essere sconfitto. Bisogna colpire soprattutto la testa, gestendo contemporaneamente le creature che vengono richiamate nell’arena e schivando i suoi attacchi.

La scelta di concludere la parte giocata con una forma evoluta degli Slither non è casuale. Questi parassiti hanno accompagnato Calvin fin dalle prime ore e sono legati alla rianimazione dei cadaveri che rende Arkham così inquietante. Slither Prime rappresenta quindi una sorta di ultima barriera fisica: dopo averlo eliminato non resta più un mostro da abbattere, ma soltanto il confronto con ciò che ha realmente causato la catastrofe.

• Slither Prime è l’ultimo boss affrontato da Calvin.
• Il suo punto debole principale è la testa.
• Durante lo scontro richiama altre creature nell’arena.
• Dopo la battaglia Calvin può proseguire insieme a Faye verso l’altare.

Yog-Sothoth e il significato dell’ultima sequenza

Il livello più importante della conclusione riguarda Yog-Sothoth. La presenza della divinità non arriva dal nulla: Frogwares aveva già confermato durante lo sviluppo che Yog-Sothoth avrebbe avuto un ruolo nel gioco, arrivando persino a coinvolgere la community nella registrazione di un coro dedicato alla creatura. Il finale rende finalmente esplicita la dimensione cosmica che si nascondeva dietro la crisi di Arkham.

In termini lovecraftiani, Yog-Sothoth è particolarmente adatto alla storia perché è associato alla conoscenza, alle soglie e all’accesso a realtà che normalmente dovrebbero rimanere separate. Calvin e Faye hanno precisamente oltrepassato una di queste soglie tentando il rituale delle Dreamlands. Il disastro non deriva quindi soltanto dall’aver incontrato qualcosa di pericoloso, ma dall’aver cercato volontariamente una conoscenza e un’esperienza che superano i limiti umani.

Frogwares aveva spiegato anche che questa storia sarebbe stata autonoma rispetto al primo capitolo. In una lunga intervista sullo sviluppo pubblicata da Unreal Engine, lo studio ha chiarito di non voler stabilire un finale canonico per Charles Reed e di aver quindi costruito una nuova vicenda, ambientata nello stesso universo ma indipendente da Oakmont.

Perché il finale parla soprattutto di Calvin

Il vero significato del finale non è allora scoprire chi sia il mostro più potente, ma osservare fino a dove arriva la scelta di Calvin. Per tutta la storia lui rifiuta l’idea di perdere Faye. Ogni nuova informazione rende il tentativo di salvarla più pericoloso, eppure nessuna rivelazione lo convince a fermarsi. La conclusione all’altare completa proprio questo percorso.

Da questo punto di vista il tema della bilancia tra una persona e una città acquista senso. Faye è la priorità assoluta di Calvin, mentre Arkham rappresenta tutto ciò che può essere travolto dalle conseguenze di quella scelta. Frogwares evita così una lettura semplicemente eroica del protagonista: la sua devozione può sembrare romantica, ma nel contesto del cosmic horror diventa anche ossessione e incapacità di accettare un limite.

Non è quindi necessario interpretare il finale come una vittoria tradizionale. Calvin riesce ad arrivare dove voleva arrivare, ma il mondo che scopre rende impossibile separare nettamente salvezza e condanna. Nel cosmic horror conoscere la verità raramente permette di controllarla: spesso significa soltanto comprendere quanto siano insignificanti le intenzioni umane davanti alle forze che governano la realtà.

The Sinking City 2 ha finali multipli?

A differenza del primo The Sinking City, la conclusione del secondo capitolo è costruita come un percorso molto più lineare. Le guide complete disponibili dopo l’uscita conducono tutte dallo scontro con Slither Prime alla sequenza finale con Faye e l’altare, senza indicare una scelta equivalente ai tre epiloghi del gioco del 2019.

È una differenza importante rispetto all’avventura di Charles Reed, che fondava buona parte del suo ultimo atto sulla decisione del giocatore. Se vuoi recuperare le origini della serie e il modo in cui Frogwares trattava già allora conoscenza, follia e orrore cosmico, nella nostra recensione del primo The Sinking City trovi un’analisi della struttura investigativa e dell’atmosfera di Oakmont.

Cosa lascia aperto il finale di The Sinking City 2

La conclusione lascia deliberatamente più spazio all’interpretazione di quanto conceda a una spiegazione enciclopedica. Il viaggio di Calvin e Faye arriva al suo punto decisivo, ma Yog-Sothoth resta una forza immensamente superiore ai personaggi e non qualcosa che possa essere semplicemente eliminato con un combattimento.

È probabilmente questo l’aspetto più coerente con Lovecraft: dopo ore trascorse a combattere creature, raccogliere armi e trovare soluzioni concrete ai problemi di Arkham, il gioco ricorda improvvisamente che il vero orrore non può essere ridotto a una barra della vita. Slither Prime può essere sconfitto. Una divinità che esiste oltre la normale percezione dello spazio e del tempo, invece, cambia completamente le regole.

Per Calvin il viaggio è sempre stato per lei, concetto richiamato anche dal nome dell’obiettivo legato al completamento totale del gioco. Ed è proprio questa la chiave più utile per leggere il finale: The Sinking City 2 racconta cosa accade quando l’amore, la conoscenza e l’ossessione spingono due esseri umani ad aprire una porta che forse nessuno avrebbe dovuto attraversare.

Per fare qualcosa di realmente interessante serve un’idea.

Marvel Tōkon: Fighting Souls parte proprio da qui, ma lo fa affidandosi a un nome che, quando si parla di picchiaduro, rappresenta ormai una garanzia: Arc System Works. Lo studio giapponese ha costruito negli anni una propria identità, fatta di combattimenti estremamente spettacolari, animazioni che sembrano uscite direttamente da un anime e sistemi di gioco capaci di accogliere tanto il giocatore alle prime armi quanto quello disposto a trascorrere centinaia di ore nel tentativo di perfezionare ogni singola combinazione.

L’unione tra queste due realtà era quindi interessante già sulla carta.

Da una parte l’universo Marvel, con personaggi immediatamente riconoscibili e capaci di attirare anche chi normalmente non si avvicina ai fighting game. Dall’altra Arc System Works, chiamata a trasformare questi eroi in veri e propri combattenti, senza limitarsi a sfruttarne il nome.

Marvel Tōkon: Fighting Souls sceglie inoltre una strada precisa: quattro personaggi per squadra, combattimenti estremamente dinamici, assist, cambi e una quantità di effetti visivi che porta sullo schermo tutta la spettacolarità che ci si aspetterebbe da uno scontro tra supereroi. La struttura 4 contro 4 e le caratteristiche principali del gioco sono descritte anche sulla pagina ufficiale PlayStation di Marvel Tōkon: Fighting Souls.

Il risultato è un gioco che, dopo le prime ore, riesce a rivelarsi molto più profondo di quanto possa sembrare inizialmente.

E soprattutto è un gioco che dimostra di non voler essere semplicemente “il picchiaduro Marvel”.

Trama di Marvel Tōkon: Fighting Souls

In un fighting game la trama non è necessariamente l’elemento sul quale concentrare le maggiori aspettative. Marvel Tōkon lo sa bene e, proprio per questo, non prova a trasformarsi in qualcosa che non è.

La componente narrativa ha soprattutto il compito di introdurre i personaggi, le diverse squadre e le situazioni che porteranno i protagonisti a confrontarsi.

La modalità Episodio rappresenta quindi una sorta di punto d’ingresso all’universo di Tōkon, accompagnando il giocatore attraverso una serie di combattimenti e sequenze dedicate ai personaggi. È una scelta che funziona perché permette di conoscere meglio il roster senza appesantire inutilmente l’esperienza.

Del resto, sarebbe stato difficile aspettarsi una storia complessa e articolata come quella di un’avventura single player tradizionale. Marvel Tōkon nasce con un obiettivo differente e la componente narrativa rimane giustamente al servizio del gameplay.

Nonostante questo, la presenza di una modalità dedicata alla storia è importante soprattutto per chi si avvicina al titolo senza essere un appassionato del genere. Il giocatore può così prendere confidenza con i personaggi e con le meccaniche senza dover necessariamente entrare immediatamente nel competitivo online. La trama, quindi, non rappresenta il motivo principale per acquistare Marvel Tōkon, ma svolge bene il proprio compito.

E, in un prodotto del genere, è probabilmente tutto ciò che dovrebbe fare.

Gameplay

È con il gameplay che Marvel Tōkon comincia realmente a mostrare la propria personalità. La formula scelta da Arc System Works è quella del quattro contro quattro. Quattro personaggi compongono la propria squadra e possono essere utilizzati durante lo scontro attraverso cambi e assist.

La prima impressione è quella di trovarsi davanti a un sistema estremamente accessibile. Ed è una sensazione che non deve essere considerata un difetto. Uno dei problemi storici dei fighting game è infatti rappresentato dalla barriera d’ingresso. Chi non conosce il genere può trovarsi davanti a decine di combinazioni, input e meccaniche apparentemente incomprensibili.

Marvel Tōkon cerca di ridurre questo ostacolo. È possibile cominciare a giocare, imparare i comandi e realizzare già dopo poche partite alcune combinazioni spettacolari. Per chi si avvicina per la prima volta al sistema abbiamo preparato anche una guida ai primi passi e ai personaggi da scegliere in Marvel Tōkon.

Ma la vera sorpresa arriva quando si decide di andare oltre. Perché Tōkon non è affatto un gioco superficiale. La composizione della squadra assume un’importanza fondamentale. Non basta scegliere quattro personaggi che piacciono: bisogna capire come le loro caratteristiche possano funzionare insieme.

Gli assist possono modificare completamente l’andamento di uno scontro, permettendo di interrompere un’azione, estendere una combo oppure creare una situazione favorevole per il proprio personaggio principale. Ed è proprio in questo momento che il gioco comincia a chiedere qualcosa in più al giocatore. Non è più sufficiente conoscere le singole mosse. Bisogna imparare a leggere lo scontro.

Bisogna capire quando attaccare, quando cambiare personaggio, quando utilizzare un assist e soprattutto come sfruttare le caratteristiche della propria squadra. La differenza tra una partita giocata in maniera casuale e uno scontro affrontato con consapevolezza diventa quindi evidente.

E questa è probabilmente la caratteristica che più ho apprezzato del sistema di combattimento. Marvel Tōkon riesce a essere immediato senza rinunciare alla profondità.

È una combinazione che non sempre viene raggiunta nei fighting game moderni. Naturalmente tutto questo porta con sé anche un piccolo problema. Durante le prime ore può capitare di avere la sensazione che sullo schermo stia succedendo semplicemente troppo.

Personaggi che entrano ed escono dall’azione, assist, effetti, combo, super e transizioni tra le diverse aree dello scenario contribuiscono a creare combattimenti spettacolari, ma allo stesso tempo possono rendere difficile comprendere immediatamente ciò che sta accadendo.

Con l’esperienza il problema si riduce sensibilmente. Anzi, quello che inizialmente può sembrare caos diventa progressivamente leggibile. Ed è proprio questo il momento in cui Marvel Tōkon inizia a dare le maggiori soddisfazioni.

Il roster iniziale composto da 20 personaggi è inoltre abbastanza variegato da permettere di sperimentare diverse combinazioni. Se vuoi consultarli tutti, abbiamo raccolto personaggi e squadre nell’approfondimento dedicato al roster di Marvel Tōkon: Fighting Souls.

La cosa interessante è che i protagonisti non sono semplicemente versioni differenti dello stesso combattente. Ogni personaggio cerca di portare sul campo di battaglia le proprie caratteristiche e, di conseguenza, modifica anche il modo in cui può essere costruita una squadra.

È un elemento fondamentale per un gioco che punta a vivere soprattutto attraverso il multiplayer. Perché il vero banco di prova di Marvel Tōkon sarà inevitabilmente rappresentato dall’online. Le lobby permettono di incontrare altri giocatori e trasformano l’esperienza in qualcosa che va oltre la semplice partita singola. Ed è qui che entra in gioco la longevità.

Un fighting game può avere un ottimo sistema di combattimento, ma se non riesce a mantenere attiva la propria community rischia di perdere rapidamente interesse. Marvel Tōkon parte comunque con basi solide. Il sistema è abbastanza semplice da permettere ai nuovi giocatori di entrare nel mondo del gioco, ma possiede sufficienti livelli di profondità per lasciare spazio a chi vuole davvero padroneggiarlo.

La palla, a questo punto, è nelle mani di Arc System Works e del supporto post-lancio.

Analisi grafica

Se c’è un aspetto nel quale Marvel Tōkon non lascia praticamente dubbi, è quello artistico. Arc System Works ha scelto ancora una volta di puntare su un’estetica fortemente ispirata agli anime e il risultato è probabilmente uno degli elementi più riusciti dell’intera produzione.

I personaggi Marvel vengono reinterpretati attraverso un design che riesce a mantenere riconoscibili le caratteristiche originali, ma allo stesso tempo dona loro una nuova identità. Ed è proprio questa reinterpretazione a funzionare particolarmente bene. Non siamo davanti a una semplice trasposizione dei personaggi dei fumetti o del Marvel Cinematic Universe.

Tōkon ha una propria personalità. Le animazioni sono fluide, gli attacchi sono accompagnati da effetti estremamente spettacolari e ogni personaggio sembra essere stato pensato per valorizzare al massimo le proprie caratteristiche. Spider-Man, Wolverine, Captain America e gli altri protagonisti non si limitano quindi a combattere: si muovono, attaccano e reagiscono in maniera coerente con ciò che rappresentano.

Le arene contribuiscono ulteriormente alla spettacolarità.

Le transizioni tra le diverse aree dello scenario sono particolarmente riuscite e riescono a dare agli incontri una sensazione quasi cinematografica. Su PlayStation 5 il risultato è ottimo. Il gioco appare estremamente pulito e, soprattutto, mantiene quella fluidità indispensabile per un fighting game.

Ma il vero merito non è tanto nella ricerca del fotorealismo, quanto nella direzione artistica. Arc System Works ha capito perfettamente che Marvel Tōkon non aveva bisogno di sembrare realistico. Aveva bisogno di sembrare Marvel attraverso gli occhi di Arc System Works.

Ed è esattamente quello che è riuscita a fare.

Sonoro

Il comparto sonoro accompagna senza particolari sbavature l’esperienza. Le musiche sono costruite per sostenere il ritmo degli scontri e aumentare la sensazione di spettacolarità durante le battaglie più concitate. Gli effetti sonori fanno il resto.

Ogni colpo, esplosione e abilità speciale possiede un impatto adeguato e contribuisce a restituire quella sensazione di potenza che il gioco cerca costantemente di trasmettere. Anche il doppiaggio dei personaggi svolge bene il proprio compito, contribuendo a mantenere riconoscibili le diverse personalità. Non è probabilmente il comparto che rimarrà maggiormente impresso dopo aver terminato il gioco, ma è un elemento che accompagna bene tutto il resto.

E in un fighting game è già un risultato importante.

Onimusha: Way of the Sword arriverà il 4 settembre 2026 e una demo permette già di provare circa trenta minuti dell’avventura. Se vuoi recuperare le informazioni su data e piattaforme, abbiamo già spiegato perché Onimusha: Way of the Sword è stato anticipato al 4 settembre. Qui ci concentriamo invece su ciò che serve davvero quando inizieranno gli scontri.

Come funziona il combattimento di Onimusha Way of the Sword

La base è quella di un action in terza persona incentrato sulla scherma. Musashi dispone di attacchi leggeri e pesanti, può difendersi, schivare e reagire agli assalti avversari con diverse tecniche basate sul tempismo. La particolarità è che Parry, Deflect e Issen non sono tre nomi differenti per la stessa parata: ognuno modifica lo scontro in maniera specifica. ([PlayStation.Blog][2])

Musashi e i nemici possiedono inoltre una barra della salute e una barra della stamina. Colpire un avversario o reagire correttamente ai suoi attacchi può consumarne la stamina; quando questa viene svuotata, il nemico perde l’equilibrio e può essere aperto a un potente Break Issen. Lo stesso principio vale però anche per Musashi: terminare la propria stamina lo lascia esposto. ([PlayStation.Blog][3])

Questo significa che la vittoria non dipende soltanto dal ridurre a zero i punti vita. Controllare la postura dell’avversario, provocare aperture e scegliere la risposta difensiva corretta può essere molto più efficace di una sequenza indiscriminata di colpi.

Parry: la tecnica da imparare per prima

Il Parry è probabilmente il primo sistema che conviene rendere automatico. Si esegue attivando la guardia nel momento corretto poco prima dell’impatto di un attacco. Rispetto alle tecniche più avanzate, le impressioni ufficiali di PlayStation descrivono la finestra del Parry come relativamente permissiva. ([PlayStation.Blog][3])

Un Parry riuscito fa barcollare l’avversario e crea una finestra per contrattaccare. Durante le prove pubblicate da PlayStation è stato inoltre evidenziato che la parata corretta potenzia temporaneamente la spada, permettendo di infliggere più danni con gli attacchi successivi. ([PlayStation.Blog][2])

Per chi inizia, la conseguenza pratica è semplice: non cercare subito l’Issen perfetto contro ogni nemico. Imparare prima il ritmo del Parry offre una risposta meno rischiosa, permette di osservare meglio le animazioni degli avversari e crea comunque un vantaggio offensivo.

Deflect: quando conviene deviare invece di fare Parry

Il Deflect richiede un input differente e un tempismo più preciso. Nella configurazione mostrata su PS5 viene eseguito combinando la guardia con un secondo comando. Se riesce, Musashi devia il colpo e infligge un danno significativo alla stamina dell’avversario. ([PlayStation.Blog][2])

È questa la differenza da ricordare: il Parry serve soprattutto a creare un’apertura e potenziare l’offensiva immediatamente successiva, mentre il Deflect è particolarmente efficace per svuotare la stamina nemica e preparare un Break Issen.

Contro avversari resistenti o duellanti capaci di sostenere numerosi colpi, imparare a concatenare più Deflect può quindi abbreviare lo scontro molto più di una serie di attacchi normali. La dimostrazione contro Sasaki Ganryu ha mostrato proprio questa interazione: parate e deviazioni possono essere combinate per preparare una finestra offensiva più importante. ([PlayStation.Blog][2])

Issen: il contrattacco più rischioso e potente

L’Issen è una delle meccaniche simbolo della serie Onimusha e torna anche in Way of the Sword. A differenza del Parry, non richiede di difendersi: bisogna attaccare esattamente nel momento in cui il colpo avversario sta per raggiungere Musashi. ([PlayStation.Blog][2])

Il margine è molto più stretto e PlayStation lo descrive come la tecnica più difficile fra quelle provate. La ricompensa è però proporzionata al rischio, perché l’Issen infligge danni estremamente elevati e può concludere rapidamente gli scontri contro nemici normali. ([PlayStation.Blog][2])

La regola migliore prima di iniziare è quindi non trasformarlo in un’ossessione. Impara prima a riconoscere gli attacchi utilizzando guardia e Parry, passa successivamente al Deflect e prova l’Issen quando conosci abbastanza bene il ritmo del nemico. Cercarlo continuamente senza conoscere le animazioni significa esporsi inutilmente.

Break Issen: perché la stamina dei nemici è fondamentale

Esiste poi una seconda strada per arrivare a un attacco devastante. Quando la stamina di un nemico viene completamente consumata, questo perde l’equilibrio e può subire un Break Issen. Non richiede quindi lo stesso tempismo estremo dell’Issen eseguito come contrattacco: prima bisogna costruire l’apertura. ([PlayStation.Blog][3])

Per questo il Deflect diventa particolarmente utile contro gli avversari più resistenti. Una sequenza di deviazioni corrette può prosciugarne rapidamente la stamina e permettere a Musashi di passare da una fase apparentemente difensiva a un’esecuzione estremamente offensiva.

Il sistema suggerisce già una delle lezioni principali del gioco: difendere bene non significa semplicemente ridurre il danno subito. In Way of the Sword la difesa prepara direttamente l’attacco.

La guardia normale non è inutile

L’esistenza di tecniche basate sul tempismo potrebbe far pensare che bloccare normalmente sia sempre una scelta sbagliata. Non è così. Capcom ha progettato la guardia come soluzione di sicurezza e il gioco permette a Musashi di adattare automaticamente la posizione della spada anche agli attacchi provenienti da direzioni differenti. ([XBOX Wire][4])

Questo è particolarmente importante contro gruppi di Genma. Non sempre avrai il tempo o la visibilità necessaria per eseguire un Issen perfetto contro ogni avversario. Bloccare un attacco e ristabilire la posizione può essere preferibile a rischiare danni soltanto per inseguire una tecnica più spettacolare.

Bisogna però ricordare la stamina: una difesa troppo passiva può portare Musashi a esaurirla e rimanere vulnerabile. La guardia va quindi utilizzata come strumento, non come posizione permanente.

Schivata e Reflex Combo: evitare i colpi può diventare offensivo

Way of the Sword non costringe a rispondere a ogni attacco con la spada. La schivata possiede una propria meccanica dedicata: evitare continuamente gli attacchi contribuisce a riempire il Reflex Dodge Gauge e, una volta completato, permette di eseguire un potente Reflex Combo. ([PlayStation.Blog][1])

Questo sistema offre una soluzione alternativa soprattutto contro attacchi che non si conoscono ancora bene. Se il tempismo di Parry o Deflect non è chiaro, schivare può essere inizialmente più sicuro e non significa rinunciare completamente alla pressione offensiva.

La lezione è quindi evitare automatismi. Parry, Deflect, Issen e schivata sono risposte complementari: scegliere quella corretta dipende dal nemico e dall’obiettivo che vuoi ottenere in quel momento.

Come funziona il Guanto Oni

Il Guanto Oni è il secondo grande pilastro del combattimento. L’artefatto legato a Musashi assorbe le anime rilasciate dai Genma e permette di trasformarle in risorse differenti. Capcom conferma tre tipologie principali di anime: gialle, blu e rosse. ([Capcom Games][5])

• Anime gialle: ripristinano la salute di Musashi.
• Anime blu: riempiono la barra Oni Power utilizzata dalle abilità Oni Armament.
• Anime rosse: vengono utilizzate per potenziare l’equipaggiamento.

Assorbire le anime non è quindi soltanto un elemento storico della serie. Durante gli scontri bisogna leggere rapidamente ciò che viene rilasciato e sfruttarlo in funzione delle necessità del momento: recuperare salute, preparare un attacco Oni oppure investire nella crescita dell’equipaggiamento.

Oni Armament: quando usare le anime blu

Accumularne abbastanza permette di utilizzare gli Oni Armament, potenti capacità alimentate dall’Oni Power. Nella demo e nelle anteprime ufficiali queste tecniche rappresentano uno degli strumenti più offensivi concessi dal Guanto e possono diventare particolarmente preziose contro avversari resistenti. ([PlayStation.Blog][2])

La tentazione sarà probabilmente quella di consumarle appena disponibili, ma contro boss e duellanti può essere più conveniente conservare la risorsa per una finestra realmente favorevole. Se hai appena provocato uno stagger, svuotato la stamina nemica o creato un’apertura attraverso un Parry, utilizzare in quel momento un attacco Oni può massimizzare il vantaggio.

Alcune esecuzioni contro i boss introducono inoltre una scelta: puntare a infliggere più danni oppure ottenere maggiori quantità di anime e risorse per recuperare. Il combattimento chiede quindi di valutare anche ciò che serve dopo il singolo colpo. ([XBOX Wire][4])

Oni Strength e Oni Agility: il Guanto serve anche fuori dagli scontri

Il potere Oni non si limita agli attacchi speciali. Capcom ha mostrato Oni Strength, capacità che permette a Musashi di spezzare determinate difese con la forza sovrumana, e Oni Agility, che aumenta drasticamente la mobilità. ([PlayStation.Blog][1])

Oni Agility può essere utilizzata anche nell’esplorazione, per esempio permettendo a Musashi di correre su alcune pareti e raggiungere zone differenti. Questo suggerisce che imparare a utilizzare il Guanto sarà importante tanto quanto perfezionare la scherma.

Se vuoi recuperare anche i nemici e le informazioni mostrate negli ultimi showcase, abbiamo raccolto gli annunci dedicati al gioco nel nostro approfondimento sul Capcom Spotlight di giugno 2026, dove era stato presentato anche il Genma Dohatsu-ten.

Contro gruppi di nemici non fissarti su un solo bersaglio

Le anteprime mostrano chiaramente che Way of the Sword non è costruito soltanto attorno ai duelli. Musashi viene spesso circondato da più Genma e il problema diventa controllare il gruppo senza perdere la lettura degli attacchi. Xbox ha sottolineato proprio come la difficoltà degli scontri normali dipenda molto dalla gestione della folla più che dal singolo avversario. ([XBOX Wire][4])

La possibilità di bloccare e deviare colpi provenienti da direzioni differenti aiuta molto, così come la capacità di rimandare indietro alcuni proiettili. Contro diversi nemici conviene quindi privilegiare posizione e controllo dello spazio invece di inseguire continuamente un bersaglio isolato.

Anche l’offensiva può contribuire alla difesa: mettere sotto pressione i Genma più deboli consuma la loro stamina e può impedire loro di organizzare attacchi coordinati. Fermarsi e aspettare passivamente ogni colpo non sembra essere l’approccio più efficace.

Cosa conviene imparare prima di iniziare Onimusha

Se vuoi arrivare preparato alle prime ore, non è necessario memorizzare decine di combo. Conviene invece acquisire alcune abitudini fondamentali che resteranno utili anche quando il gioco introdurrà nemici più complessi:

1. Impara prima il Parry: ha un rischio più contenuto e crea immediatamente aperture offensive.
2. Osserva sempre la stamina nemica oltre alla barra della salute.
3. Usa il Deflect quando vuoi accelerare la rottura della stamina dell’avversario.
4. Non inseguire l’Issen a ogni costo: il tempismo è molto più severo e conviene provarlo quando conosci già il nemico.
5. Conserva abbastanza stamina per difenderti o riposizionarti dopo una combo.
6. Alterna guardia, Parry e schivata invece di affidarti a una sola risposta.
7. Assorbi rapidamente le anime e riconosci la differenza tra gialle, blu e rosse.
8. Non sprecare automaticamente l’Oni Power: contro i nemici più forti può essere meglio attendere una vera apertura.
9. Contro gruppi numerosi controlla posizione e direzione degli attacchi prima di concentrarti su una singola esecuzione.
10. Sfrutta la demo per allenare soprattutto Parry, Deflect e Issen: i progressi narrativi non vengono trasferiti, quindi può essere utilizzata come palestra.

Parry, Deflect o Issen: quale usare?

La distinzione può essere riassunta facilmente. Se vuoi una risposta relativamente sicura che prepari il contrattacco, usa il Parry. Se l’obiettivo è danneggiare rapidamente la stamina nemica, prova il Deflect. Se conosci perfettamente il tempismo dell’avversario e vuoi massimizzare danni e spettacolarità, cerca l’Issen.

Nessuna delle tre tecniche sostituisce completamente le altre. Le prove ufficiali mostrano anzi che il combattimento funziona meglio quando vengono concatenate: un Parry può potenziare la spada, un successivo Deflect può svuotare la stamina dell’avversario e il Break Issen può trasformare tutta la sequenza in una pesante esecuzione. ([PlayStation.Blog][2])

È probabilmente questa la meccanica più importante da comprendere prima dell’uscita: Way of the Sword premia la lettura dello scontro più della ripetizione della stessa azione.

Onimusha Way of the Sword non va affrontato come un Soulslike

Le somiglianze superficiali con alcuni action moderni possono portare a interpretarlo come un Soulslike basato soprattutto su schivate, studio dei boss e punizione severa degli errori. Le anteprime ufficiali raccontano però un approccio differente: Musashi è già presentato come uno spadaccino esperto e il sistema vuole far sentire il giocatore potente quando riesce a utilizzare correttamente le tecniche disponibili. ([XBOX Wire][4])

Questo non significa che gli scontri siano semplici. Duellanti come Sasaki Ganryu richiedono parate, deviazioni e gestione della stamina molto più precisa rispetto ai normali Genma. La differenza è nell’intenzione: Capcom punta su scontri fluidi e cinematografici nei quali attacco e difesa passano continuamente l’uno nell’altra.

Per questo, prima di iniziare il 4 settembre, la cosa più utile non è cercare la build migliore o conoscere già ogni boss. Basta arrivare con un principio chiaro: osserva l’attacco, scegli la risposta corretta e trasforma la difesa in un’apertura. Parry, Deflect, Issen e Guanto Oni sono tutti strumenti dello stesso sistema, e imparare quando usarli sarà probabilmente molto più importante che premere più velocemente il tasto d’attacco.

La trilogia può sembrare meno immediata di quanto suggeriscano i numeri nei titoli, soprattutto perché intorno a Dark Souls gravitano Demon’s Souls, Bloodborne, Sekiro ed Elden Ring. Non appartengono però tutti alla stessa serie narrativa. Se vuoi scoprire specificamente Dark Souls, puoi concentrarti sui tre capitoli principali e sui rispettivi DLC.

Quale Dark Souls giocare per primo nel 2026?

Per una prima esperienza completa consigliamo Dark Souls Remastered. È la versione moderna del primo Dark Souls e permette di partire dalle fondamenta su cui sono stati costruiti i due sequel: Lordran, i Falò, le Anime, l’Umanità e soprattutto il rapporto fra Fuoco e Oscurità.

Bandai Namco conferma sul sito ufficiale di Dark Souls Remastered che questa edizione comprende anche Artorias of the Abyss. Significa che puoi affrontare il primo capitolo insieme alla sua espansione senza dover recuperare contenuti separati.

Iniziare da Dark Souls III non è sbagliato: ha controlli più rapidi, combattimenti più vicini alla sensibilità moderna e una presentazione generalmente più immediata. Il problema è che numerosi luoghi, personaggi, oggetti e temi acquistano un peso molto maggiore dopo aver attraversato almeno il primo Dark Souls.

L’ordine consigliato della trilogia di Dark Souls

Se non hai mai giocato la serie, l’ordine di pubblicazione rimane quello più efficace. Non servono cronologie elaborate o salti fra giochi diversi:

1. Dark Souls Remastered, includendo Artorias of the Abyss.
2. Dark Souls II: Scholar of the First Sin, includendo Crown of the Sunken King, Crown of the Old Iron King e Crown of the Ivory King.
3. Dark Souls III, seguito da Ashes of Ariandel e infine The Ringed City.

È anche la composizione della Dark Souls Trilogy ufficiale di Bandai Namco, che riunisce Dark Souls Remastered, Dark Souls II: Scholar of the First Sin e Dark Souls III: The Fire Fades insieme ai rispettivi DLC.

Giocandoli così si percepisce inoltre l’evoluzione di FromSoftware. Dark Souls costruisce le regole, Dark Souls II sperimenta con numerose variazioni e Dark Souls III riprende diversi elementi dei predecessori per portarli verso una conclusione.

Perché iniziare da Dark Souls Remastered

Il primo Dark Souls resta il punto di ingresso migliore soprattutto per il modo in cui insegna a leggere il mondo. Lordran è costruita come una grande rete di aree interconnesse: aprire una porta, scoprire un ascensore o trovare una scala può improvvisamente collegare luoghi che sembravano lontanissimi.

Il combattimento è più lento rispetto a Dark Souls III ed Elden Ring. Proprio per questo può essere un buon insegnante: obbliga a osservare stamina, peso dell’equipaggiamento, distanza dagli avversari e finestre per attaccare senza richiedere immediatamente riflessi estremamente rapidi.

Anche la narrazione della trilogia parte realmente da qui. Non serve conoscere ogni descrizione degli oggetti, ma familiarizzare con Gwyn, la Prima Fiamma, i Lord e il ciclo del Fuoco rende molto più significativi numerosi riferimenti successivi.

Se vuoi completare tutto dopo la prima run, su iCrewPlay trovi anche la nostra guida ai trofei di Dark Souls. Per una prima partita consigliamo però di non trasformare subito Lordran in una checklist: scoprire percorsi e segreti autonomamente è una parte importante dell’esperienza.

Dark Souls II va giocato o si può saltare?

È probabilmente la domanda più frequente quando si parla dell’ordine della serie. Dark Souls II è differente dal primo e dal terzo capitolo sotto diversi aspetti, ma non consigliamo di saltarlo se l’obiettivo è conoscere davvero la trilogia.

La sua storia si svolge a Drangleic e appare inizialmente più separata dagli eventi di Lordran. Il collegamento esiste però soprattutto a livello di temi: cicli, regni destinati a decadere, maledizione dei non morti e tentativi di sfuggire a un destino che continua a ripetersi.

Scholar of the First Sin è inoltre la versione da scegliere sulle piattaforme moderne. Bandai Namco la identifica come edizione che riunisce il gioco e le tre espansioni Crown, offrendo l’esperienza completa del secondo capitolo.

Anche alcuni sistemi richiedono un breve periodo di adattamento. La velocità di utilizzo di determinati oggetti e aspetti della schivata sono legati a caratteristiche che il gioco non spiega sempre bene, mentre la perdita progressiva della salute massima dopo le morti può sorprendere chi arriva direttamente dal primo episodio.

Perché Dark Souls II è importante prima del terzo capitolo

Non devi giocare Dark Souls II soltanto per comprendere la trama di Dark Souls III. Il suo vero valore all’interno della trilogia è mostrare che il mondo non ruota esclusivamente attorno alle persone e ai luoghi conosciuti nel primo gioco.

Regni sorgono e cadono, i nomi cambiano e le stesse ossessioni riemergono sotto forme differenti. Questo concetto diventa molto importante quando Dark Souls III affronta apertamente le conseguenze di un mondo che continua a prolungare il proprio ciclo.

Scholar of the First Sin ha inoltre una quantità enorme di armi, build e boss, mentre le tre espansioni rappresentano una parte significativa dell’esperienza. Se ti appassiona il completismo puoi recuperare in seguito anche la nostra guida ai trofei di Dark Souls II: Scholar of the First Sin.

Dark Souls III è il migliore per iniziare?

Dipende da ciò che cerchi. Se vuoi semplicemente capire se il gameplay dei Souls fa per te, Dark Souls III è probabilmente il capitolo della trilogia più immediato per un giocatore abituato agli action RPG moderni.

Il personaggio reagisce più rapidamente, il combattimento ha un ritmo superiore e diversi sistemi risultano meno macchinosi. Chi arriva da Elden Ring potrebbe quindi sentirsi più a casa rispetto a quanto accadrebbe nelle prime ore di Dark Souls Remastered.

Come punto di ingresso narrativo, però, perde qualcosa. Dark Souls III è dichiaratamente il capitolo conclusivo della serie e utilizza continuamente l’eredità di ciò che è accaduto prima. Bandai Namco presenta infatti The Ringed City come l’ultima espansione di Dark Souls III, costruita come viaggio verso la fine del mondo.

Se puoi dedicare tempo all’intera trilogia, meglio quindi arrivarci dopo i primi due episodi. Se invece hai già provato Dark Souls Remastered e lo hai abbandonato esclusivamente perché troppo lento, iniziare da Dark Souls III può essere un’alternativa sensata.

Quando giocare i DLC di Dark Souls

Le espansioni meritano di essere inserite direttamente nella rispettiva partita, ma il momento preciso varia leggermente da capitolo a capitolo. Per un primo viaggio basta seguire una regola semplice: affronta il DLC verso la parte avanzata del gioco e, quando possibile, prima di passare definitivamente al New Game Plus.

• Dark Souls Remastered: Artorias of the Abyss appartiene al primo gioco e va affrontato nella stessa run.
• Dark Souls II: le tre Crown possono essere affrontate nella fase avanzata dell’avventura; insieme formano un percorso tematico particolarmente importante.
• Dark Souls III: gioca prima Ashes of Ariandel e poi The Ringed City. Quest’ultima funziona come chiusura ideale dell’intera trilogia.

Soprattutto nel primo Dark Souls è utile informarsi sul punto di non ritorno prima del boss finale, perché la struttura del passaggio al New Game Plus può differire dalle abitudini maturate con titoli FromSoftware successivi.

Demon’s Souls viene prima di Dark Souls?

Demon’s Souls è uscito prima e rappresenta un predecessore fondamentale del genere, ma non è Dark Souls 0. Possiede un proprio mondo, una propria storia e regole narrative separate. Non è quindi necessario completarlo prima della trilogia.

Può essere molto interessante giocarlo successivamente per osservare l’origine di numerose idee che FromSoftware avrebbe sviluppato in Dark Souls: recupero della valuta dopo la morte, mondi ostili, multiplayer asincrono, boss costruiti come prove di apprendimento e narrazione indiretta.

Se disponi di PS5, il remake di Demon’s Souls può anche essere una porta d’ingresso visivamente più moderna, ma per comprendere Lordran, Drangleic e Lothric non aggiunge informazioni narrative necessarie.

Bloodborne, Sekiro ed Elden Ring fanno parte della saga?

No. È utile distinguere fra saga Dark Souls e giochi comunemente raccolti sotto l’etichetta Soulsborne. Bloodborne, Sekiro: Shadows Die Twice ed Elden Ring condividono alcune idee di game design con Dark Souls, ma possiedono universi narrativi indipendenti.

Non esiste quindi un ordine obbligatorio che imponga di giocare Bloodborne fra Dark Souls II e Dark Souls III oppure Elden Ring alla fine della trilogia. Puoi affrontarli quando preferisci.

Anzi, alternarli può rendere evidenti le diverse interpretazioni della formula FromSoftware: Bloodborne privilegia aggressività e recupero della salute, Sekiro costruisce il combattimento attorno a deviazioni e postura, mentre Elden Ring applica molte idee dei Souls a una struttura open world.

Se arrivi da Elden Ring, da quale Dark Souls partire?

Anche in questo caso suggeriamo Dark Souls Remastered, ma è importante sapere cosa aspettarsi. Non troverai un grande mondo aperto, una cavalcatura o la stessa libertà nel scegliere continuamente una destinazione alternativa quando un boss sembra troppo difficile.

Il primo Dark Souls è inoltre sensibilmente più lento. La gestione del peso, delle animazioni e della stamina richiede maggiore pazienza e alcune comodità che oggi sembrano naturali sono assenti o funzionano diversamente.

Non conviene però interpretarlo come una versione semplicemente vecchia di Elden Ring. Il design interconnesso di Lordran rappresenta ancora uno dei suoi elementi più caratteristici e produce un’esplorazione molto differente dall’Interregno.

Se vuoi il Dark Souls più accessibile, scegli il terzo

Chi non è interessato a seguire immediatamente tutta la trilogia può invece partire da Dark Souls III. È la nostra scelta alternativa per chi cerca soprattutto combattimento, boss e un’esperienza tecnicamente più vicina ai giochi FromSoftware recenti.

Non significa che sia necessariamente il capitolo più facile. Alcuni boss sono molto più veloci e complessi rispetto a quelli del primo gioco. È più accessibile nel senso che controlli, movimento e numerosi sistemi risultano più familiari a chi gioca nel 2026.

La conseguenza è però un percorso inverso più difficile: abituarsi prima alla rapidità di Dark Souls III e poi tornare alle animazioni più deliberate di Remastered può far sembrare il primo capitolo ancora più lento.

L’ordine migliore cambia se interessa solo la storia?

No. Se la priorità è la lore, l’ordine Dark Souls Remastered, Dark Souls II e Dark Souls III diventa ancora più consigliato. La saga non racconta una storia tradizionale con gli stessi protagonisti in ogni episodio, ma costruisce progressivamente un insieme di concetti, simboli e cicli.

Non serve comprendere immediatamente ogni dettaglio. Una parte del fascino deriva proprio dal riconoscere più avanti un nome, un luogo o un oggetto e reinterpretare quello che avevi visto molte ore prima.

Dark Souls III in particolare utilizza il passato come elemento centrale della propria identità. Arrivarci dopo aver attraversato Lordran e Drangleic rende diversi incontri molto più significativi senza bisogno di leggere spiegazioni esterne prima di giocare.

Dark Souls nel 2026: il percorso che consigliamo

Se vuoi recuperare tutta la saga per la prima volta nel 2026, non c’è bisogno di complicare l’ordine. Parti da Dark Souls Remastered, completa Artorias of the Abyss, passa a Dark Souls II: Scholar of the First Sin con le tre Crown e termina con Dark Souls III, Ashes of Ariandel e The Ringed City.

Non saltare automaticamente Dark Souls II perché hai letto opinioni contrastanti e non sentirti obbligato a giocare prima Demon’s Souls. Allo stesso modo, Bloodborne ed Elden Ring possono essere affrontati indipendentemente perché non costituiscono capitoli della stessa continuità narrativa.

L’unica vera eccezione riguarda chi trova Dark Souls Remastered troppo distante dalle proprie abitudini. In quel caso Dark Souls III può essere un ingresso più immediato e, una volta comprese le regole fondamentali della formula, si può tornare al primo episodio. Per tutti gli altri l’ordine numerico resta ancora il migliore: Dark Souls 1, Dark Souls 2 e Dark Souls 3. È anche il modo più naturale per vedere come una delle saghe più influenti di FromSoftware costruisce, trasforma e infine conclude il proprio ciclo.

Il comportamento è stato riportato sia da giocatori PC sia da utenti che eseguono Battlefield 6 attraverso GeForce NOW. Ed è proprio questo dettaglio a rendere importante capire quale crash stai effettivamente incontrando prima di reinstallare il gioco, modificare numerose impostazioni o effettuare rollback dei driver.

Battlefield 6 ha iniziato a crashare dopo l’Update 1.4.2.0?

Electronic Arts ha distribuito il Game Update 1.4.2.0 il 18 agosto 2026, introducendo diversi contenuti della collaborazione con Top Gun. Tra questi troviamo il ritorno di Wake Island, l’espansione di Tsuru Reef e le esperienze Top Gun: Carrier Strike e Gauntlet: Fighter Sweep.

Le note ufficiali dell’aggiornamento confermano contenuti, mappe e modalità introdotte dalla patch. Puoi consultare il changelog ufficiale dell’Update 1.4.2.0 per il quadro completo delle novità.

Nelle ore successive al rilascio sono iniziate ad apparire segnalazioni di utenti che riescono a giocare normalmente a Battlefield 6 ma vedono il client chiudersi entrando nelle nuove modalità. Il comportamento più ricorrente è semplice da riconoscere: matchmaking completato, caricamento della mappa e poi ritorno improvviso al desktop.

Carrier Strike crasha ma Wake Island funziona: perché conta

Prima di modificare qualsiasi impostazione, conviene fare una prova molto semplice. Avvia una normale partita di Battlefield 6 su una modalità che sai funzionare e poi prova separatamente Top Gun: Carrier Strike.

Alcuni giocatori hanno descritto proprio questa situazione: Carrier Strike provoca un crash durante il caricamento, mentre Wake Island giocata attraverso una modalità normale funziona correttamente. Sul forum tecnico ufficiale di EA compaiono segnalazioni compatibili con questo scenario, consultabili nella sezione tecnica dedicata a Battlefield 6.

Se la stessa mappa o altre modalità funzionano correttamente e il problema compare soltanto entrando nella playlist Top Gun, è meno probabile che la causa sia semplicemente una GPU incapace di gestire il gioco o un’installazione completamente danneggiata.

Battlefield 6 Top Gun crasha anche su GeForce NOW

Le segnalazioni non riguardano esclusivamente installazioni locali. Nella community di GeForce NOW alcuni utenti raccontano che Battlefield 6 continua a funzionare nelle modalità tradizionali ma si chiude quando viene caricata una delle esperienze Top Gun introdotte il 18 agosto.

Questo particolare è rilevante perché su GeForce NOW non hai il controllo diretto sui driver della GPU utilizzata dal server. Se stai giocando in cloud e Carrier Strike crasha mentre le altre modalità funzionano, cercare vecchie versioni dei driver NVIDIA sul tuo computer difficilmente risolverà il problema.

Tsuru Reef e Hagental Base possono essere coinvolte?

Alcune segnalazioni citano crash anche su Tsuru Reef e Hagental Base, quindi il perimetro potrebbe essere più ampio del solo evento Top Gun. Al momento, però, non ci sono abbastanza elementi per affermare che tutti questi crash abbiano necessariamente la stessa origine.

Il caso di Tsuru Reef richiede particolare attenzione perché questa mappa era già stata coinvolta in un problema tecnico precedente. Per questo motivo è facile imbattersi in guide datate e confondere due bug differenti.

Non confonderlo con il vecchio crash NVIDIA delle RTX 50

A luglio Battlefield Studios aveva riconosciuto un problema su PC relativo a crash del driver grafico NVIDIA. Le segnalazioni erano concentrate soprattutto sulle GeForce RTX serie 50 e potevano verificarsi giocando mappe caratterizzate da grandi superfici d’acqua, compresa Tsuru Reef.

Quel problema era stato affrontato con il successivo Update 1.4.1.5. Per questo motivo, se cercando Battlefield 6 Tsuru Reef crash trovi suggerimenti che invitano a installare driver NVIDIA precedenti, controlla sempre la data della discussione prima di applicare il fix.

Potresti infatti tentare di risolvere un problema comparso dopo l’Update 1.4.2.0 con una procedura pensata per un bug precedente e ormai distinto.

Come capire quale Battlefield 6 crash stai incontrando

Prima di reinstallare qualsiasi cosa, conviene costruire una diagnosi minima confrontando modalità, mappe e piattaforma utilizzata.

• Le modalità normali funzionano: il gioco nel complesso è avviabile.
• Wake Island in una playlist normale funziona: possibile problema specifico dell’evento.
• Carrier Strike crasha durante il caricamento: comportamento compatibile con le segnalazioni post-1.4.2.0.
• Fighter Sweep crasha: possibile coinvolgimento più ampio dei contenuti Top Gun.
• GeForce NOW crasha solo con Top Gun: intervenire sui driver del PC locale è poco utile.
• Tsuru Reef crasha anche fuori dall’evento: il problema potrebbe non essere limitato alle nuove playlist.
• Molte mappe e modalità crashano: conviene indagare anche driver, file di gioco e stabilità generale del sistema.

Cosa fare se Carrier Strike o Top Gun continuano a crashare

Se Battlefield 6 funziona normalmente e il crash compare soltanto nelle modalità Top Gun, eviterei per il momento interventi drastici. Puoi innanzitutto verificare di utilizzare realmente la versione 1.4.2.0 e riavviare completamente EA App, Steam o il launcher attraverso cui utilizzi il gioco.

Su PC locale ha comunque senso controllare che i driver grafici siano aggiornati e verificare l’integrità dei file di Battlefield 6. Sono controlli poco invasivi e permettono di escludere problemi locali.

La situazione cambia se hai già stabilito che le modalità normali funzionano, il crash avviene sempre entrando in Carrier Strike o Fighter Sweep e il problema è iniziato dopo l’aggiornamento del 18 agosto. In questo scenario non consigliamo di effettuare immediatamente un rollback dei driver NVIDIA basandosi su guide precedenti.

Allo stesso modo, reinstallare completamente il gioco dovrebbe essere una delle ultime prove, non la prima, soprattutto se Battlefield 6 continua a funzionare senza problemi nelle altre playlist.

Cosa fare se giochi tramite GeForce NOW

Su GeForce NOW hai ancora meno motivi per intervenire sulla configurazione grafica del tuo computer. I driver e l’installazione effettivamente utilizzati per eseguire Battlefield 6 risiedono sui sistemi NVIDIA.

Puoi provare una nuova sessione o un server differente, ma se le modalità normali funzionano e Top Gun crasha sistematicamente durante il caricamento, è utile inviare una segnalazione dettagliata indicando versione del gioco, modalità, mappa e momento esatto del crash.

• Versione Battlefield 6 1.4.2.0.
• Modalità selezionata.
• Mappa caricata.
• Momento preciso in cui avviene il crash.
• Server GeForce NOW utilizzato, se disponibile.
• Conferma che le modalità normali funzionano oppure crashano anch’esse.

Al momento esiste una soluzione definitiva?

Al 21 agosto 2026 non risulta una soluzione universale confermata da Electronic Arts per il nuovo crash specifico delle modalità Top Gun. Esistono segnalazioni coerenti tra loro, comprese quelle pubblicate nei forum tecnici EA e nelle community, ma questo non equivale ancora a una diagnosi ufficiale della causa.

Per questo sarebbe scorretto promettere un fix semplicemente modificando una determinata impostazione grafica. La soluzione più sensata, quando le altre playlist funzionano, è verificare prima di tutto se il crash è effettivamente circoscritto ai nuovi contenuti introdotti dalla patch.

Il problema pesa di più durante il periodo gratuito

Il tempismo rende il problema particolarmente fastidioso perché Battlefield 6 è disponibile gratuitamente dal 18 al 25 agosto durante l’evento Top Gun. Molti nuovi giocatori potrebbero quindi installare il gioco proprio per provare i contenuti della collaborazione e imbattersi nel crash senza conoscere la storia recente dei problemi tecnici.

Se ti trovi in questa situazione, il consiglio più utile è provare almeno una modalità normale prima di concludere che Battlefield 6 non funzioni sul tuo PC. Se quella parte del gioco funziona e Carrier Strike si chiude sempre durante il caricamento, potresti essere davanti allo stesso problema post-Update 1.4.2.0 segnalato da altri utenti.

Per approfondire il gioco puoi consultare anche la pagina dedicata a Battlefield 6 su iCrewPlay e la nostra guida sulle prestazioni PC di Battlefield 6 e DLSS 4.

Bloodborne resta ufficialmente un titolo PS4, ma la pagina PlayStation conferma che è giocabile anche su PS5 tramite retrocompatibilità ed è attualmente presente nel catalogo PlayStation Plus Extra. Se stai recuperando oggi il capolavoro di FromSoftware, questa guida si concentra sulle decisioni che contano davvero nelle prime ore, evitando spoiler sulla storia e sui boss successivi.

Quale origine scegliere per iniziare Bloodborne

La prima scelta che può generare dubbi è l’Origine. Non funziona come una classe tradizionale: determina semplicemente statistiche e livello iniziali e non ti blocca in una build specifica. Con abbastanza livelli potrai sviluppare il Cacciatore nella direzione che preferisci.

Per una prima partita conviene evitare di complicarsi subito la vita con configurazioni fortemente orientate a Tinta del sangue o Arcano. Origini con una buona Vitalità e valori equilibrati tra Forza e Abilità permettono di sperimentare facilmente le armi iniziali e perdonano qualche errore in più.

• Sopravvissuto solitario: buona scelta se vuoi partire con maggiore Vitalità e concentrarti prima sulla sopravvivenza.
• Veterano militare: ottimo punto di partenza per provare armi che scalano con Forza e Abilità.
• Passato violento: interessante se sai già di voler privilegiare armi orientate alla Forza.
• Professionista: più indicato per chi preferisce armi rapide legate soprattutto all’Abilità.
• Nobile rampollo e Destino crudele: possono funzionare molto bene in build specifiche, ma sono meno immediati per chi ancora non conosce Bloodborne.

La scelta iniziale non può quindi rovinare definitivamente il personaggio. Molto più importante sarà decidere dove investire gli Echi del Sangue una volta sbloccata la possibilità di salire di livello.

Statistiche di Bloodborne: cosa aumentare per prima

Bloodborne utilizza sei statistiche principali: Vitalità, Tempra, Forza, Abilità, Tinta del sangue e Arcano. Capire cosa fanno è essenziale perché il gioco non offre una vera funzione per ridistribuire liberamente tutti i punti spesi durante la partita.

• Vitalità aumenta principalmente i punti vita ed è la statistica più utile per assorbire gli errori iniziali.
• Tempra aumenta la stamina, utilizzata per attaccare, correre e schivare.
• Forza aumenta l’efficacia delle armi che possiedono un buon scaling su questa caratteristica.
• Abilità svolge una funzione analoga per le armi che privilegiano questa statistica e influenza anche i danni degli attacchi viscerali.
• Tinta del sangue interessa soprattutto determinate armi da fuoco e alcune armi specialistiche.
• Arcano influenza specifici danni elementali e strumenti da Cacciatore, ma richiede una costruzione più consapevole del personaggio.

Per approfondire il sistema abbiamo già una guida agli Echi del Sangue e a come livellare in Bloodborne. Per un principiante la regola più semplice è non distribuire punti casualmente su tutte e sei le statistiche.

Vitalità, Tempra, Forza o Abilità: una build semplice per principianti

Nelle prime ore la priorità dovrebbe essere quasi sempre Vitalità. Avere più salute significa sopravvivere abbastanza a lungo da imparare gli attacchi dei nemici, sfruttare il Rally e commettere qualche errore senza perdere immediatamente lo scontro.

Come riferimento pratico, portare gradualmente la Vitalità nell’area 20-30 rende generalmente molto più gestibile una prima partita. Non è una soglia obbligatoria né una build universale: è semplicemente un investimento sicuro mentre stai ancora decidendo quale arma utilizzare.

La Tempra può inizialmente restare più contenuta. Bloodborne premia combo aggressive, ma non serve svuotare la barra di stamina a ogni attacco. Per una prima build, valori intorno a 15-20 possono già offrire una buona libertà, mentre investire ogni livello in stamina sottrae risorse a salute e danni.

Forza e Abilità vanno invece aumentate in base all’arma scelta. Controlla le lettere dello scaling nella schermata dell’equipaggiamento e investi principalmente nella statistica che valorizza davvero il tuo equipaggiamento. Tinta del sangue e Arcano possono tranquillamente aspettare se non stai costruendo deliberatamente una build dedicata.

Quale arma iniziale scegliere: Mannaia, Ascia o Bastone

Nel Sogno del Cacciatore puoi scegliere fra tre Trick Weapon iniziali. La guida ufficiale PlayStation alle prime ore di Bloodborne ricorda che ogni arma possiede due forme differenti e che le alternative non scelte potranno essere acquistate successivamente.

La Mannaia dentata è probabilmente la scelta più immediata. È rapida, versatile, non consuma quantità eccessive di stamina e permette di imparare facilmente gli attacchi trasformativi. Non significa che sia obbligatoriamente la migliore, ma difficilmente mette un nuovo giocatore in difficoltà.

L’Ascia del Cacciatore è più lenta e consuma maggiore stamina, ma offre portata e potenza molto interessanti, soprattutto nella forma trasformata. Il Bastone filettato è invece rapido e versatile, trasformandosi in una frusta capace di gestire più nemici, ma richiede maggiore attenzione a distanza e tempi degli attacchi.

Il consiglio più importante non è trovare subito l’arma perfetta: è impararne realmente il moveset. Bloodborne premia molto di più la conoscenza della propria Trick Weapon rispetto al continuo cambio di equipaggiamento.

Pistola o Archibugio? Le armi da fuoco servono soprattutto per il parry

Un errore comune è considerare le armi da fuoco come normali strumenti per infliggere danni dalla distanza. All’inizio il loro compito principale è invece interrompere gli attacchi nemici e aprire la possibilità di eseguire un attacco viscerale.

La Pistola del Cacciatore è rapida e precisa, mentre l’Archibugio del Cacciatore copre un’area maggiore a distanza ravvicinata. Entrambe sono valide. Per imparare il sistema devi osservare l’avversario e sparare nel momento in cui sta entrando nella fase offensiva del proprio attacco.

Quando il parry riesce, il nemico rimane vulnerabile per qualche istante. Avvicinandoti e premendo R1 puoi effettuare un attacco viscerale capace di infliggere danni enormi. PlayStation sottolinea che questa tecnica funziona anche contro diversi boss, quindi vale la pena allenarsi fin dai normali nemici di Yharnam.

Rally: perché Bloodborne vuole che tu sia aggressivo

Il Rally è probabilmente la meccanica più importante da comprendere prima di giudicare Bloodborne troppo difficile. Dopo aver subito un colpo, una parte della salute persa rimane temporaneamente recuperabile. Colpendo rapidamente un nemico puoi ripristinarne una parte.

La guida PlayStation con i consigli di sopravvivenza descrive proprio questo sistema come uno dei motivi per cui Bloodborne premia un’offensiva intelligente. Il gioco non vuole che tu rimanga costantemente sulla difensiva.

Questo non significa attaccare alla cieca ogni volta che vieni colpito. Devi distinguere fra una situazione in cui puoi recuperare salute con uno o due colpi sicuri e una nella quale insistere provocherebbe semplicemente un’altra morte. L’aggressività efficace nasce dalla conoscenza delle aperture, non dal premere continuamente R1.

Potenziare l’arma conta più di qualche livello in più

Uno degli errori più frequenti dei principianti è investire ogni Eco del Sangue nel personaggio ignorando la fortificazione dell’arma. Nelle prime fasi, migliorare una Trick Weapon con i materiali appropriati produce un aumento dei danni estremamente importante.

PlayStation consiglia esplicitamente di utilizzare i Frammenti di Pietra del Sangue trovati esplorando Yharnam per fortificare le armi nel Sogno del Cacciatore. Se un nemico che prima sembrava gestibile improvvisamente richiede troppi colpi, controlla sempre il livello dell’arma prima di pensare che servano dieci nuovi livelli al personaggio.

Per una prima run conviene anche evitare di spendere indiscriminatamente materiali su ogni arma trovata. Provale, controllane moveset e requisiti e poi concentrati su una o due preferite. I materiali iniziali diventano recuperabili con maggiore facilità andando avanti, ma nelle prime ore disperderli rallenta inutilmente la progressione.

Echi del Sangue: non trasformare ogni morte in una missione suicida

Gli Echi del Sangue funzionano contemporaneamente come valuta e punti esperienza. Quando muori li perdi nel luogo della morte oppure possono essere assorbiti da un nemico vicino. Se muori di nuovo prima di recuperarli, vengono persi definitivamente.

Questo sistema crea uno dei peggiori comportamenti possibili: tentare cinque volte di recuperare una quantità relativamente piccola di Echi entrando sempre più nervosamente nella stessa zona. Se raggiungerli significa quasi certamente morire ancora, a volte è meglio rinunciare.

Appena accumuli abbastanza Echi per uno o più livelli importanti, tornare al Sogno del Cacciatore non è codardia. È gestione delle risorse. Lo stesso vale prima di una zona sconosciuta o di uno scontro che sembra chiaramente preparare un boss.

Se invece hai perso una grande quantità di Echi, PlayStation suggerisce persino di correre oltre alcuni nemici per recuperarli prima di affrontare nuovamente la zona. Bloodborne non obbliga a eliminare ogni avversario a ogni passaggio.

Fiale di Sangue: evita di consumarne venti a ogni tentativo

A differenza delle fiasche curative di alcuni Souls successivi, le Fiale di Sangue sono consumabili. Quelle utilizzate vengono rifornite dalle scorte personali, ma se il deposito si svuota devi trovarne o comprarne altre.

Per questo le prime ore possono creare un ciclo frustrante: entri da un boss, consumi venti Fiale, muori, ripeti e improvvisamente non possiedi più cure. Se un tentativo sta andando chiaramente male o ancora non comprendi gli attacchi del boss, non è sempre utile consumare l’intera riserva.

Durante le prime esplorazioni raccogli le Fiale lasciate dai nemici e considera di spendere gli Echi avanzati dopo un level up per aumentare le scorte. Lo stesso principio vale per i Proiettili di Mercurio, soprattutto se stai imparando il parry.

Insight: come sbloccare il level up e perché è importante

All’inizio l’Automa del Sogno del Cacciatore non permette immediatamente di salire di livello. Devi prima ottenere almeno un punto Intuizione. Uno dei modi più naturali è incontrare per la prima volta un boss; esistono inoltre oggetti capaci di conferirne.

Dopo aver ottenuto il primo punto, tornando nel Sogno puoi parlare con l’Automa e spendere Echi per aumentare le statistiche. La nostra precedente guida al level up di Bloodborne approfondisce questa fase e i primi percorsi utili per accumulare risorse.

L’Intuizione non è però soltanto una chiave per sbloccare il livellamento. È una vera statistica del mondo di Bloodborne, può essere spesa per alcune funzioni e il suo valore può modificare determinati aspetti dell’esperienza. Per una prima run non serve ossessionarsi sui numeri: basta evitare di considerarla una semplice valuta senza conseguenze.

Scorciatoie e lanterne valgono più di un combattimento in più

Yharnam è progettata come una rete di percorsi che si ripiegano su se stessi. Porte chiuse, ascensori, cancelli e scale spesso diventano scorciatoie capaci di ridurre drasticamente il percorso dalla lanterna a un boss o a una zona avanzata.

Se hai esplorato per diversi minuti e inizi a pensare di essere troppo lontano dal checkpoint, cerca prima una scorciatoia anziché continuare necessariamente verso il nemico successivo. La guida ufficiale PlayStation indica proprio l’esplorazione di scorciatoie e lanterne come una delle prime regole per sopravvivere a Yharnam.

Questo significa anche che correre oltre un gruppo già affrontato non è barare. Dopo aver imparato una zona e aperto i collegamenti principali, ripetere ogni combattimento serve soltanto se vuoi accumulare risorse o esercitarti.

I 10 errori da evitare nella prima partita a Bloodborne

Le prime ore diventano molto più semplici quando smetti di trattare Bloodborne come un action tradizionale o come un Dark Souls con ambientazione gotica. Questi sono gli errori che costano più tempo ai nuovi Cacciatori:

1. Distribuire i livelli su tutte le statistiche invece di costruire una direzione precisa.
2. Trascurare la Vitalità perché si vuole aumentare subito il danno.
3. Investire troppo presto in Tinta del sangue o Arcano senza sapere quali armi e strumenti utilizzare.
4. Ignorare il potenziamento dell’arma e compensare soltanto aumentando il livello.
5. Consumare tutta la stamina in una combo senza conservarne abbastanza per schivare.
6. Usare la pistola soltanto per infliggere danni invece di imparare il parry.
7. Scappare automaticamente dopo ogni colpo e dimenticare completamente il Rally.
8. Consumare decine di Fiale di Sangue durante tentativi in cui non si conosce ancora il boss.
9. Tentare continuamente di recuperare pochi Echi del Sangue rischiando di perdere altro tempo e risorse.
10. Non esplorare deviazioni e scorciatoie perché si pensa che la strada principale sia sempre quella corretta.

Bloodborne nel 2026: da dove conviene iniziare davvero

Se vuoi una formula semplice per le prime ore, scegli un’Origine equilibrata, usa Mannaia dentata o Ascia del Cacciatore, aumenta soprattutto Vitalità e la statistica offensiva richiesta dall’arma e impara il parry sui normali abitanti di Yharnam. Non serve conoscere in anticipo la build perfetta.

Esplora ogni zona finché non trovi le scorciatoie, potenzia regolarmente la tua arma e non avere paura di tornare nel Sogno del Cacciatore per spendere gli Echi. Soprattutto, considera ogni morte come informazione: posizione di un nemico, tempismo di un attacco, strada sbagliata o gestione eccessivamente aggressiva della stamina.

Chi successivamente vorrà completare tutto può passare alla nostra guida ai trofei e al Platino di Bloodborne. Nella prima partita, però, il consiglio migliore è evitare checklist e spoiler: imparare gradualmente le regole di Yharnam è ancora oggi una parte fondamentale dell’esperienza.

Bloodborne resta severo, ma le prime ore sono anche quelle in cui la difficoltà sembra più misteriosa. Una volta compresi Rally, parry, scaling delle armi e gestione degli Echi, molti ostacoli smettono di sembrare arbitrari. Nel 2026 il modo migliore per iniziare è quindi lo stesso pensato da FromSoftware nel 2015: osservare, sperimentare e trasformare ogni sconfitta in qualcosa che il tentativo successivo può sfruttare.

Pubblicato da Entalto Publishing, il progetto parte da un’idea decisamente particolare: reinterpretare la Divina Commedia di Dante Alighieri non come un viaggio fatto di combattimenti contro demoni e creature infernali, ma come un percorso psicologico e introspettivo. Al centro troviamo Gabriele Alighieri, erede di una famiglia condannata a custodire un rituale che separa il nostro mondo dall’Inferno.

The Alighieri Circle: data di uscita e piattaforme

The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline uscirà il 10 settembre 2026 su PC tramite Steam, Epic Games Store e GOG, oltre che su PlayStation 5 e Xbox Series X|S. La versione Nintendo Switch 2 non arriverà contemporaneamente alle altre: il publisher ha indicato genericamente il debutto entro la fine del 2026, senza comunicare per ora una data precisa.

Il prezzo di lancio annunciato è di 19,50 euro in Europa e 19,99 dollari negli Stati Uniti. Durante le prime due settimane sarà inoltre applicato uno sconto del 10%. Chi vuole capire in anticipo quale tipo di esperienza propone ONE O ONE GAMES può già provare la demo gratuita disponibile su Steam. La pagina ufficiale conferma inoltre la natura single player del titolo e l’uscita fissata al 10 settembre 2026. ([Steam Store][1])

L’avventura sarà localizzata in 11 lingue e avrà doppiaggio sia in inglese sia in italiano, un dettaglio particolarmente interessante considerando l’importanza della cultura e della letteratura italiana nel progetto. Anche gli store console confermano la disponibilità della demo e il supporto multilingua. ([xbox.com][2])

Una Divina Commedia trasformata in thriller psicologico

La premessa narrativa parte da una regola inquietante: ogni 33 anni, la barriera che separa la nostra realtà dall’Inferno diventa più debole. La famiglia Alighieri ha il compito di impedire che venga definitivamente spezzata attraverso un rituale tramandato di generazione in generazione.

Il protagonista Gabriele Alighieri è chiamato a tornare nella dimora dei propri antenati per compiere ancora una volta questo compito. Non si tratta però soltanto di salvare il mondo da una minaccia soprannaturale. Il ritorno nella villa costringe Gabriele ad affrontare una storia familiare frammentata, ricordi dimenticati e soprattutto un destino dal quale ha cercato di fuggire per gran parte della propria vita.

La descrizione pubblicata sulla pagina ufficiale di Entalto Publishing insiste proprio sulla natura psicologica dell’esperienza e sulla reinterpretazione della Divina Commedia. Anche Steam chiarisce un elemento fondamentale: non c’è combattimento. L’esperienza è costruita intorno ad atmosfera, esplorazione, narrazione e tensione verso ciò che non si conosce. ([Entalto Studios][3])

Niente combattimenti: paura, esplorazione ed enigmi

The Alighieri Circle non vuole quindi essere un action horror. Gabriele non è presentato come un guerriero e non dovrà aprirsi la strada tra orde di demoni. Il fulcro del gameplay sarà piuttosto l’esplorazione degli ambienti, accompagnata dalla risoluzione di enigmi esoterici e dalla ricostruzione progressiva degli eventi che hanno segnato la famiglia Alighieri.

Durante l’avventura bisognerà recuperare le pagine magiche perdute della Divina Commedia e riunirle per completare il Rituale capace di mantenere sigillate le porte dell’Inferno. Parallelamente sarà possibile cercare collezionabili e pagine di diario nascoste negli scenari, attraverso le quali ricostruire la storia della stirpe e i ricordi dimenticati di Gabriele.

È un’impostazione che inserisce il titolo nel filone degli horror psicologici in prima persona costruiti più sulla vulnerabilità che sul combattimento. Se apprezzi questo tipo di produzioni indipendenti, puoi dare uno sguardo anche a Hariti e al suo horror psicologico ispirato al folklore cinese, un altro progetto recente che utilizza un preciso immaginario culturale per costruire la propria identità.

The Villa e The Dive: le due realtà del gioco

Uno degli aspetti centrali di The Alighieri Circle è la presenza di due realtà convergenti. La prima viene chiamata The Villa ed è la dimora italiana della famiglia Alighieri: un luogo silenzioso e malinconico nel quale cercare informazioni, esplorare stanze e ricostruire il passato.

La seconda è The Dive, una dimensione distorta che porta il protagonista oltre la soglia della realtà e verso una rappresentazione delle profondità infernali. Il contrasto tra questi due ambienti sembra destinato a sostenere sia la componente narrativa sia quella legata agli enigmi, con il confine tra esperienza concreta e viaggio interiore progressivamente meno definito.

Proprio questa scelta distingue il progetto dall’immagine più tradizionale dell’Inferno dantesco utilizzata spesso nei videogiochi. ONE O ONE GAMES non punta principalmente su mostri, demoni o battaglie spettacolari: l’Inferno diventa invece la manifestazione delle paure e dei traumi del protagonista.

Perché l’Inferno di The Alighieri Circle è interiore

Il Creative Director Emanuele Miccianza ha spiegato nel comunicato che il punto di partenza del team è stato leggere la Divina Commedia come il racconto di un viaggio interiore. Da questa interpretazione nasce l’idea fondamentale secondo cui l’Inferno di The Alighieri Circle non è semplicemente un luogo fisico da attraversare, ma qualcosa che appartiene al protagonista.

Anche la Game Director Gaia Righelli individua nella vulnerabilità psicologica il cuore della paura proposta dal gioco. L’obiettivo non è concentrarsi sul timore di morire, ma sulla sensazione molto più intima di essere osservati e soprattutto compresi completamente da qualcosa che conosce le nostre debolezze. È una premessa coerente con l’assenza di combattimenti confermata dalla pagina Steam. ([Steam Store][4])

Per struttura e atmosfera, The Alighieri Circle entra così in un settore dell’horror che continua a sperimentare molto anche fuori dalle grandi produzioni. Su iCrewPlay abbiamo recentemente parlato anche di The 9th Charnel e della sua impostazione horror psicologica e narrativa, sebbene in quel caso l’esperienza segua dinamiche differenti.

Chi sviluppa The Alighieri Circle: Dante’s Bloodline

Dietro al progetto c’è ONE O ONE GAMES, studio indipendente con sede a Roma fondato nel 2008. Il team ha già lavorato su produzioni molto differenti tra loro, ma il nome probabilmente più significativo per comprendere la direzione di The Alighieri Circle è The Suicide of Rachel Foster, avventura narrativa pubblicata nel 2020.

Il publisher è invece Entalto Publishing, divisione dedicata alla pubblicazione di videogiochi della società spagnola Entalto. L’incontro tra uno sviluppatore italiano e un publisher spagnolo porta quindi sul mercato un titolo che sceglie uno dei pilastri assoluti della letteratura italiana come base per costruire una storia originale, senza proporre una semplice trasposizione dell’opera.

Cosa aspettarsi da The Alighieri Circle

Chi arriverà a The Alighieri Circle aspettandosi un nuovo adattamento action dell’Inferno di Dante rischia quindi di trovarsi davanti a qualcosa di completamente diverso. Il progetto punta su investigazione ambientale, puzzle, documenti nascosti e narrazione psicologica, con un protagonista che deve comprendere la propria storia prima ancora di poter affrontare ciò che lo attende.

• Uscita il 10 settembre 2026 su PC, PS5 e Xbox Series X|S.
• Versione Nintendo Switch 2 prevista più avanti nel 2026.
• Prezzo annunciato di 19,50 euro con sconto del 10% nelle prime due settimane.
• Demo già disponibile su Steam e sugli store console.
• Esperienza single player in prima persona senza combattimenti.
• Enigmi esoterici, esplorazione e raccolta delle pagine perdute della Divina Commedia.
• Due realtà principali: la Villa della famiglia Alighieri e la dimensione infernale chiamata The Dive.
• Doppiaggio completo previsto in italiano e inglese.

La scelta più interessante rimane però il modo in cui ONE O ONE GAMES prova a utilizzare Dante senza limitarsi alla sua iconografia più riconoscibile. La Divina Commedia diventa il punto di partenza per parlare di eredità, memoria, trauma e paura di essere conosciuti fino in fondo. Dal 10 settembre potremo scoprire se questo Inferno interiore riuscirà a trasformarsi in uno dei thriller psicologici indipendenti più particolari della seconda metà del 2026.

Il nuovo approfondimento completa molte delle informazioni anticipate con il primo trailer, che avevamo raccolto nel nostro articolo dedicato alle prime novità del gameplay di NBA 2K27. Questa volta 2K entra molto più nel dettaglio, spiegando anche come cambieranno i singoli duelli tra portatore di palla e difensore.

NBA 2K27 vuole riequilibrare attacco e difesa

La filosofia dichiarata da Visual Concepts è quella di offrire più possibilità su entrambi i lati del campo senza trasformare le nuove meccaniche in automatismi. Mike Wang, Gameplay Director dello studio, ha spiegato che l’obiettivo è fornire ai giocatori strumenti capaci di riprodurre la creatività vista oggi nella NBA, accompagnandoli con controlli difensivi adeguati agli stessi movimenti.

La tecnologia ProPLAY continua a essere centrale. Secondo il comunicato ufficiale pubblicato da 2K, NBA 2K27 utilizza oltre 7.000 nuove animazioni derivate attraverso questa tecnologia. Non si tratta però soltanto di ampliare il numero di movimenti disponibili: diversi sistemi sono stati modificati per valutare in tempo reale posizione, caratteristiche e reazione dei giocatori coinvolti.

Nuovi movimenti offensivi e più libertà nel palleggio

Sul fronte offensivo una delle novità più riconoscibili è lo step-through up-and-under, movimento utilizzato nella realtà da giocatori come Shai Gilgeous-Alexander, Anthony Edwards e Luka Dončić. Dopo una finta sarà possibile indirizzare il Pro Stick in diverse direzioni per trasformare l’azione in un appoggio o in un tiro, cercando di sfruttare la reazione del difensore.

La personalizzazione del palleggio viene inoltre ampliata: i pacchetti signature sono stati suddivisi in 29 movimenti indipendenti. Il giocatore potrà quindi combinare componenti differenti invece di essere vincolato a un unico set predefinito. A questo si aggiunge il Dynamic Layup Engine, progettato per modificare le conclusioni al ferro durante l’esecuzione in base alla situazione e alle capacità dell’atleta.

Anche gli appoggi avanzati vengono separati nelle loro componenti. Hop-step, Euro Step e rotazioni non dipenderanno quindi esclusivamente da animazioni preconfezionate: il sistema abbinerà preparazione e conclusione valutando il confronto che si sta sviluppando sul campo.

L’Indicatore della Schiacciata diventa completamente dinamico

Una delle modifiche già anticipate nelle scorse settimane riguarda l’Indicatore della Schiacciata. NBA 2K27 renderà obbligatorio il timing manuale per tutti i tentativi di schiacciata effettuati attraverso questo sistema, ma soprattutto continuerà a valutare la posizione dei difensori dal momento dello stacco fino alla conclusione.

Se il portatore supera nettamente il proprio uomo e trova il ferro libero, la finestra utile per ottenere un’esecuzione perfetta può ampliarsi. Se invece un secondo difensore recupera durante il salto e riesce a contestare la conclusione, la stessa finestra può restringersi. Il risultato dovrebbe quindi dipendere maggiormente da ciò che succede realmente durante l’intera azione.

È un cambiamento significativo rispetto alla valutazione più statica delle situazioni al ferro e rappresenta bene l’approccio generale adottato da Visual Concepts: ridurre gli esiti determinati soltanto dall’animazione iniziale per lasciare maggiore peso al posizionamento e al timing.

La nuova difesa fisica premia posizione e tempismo

La parte probabilmente più importante dell’intero aggiornamento riguarda la difesa fisica. Tenendo il Pro Stick verso l’alto sarà possibile utilizzare una contestazione aggressiva a mani alzate, mentre spostandolo verso il basso si sceglierà un approccio più prudente, utile per limitare il rischio di commettere fallo.

Anche il feedback sulle contestazioni cambia. Un sistema cromatico a otto livelli dovrebbe rendere più immediato capire quanto un tiro sia stato realmente disturbato, mentre un indicatore sotto al tiratore mostrerà sia l’intensità della pressione sia la direzione dalla quale è arrivata. L’intenzione è fornire una lettura più trasparente del risultato di ogni conclusione.

Il Defensive Cutoff viene ampliato con due differenti interventi laterali. Un movimento rapido servirà per effettuare un singolo passo di chiusura, mentre una combinazione con il grilletto consentirà di coprire più spazio. Velocità e agilità del difensore continueranno a essere importanti e una chiusura eseguita correttamente potrà consumare l’adrenalina dell’avversario o costringerlo a interrompere il palleggio.

Ankle breaker e collisioni non dipendono più soltanto dal caso

Visual Concepts interviene anche sugli ankle breaker. In NBA 2K27 il sistema dovrebbe essere per la prima volta maggiormente basato sull’abilità e sulla logica della situazione. Il gioco controllerà il movimento del difensore e la sua capacità di seguire il cambio di direzione del palleggiatore: sorprendere un avversario già sbilanciato aumenterà concretamente la possibilità di mandarlo fuori equilibrio.

Il nuovo modello delle collisioni con la palla segue una filosofia simile. I contatti generati durante chiusure e tentativi di recupero terranno conto delle valutazioni di entrambi i giocatori per stabilire se la pressione sia sufficiente a far perdere il controllo del pallone. Un portatore può comunque recuperarlo, mentre difensori fisicamente imponenti ma con valori bassi nei recuperi non dovrebbero più ottenere vantaggi eccessivi da semplici collisioni.

Il sistema Takeover cambia con cinque specialità separate

NBA 2K27 ridisegna anche il sistema Takeover, organizzandolo attorno a cinque aree: Tiro, Finalizzazione, Regia, Difesa e Rimbalzi. Ogni categoria possiede un indicatore indipendente che cambia durante la partita sulla base delle prestazioni ottenute proprio in quella specialità.

Gli indicatori attraversano sei livelli, da Frozen fino al Takeover vero e proprio. Quando una categoria raggiunge il massimo viene attivata automaticamente l’abilità equipaggiata per quell’area. Un giocatore può inoltre essere particolarmente efficace contemporaneamente in più aspetti del gioco, permettendo l’attivazione di differenti benefici durante la stessa fase della partita.

La pagina ufficiale dedicata al gameplay di NBA 2K27 elenca 24 abilità Takeover, distribuite tra tiro, finalizzazione, regia, difesa, rimbalzi e una categoria universale. La scelta dovrebbe quindi diventare una componente più strettamente legata allo stile con cui viene costruito e utilizzato il proprio giocatore.

Tiri Ritmati: per segnare servirà ottenere il green

Tornano anche i Tiri Ritmati, ma con una modifica destinata a incidere parecchio sui giocatori che utilizzano regolarmente il Pro Stick. Il nuovo indicatore mostra in tempo reale il movimento dello stick e permette di confrontarlo con il Tempo ideale richiesto dall’animazione di tiro.

La novità più importante è però un’altra: per segnare con questa modalità sarà necessario ottenere un Timing perfetto, quindi il green. Un’esecuzione anticipata o tardiva non sarà sufficiente. Il feedback mostrerà inoltre separatamente gli errori relativi al Timing e quelli legati al Tempo del movimento.

I Tiri Ritmati vengono infine estesi ai tiri liberi. Chi ha scelto di affidarsi al Pro Stick potrà quindi mantenere lo stesso tipo di impostazione anche dalla lunetta, senza dover passare a un sistema differente per queste conclusioni.

Nuovi controlli per passaggi no-look e alley-oop

Tra le altre novità figurano i Controlli avanzati. Durante il palleggio sarà possibile attivare combinazioni signature senza necessariamente interrompere la corsa, mentre i passaggi no-look utilizzeranno una combinazione tra dorsale e direzione del Pro Stick. La precisione continuerà comunque a dipendere dalle caratteristiche del giocatore utilizzato.

Gli alley-oop diventano invece più intuitivi attraverso indicazioni legate alla direzione dalla quale arriva il passaggio. Rimane anche la possibilità di utilizzare il Pro Stick indirizzandolo verso la palla con il giusto timing. L’obiettivo comune è aumentare il controllo manuale senza separare completamente l’esecuzione dalle statistiche dell’atleta virtuale.

L’intelligenza artificiale legge meglio ritmo e accoppiamenti

La revisione non riguarda soltanto chi tiene il controller. Visual Concepts dichiara di aver migliorato il comportamento di compagni e avversari gestiti dalla CPU, cercando di farli reagire in maniera più credibile al ritmo della partita. Le squadre orientate alla transizione dovrebbero cercare maggiormente conclusioni rapide invece di attendere automaticamente la costruzione di un gioco a metà campo.

Il nuovo Set AI serve invece a mantenere i principali creatori di gioco realmente coinvolti nella costruzione dell’attacco. Giocatori come Nikola Jokić potranno diventare il centro di sequenze coordinate anziché essere inseriti in chiamate casuali, mentre i piani offensivi delle squadre analizzeranno l’efficienza e gli accoppiamenti durante la partita.

Sul lato opposto, Enhanced Matchup Switching dovrebbe rendere più intelligenti i cambi di marcatura. Il sistema considera un numero maggiore di tipologie di difensore e analizza attributi, tendenze e Badge per scegliere la copertura più adeguata.

Quando esce NBA 2K27 e quando inizia l’accesso anticipato

NBA 2K27 sarà pubblicato in tutto il mondo il 4 settembre 2026 su PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC tramite Steam e Nintendo Switch 2. Il gioco è sviluppato da Visual Concepts e pubblicato da 2K.

Le informazioni più recenti diffuse ufficialmente da 2K indicano che l’accesso anticipato per gli acquirenti della Deluxe Edition e della Ultra Edition inizierà il 26 agosto alle 9:00 PT, corrispondenti alle 18:00 in Italia, con un anticipo massimo di nove giorni rispetto al lancio globale. La data aggiorna quindi le precedenti comunicazioni che indicavano il 28 agosto.

Per una panoramica sulle tre versioni e sui rispettivi contenuti puoi consultare anche il nostro approfondimento dedicato a NBA 2K27, cover athlete ed edizioni disponibili. Alla luce delle nuove informazioni sul gameplay, il 2K27 sembra voler intervenire soprattutto su quelle situazioni in cui negli episodi precedenti animazioni, collisioni e IA potevano prevalere sulla lettura manuale dell’azione. Sarà il campo a stabilire quanto queste modifiche riusciranno davvero a cambiare gli equilibri.

C’è un problema piuttosto insolito nel rifare Star Wars: Knights of the Old Republic. Non riguarda il sistema di combattimento, anche se nel 2026 il d20 nascosto sotto animazioni da gioco d’azione potrebbe richiedere qualche spiegazione in più rispetto al 2003. Non riguarda nemmeno la grafica, l’interfaccia o il modo in cui si dovrebbe ricostruire Taris senza trasformarla nell’ennesima città open world piena di icone. Il problema è che moltissimi giocatori sanno già chi è Revan.

Dopo anni di silenzio, il remake di Knights of the Old Republic risulta ancora in sviluppo. Questo lascia aperte decine di domande sul progetto, ma una delle più interessanti non riguarda quando uscirà. Riguarda cosa significhi rifare nel presente un RPG del 2003 costruito attorno a una delle rivelazioni più celebri nella storia dei videogiochi. All’epoca BioWare poteva chiedere una cosa molto semplice al giocatore: fidati di noi. Oggi quella fiducia non esiste più nello stesso modo.

Il problema non è lo spoiler

Ridurre tutto al fatto che “ormai conosciamo il twist” significa però sottovalutare ciò che KOTOR faceva davvero. La rivelazione che il protagonista è Darth Revan non funziona soltanto perché arriva come sorpresa. Funziona perché costringe il giocatore a reinterpretare ciò che ha fatto nelle ore precedenti.

All’inizio scegliamo un volto, una classe e un nome. Conversiamo con Carth, Bastila e gli altri come se il nostro personaggio fosse una pagina relativamente bianca. Prendiamo decisioni morali, costruiamo relazioni, impariamo a usare la Forza e decidiamo gradualmente chi vogliamo essere. È un processo perfettamente normale per un RPG, ed è proprio questo il trucco: la creazione del personaggio ci convince che stiamo inventando qualcuno, mentre il gioco sa fin dall’inizio che stiamo ricostruendo qualcuno.

Quando arriva la rivelazione, quindi, non scopriamo semplicemente un fatto sulla trama. Scopriamo che un elemento fondamentale del linguaggio dei giochi di ruolo, la possibilità di creare il nostro protagonista, è stato usato contro di noi. La domanda per il remake non dovrebbe essere “come facciamo a sorprendere di nuovo il pubblico?”, ma piuttosto “come facciamo a far funzionare ancora quella struttura quando una parte del pubblico conosce già la risposta?”.

Sapere la verità può rendere alcune scene migliori

Fortunatamente, una storia non smette automaticamente di funzionare quando conosciamo il finale. Altrimenti nessuno riguarderebbe un film, rileggerebbe un romanzo o ricomincerebbe un RPG da cinquanta ore, attività che i giocatori praticano con una serenità quasi preoccupante.

Conoscere la verità su Revan cambia KOTOR, ma non necessariamente lo impoverisce. Bastila diventa particolarmente interessante: la sua rigidità, il suo controllo e alcune esitazioni assumono un altro significato quando sappiamo cosa sta nascondendo. Anche la diffidenza di Carth appare diversa.

Frasi che durante una prima partita sembravano semplice caratterizzazione possono diventare esempi di ironia drammatica, perché il giocatore sa qualcosa che il protagonista non sa.
È una forma narrativa diversa dalla sorpresa, ma non inferiore. Un buon remake potrebbe accettare questa doppia lettura. Alcune persone incontreranno Revan per la prima volta. Altre entreranno nella Endar Spire sapendo perfettamente chi stanno controllando. La stessa scena dovrebbe idealmente funzionare per entrambi. Non serve quindi aggiungere personaggi che guardano direttamente in camera ogni volta che il gioco vuole suggerire qualcosa. Serve fidarsi della scrittura.

Un remake rischia di spiegare troppo

La tecnologia moderna permette agli sviluppatori di mostrare molto più di quanto BioWare potesse mostrare nel 2003. Questo è contemporaneamente un vantaggio e un pericolo. Un volto può comunicare esitazione, una telecamera può soffermarsi su un dettaglio, un flashback può essere rappresentato con una regia spettacolare invece che attraverso brevi immagini e dialoghi, e un attore può dare a una singola frase un’enfasi impossibile da ignorare.

Tutto questo può rendere KOTOR più cinematografico, ma può anche distruggere il meccanismo. Se ogni conversazione con Bastila viene accompagnata da uno sguardo sospetto e cinque secondi di musica minacciosa, il remake non sta costruendo un mistero. Sta posizionando un cartello luminoso sopra il mistero.

È uno dei problemi più delicati di qualsiasi rifacimento. Come discusso anche nella riflessione su remake e remaster e sul motivo per cui si torna continuamente ai giochi del passato, ricostruire un titolo non significa semplicemente sostituire vecchi asset con asset nuovi. Bisogna decidere cosa appartiene davvero all’identità dell’opera. Nel caso di KOTOR, quella moderazione è parte dell’identità. Il gioco originale non nascondeva la verità dietro un muro: la lasciava davanti al giocatore, ma con abbastanza rumore narrativo intorno da permetterci di non riconoscerla.

Il protagonista non può diventare troppo definito

Qui emerge un altro rischio. I moderni RPG cinematografici amano protagonisti fortemente caratterizzati: performance dettagliate, animazioni facciali sofisticate, dialoghi completamente doppiati e una personalità riconoscibile. Per molti giochi è una scelta eccellente. Per Revan potrebbe essere pericolosa.

Il protagonista di KOTOR deve appartenere contemporaneamente al giocatore e alla storia. È precisamente la tensione tra quelle due identità a rendere la rivelazione potente. Se il remake definisce troppo presto chi siamo, cosa pensiamo e come dobbiamo reagire, una parte di quella tensione scompare. Non stiamo più costruendo una persona per poi scoprire che la sua storia è stata manipolata. Stiamo semplicemente interpretando un protagonista scritto da qualcun altro.
Naturalmente il gioco del 2003 non offriva libertà infinita. I percorsi di dialogo erano scritti, il sistema Luce/Oscurità era spesso molto meno sottile di quanto la nostalgia voglia ricordare e alcune scelte morali avevano la delicatezza di Darth Malak durante una visita dal dentista. Ma l’illusione di proprietà sul personaggio era fondamentale. Quella deve sopravvivere.

Final Fantasy VII ha già affrontato un problema simile

KOTOR non sarebbe il primo grande remake costretto a convivere con un pubblico che conosce già i momenti più famosi dell’originale. Final Fantasy VII vive da anni dentro lo stesso problema. Il progetto Remake non poteva fingere che Sephiroth, Cloud, Aerith e gli eventi più celebri del 1997 fossero ancora segreti custoditi esclusivamente da chi aveva inserito tre CD nella prima PlayStation. Square Enix ha quindi scelto una strada molto più aggressiva, trasformando proprio la conoscenza del pubblico in parte dell’esperienza.

Nella recensione di Final Fantasy VII Rebirth emerge bene quella tensione tra storia conosciuta e storia nuova: il remake vive continuamente tra ciò che ricordiamo e ciò che potrebbe cambiare. È una strategia affascinante, ma KOTOR non dovrebbe necessariamente copiarla.

Inventare una nuova identità segreta per sorprendere chi conosce Revan sarebbe probabilmente la soluzione meno interessante possibile. Il twist originale non è un problema da battere in una gara di prestigio narrativo. “Pensavate che il protagonista fosse Revan, ma in realtà è il cugino di Revan che Revan non aveva mai menzionato” sarebbe certamente sorprendente. Non sarebbe necessariamente buono.

Preservare l’esperienza non significa preservare la sorpresa

Guardando oltre quarant’anni di videogiochi di Star Wars, Knights of the Old Republic occupa ancora una posizione particolare. Non soltanto perché raccontò una grande storia di Star Wars lontana dai film, ma perché utilizzò gli strumenti specifici di un RPG per raccontarla: dialoghi, compagni, scelte, creazione del personaggio, memoria e fiducia.

Il grande colpo di scena funzionava perché tutti questi sistemi avevano già convinto il giocatore di sapere chi fosse. È questo che il remake deve preservare, non necessariamente il momento in cui milioni di persone nel 2003 posarono il controller e dissero qualcosa di irripetibile davanti alla televisione.

Un remake non può cancellare ventitré anni di forum, wiki, meme, video, retrospettive e conversazioni per ricreare artificialmente l’ignoranza del pubblico. Può però costruire una storia che funzioni in due modi. Per chi non conosce il segreto, Revan può ancora essere una rivelazione. Per chi lo conosce, può diventare una tragedia che vediamo avvicinarsi lentamente mentre il protagonista costruisce una nuova identità sopra le rovine della precedente.

Forse è proprio questa la vera prova per il remake: non farci dimenticare chi è Revan, ma farci interessare di nuovo alla domanda più importante.

Chi scegliamo di diventare dopo averlo scoperto?

L’autore: Søren Kamper scrive della storia, del design e delle persone dietro ai videogiochi di Star Wars su Star Wars: Gaming, una pubblicazione indipendente dedicata a oltre quattro decenni di giochi ambientati in una galassia lontana lontana.

L’annuncio arriva direttamente da Xbox Wire con il calendario ufficiale della seconda ondata. Come ormai accade regolarmente, non tutti i giochi sono disponibili con ogni livello dell’abbonamento: i day one sono concentrati soprattutto su Game Pass Ultimate e PC Game Pass, mentre diversi titoli già usciti raggiungono anche Premium.

Tutti i giochi di Xbox Game Pass Wave 2 di agosto 2026

La seconda metà di agosto parte con Egging On, aggiunto il 18 agosto a Premium oltre che a Ultimate e PC Game Pass. Il ritmo aumenta immediatamente il giorno successivo, quando tre giochi entrano contemporaneamente nel servizio. La programmazione prosegue poi fino al 31 agosto, prima di sconfinare nel 1° settembre con Shelldiver.

• 18 agosto: Egging On — Cloud, Xbox Series X|S, handheld e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.
• 19 agosto: Vapor World: Over the Mind (Game Preview) — Cloud, console e PC — Ultimate e PC Game Pass, disponibile dal day one.
• 19 agosto: BlazBlue Entropy Effect X — Cloud, Xbox Series X|S e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.
• 19 agosto: Relooted — Cloud, Xbox Series X|S e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.
• 20 agosto: Starsand Island — Cloud, Xbox Series X|S e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.
• 25 agosto: Aerial_Knight’s DropShot — Cloud, Xbox Series X|S, handheld e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.
• 25 agosto: Blood Dungeon — Cloud, Xbox Series X|S e PC — Ultimate e PC Game Pass, disponibile dal day one.
• 27 agosto: Resonance: A Plague Tale Legacy — Cloud, Xbox Series X|S, handheld e PC — Ultimate e PC Game Pass, disponibile dal day one.
• 31 agosto: Young Suns — Cloud, console e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.
• 1° settembre: Shelldiver — Cloud, console e PC — Ultimate, Premium e PC Game Pass.

Microsoft specifica inoltre che la dicitura handheld identifica i giochi ottimizzati per l’utilizzo sui dispositivi portatili compatibili. Per controllare eventuali variazioni regionali o successive modifiche al catalogo rimane disponibile anche l’elenco ufficiale dei giochi Xbox Game Pass.

Resonance: A Plague Tale Legacy è il gioco da provare per primo

Se bisogna scegliere un solo titolo da mettere in cima alla lista, la nostra priorità è Resonance: A Plague Tale Legacy. Arriva il 27 agosto direttamente al lancio e sposta l’attenzione su Sophia, impegnata in un viaggio verso l’Isola del Minotauro. Microsoft descrive un’avventura costruita tra prove mortali, percorsi pericolosi, enigmi e combattimenti, con un esercito alle calcagna e la creatura legata al mito del Minotauro sullo sfondo.

Il legame con A Plague Tale lo rende inevitabilmente il titolo più riconoscibile della Wave 2, ma il motivo per provarlo per primo non è soltanto il nome della serie: è anche uno dei pochi giochi della seconda ondata disponibili direttamente al day one. Per chi cerca un’esperienza narrativa di peso nella seconda metà del mese rappresenta quindi il punto di partenza più naturale.

Vapor World e Blood Dungeon sono i day one da tenere d’occhio

Subito dietro Resonance mettiamo Vapor World: Over the Mind, disponibile dal 19 agosto in Game Preview. È un platform souls-like narrativo ambientato all’interno di una mente frammentata, con combattimenti fortemente incentrati sulle deviazioni degli attacchi. Atmosfera cupa, ricerca dei ricordi perduti e un’impostazione più sperimentale lo rendono interessante soprattutto per chi preferisce produzioni indipendenti dalle idee marcate.

Il 25 agosto arriva invece Blood Dungeon, altro day one incluso con Ultimate e PC Game Pass. Il progetto proviene dagli autori di Nidhogg e combina platform bidimensionale, sopravvivenza e progressione roguelite: bisogna attraversare dungeon pieni di mostri, raccogliere sangue e potenziamenti e trasformare le ossa guadagnate durante le spedizioni in miglioramenti permanenti. Sulla carta è la proposta ideale per sessioni più brevi e per chi ama ripetere le run perfezionando gradualmente il proprio personaggio.

Starsand Island e le alternative per una partita più rilassata

La Wave 2 non vive soltanto di combattimenti. Il 20 agosto entra nel catalogo Starsand Island, life sim ambientato su un’isola dove coltivazione, pesca, esplorazione e rapporti con gli abitanti scandiscono giornate decisamente più tranquille. Il gioco permette anche di condividere diverse attività con altri giocatori. Ne abbiamo già approfondito caratteristiche e versione completa nel nostro articolo dedicato a Starsand Island e alla sua uscita su PC e console.

Chi vuole qualcosa di ancora più particolare può aspettare Young Suns, in arrivo il 31 agosto con la versione 1.0. È un life sim narrativo ambientato dopo una rivoluzione riuscita su Giove: si possono visitare planetoidi, rovine e stazioni riconvertite da soli oppure insieme a un gruppo di massimo tre amici. Il 1° settembre chiude invece questa tornata Shelldiver, incremental game con una tartaruga anziana impegnata a pescare meduse, venderle e migliorare progressivamente il proprio equipaggiamento.

BlazBlue, Relooted e DropShot completano una Wave 2 molto varia

Tra le aggiunte del 19 agosto c’è BlazBlue Entropy Effect X, roguelite d’azione ambientato nell’universo di BlazBlue e costruito attorno a combattimenti bidimensionali rapidi e controlli molto reattivi. Nella stessa giornata arriva Relooted, che cambia completamente registro proponendo rapine in un’ambientazione afrofuturista: l’obiettivo è recuperare manufatti africani conservati nei musei occidentali, formando una squadra e pianificando le vie di fuga prima dei colpi.

Aerial_Knight’s DropShot, previsto il 25 agosto, punta invece sulla velocità. Microsoft lo presenta come un incrocio tra FPS e racing stilizzato, con Smoke Wallace impegnato a correre contro gli avversari e combattere draghi sparando direttamente dalle dita. Egging On è la scelta più assurda dell’intero gruppo: il giocatore controlla un fragile uovo che deve saltare, rotolare e arrampicarsi cercando di attraversare ambienti pieni di pericoli senza rompersi.

I giochi che lasciano Xbox Game Pass il 31 agosto

Ai nuovi ingressi corrisponde come sempre una nuova rotazione del catalogo. Il 31 agosto lasceranno Xbox Game Pass Another Crab’s Treasure, I Am Your Beast, Neon Abyss, One Lonely Outpost e The Witcher 3: The Wild Hunt – Remastered Edition. Il 6 settembre sarà invece il turno di NBA 2K26.

Se uno di questi giochi è già nella propria lista, conviene quindi dargli la precedenza rispetto alle nuove aggiunte che resteranno presumibilmente disponibili più a lungo. Microsoft ricorda inoltre che gli abbonati possono usufruire degli sconti previsti per acquistare i titoli del catalogo prima della loro rimozione, anche se disponibilità e condizioni possono variare.

Nuovi vantaggi per Once Human e World of Tanks

La comunicazione di agosto comprende anche nuovi benefit. Dal 25 agosto gli abbonati ai piani indicati da Microsoft possono ottenere contenuti per Once Human, tra cui un avatar esclusivo per console, un Meta Pass mensile, casse giornaliere, prove cosmetiche, coupon e bonus esperienza per il Battle Pass.

Dal 1° settembre è previsto inoltre un XP Stock Bundle per World of Tanks Modern Armor, contenente il comandante 3D Björn Larsen e dieci booster Commander XP x4. L’arrivo cade a ridosso delle celebrazioni del gioco: abbiamo approfondito anche il sedicesimo anniversario di World of Tanks e l’aggiornamento Overdrive, previsto proprio per settembre.

Quali giochi Xbox Game Pass provare per primi ad agosto 2026

La seconda ondata di agosto è meno concentrata sui blockbuster rispetto ad altri mesi, ma offre una scelta insolitamente ampia di generi. La nostra classifica di priorità parte da Resonance per il peso narrativo e l’appartenenza all’universo di A Plague Tale, continua con Vapor World per chi cerca un souls-like indipendente e con Blood Dungeon per gli appassionati di roguelite.

1. Resonance: A Plague Tale Legacy — prima scelta per chi cerca una nuova avventura narrativa di ampio respiro.
2. Vapor World: Over the Mind — da provare per atmosfera, platform e combattimento basato sulle deviazioni.
3. Blood Dungeon — priorità per gli appassionati di roguelite e run rapide.
4. Starsand Island — la scelta più indicata per chi preferisce life sim, esplorazione e ritmi rilassati.
5. Relooted — la proposta da tenere d’occhio se si cercano concept e ambientazioni meno convenzionali.

Il vero punto di forza della Wave 2 di Xbox Game Pass di agosto 2026 è quindi la varietà. Tra il 19 e il 27 agosto arrivano praticamente senza pause platform, roguelite, life sim, action e avventure narrative. Chi possiede Ultimate o PC Game Pass ha inoltre tre day one da mettere in calendario: Vapor World il 19 agosto, Blood Dungeon il 25 e soprattutto Resonance: A Plague Tale Legacy il 27 agosto.

Il gioco arriverà il 27 agosto 2026 su PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S. Abbiamo già raccolto nel nostro approfondimento data di uscita, piattaforme e funzionamento generale di Star Wars Zero Company; qui ci concentriamo invece sulla domanda più utile quando sarà il momento di partire per una missione: chi portare con noi?

Operatori Autoriali e personalizzati: come funziona la squadra

Zero Company distingue innanzitutto tra Authored Operators e Custom Operators. I primi sono personaggi creati dagli sviluppatori, con una propria personalità, storia e ruolo nella narrazione. Entrano nella compagnia progressivamente durante la campagna. I secondi vengono invece reclutati dal giocatore e possono essere personalizzati nel nome, nell’aspetto, nell’abbigliamento, nella voce e nella storia personale.

EA conferma inoltre che il giocatore può decidere liberamente il rapporto tra personaggi autoriali e reclute personalizzate nelle missioni tattiche. Hawks rappresenta l’eccezione principale: è il protagonista e deve partecipare alle missioni legate alla storia. La pagina ufficiale degli Operatori di Star Wars Zero Company elenca attualmente sette personaggi principali: Hawks, Trick, Tel-Rea Vokoss, Cly Kullervo, Luco Bronc, Jae Mordant e Kabb Uppercut.

La composizione non è quindi una semplice scelta estetica. Specializzazioni, armi, abilità, sistema Advantage e rapporti tra i membri possono modificare il modo in cui una squadra affronta la stessa situazione.

Hawks: il comandante da costruire attorno al proprio stile

Hawks è un ex capitano del Grand Army of the Republic e ora guida Zero Company. EA lo descrive come intelligente, calmo e deciso, disposto a collaborare con professionisti provenienti dagli ambienti più disparati purché sappiano portare a termine il lavoro.

La particolarità è che Hawks non possiede una configurazione prestabilita. È possibile personalizzarne specie, nome, aspetto, abbigliamento e Specialization. Proprio per questo dovrebbe essere considerato il primo tassello quando si costruisce una squadra: invece di chiedersi quale compagno sia universalmente migliore, conviene partire dal ruolo scelto per Hawks e compensarne punti deboli e capacità con gli altri Operatori.

Se viene sviluppato come combattente di supporto o Medic, per esempio, ci si può permettere una formazione più aggressiva. Un Hawks orientato ai danni a distanza potrebbe invece beneficiare maggiormente di compagni capaci di controllare il campo o costringere i nemici a uscire dalle coperture.

Trick: il Clone Trooper affidabile per il fronte

Trick, precedentemente identificato come CT-3301, è un Clone Trooper che combatteva al fianco di Hawks già ai tempi dell’esercito della Repubblica. EA lo presenta come un soldato consumato dall’esperienza, con una particolare passione per i giochi d’azzardo.

È uno dei personaggi che sembra più naturalmente adatto a una squadra equilibrata. Le informazioni ufficiali e le prove pubblicate prima del lancio mostrano un Operatore resistente e affidabile, utile quando serve qualcuno capace di sostenere la pressione senza richiedere una gestione estremamente specialistica.

Il suo Hero Talent gli permette inoltre di resistere a una situazione in cui dovrebbe essere abbattuto e di poter tornare operativo nel turno successivo. In una campagna con permadeath attivo, dove accumulare tre ferite può significare perdere definitivamente un Operatore, questa caratteristica può assumere un valore considerevole.

Tel-Rea Vokoss: la Jedi che cambia il controllo del campo

Tel-Rea Vokoss è una Padawan Tognath entrata nella compagnia per onorare l’eredità del proprio Maestro Jedi scomparso. Disciplina e determinazione sono i tratti con cui EA descrive il personaggio, ma dal punto di vista tattico è soprattutto la presenza della Forza a renderla diversa dal resto della squadra.

Tra gli esempi ufficiali delle combinazioni possibili compare l’utilizzo di Force Push per spingere un nemico fuori dalla copertura e all’interno dell’area di Overwatch di un compagno. È un esempio perfetto della filosofia di Zero Company: le abilità più utili non sono necessariamente quelle che infliggono direttamente più danni, ma quelle che creano opportunità per tutta la squadra.

C’è però una ragione per trattarla con particolare attenzione. EA ha confermato che Tel-Rea è l’unico Operatore appartenente alla classe Jedi Padawan: non sarà possibile reclutare un sostituto della stessa classe nel caso in cui venga persa durante una campagna con morte permanente.

Cly Kullervo: la Mandaloriana per una squadra aggressiva

Cly Kullervo è una degli ultimi membri superstiti dell’antico Clan Verminoth. La Mandaloriana entra in Zero Company per perseguire una personale e implacabile vendetta, rendendola già sulla carta una delle figure narrative più particolari del gruppo.

La sua identità suggerisce un Operatore indicato per chi ama pressione, mobilità e attacco. Le presentazioni ufficiali la identificano come guerriera Mandaloriana, mentre il gameplay mostrato prima dell’uscita la vede sfruttare equipaggiamento e capacità adatte a raggiungere posizioni favorevoli e colpire da angolazioni difficili.

Potrebbe quindi funzionare particolarmente bene accanto a personaggi che manipolano la posizione degli avversari o li tengono impegnati. Tel-Rea, per esempio, può spostare i bersagli con la Forza, mentre un tiratore posizionato più indietro può approfittare della pressione esercitata da Cly sui fianchi.

Luco Bronc: il cecchino per controllare le distanze

Luco Bronc è un tiratore scelto di Umbara. Ha difeso il proprio pianeta durante l’invasione della Repubblica e non nasconde il risentimento nei confronti delle forze che hanno sconfitto e occupato la sua terra. È comunque disposto a mettere da parte le differenze per collaborare con Zero Company.

Il suo ruolo è quello più immediatamente leggibile dell’intero roster: Luco è il cecchino della compagnia. È quindi il candidato naturale per chi vuole costruire una strategia basata su distanza, linee di tiro e controllo delle zone aperte.

In un sistema dove la probabilità di colpire dipende anche da distanza e copertura, un personaggio specializzato nel combattimento da lontano può diventare particolarmente efficace quando gli altri membri della squadra gli preparano il bersaglio. Abilità capaci di rimuovere coperture, spostare avversari o bloccare avanzate dovrebbero quindi valorizzarlo.

Jae Mordant: l’Ore-Baroness con un conto aperto

Jae Mordant proviene dalla nobile e spietata House Mordant di Shu-Torun. Dopo avere lasciato il proprio pianeta, ha costruito una cittadella mineraria su Luunata diventandone Ore-Baroness, almeno fino a quando Kundri Fathom e l’Infinite Coil hanno conquistato il mondo per conto dei Separatisti.

È stata proprio Jae a contribuire in modo decisivo a convincere la Repubblica ad assumere Zero Company. Il suo obiettivo personale è molto chiaro: riprendersi Luunata. EA la descrive come sofisticata, brillante e sempre padrona di sé.

Dal materiale giocabile precedente all’uscita emerge anche un’impostazione offensiva interessante: il talento Final Shot può permetterle di chiudere rapidamente un bersaglio già indebolito. Una formazione che distribuisce danni su più nemici può quindi trovare in Jae un buon elemento per trasformare rapidamente un vantaggio in eliminazioni concrete.

Kabb Uppercut: controllo ravvicinato e nemici fuori copertura

Kabbney Kabb Uppercut è un ex pugile professionista e criminale veterano entrato successivamente nella compagnia. Appartiene ai Felshi, una specie creata appositamente per Star Wars Zero Company, ed è immediatamente riconoscibile per il grande braccio cibernetico e per il particolare modo di parlare in rima.

Il nome anticipa anche una delle sue caratteristiche sul campo. L’abilità Uppercut può spingere fisicamente gli avversari, consentendo di toglierli dalla sicurezza di una copertura. EA cita esplicitamente una combinazione nella quale Kabb scaraventa un nemico nell’area di Overwatch preparata da un altro Operatore.

Questo lo rende interessante per chi preferisce una strategia più dinamica rispetto alla semplice attesa dietro le coperture. Può intervenire sulla posizione dei nemici e creare il tipo di apertura che un cecchino come Luco o un compagno in Overwatch può sfruttare immediatamente.

Quale squadra scegliere in Star Wars Zero Company?

Non sembra esistere una formazione universalmente migliore. Gli stessi sviluppatori sottolineano che nessun singolo approccio dovrebbe prevalere sugli altri: la scelta dipende dalla missione, dalla Specialization assegnata a Hawks, dalle abilità sbloccate e dal tipo di strategia preferita.

Le missioni possono inoltre avere obiettivi molto differenti. EA ha confermato scenari di sabotaggio, combattimento, salvataggio, recupero ed estrazione, oltre a missioni narrative dedicate a personaggi specifici. Una formazione eccellente nel difendere una posizione con più zone di Overwatch potrebbe quindi essere meno efficace quando bisogna avanzare rapidamente per piazzare esplosivi o liberare ostaggi.

Come riferimento iniziale, si possono comunque individuare alcune combinazioni logiche basate sulle capacità ufficialmente mostrate:

• Squadra equilibrata: Hawks + Trick + Tel-Rea + Luco, combinando resistenza, controllo tramite Forza e danni dalla distanza.
• Squadra aggressiva: Hawks + Cly + Tel-Rea + Kabb, puntando su mobilità, pressione ravvicinata e spostamento forzato dei nemici.
• Squadra da Overwatch: Hawks + Luco + Trick + Tel-Rea o Kabb, usando questi ultimi per spingere i bersagli nelle linee di tiro preparate.
• Squadra orientata alla sicurezza: Hawks con Specialization di supporto o Medic + Trick + Tel-Rea + un Operatore offensivo, soluzione interessante soprattutto con permadeath attivo.

Queste non sono build definitive: prima dell’uscita non sarebbe corretto presentarle come una classifica matematica del roster. Sono piuttosto modi coerenti di sfruttare le sinergie già descritte dagli sviluppatori.

Bonds: perché non conta soltanto il singolo Operatore

La scelta della squadra ha inoltre conseguenze che vanno oltre le statistiche individuali. Il sistema Bonds rappresenta le relazioni sviluppate tra gli Operatori combattendo insieme. Rafforzare questi legami può sbloccare nuove capacità di supporto, Focus Point, bonus permanenti e possibilità di cross-training.

EA spiega che Operatori con un legame sufficientemente sviluppato possono condividere benefici e creare nuove sinergie. Questo significa che cambiare continuamente formazione potrebbe non essere sempre la scelta migliore: costruire una coppia o un nucleo di personaggi che combattono spesso insieme può produrre vantaggi progressivi.

Anche la narrazione reagisce in parte alla composizione. La storia principale resta lineare, ma alcune scene e interazioni possono variare in funzione dei personaggi presenti. Scegliere Trick invece di Jae, quindi, non riguarda soltanto il numero di danni inflitti durante una missione.

Custom Operators: quando conviene creare una recluta

Gli Operatori personalizzati servono soprattutto a coprire ciò che manca al gruppo. Il giocatore può creare nuove reclute scegliendo nome, aspetto, voce, abbigliamento e altre caratteristiche, quindi adattarle alle esigenze della compagnia.

Le specie non garantiscono bonus specifici alla competenza con le armi: gli sviluppatori hanno precisato di avere evitato intenzionalmente questo sistema per non costringere i giocatori a scegliere una determinata specie soltanto per ottimizzare le statistiche.

È quindi la Specialization a essere molto più importante nella costruzione tattica. Le informazioni ufficiali citano specializzazioni come Assault, Gunslinger, Heavy, Medic, Scoundrel, Scout, Sharpshooter e Soldier. La possibilità di affiancare personaggi completamente personalizzati agli Authored Operators rende molto difficile immaginare una singola squadra dominante per tutta la campagna.

Permadeath: Tel-Rea e gli altri Operatori possono morire

Un elemento da considerare seriamente prima di scegliere chi schierare è la morte permanente. Il permadeath è attivo come impostazione predefinita, anche se può essere disabilitato. Accumulare tre Injuries porta alla perdita definitiva dell’Operatore nelle condizioni standard descritte da EA.

Hawks deve sopravvivere nelle missioni della storia: se il comandante non riesce a uscire vivo, la missione fallisce. Gli altri membri possono invece essere persi, e in alcuni casi non è possibile sostituirli con un equivalente perfetto. Il caso più evidente è Tel-Rea, confermata come unica Jedi Padawan reclutabile.

Chi desidera affrontare il gioco con questa opzione attiva dovrebbe quindi evitare di valutare una formazione soltanto sulla capacità di infliggere danni. Cure, gestione delle ferite, controllo della posizione e possibilità di uscire da una situazione pericolosa diventano altrettanto importanti.

La squadra migliore dipenderà dalla missione, non da una tier list

Star Wars Zero Company sembra costruito proprio per scoraggiare l’idea di utilizzare sempre gli stessi quattro personaggi. Il sistema Advantage condivide tra la squadra una risorsa utilizzata per capacità speciali, le mappe propongono obiettivi differenti e i Bonds premiano specifiche combinazioni di Operatori.

Gli sviluppatori citano strategie che vanno dal Force Push dentro una zona di Overwatch alla distruzione delle coperture con esplosivi, passando per Gunslinger che recuperano Action Point dopo un’eliminazione e astromech trasformati in piattaforme cariche di ordigni. L’obiettivo evidente è spingere a ragionare sulla sinergia e non sul singolo personaggio più potente.

Chi vuole arrivare preparato al lancio può recuperare anche il nostro riepilogo degli annunci del Summer Game Fest 2026, dove la data del 27 agosto era stata confermata insieme al nuovo gameplay. L’uscita è ormai vicina e il roster già presentato lascia abbastanza informazioni per una prima conclusione: Trick appare una scelta affidabile, Tel-Rea offre possibilità uniche, Luco favorisce il controllo dalla distanza, mentre Cly e Kabb sembrano ideali per chi vuole rompere rapidamente le linee avversarie.

La formazione più interessante, però, sarà probabilmente quella costruita attorno al proprio Hawks. Con il comandante completamente personalizzabile e la possibilità di alternare personaggi autoriali e reclute create dal giocatore, la vera domanda non sarà chi è l’Operatore migliore, ma quale combinazione risolve meglio la missione davanti a noi.

Questa non è una spiegazione completa della trama e non vuole anticipare le grandi rivelazioni dei tre giochi precedenti. L’obiettivo è più pratico: ricostruire personaggi, organizzazioni e concetti che MGS4 considera già noti, così da arrivare alle prime ore dell’avventura senza chiedersi continuamente chi sia un personaggio o perché un determinato nome sia importante.

Prima di MGS4 bisogna davvero giocare gli altri Metal Gear?

Idealmente sì, soprattutto Metal Gear Solid, Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty e Metal Gear Solid 3: Snake Eater. Guns of the Patriots non funziona come un nuovo punto di partenza: nasce come conclusione di molte delle questioni aperte dai capitoli precedenti e riporta in scena personaggi, organizzazioni e idee sviluppate nel corso di diversi giochi.

La buona notizia è che la Master Collection rende il recupero molto più semplice. Il nostro approfondimento sull’ordine dei giochi di Metal Gear Solid Master Collection spiega come orientarsi tra cronologia interna e ordine di pubblicazione. Se invece vuoi conoscere piattaforme, contenuti e caratteristiche delle varie versioni, abbiamo raccolto tutto nello speciale sulle differenze di Metal Gear Solid Master Collection Vol. 2.

Per prepararsi specificamente a MGS4 non serve però ricostruire ogni dettaglio della saga. Esistono alcuni punti essenziali che permettono di comprendere buona parte dei riferimenti senza trasformare il ripasso in una maratona di decine di ore.

MGS1: cosa ricordare dell’incidente di Shadow Moses

Il primo Metal Gear Solid è probabilmente il capitolo da avere più fresco in memoria. La vicenda di Shadow Moses rappresenta uno dei momenti decisivi della vita di Solid Snake e diversi personaggi introdotti allora tornano direttamente o indirettamente in Guns of the Patriots.

Il protagonista è Solid Snake, soldato leggendario richiamato in servizio per fermare FOXHOUND dopo che l’unità ha preso il controllo di un impianto nucleare sull’isola di Shadow Moses. Il gruppo minaccia di utilizzare Metal Gear REX, una piattaforma capace di lanciare armi nucleari.

Alla guida della rivolta troviamo Liquid Snake, personaggio strettamente collegato alle origini di Solid Snake. I due condividono un legame con Big Boss, figura centrale dell’intera saga. Non è indispensabile ricordare ogni particolare genetico discusso durante MGS1: basta sapere che il rapporto tra Solid, Liquid e Big Boss ha conseguenze che vanno molto oltre Shadow Moses.

• Solid Snake è il protagonista della linea temporale moderna della saga.
• Liquid Snake è legato sia a Snake sia all’eredità di Big Boss.
• Revolver Ocelot sopravvive agli eventi di Shadow Moses e continua ad avere un ruolo importante.
• Otacon, vero nome Hal Emmerich, diventa uno degli alleati più fidati di Snake.
• Roy Campbell è il colonnello che coordina la missione di Shadow Moses.
• Meryl Silverburgh instaura un rapporto importante con Snake durante la missione.
• Naomi Hunter è coinvolta nel supporto medico dell’operazione e nel progetto FOXDIE.

FOXDIE e Metal Gear REX: due nomi da non dimenticare

Tra tutti gli elementi di MGS1, FOXDIE merita particolare attenzione. Si tratta di un virus progettato per colpire bersagli selezionati sulla base di specifiche caratteristiche genetiche. Snake viene coinvolto nel suo utilizzo durante la missione di Shadow Moses e la sua presenza non è un dettaglio dimenticato dalla serie.

Non serve ricordare ogni spiegazione scientifica fornita dal gioco. È sufficiente sapere che FOXDIE è direttamente collegato al corpo di Snake e che la questione rimane rilevante anche dopo la conclusione del primo Metal Gear Solid.

Metal Gear REX è invece il modello di Metal Gear presente a Shadow Moses. La sua importanza non deriva soltanto dalla funzione militare: il progetto lega tra loro Otacon, le forze armate statunitensi e gli eventi dell’isola. Se in MGS4 senti nuovamente parlare di Shadow Moses o di REX, il riferimento nasce da questa missione.

MGS2: cosa ricordare di Raiden, Ocelot e dei Patriots

Metal Gear Solid 2 è probabilmente il capitolo più difficile da riassumere senza rovinare alcune delle sue sorprese. Fortunatamente, per arrivare preparati a MGS4 basta conservare soprattutto tre idee: l’esistenza di Raiden, il crescente potere dei Patriots e il ruolo sempre più ambiguo di Revolver Ocelot.

Raiden è il protagonista principale della missione alla Big Shell, un enorme impianto marino occupato da un gruppo terroristico. È un soldato molto diverso da Snake, con un passato personale complesso che emerge gradualmente durante l’operazione. Il rapporto fra Raiden e Snake diventa uno degli elementi importanti della seconda parte della saga.

Solid Snake, nel frattempo, continua a operare insieme a Otacon. I due cercano di contrastare la proliferazione dei Metal Gear e raccolgono informazioni attraverso l’organizzazione Philanthropy.

Il concetto davvero fondamentale introdotto e sviluppato in MGS2 è però quello dei Patriots. Senza entrare nelle rivelazioni finali, puoi considerarli una struttura di potere nascosta capace di esercitare un’enorme influenza sulla politica, sull’esercito, sull’economia e soprattutto sulla circolazione delle informazioni.

Perché i Patriots sono così importanti in Metal Gear Solid 4

MGS2 porta la serie oltre la semplice minaccia rappresentata da un’arma nucleare. Il problema diventa il controllo della società attraverso tecnologia, informazioni e sistemi digitali. È un passaggio fondamentale perché Guns of the Patriots parte proprio da un mondo in cui questi meccanismi sono diventati ancora più profondi.

Non devi necessariamente ricordare tutti i nomi, le intelligenze artificiali o le spiegazioni ascoltate nelle ultime ore di Sons of Liberty. Prima di MGS4 bastano quattro concetti:

• i Patriots rappresentano un sistema di controllo che agisce dietro le istituzioni visibili;
• la tecnologia è diventata uno strumento per controllare informazioni, persone e conflitti;
• Raiden sopravvive alla vicenda della Big Shell e resta collegato a Snake;
• Revolver Ocelot continua a perseguire obiettivi propri, difficili da interpretare completamente.

MGS4 sviluppa direttamente queste idee. Per questo conoscere almeno il significato generale dei Patriots è molto più importante che ricordare ogni singola battaglia contro i boss di MGS2.

MGS3: perché una storia ambientata nel 1964 serve per capire MGS4

Metal Gear Solid 3: Snake Eater sembra inizialmente il capitolo più distante da Guns of the Patriots. È ambientato nel 1964, molti decenni prima delle avventure di Solid Snake, e segue un protagonista differente. In realtà contiene alcune delle informazioni più importanti per comprendere l’intera saga.

Il personaggio controllato è Naked Snake, l’uomo destinato a diventare Big Boss. Questo è probabilmente il punto più importante da fissare: Solid Snake e Big Boss non sono la stessa persona. MGS3 racconta una parte fondamentale della trasformazione di Naked Snake nella figura leggendaria che influenzerà tutti gli eventi successivi.

Al centro della vicenda c’è The Boss, mentore di Naked Snake e soldato dalla straordinaria importanza politica e personale. Il rapporto tra The Boss e Snake influenza profondamente la visione del mondo di Big Boss e, indirettamente, le ideologie che guideranno diversi personaggi della saga.

Zero, Big Boss e Ocelot: i collegamenti da tenere a mente

MGS3 introduce anche Major Zero, comandante della missione e superiore di Naked Snake. Non è necessario sapere molto altro prima di Guns of the Patriots, soprattutto se vuoi evitare anticipazioni, ma vale la pena ricordare il suo nome e il rapporto iniziale con Big Boss.

Compare inoltre un giovanissimo Ocelot. Snake Eater permette quindi di capire che Revolver Ocelot non entra nella storia con Shadow Moses: la sua presenza attraversa generazioni diverse e il suo legame con gli eventi della saga nasce molto tempo prima di Solid Snake.

Il punto da portarsi dietro è soprattutto questo: MGS3 racconta le origini del conflitto ideologico che attraversa l’intera serie. The Boss, Big Boss, Zero e Ocelot appartengono alla stessa grande storia che, decenni dopo, arriva fino agli eventi di MGS4.

Solid Snake e Big Boss non sono la stessa persona

È una delle confusioni più comuni per chi recupera Metal Gear dopo molti anni. Solid Snake è il protagonista di Metal Gear, Metal Gear 2, Metal Gear Solid e parte importante di MGS2. Naked Snake è invece il protagonista di MGS3 e successivamente assume il nome di Big Boss.

I due sono strettamente collegati, ma rappresentano generazioni e percorsi differenti. Big Boss appartiene alla fase precedente della cronologia; Solid Snake cresce invece in un mondo profondamente influenzato dalle conseguenze delle azioni di Big Boss e delle persone che lo hanno circondato.

Ricordare questa distinzione rende immediatamente più semplice seguire molte conversazioni di Guns of the Patriots, soprattutto quando i personaggi discutono del passato e dell’eredità lasciata dalle generazioni precedenti.

Chi è Liquid Ocelot all’inizio di Metal Gear Solid 4

Uno dei nomi che può confondere maggiormente chi torna alla saga è Liquid Ocelot. MGS4 presenta questo personaggio come la principale minaccia affrontata da Solid Snake. Per comprenderne il significato è necessario ricordare sia Liquid Snake di MGS1 sia Revolver Ocelot, presente nei primi tre Metal Gear Solid.

Entrare nel dettaglio del motivo per cui i due nomi sono combinati significherebbe rivelare una parte importante degli eventi precedenti. Se stai recuperando la serie e vuoi evitare spoiler, è sufficiente sapere che la situazione nasce da quanto accade tra MGS1 e MGS2 e che Ocelot rimane una delle figure più imprevedibili dell’intera saga.

Guns of the Patriots parte quindi da un presupposto preciso: Snake deve fermare Liquid Ocelot in un mondo nel quale la guerra è ormai fortemente condizionata da sistemi tecnologici e compagnie militari private.

Serve giocare Peace Walker prima di Metal Gear Solid 4?

No. Se stai seguendo la saga nell’ordine in cui è stata pubblicata, Peace Walker non va giocato prima di MGS4. Metal Gear Solid 4 uscì originariamente nel 2008, mentre Peace Walker arrivò nel 2010.

Peace Walker è ambientato cronologicamente prima di MGS4 e sviluppa ulteriormente la storia di Big Boss dopo Snake Eater, ma Guns of the Patriots fu scritto quando quel gioco ancora non esisteva. Non può quindi essere un requisito narrativo per comprendere MGS4.

La nuova raccolta contiene entrambi perché Konami ha scelto MGS4 e Peace Walker come titoli principali della Master Collection Vol. 2, insieme a Metal Gear: Ghost Babel come contenuto bonus. L’uscita è confermata per il 27 agosto 2026 su PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch, Nintendo Switch 2 e PC tramite Steam.

E Metal Gear e Metal Gear 2 per MSX sono indispensabili?

Sono importanti, perché raccontano le prime missioni di Solid Snake e il suo rapporto con Big Boss, ma non è indispensabile completarli immediatamente prima di MGS4 se conosci già i punti fondamentali della saga.

Bisogna soprattutto sapere che Solid Snake affrontò Big Boss durante le operazioni di Outer Heaven e Zanzibar Land, avvenute prima di Shadow Moses. Questi eventi spiegano perché il nome di Big Boss abbia un peso tanto personale per Snake e perché il passato continui a inseguirlo.

Chi dispone della Master Collection Vol. 1 può comunque recuperarli direttamente: sono inclusi nella raccolta insieme ai primi tre Metal Gear Solid.

Il ripasso essenziale prima di premere Nuova partita

Se sono passati anni dall’ultima volta che hai giocato la saga, non è necessario riguardare ore di filmati. Prima di iniziare Metal Gear Solid 4 assicurati semplicemente di ricordare questi elementi:

• Solid Snake e Big Boss sono due personaggi differenti ma profondamente collegati.
• Shadow Moses è la missione di MGS1 e coinvolge Liquid Snake, Metal Gear REX e FOXDIE.
• Otacon è l’alleato più stabile di Snake dopo gli eventi del primo gioco.
• Raiden viene introdotto in MGS2 e sviluppa un rapporto importante con Snake.
• I Patriots sono una struttura di potere nascosta legata al controllo della società e delle informazioni.
• Revolver Ocelot attraversa più generazioni della storia e resta centrale fino a MGS4.
• MGS3 racconta le origini di Big Boss e introduce The Boss, Major Zero e il giovane Ocelot.
• The Boss lascia un’eredità ideologica che influenza gran parte degli eventi successivi.
• Peace Walker è cronologicamente precedente, ma non serve giocarlo prima di MGS4.

La Master Collection Vol. 2 è il momento ideale per recuperare MGS4

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots ha avuto per quasi vent’anni un problema molto concreto: dopo l’uscita originale del 2008 era rimasto legato a PlayStation 3. La situazione cambia con Master Collection Vol. 2, che secondo il sito ufficiale di Metal Gear Solid Master Collection Vol. 2 porta finalmente il gioco sulle piattaforme moderne.

Per chi ha già completato MGS1, MGS2 e MGS3, il consiglio è quindi di non cercare riassunti eccessivamente dettagliati che rischiano di anticipare proprio le rivelazioni che vale la pena riscoprire giocando. Ricordare Shadow Moses, i Patriots, la differenza tra Solid Snake e Big Boss e l’importanza di Ocelot è sufficiente per ritrovare rapidamente i fili della storia.

MGS4 è costruito per chi arriva con un certo bagaglio dalla saga, ma dedica comunque molto spazio a ricontestualizzare persone ed eventi. La Master Collection Vol. 2 include inoltre Metal Gear Solid 4 Database e materiali di approfondimento dedicati al gioco. Il modo migliore per prepararsi rimane quindi semplice: recuperare almeno i tre Metal Gear Solid precedenti, evitare spoiler sul finale di MGS2 e MGS3 e lasciare che Guns of the Patriots completi da solo il quadro.

Sizeable e tanti piccoli mondi nelle nostre mani

Sizeable non intende raccontare una storia. Non c’è un incipit narrativo e neanche un qualche personaggio con cui poter interagire. No, Sizeable è solo gameplay, immediato, nudo e crudo. E in tal caso, va anche bene così visto che il titolo stesso del gioco caratterizza la sua anima e il fulcro stesso di ciò che andremo a vivere di diorama in diorama. Essenzialmente, si tratta di piccoli mondi liberamente roteabili con cui divertirci a interagire con specifici elementi.

Il totale di questi mini mondi è trentanove ma, soprattutto chi è pratico di enigmi logici e visivi, non impiegherà molto per arrivare alla sua conclusione, svelando una longevità nella media ma che poteva osare ancora di più. Nonostante ciò, Sizeable spicca per varietà di messa in scena e, soprattutto, per ingegno degli elementi che caratterizzano i vari piccoli mondi. In pratica, tutto ciò che vedi a schermo può diventare elemento essenziale per procedere nell’enigma.

Lo scopo di base è localizzare dei pilastri ben nascosti nel livello da ingrandire e poi posizionare in specifici riquadri bianchi. Una volta localizzati e posizionati tutti, il livello risulta completato e si passa immediatamente al prossimo. L’unico elemento opzionale di ogni sfida è la localizzazione di una piccola tartarughina che funge quasi da silenziosa mascotte del gioco stesso. Oltre che a essere il perfetto simbolo dell’anima di Sizeable.

Prima di affrontare il gameplay, è bene evidenziare che abbiamo davanti un gioco volutamente lento e che sì, nella sua lentezza riesce a regalare svariate ore di puro rilassamento. Non c’è ansia del tempo e la sfida è unicamente con te stesso. Avrai modo e tempo di sperimentare con gli oggetti interagibili tutte le volte che vorrai e anzi, il titolo incita a sperimentare di continuo visto che non dona praticamente alcun input. Tutto sta a te, alla tua curiosità e al tuo ingegno. Ed ecco perché è un titolo non facile da consigliare ma che tutti dovrebbero almeno provare.

Rilassante ma appagante

Sizeable è un puzzle game in 3D con visuale isometrica e manuale. Questo significa che potremo e anzi, dovremo, roteare manualmente il diorama di continuo, cercando elementi con cui interagire e scovando eventuali reazioni tra di loro. Come interazioni abbiamo due possibilità: alcuni elementi possono essere rimossi e spostati a nostro piacimento mentre quasi tutti quelli con cui è possibile interagire, possono essere ingranditi o ridimensionati. Bastano queste semplici attività per schiudere un mondo di puzzle e idee sempre varie e abbastanza geniali.

Ad alcune intuitive come modificare la marea al cambio di dimensione della luna, se ne alternano altre decisamente più sorprendenti e che, una volta svelate, sapranno farti unire tutti i puntini “logici” del titolo stesso. Perché no, Sizeable non è mai ingiusto e la soluzione è sempre lì sotto al nostro naso. Magari ben nascosta, ma è lì. Sta a noi capire come schiudere una porta, come modificare un’altura, come far schiudere una conchiglia e tante altre trovate ingegnose.

A favore di Sizeable c’è anche l’abilità nell’aver utilizzato diversi biomi, più o meno noti, ma sempre in modo diverso. è raro ritrovare lo stesso ingegno logico di puzzle in puzzle nonostante le attività da eseguire siano comunque sempre le stesse: ruotare, spostare, ingrandire o ridimensionare. A mutare è l’ordine cronologico di queste attività anche se, raramente, i tre pilastri da scovare sono concatenati tra loro. Anzi, spesso ogni pilastro ha un suo specifico puzzle da scoprire.

Se ci sono indizi nei livelli? Sì, qualcosina c’è ma devi avere occhio attento. Piccoli simboli. Alcune movenze di determinati oggetti. Sizeable regala davvero piccoli mondi tutti da scoprire e che vede nella piccola tartarughina opzionale da scovare, un collezionabile extra. Una sorta di sfida “più difficile” che regala una minimo di rigiocabilità ai livelli stessi. Questo perché, una volta completati i 39 livelli, non c’è altro da fare in Sizeable. 

Per quanto riguarda il sistema di comandi, Sizeable si basa su un puntatore a schermo che, nonostante non sia perfetto per console. sull’ibrida Nintendo si difende abbastanza bene, complici dei livelli non proprio enormi e che anzi si prestano a piccoli interventi. E anzi, in portabilità lo abbiamo trovato praticamente perfetto nonostante un impatto iniziale leggermente farraginoso ma con cui ci si abitua velocemente.

Grafica e sonoro

Graficamente parlando, Sizeable sfrutta una grafica low poly funzionale all’esperienza e che sa regalare dei colpi d’occhio generali abbastanza gradevoli e, soprattutto, vari. Buone le interazioni con gli elementi che ben si prestano all’interazione, seppur fatta di “click”. Insomma, il minimalismo proposto dal titolo funziona bene e si presta bene e regala la giusta immediatezza richiesta dalle varie sfide rendendo l’esperienza fruibile.

Il sonoro è quasi assente, abbandonato a suoni atmosferici o a lievi sonorità sfumate. Una scelta comprensibile e coerente con l’animo rilassato e rilassante proposto dal titolo. Piccola nota per il verso della tartaruga ogni qual volta viene scovata. Da segnalare anche la presenza dei sottotitoli in lingua italiana anche se non c’è praticamente niente da leggere.

Ground Zero Hero e le sue folli mutazioni

Lande desolate, orde di stravaganti e buffi mutanti pronti a massacrarci di botte nonostante il loro aspetto più che amichevole e un eroe solitario pronto a modificare se stesso per sopravvivere in un mondo surreale e difficile. Ecco, questo è il contesto in cui è ambientato Ground Zero Hero, un titolo che fa dell’umorismo estetico la sua chiave identitaria insieme a un sistema ludico semplice ma in grado di catturare a lungo. Purtroppo, non c’è una vera e propria narrazione come da prassi del genere anche se in questo caso, dato anche l’umorismo del gioco, avrebbe giovato non poco a migliorarne ulteriormente l’identità, ben sposandosi anche a gag sconclusionate.

Il titolo, infatti, si focalizza prevalentemente sul gameplay offrendo partite in loop in grado di rubare ore senza rendersene conto ma, allo stesso tempo, prestando il fianco a un innegabile ripetitività oltre al potenziale pericolo di smarrirsi in un catalogo dall’offerta troppo simile e densa. Detto ciò, l’esperienza di Ground Zero Hero è abbastanza longeva e si compone di circa ottanta potenziamenti con relativi percorsi di progressione, una sessantina di nemici e più o meno lo stesso numero di sfide da portare a termine.

Orde di nemici da sterminare

Ground Zero Hero è un roguelite in 2D con visuale isometrica dal combat system automatico (alla Vampire Survivors) e non direzionabile. Questo significa che ogni abilità che andremo a equipaggiare avrà una sua automatica direzione di fuoco. Un esempio pratico: gli aculei che prendono forma sulla schiena del protagonista per poi essere sparato unicamente all’indietro. Ecco quindi che camminando ci ritroveremo a sparare aculei all’indietro man mano che ci muoviamo per l’area di gioco e il tutto con un lasso di tempo prestabilito ma potenziabile.

Il nostro compito è devastare un determinato numero di nemici cercando di sopravvivere. Eccoci quindi a girovagare in aree potenzialmente infinite con nemici in continua presenza e che aumentano gradualmente di numero, aggressività e potenza oltre che di energia vitale. Eliminare i nemici e raccogliere man mano la gelatina melmosa verde che rilasciano al suolo ci aiuta ad accumulare esperienza fino al level up. Questo ferma il gioco e fa apparire una selezione randomica di power up da selezionare.

Le mutazioni del gioco sono assolutamente divertenti da scoprire e padroneggiare anche se la varietà non è proprio grandissima. Molte, infatti, sono semplici upgrade di quanto già equipaggiato. Per fortuna a migliorare un po’ la situazione e a cercare di renderla meno ripetitiva possibile, ci sono alcuni elementi “extra” all’interno di una formula ludica altrimenti decisamente standard e prevedibile. Il primo elemento sono le cavalcature. Creature che potremo letteralmente cavalcare aumentando velocità di spostamento, potenza d’attacco e difese per un breve lasso di tempo.

Altro evento intrigante inserito nelle meccaniche del gioco, è il ciclo giorno-notte. Quando cala la notte, infatti, i nemici mutano diventando decisamente più aggressivi e pericolosi. In queste occasioni il titolo stesso ci consiglia di localizzare un ingresso sotterraneo, ossia una sorta di botola, ancora da aprire – e quindi non giò “aperta”. Ecco, in questa botola sarai al sicuro e potrai far “saltare” la notte, tornando al mattino coi nemici classici e con l’energia vitale leggermente più carica. Inutile dire che a nemici più forti equivale un maggior numero di esperienza e quindi un boost di velocità per salire di livello non indifferente. A te però decidere se vale la pena rischiare.

Detto ciò, Ground Zero Hero soffre comunque della ripetitività tipica del genere aggravata dal fatto che ci viene richiesto di eliminare un enorme numero di nemici. Inoltre in quanto roguelite, se muori perdi tutto, tanto i power up quanto il numero di nemici eliminati che si azzera, costringendoti a rifare tutto dall’inizio. Ma ecco che, come in altri congeneri, anche qui c’è un elemento di progressione passiva identificata nell’investimento di particolari risorse da impiegare in upgrade passivi da sbloccare gradualmente prima dell’inizio della partita. Presente anche il sistema di “fame” che ci porta a cercare caramelle in giro per l’area di gioco per tenere sempre carica la seconda barra a schermo sotto quella dell’energia vitale.

Riassumendo, Ground Zero Hero non innova nulla ma inserisce meccaniche in più che possano smorzare il gameplay e dargli un pizzico di strategia extra condendo il tutto con un umorismo e uno stile estetico di sicuro appiglio. Ciò non toglie che, chi non ama il genere difficilmente cambierà idea. Chi vive di questo tipo di roguelite, invece, troverà una variante intrigante e in grado anche di offrire un livello di sfida di tutto rispetto al netto di alcune situazioni quasi frustranti come un oceano di proiettili in stile bullet hell non sempre facile da gestire e comunque in parte legato al caso. Ma sono piccoli punti in un titolo comunque solido, fluido e molto accessibile.

Grafica e sonoro

Graficamente parlando, Ground Zero Hero colpisce subito. è come un incontro/scontro tra i Simpson e Rick & Morty. Una comicità estetica esagerata che trova la sua forza anche nelle animazioni bislacche. Le mutazioni trionfano e spiccano dando identità a un personaggio altrimenti anonimo. L’idea di trasformare letteralmente il protagonista con i vari power up e variando così tanto la strategia di combattimento quanto l’aspetto, è intrigante e sempre prevalentemente buffo.

Discorso analogo per le orde di nemici discretamente varie e tutte fuori di testa. Gli ambienti, invece, salvo alcuni piccoli dettagli, soffrono dell’effetto “deserto” tipico del genere. Molto buona l’interfaccia di gioco, intuitiva e abbastanza identitaria. Il sonoro è leggermente meno d’impatto rispetto all’impianto grafico ma svolge il suo compito evitando di risultare eccessivamente ridondante. Infine, è molto gradita la presenza dei sottotitoli in lingua italiana anche se c’è ben poco da leggere. 

Non stiamo parlando del recupero di un’opera dimenticata o ormai inaccessibile. La visual novel originale continua a essere perfettamente giocabile ancora oggi (uscita nel 2016) e nel 2019 era già arrivato Steins;Gate Elite, reinterpretazione che aveva cercato di rendere l’esperienza più immediata sacrificando però parte del testo originale.

Quando un microonde diventa una macchina del tempo

Steins;Gate rappresenta il secondo grande capitolo dell’universo narrativo di Science Adventure, una serie composta da opere apparentemente indipendenti ma legate da ambientazione, concetti scientifici, organizzazioni e avvenimenti appartenenti allo stesso mondo.
Dopo gli eventi di Chaos;Head Noah, la storia ci porta ad Akihabara e mette al centro Rintaro Okabe, eccentrico studente universitario che preferisce presentarsi attraverso il suo alter ego: Hououin Kyouma, lo scienziato pazzo.

Okabe trascorre le giornate nel Future Gadget Laboratory, un laboratorio improvvisato che assomiglia molto più a un rifugio per amici che a un vero centro di ricerca. Insieme a Daru e Mayuri costruisce dispositivi improbabili, scherza su fantomatiche organizzazioni che lo starebbero sorvegliando e alimenta continuamente una personalissima rappresentazione teatrale della propria vita.

Almeno fino a quando qualcosa smette di essere un gioco. Una conferenza, un incontro impossibile e un esperimento apparentemente assurdo portano alla scoperta che il PhoneWave, un microonde modificato, è in qualche modo capace di interferire con il passato.
Da quel momento la leggerezza iniziale comincia lentamente a sgretolarsi: i messaggi inviati indietro nel tempo modificano gli eventi, il mondo cambia attorno ai protagonisti e Okabe sembra essere l’unico capace di conservare memoria delle differenti realtà attraversate.

Una storia che ha bisogno del suo tempo

La forza di Steins;Gate nasce soprattutto dal tempo che dedica ai suoi personaggi. Le prime ore sono lente, spesso volutamente quotidiane: si rimane nel laboratorio, si ascoltano conversazioni apparentemente insignificanti e si osservano le dinamiche tra Okabe, Mayuri, Kurisu, Daru e gli altri membri del Future Gadget Laboratory. È proprio questa pazienza a rendere così efficace il cambio di tono della seconda metà, perché quando le conseguenze degli esperimenti cominciano a manifestarsi non coinvolgono più semplici figure narrative, ma personaggi con cui abbiamo trascorso molte ore.

Per esempio Kurisu rappresenta il contrappeso ideale: brillante, razionale e inizialmente estranea alle assurdità del laboratorio, costruisce con Okabe un rapporto fatto di provocazioni, scontri e una complicità che cresce lentamente fino a diventare uno dei pilastri emotivi dell’opera. Lo stesso vale, in misura diversa, per Mayuri, Suzuha, Faris, Luka e Moeka, approfonditi anche attraverso le varie route alternative.
Non tutte ricevono però lo stesso spazio: alcune, come quelle di Suzuha e Faris, riescono a lasciare il segno, mentre altre sembrano concludersi proprio quando iniziano a esprimere il proprio potenziale. Rimane comunque il cast, più ancora del viaggio nel tempo stesso, a trasformare Steins;Gate da affascinante storia di fantascienza in un racconto emotivamente memorabile.

Gameplay – Il Phone Trigger System

Parlare di gameplay in una visual novel come Steins;Gate richiede inevitabilmente qualche precisazione. Non esistono combattimenti, esplorazione tradizionale o puzzle: l’interazione passa quasi interamente attraverso il Phone Trigger System, che permette di utilizzare il telefono di Okabe durante la storia.
Ricevendo i messaggi degli altri personaggi è possibile selezionare alcune parole al loro interno e determinare così la risposta successiva, creando piccole catene di conversazioni che possono offrire dialoghi aggiuntivi, sfondi, suonerie e soprattutto attivare determinate condizioni necessarie per raggiungere il True Ending.

Il sistema funziona, ma difficilmente entusiasma, soprattutto se confrontato con altre idee viste all’interno della stessa serie Science Adventure. Il Delusion Trigger di Chaos;Head, per esempio, trasformava direttamente l’instabilità mentale del protagonista in una meccanica narrativa, mentre il sistema di hacking di Anonymous;Code arrivava a integrare la presenza stessa del giocatore nella struttura della storia. Il telefono di Steins;Gate rimane molto più ordinario: è perfettamente coerente con il mondo narrativo e offre qualche scambio divertente, ma raramente restituisce la sensazione di stare realmente influenzando gli eventi.

Esistono persino alcuni piccoli retaggi curiosi dell’originale. Determinate catene di messaggi permettevano, nelle vecchie versioni, di ottenere brani provenienti da Chaos;Head; in RE alcune di quelle stesse conversazioni sembrano essere ancora presenti, mentre le relative ricompense musicali sono scomparse. È un dettaglio minuscolo, ma contribuisce a rafforzare la sensazione di trovarsi davanti a un’operazione estremamente conservativa.

Observer Mode

Tra le aggiunte più interessanti di RE troviamo invece l’Observer Mode, una rappresentazione grafica delle differenti World Line attraversate durante la storia, completa delle ramificazioni e delle deviazioni generate dalle nostre decisioni. È una novità estremamente sensata per un’opera come Steins;Gate, perché una struttura narrativa composta da linee temporali differenti, biforcazioni e numerosi finali può diventare difficile da visualizzare mentalmente.

L’Observer permette invece di osservare l’intera architettura narrativa con molta più chiarezza e di individuare anche eventuali eventi secondari mancati durante la partita. Non è uno strumento perfetto: sarebbe stato utile poter effettuare uno zoom più ampio e, soprattutto, saltare direttamente a un determinato evento dalla schermata stessa. Rimane comunque una delle poche novità di RE che restituisce davvero la sensazione di essere stata pensata specificamente per migliorare l’esperienza originale.

La nuova route di Moeka

Una delle principali novità pubblicizzate di Steins;Gate RE:BOOT riguarda Moeka, che per la prima volta dispone di una route dedicata all’interno del gioco principale. Tecnicamente non si tratta però di materiale completamente originale, dal momento che la storia deriva dal drama CD Hiding of the Dark Dimension. Il problema non è tanto la provenienza del materiale: recuperare contenuti esterni e integrarli all’interno della visual novel avrebbe potuto rappresentare esattamente il tipo di operazione capace di dare senso a questo titolo.

Il vero problema è quanto poco venga sfruttata questa possibilità. La route è estremamente breve, arriva rapidamente al proprio momento principale e termina quasi subito dopo, risultando più simile a un assaggio che a una vera espansione narrativa. È probabilmente una delle occasioni sprecate più evidenti dell’intero progetto, soprattutto perché, se l’obiettivo era convincere chi conosce già Steins;Gate a tornare ancora una volta nel laboratorio di Okabe, sarebbe servito molto di più: nuove route, scene completamente inedite, collegamenti più profondi con gli altri capitoli di Science Adventure o persino nuove World Line da esplorare. Invece rimane costante la sensazione di trovarsi davanti a qualcosa che avrebbe potuto osare molto di più e che ha preferito non farlo.

La nuova direzione artistica funziona

Se sul fronte narrativo Steins;Gate RE:BOOT appare fin troppo prudente, visivamente il risultato convince decisamente di più. La nuova direzione artistica tenta di trovare un punto d’incontro tra il tratto peculiare della visual novel originale e l’aspetto più familiare dell’adattamento animato. Era una scelta tutt’altro che semplice, considerando quanto fosse forte l’identità visiva dell’originale, caratterizzata da volti quasi innaturali, colori particolari e illustrazioni immediatamente riconoscibili.

Uniformare eccessivamente il tutto avrebbe significato perdere buona parte di quella personalità, ma fortunatamente non accade. I nuovi modelli risultano più moderni senza cancellare completamente l’identità dell’opera, mentre le nuove CG riescono in alcuni casi a dare maggiore forza alle scene. Anche il cast vocale continua a essere eccellente e il materiale registrato appositamente per questa versione rappresenta un’aggiunta certamente gradita. Non significa necessariamente che RE sia visivamente superiore all’originale, ma almeno sotto questo aspetto la reinterpretazione riesce ad acquisire una propria identità. Ed è probabilmente qui che il concetto stesso di “reboot” trova la sua applicazione più convincente.

Quando un remake dimentica di sfruttare il proprio medium

Il problema più profondo rimane però la sceneggiatura. Steins;Gate RE:BOOT utilizza come base quella di Elite, versione che aveva già ridotto alcune porzioni del testo originale nel tentativo di rendere il ritmo più rapido. È un approccio che continua a essere discutibile, soprattutto considerando le possibilità offerte dal medium. Una visual novel può permettersi qualcosa che anime e videogiochi tradizionali difficilmente riescono a fare: fermarsi. Può dedicare minuti interi ai pensieri del protagonista, descrivere una stanza, una sensazione o un dubbio senza preoccuparsi continuamente di mantenere un ritmo cinematografico.

La visual novel originale sfruttava questa libertà soprattutto attraverso la voce interiore di Okabe. Steins;Gate RE:BOOT, invece, continua in diversi punti a comprimere il racconto, ed è una scelta particolarmente curiosa perché questa nuova versione avrebbe potuto fare esattamente il contrario. Non serviva semplicemente raccontare Steins;Gate più velocemente: sarebbe stato molto più interessante raccontarlo meglio, approfondendo i personaggi, espandendo alcune situazioni, inserendo nuovi collegamenti con il resto della saga e concedendo maggiore spazio alle conseguenze psicologiche del viaggio nel tempo.
Se si decide di tornare ancora una volta sulla stessa storia, il vantaggio dovrebbe essere proprio quello di poter utilizzare anni di materiale ed esperienza per costruirne la versione definitiva.
Una sensazione che, purtroppo, Steins;Gate RE:BOOT restituisce molto raramente.

Il gioco arriva il 20 agosto 2026 su PC tramite Steam, PlayStation 5 e Xbox Series X|S. Si tratta di un seguito autonomo, quindi non è obbligatorio aver completato il capitolo del 2020. Per data, piattaforme, prezzi ed edizioni puoi consultare anche il nostro approfondimento sull’uscita di Mortal Shell II. La pagina ufficiale di Mortal Shell II presenta invece il nuovo episodio come un’esperienza basata sull’esplorazione libera di un open world interconnesso e volutamente compatto.

Quanto dura Mortal Shell II?

Per una prima partita con un livello di esplorazione normale, una stima realistica è di circa 30-40 ore. La cifra non va però interpretata come una durata fissa: Mortal Shell II lascia molta libertà nella scelta dei percorsi e contiene numerose attività secondarie, zone nascoste, dungeon e ricompense facoltative. Una recensione pubblicata prima del lancio colloca infatti una partita standard nella fascia delle 30-40 ore, mentre completare una porzione molto più ampia dei contenuti può portare facilmente oltre le 50 ore.

Il tempo necessario dipende inoltre dall’esperienza con i soulslike. Morire ripetutamente contro un avversario, cercare nuove risorse oppure esplorare per potenziarsi può allungare sensibilmente la partita. Allo stesso modo, chi individua rapidamente una combinazione efficace tra Shell, arma e abilità potrebbe avanzare molto più velocemente. Non aspettarti quindi una campagna lineare da affrontare seguendo sempre lo stesso percorso.

• Circa 30-40 ore per una prima partita con esplorazione regolare.
• Oltre 50 ore sono plausibili puntando a gran parte dei contenuti opzionali.
• La durata varia molto in base ad abilità, esplorazione e numero di tentativi contro le sfide più impegnative.
• Il mondo aperto rende meno significativa una singola stima valida per tutti i giocatori.

Mortal Shell II è difficile?

Sì, Mortal Shell II resta un gioco impegnativo. Steam lo presenta esplicitamente come un action RPG dal combattimento ad alta tensione e tra i tag associati compare anche la difficoltà elevata. Il punto importante, però, è che il sequel offre molta più libertà rispetto a un percorso rigidamente lineare: se una determinata area sembra troppo dura, spesso la soluzione migliore non è insistere per ore, ma esplorare altrove, trovare potenziamenti e tornare in seguito.

Le prime ore possono quindi essere molto differenti da giocatore a giocatore. Entrare troppo presto in una zona pericolosa significa rischiare di essere eliminati in pochissimi colpi, mentre un approccio più metodico permette di accumulare risorse e aumentare progressivamente le proprie possibilità. È una filosofia simile a quella di altri action RPG moderni nei quali la libertà di esplorazione diventa indirettamente anche uno strumento per gestire la difficoltà.

Le impressioni emerse dalle prime recensioni descrivono un livello di sfida generalmente alto ma non caratterizzato da continui picchi estremi. Esistono inoltre sistemi capaci di modificare concretamente la difficoltà della partita, anche attraverso scelte che possono rendere gli avversari più pericolosi in cambio di ricompense migliori. Se il tema dell’accessibilità dei soulslike ti interessa, abbiamo affrontato una domanda simile nella nostra guida dedicata a difficoltà e combattimento di Phantom Blade Zero.

Dimentica la gestione tradizionale della stamina

Una delle differenze che possono sorprendere chi arriva direttamente dal primo Mortal Shell è il ritmo dello scontro. Cold Symmetry ha puntato su un sistema più aggressivo e libero, nel quale l’azione non ruota attorno alla classica gestione costante di una barra della stamina. Questo permette di concatenare movimenti offensivi con maggiore libertà, ma non significa che si possa combattere senza attenzione.

I nemici restano pericolosi, possono punire rapidamente gli errori e richiedono di imparare distanze e pattern. Il risultato è un sistema che invita maggiormente all’iniziativa: muoversi, attaccare e sfruttare correttamente gli strumenti della propria configurazione può essere più efficace di una strategia eccessivamente passiva. Prima di concludere che un’arma o una Shell non fanno per te, vale quindi la pena sperimentare per qualche combattimento.

Le Shell cambiano davvero il modo di giocare

Il concetto centrale del primo episodio ritorna in forma ampliata. Nel mondo sono disseminati i corpi di otto guerrieri perduti che il protagonista può possedere. Ogni Shell mette a disposizione capacità proprie e può modificare sensibilmente l’approccio agli scontri. Steam conferma la presenza di otto Shell da trovare e possedere durante l’avventura.

Questo significa che non conviene trattare la prima configurazione disponibile come una scelta definitiva. Se il combattimento sembra eccessivamente punitivo, il problema potrebbe non essere soltanto il livello del personaggio: una Shell più adatta alle tue abitudini può fare una differenza enorme. Lo stesso vale per armi e capacità di supporto, che contribuiscono a definire uno stile più aggressivo, difensivo o orientato alla mobilità.

Esplorare non serve soltanto a trovare segreti

L’open world di Mortal Shell II è descritto dagli sviluppatori come ampio ma deliberatamente compatto e interconnesso. Non è quindi pensato soltanto come spazio tra un boss e l’altro: deviare dal percorso principale permette di trovare Shell, armi, potenziamenti, elementi narrativi e sfide secondarie. In termini pratici, esplorare significa anche diventare più forti.

È probabilmente il consiglio più importante per le prime ore. Se un percorso sembra sproporzionatamente difficile, cerca un’altra direzione invece di considerarlo necessariamente il passaggio obbligato. La libertà offerta dal mondo aperto consente di costruire gradualmente un personaggio più adatto alle sfide successive, e alcune delle ricompense migliori sono legate proprio alla curiosità del giocatore.

Mortal Shell II rientra tra le principali uscite della settimana del lancio: se vuoi organizzare gli altri titoli da tenere d’occhio nello stesso periodo, trovi il gioco anche nel nostro calendario delle uscite videogiochi dal 17 al 23 agosto 2026.

Cosa sapere prima di iniziare Mortal Shell II

Il modo migliore per affrontare le prime ore è evitare di applicare automaticamente tutte le abitudini maturate con altri soulslike. Mortal Shell II conserva un’elevata capacità di punire gli errori, ma costruisce buona parte della progressione intorno alla sperimentazione. Cambiare Shell, provare un’arma differente o esplorare una regione alternativa può essere più utile di ripetere lo stesso combattimento decine di volte.

• Prova più Shell prima di investire tutte le tue risorse in un unico stile di gioco.
• Non interpretare ogni nemico molto forte come un ostacolo da superare immediatamente.
• Esplora le deviazioni: possono nascondere strumenti che semplificano le battaglie successive.
• Sperimenta con le armi invece di cercare subito una singola build considerata migliore.
• Approfitta della maggiore libertà offensiva, ma continua a studiare pattern e tempi degli avversari.
• Ricorda che puntare al completamento aumenta notevolmente una durata già superiore a quella del primo Mortal Shell.

Vale la pena giocare prima il primo Mortal Shell?

Non è necessario. Mortal Shell II viene presentato ufficialmente come un sequel standalone, quindi può essere affrontato anche da chi non conosce il titolo originale. Giocare il primo episodio permette naturalmente di riconoscere il concetto delle Shell e alcune idee alla base del sistema di combattimento, ma non costituisce un requisito per seguire questa nuova avventura.

Per chi arriva completamente nuovo alla serie, la cosa più importante è sapere che Mortal Shell II non chiede soltanto riflessi. Osservazione, esplorazione e capacità di adattare la propria configurazione fanno parte della difficoltà tanto quanto il tempismo durante gli scontri. Considerando una campagna nell’ordine delle 30-40 ore e un mondo molto più ricco di attività opzionali rispetto al predecessore, scegliere con calma il proprio stile nelle prime ore può rendere l’intera avventura molto più gestibile.

Il nuovo action RPG open world di Rebel Wolves arriverà il 3 settembre 2026 su PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S. Abbiamo già raccolto nel nostro approfondimento data di uscita e caratteristiche principali di The Blood of Dawnwalker; questa volta ci concentriamo invece sulla meccanica che definisce realmente Coen: cosa significa essere un Dawnwalker e quanto cambia giocare durante il giorno o durante la notte.

Coen è un vampiro o un essere umano?

La risposta più corretta è: entrambe le cose, ma non contemporaneamente. Rebel Wolves definisce Coen un Dawnwalker, una creatura che si trova a metà strada tra il mondo umano e quello dei vampiri. Durante il giorno il protagonista torna alla propria forma umana, mentre con l’arrivo della notte emergono i poteri vampirici.

La trasformazione di Coen non è infatti completa. Secondo quanto spiegato anche in una recente anteprima ufficiale Xbox, il protagonista viene trasformato in un vrakhir solo parzialmente. I suoi poteri soprannaturali si manifestano durante la notte, mentre di giorno torna umano e può muoversi alla luce del sole senza subirne gli effetti normalmente associati ai vampiri.

È proprio questa condizione particolare a spiegare il termine Dawnwalker. Coen non appartiene completamente a nessuno dei due mondi e il gioco costruisce attorno a questa dualità sia la storia sia due differenti modi di affrontare Vale Sangora.

Come funziona Coen durante il giorno

Di giorno Coen deve fare affidamento principalmente sulle proprie capacità umane. Non dispone della forza e della mobilità soprannaturale della forma vampirica, ma questo non significa che rappresenti automaticamente la versione più debole del personaggio.

Rebel Wolves ha infatti confermato che la magia è utilizzabile esclusivamente durante il giorno. Coen può incidere rune sul proprio corpo e utilizzarle per lanciare diversi tipi di incantesimo, creando un sistema che compensa l’assenza dei poteri vampirici.

La documentazione ufficiale di Bandai Namco sulle meccaniche di Coen cita diversi esempi. Burning Blood provoca danni nel tempo, Feral Mind può spingere un nemico ad attaccare bersagli casuali, compresi i propri alleati, mentre altri incantesimi permettono di modificare salute, stamina e danni attraverso buff e debuff.

Nuove magie possono essere apprese trovando pergamene sparse nel mondo e successivamente sbloccate o migliorate utilizzando punti abilità. Esplorare Vale Sangora durante il giorno può quindi significare anche cercare strumenti capaci di ampliare progressivamente le possibilità della forma umana.

Spada e magia: come combatte Coen da umano

Il combattimento umano ruota attorno soprattutto alla spada e alla magia. Coen ha imparato a utilizzare la lama dal padre e gli sviluppatori hanno specificato che non combatte con archi o balestre.

Il sistema con la spada è direzionale: il giocatore può scegliere la direzione degli attacchi e modificare rapidamente il proprio approccio passando dall’offesa alla difesa. Rebel Wolves vuole evitare combattimenti eccessivamente vincolati alle animazioni, lasciando invece la possibilità di reagire rapidamente a ciò che accade durante lo scontro.

Questo rende la forma umana meno spettacolare di quella vampirica soltanto in apparenza. Durante il giorno il gioco sembra puntare maggiormente su tecnica, preparazione e magia, mentre la notte offre strumenti più aggressivi e soprannaturali.

Cosa cambia quando arriva la notte

Con il tramonto entra in gioco l’altra metà del sistema. Coen manifesta le proprie capacità vampiriche e ottiene un set differente di abilità, modificando sia il modo di combattere sia quello di attraversare gli ambienti.

La pagina ufficiale di The Blood of Dawnwalker descrive apertamente due gameplay loop differenti tra giorno e notte. La forma vampirica permette di sfidare la gravità, sfruttare capacità soprannaturali e combattere con un’aggressività impossibile per il Coen umano.

Tra le abilità già mostrate figurano Shadowstep e Clawride. La prima amplia le possibilità di movimento soprannaturale, mentre la seconda contribuisce a permettere al protagonista di raggiungere zone elevate e muoversi sui tetti. Durante una dimostrazione ufficiale, per esempio, Coen deve attendere la notte per raggiungere alcune impalcature troppo alte per la sua forma umana.

Di notte cambia anche il modo di esplorare Vale Sangora

Il ciclo giorno-notte non serve quindi semplicemente a cambiare l’illuminazione dell’open world. Alcune possibilità di esplorazione diventano accessibili soltanto grazie alle capacità vampiriche, mentre altre situazioni possono essere affrontate in maniera differente a seconda dell’orario scelto.

Gli sviluppatori hanno parlato esplicitamente di misteri, abilità e modi diversi di raggiungere gli obiettivi nelle due fasi della giornata. Un luogo apparentemente irraggiungibile durante il giorno potrebbe diventare accessibile dopo il tramonto, mentre una situazione risolvibile tramite magia nella forma umana richiederà un approccio completamente differente durante la notte.

Questo sistema si lega bene alla struttura definita dagli sviluppatori come narrative sandbox. Vale Sangora non propone una rigida separazione tra missioni principali e secondarie: il giocatore decide quali storie seguire e quanto tempo dedicare alla preparazione prima di confrontarsi con Brencis.

Blood Hunger: essere vampiro comporta un rischio

I poteri notturni non sono gratuiti. Durante la notte entra in funzione una meccanica chiamata Blood Hunger, cioè la fame di sangue di Coen.

Rebel Wolves ha confermato che, se il protagonista non beve abbastanza sangue, può progressivamente perdere il controllo del proprio corpo. In questa situazione potrebbe arrivare ad attaccare automaticamente personaggi non giocanti per nutrirsi di loro.

La conseguenza è importante perché trasforma la forma apparentemente più potente in quella che richiede anche maggiore attenzione. Abbracciare i poteri vampirici può rendere Coen più pericoloso e aprire nuove possibilità di movimento, ma significa anche convivere con una necessità che la forma umana non possiede.

In un RPG costruito attorno alle conseguenze delle decisioni, perdere il controllo e nutrirsi della persona sbagliata potrebbe avere effetti che vanno oltre il semplice combattimento. Gli sviluppatori hanno già confermato che scelte e azioni influenzano personaggi, trama e conclusione dell’avventura.

Si può scegliere quando diventare vampiro?

Il materiale ufficiale indica che la forma di Coen è collegata al momento della giornata: umano durante il giorno e vampiro durante la notte. Non è quindi stata presentata come una trasformazione liberamente attivabile in qualsiasi istante tramite un normale comando.

Il giocatore può però decidere come utilizzare il tempo e, in determinate circostanze, far avanzare la giornata. Questo permette di pianificare alcune attività pensando in anticipo alla forma che Coen avrà quando affronterà un determinato luogo o obiettivo.

Nel gameplay mostrato dagli sviluppatori, per esempio, il protagonista incontra un ostacolo che non riesce a superare durante il giorno e decide di tornare con il favore della notte, quando può sfruttare le proprie abilità vampiriche. Il punto non è quindi cambiare forma continuamente, ma scegliere quando conviene agire.

Il ciclo giorno-notte consuma i 30 giorni disponibili?

Qui è necessario distinguere il normale trascorrere del tempo da quello narrativo. The Blood of Dawnwalker non utilizza un orologio che procede continuamente mentre il giocatore esplora. Camminare nell’open world, combattere o fermarsi a osservare l’ambiente non consuma automaticamente il tempo a disposizione.

Coen dispone narrativamente di 30 giorni e 30 notti per tentare di salvare la propria famiglia. Il tempo avanza completando determinate missioni e attraverso alcune azioni specifiche, comprese particolari scelte di dialogo. Il gioco comunica preventivamente il costo temporale attraverso un’icona a forma di clessidra.

Nel gameplay reveal originale era stato inoltre mostrato il passaggio volontario dal giorno alla notte come un’azione collegata all’avanzamento temporale. Questo significa che scegliere la forma più adatta non è necessariamente privo di conseguenze: aspettare il momento giusto può essere una decisione strategica, ma il tempo rappresenta una delle risorse centrali della campagna.

Cosa succede dopo i 30 giorni?

La presenza dei 30 giorni potrebbe far pensare a un vero game over allo scadere del conto alla rovescia, ma Rebel Wolves ha chiarito che non funziona così. La partita non termina automaticamente quando viene superato il limite.

A essere in pericolo è invece la famiglia di Coen. Gli sviluppatori hanno spiegato che potrebbe subire le conseguenze del mancato intervento del protagonista. La pressione temporale serve quindi a modificare la storia e le priorità, non a costringere il giocatore a completare l’open world contro un cronometro reale.

Non sarà nemmeno possibile vedere tutte le storie in una singola partita. Ogni missione importante può richiedere una parte del tempo disponibile e il giocatore dovrà decidere chi aiutare, cosa ignorare e quanto prepararsi prima di affrontare gli eventi centrali.

Meglio giocare di giorno o di notte?

Non sembra esserci una risposta universale. La filosofia di The Blood of Dawnwalker è proprio evitare che una delle due forme sia semplicemente la versione potenziata dell’altra. Gli sviluppatori parlano di punti di forza e debolezze differenti, non di una progressione da umano debole a vampiro superiore.

• Di giorno Coen è umano e può utilizzare spada e magia.
• Gli incantesimi sono disponibili soltanto durante la forma umana.
• Di notte Coen accede alle capacità vampiriche e a nuove possibilità di movimento.
• Alcune zone o soluzioni possono essere più accessibili con le abilità notturne.
• Durante la notte è attiva la Blood Hunger e Coen deve gestire la propria necessità di sangue.
• Le missioni possono offrire possibilità e conseguenze differenti in base al momento scelto per affrontarle.

La scelta più efficace dovrebbe quindi dipendere dall’obiettivo. Se una situazione favorisce incantesimi, preparazione e combattimento con la spada, il giorno può offrire gli strumenti migliori. Se occorre raggiungere una posizione altrimenti inaccessibile o utilizzare capacità soprannaturali, aspettare la notte può aprire una strada completamente diversa.

Essere vampiro influenzerà anche le scelte di Coen

La dualità non riguarda soltanto il gameplay. Rebel Wolves utilizza la trasformazione per costruire uno dei principali conflitti personali del protagonista: quanto della propria umanità è disposto a sacrificare pur di salvare la famiglia?

Il mondo è ambientato nell’Europa del XIV secolo, in un periodo segnato da guerre e peste. Nella regione immaginaria di Vale Sangora, tra i Carpazi, i vampiri hanno sfruttato l’indebolimento della società umana per uscire dall’ombra e conquistare il potere. Coen si trova quindi nella posizione paradossale di dover sfruttare proprio le capacità delle creature che hanno preso il controllo della sua terra.

Gli sviluppatori hanno escluso un semplice sistema morale diviso tra bene e male. Le storie puntano invece su decisioni ambigue e conseguenze che il giocatore deve interpretare personalmente. Anche il rapporto con i vrakhiri non sarà necessariamente basato sull’eliminazione di ogni vampiro incontrato.

Coen non è un supereroe vampiro senza conseguenze

È probabilmente questo l’aspetto più interessante della meccanica. La forma vampirica non è soltanto una modalità speciale da utilizzare quando serve infliggere più danni. Offre vantaggi importanti, ma introduce contemporaneamente fame di sangue, conseguenze narrative e un rapporto differente con il mondo.

Allo stesso modo, essere umano non equivale a rinunciare alle capacità speciali: la magia appartiene proprio alla fase diurna. Il risultato è un protagonista costruito attorno a due set di strumenti complementari che dovrebbero spingere il giocatore a osservare ogni problema da almeno due prospettive.

Questa identità contribuisce anche all’atmosfera del progetto, già evidente nel nostro precedente approfondimento sulla musica e sul tono dark fantasy di The Blood of Dawnwalker. Rebel Wolves ha spiegato che la dualità tra giorno e notte attraversa l’intera esperienza, dalla storia al gameplay fino alla costruzione musicale del mondo.

Cosa ricordare prima dell’uscita del 3 settembre

In sintesi, Coen non è un normale vampiro capace semplicemente di camminare alla luce del sole. È un Dawnwalker incompleto: umano durante il giorno e vampiro durante la notte, con possibilità di gioco differenti in ciascuna forma.

Di giorno utilizza la spada e può ricorrere a rune e incantesimi. Di notte ottiene poteri soprannaturali, maggiore libertà di movimento e capacità specifiche da vampiro, ma deve tenere sotto controllo la Blood Hunger. Tutto questo si inserisce nei 30 giorni e 30 notti narrativi concessi per salvare la famiglia, anche se esplorazione e combattimenti non fanno avanzare continuamente il tempo.

The Blood of Dawnwalker arriverà il 3 settembre 2026 e proprio questa alternanza sembra destinata a essere una delle meccaniche da comprendere meglio fin dalle prime ore. Più che scegliere definitivamente tra umano e vampiro, il gioco chiederà di capire quando conviene essere l’uno e quando servono i poteri dell’altro.

La distinzione è importante: dal 27 marzo 2023 non è più possibile acquistare nuovi giochi o DLC attraverso il Nintendo eShop di Nintendo 3DS, ma la chiusura commerciale dello store non ha coinciso con la rimozione immediata della possibilità di recuperare i contenuti comprati in precedenza. Nintendo mantiene infatti una guida ufficiale per riscaricare i giochi acquistati su Nintendo 3DS.

Si possono ancora riscaricare i giochi Nintendo 3DS nel 2026?

Sì. Al momento della pubblicazione di questa guida, Nintendo consente ancora di accedere all’eShop della famiglia Nintendo 3DS per recuperare software digitali già acquistati. Non bisogna quindi confondere la possibilità di comprare nuovi contenuti con quella di scaricare nuovamente quelli già associati alla propria console e alla propria cronologia degli acquisti.

Nintendo aveva chiuso definitivamente le vendite digitali su Nintendo 3DS e Wii U il 27 marzo 2023. Da quel momento non si possono acquistare nuovi giochi o DLC né riscattare normalmente nuovi codici per software 3DS, ma alcune funzioni dello store sono rimaste operative proprio per permettere agli utenti di gestire ciò che possiedono già.

Si tratta di una distinzione utile soprattutto per chi riaccende la console dopo anni e trova una scheda SD vuota, un gioco precedentemente cancellato oppure vuole liberare temporaneamente spazio. In questi casi non è necessario ricomprare il titolo: se il software compare tra quelli scaricabili nuovamente, può essere recuperato senza un nuovo pagamento.

Come riscaricare un gioco acquistato su Nintendo 3DS

La procedura indicata direttamente da Nintendo richiede pochi passaggi. Devi utilizzare la console Nintendo 3DS o Nintendo 2DS sulla quale sono disponibili gli acquisti e collegarla a Internet, quindi aprire il Nintendo eShop.

1. Apri Nintendo eShop dal menu HOME della console.
2. Accedi al Menu dell’eShop.
3. Seleziona Settings / Other, cioè Impostazioni/Altro a seconda della lingua impostata sulla console.
4. Scorri fino alla voce Redownloadable Software.
5. Individua il gioco che vuoi recuperare.
6. Seleziona Redownload e segui le indicazioni mostrate sullo schermo per avviare nuovamente il download.

Nintendo descrive espressamente questa procedura anche nella propria pagina dedicata alla visualizzazione dei software già scaricati. Nella documentazione Nintendo su Redownloadable Software, la società specifica che la sezione mostra l’elenco dei titoli precedentemente scaricati e permette di aggiornarli o riscaricarli.

Dove si trova Redownloadable Software su Nintendo 3DS

La voce più importante da cercare è quindi Redownloadable Software. Non aspettarti di trovare la vecchia vetrina dell’eShop funzionante come prima della chiusura: ciò che interessa è l’area collegata alla cronologia dei contenuti già ottenuti.

Secondo le indicazioni ufficiali Nintendo, il percorso passa dal menu del Nintendo eShop, quindi da Settings / Other e infine da Redownloadable Software. Nella documentazione destinata ad alcune regioni viene mostrato anche il passaggio attraverso History e Your Downloads: l’organizzazione delle voci può quindi presentarsi leggermente diversa in funzione della versione e della regione del sistema, ma il principio rimane quello di raggiungere l’elenco dei software già associati alla console.

Se il titolo che cerchi compare nell’elenco, puoi selezionarlo e avviare il nuovo download. Prima di farlo è naturalmente necessario avere abbastanza spazio libero sulla scheda SD o microSD utilizzata dalla console.

Cosa puoi riscaricare dopo la chiusura dell’eShop

La funzione riguarda innanzitutto i software digitali precedentemente acquistati e ancora disponibili per il download attraverso l’infrastruttura Nintendo. Lo stesso principio può riguardare giochi che erano stati installati in precedenza sulla console e successivamente cancellati.

Nintendo conferma inoltre che anche alcuni software preinstallati forniti insieme a specifiche console Nintendo 3DS possono essere recuperati dall’eShop se sono stati eliminati dalla scheda SD, purché risultino correttamente associati al sistema.

Questo rende la funzione particolarmente utile per chi ha conservato una raccolta digitale negli anni. Prima della chiusura dello store erano disponibili numerosi giochi esclusivamente digitali o difficili da reperire fisicamente. Su iCrewPlay avevamo seguito anche la fase precedente alla dismissione, quando Capcom ricordava agli utenti la chiusura dell’eShop Nintendo 3DS e la necessità di gestire per tempo i propri contenuti.

Cancellare un gioco significa perderlo definitivamente?

No, almeno per quanto riguarda la licenza di un software che risulta ancora tra i contenuti scaricabili. Eliminare il gioco dalla memoria della console non equivale automaticamente a perdere il diritto di riscaricarlo.

Bisogna però prestare molta più attenzione ai dati di salvataggio. Nintendo specifica nella propria documentazione sul software digitale per 3DS che i salvataggi delle versioni scaricabili sono memorizzati sulla scheda SD. Eliminare software o intervenire sulla scheda senza aver verificato cosa verrà rimosso può quindi avere conseguenze differenti rispetto alla semplice possibilità di recuperare nuovamente il gioco.

Prima di cancellare contenuti da una vecchia scheda SD è quindi prudente controllare quali dati siano presenti e, quando possibile, conservarne una copia secondo le modalità supportate dal sistema. Il fatto che il gioco possa essere riscaricato non implica necessariamente che tutti i progressi personali possano essere ricostruiti automaticamente.

Cosa fare se il gioco non compare tra quelli riscaricabili

Se un gioco che ricordi di aver acquistato non appare nella sezione dedicata, non conviene procedere immediatamente con formattazioni o modifiche alla console. Prima è meglio verificare che il sistema e la configurazione utilizzata siano effettivamente quelli collegati alla precedente cronologia degli acquisti.

Un’altra situazione possibile riguarda un trasferimento effettuato in passato da una console della famiglia Nintendo 3DS a un’altra. Nintendo prevede una specifica procedura di System Transfer per trasferire i dati tra sistemi compatibili e la documentazione ufficiale indica che, dopo un trasferimento correttamente completato, il software digitale acquistato può essere nuovamente scaricato senza costi aggiuntivi.

• Controlla che la console sia connessa correttamente a Internet.
• Verifica di avere spazio sufficiente sulla scheda SD o microSD.
• Controlla attentamente la sezione Redownloadable Software.
• Se hai cambiato console, verifica come è stato effettuato il precedente trasferimento dei dati.
• Evita di formattare il sistema o modificare account e dati senza aver prima verificato la situazione con l’assistenza Nintendo.

Chiusura eShop e servizi online Nintendo 3DS non sono la stessa cosa

Un altro possibile motivo di confusione è la progressiva chiusura dei diversi servizi della console. La fine delle vendite sul Nintendo eShop è avvenuta nel marzo 2023, mentre Nintendo ha successivamente interrotto anche gran parte delle funzionalità online dedicate ai giochi per Nintendo 3DS e Wii U.

Questi eventi non significano però automaticamente che ogni servizio legato alla console sia stato spento nello stesso momento. Il recupero dei software precedentemente acquistati è rimasto disponibile separatamente, motivo per cui ancora oggi è possibile aprire l’eShop per questa specifica funzione.

La chiusura dello store aveva inoltre generato altre conseguenze particolari nell’ecosistema Nintendo. Un esempio riguarda Pokémon Bank, di cui avevamo parlato nel nostro approfondimento sulla Banca Pokémon diventata gratuita dopo la chiusura dell’eShop.

Conviene riscaricare subito i propri giochi Nintendo 3DS?

Se possiedi ancora un Nintendo 3DS o Nintendo 2DS funzionante e hai giochi digitali a cui tieni, può essere una buona idea controllare periodicamente la tua libreria e conservare sulla scheda di memoria i titoli più importanti. Nintendo permette ancora il nuovo download dei contenuti acquistati, ma questa possibilità dipende necessariamente dal mantenimento dei relativi servizi online.

Nintendo non ha comunicato, nelle pagine di supporto consultate per questa guida, una data precisa in cui la funzione di nuovo download dei giochi 3DS verrà definitivamente disattivata. Per questo non sarebbe corretto indicare una scadenza che al momento non esiste.

La situazione attuale è quindi semplice: non puoi più acquistare nuovi giochi Nintendo 3DS sull’eShop, ma puoi ancora riscaricare quelli già acquistati. Basta aprire Nintendo eShop, raggiungere Settings / Other, entrare in Redownloadable Software e selezionare il titolo da recuperare. Per chi possiede ancora una libreria digitale sulla storica portatile Nintendo, è una funzione da conoscere e, soprattutto, da non confondere con la vecchia possibilità di acquistare nuovi contenuti.

Negli ultimi mesi Sony ha mostrato gameplay, trailer dedicati alla storia e persino una lunga anteprima giocabile. Possiamo quindi ricostruire ciò che è utile sapere prima dell’uscita senza addentrarci nelle anticipazioni provenienti da leak o materiale non ufficiale. Se vuoi recuperare anche il precedente approfondimento, abbiamo già raccolto tutto ciò che sappiamo su gameplay e trama di Marvel’s Wolverine.

Quando esce Marvel’s Wolverine e su quali piattaforme

La data è ufficiale: Marvel’s Wolverine uscirà il 15 settembre 2026. Il gioco è sviluppato da Insomniac Games in collaborazione con Marvel Games e Sony Interactive Entertainment ed è stato progettato appositamente per PlayStation 5. Non è prevista una versione PS4. La pagina ufficiale PlayStation di Marvel’s Wolverine lo presenta inoltre come un’avventura d’azione narrativa esclusivamente single player.

Un dettaglio particolarmente importante riguarda la struttura: non siamo davanti a un open world. Insomniac ha scelto un’avventura più guidata, pur lasciando spazio all’esplorazione di singole aree, alla ricerca di materiali, collezionabili, conversazioni opzionali ed elementi legati ai ricordi di Logan. La recente prova pubblicata da PlayStation mostra, per esempio, la possibilità di esplorare Lowtown a Madripoor con una certa libertà tra una sequenza narrativa e l’altra. ([PlayStation][1])

La storia di Marvel’s Wolverine: da dove parte Logan

La storia non adatta direttamente una particolare saga dei fumetti. Insomniac parla di una trama originale costruita attorno a James “Logan” Howlett e al suo difficile rapporto con l’identità di Wolverine. Quando inizia l’avventura, sono trascorsi tre anni da quando Logan ha lasciato il Team X. Il protagonista pensava di essersi lasciato quella vita alle spalle, ma una nuova crisi che coinvolge i mutanti lo costringe a tornare.

Il principale motore degli eventi è Bolivar Trask. L’industriale è convinto della superiorità degli esseri umani e utilizza le proprie risorse per catturare mutanti. L’anteprima ufficiale ha aggiunto un dettaglio significativo: le vittime vengono studiate e successivamente eliminate, mentre i Reaver operano come forza armata al servizio dei suoi progetti. Wolverine torna così al fianco del Team X per fermare ciò che sta accadendo.

Al centro della vicenda ci saranno però anche identità, memoria e conflitto interiore. Logan appare inizialmente privo di ricordi su una parte del proprio passato e l’indagine sulle sue origini procederà insieme alla battaglia per la sopravvivenza dei mutanti.

Team X: Mystica, Sabretooth e Nathaniel Essex

Team X avrà un ruolo decisamente più importante di quanto lasciassero intuire i primi trailer. Secondo l’anteprima ufficiale pubblicata ad agosto, la task force è stata creata da Nathaniel Essex con l’obiettivo di proteggere i mutanti. Tra i suoi membri troviamo Logan, Mystica e Sabretooth.

Il rapporto fra i tre sembra destinato a diventare uno degli elementi narrativi più interessanti. L’abbandono di Wolverine ha lasciato conseguenze diverse sui suoi vecchi compagni: Mystica appare concentrata sulla missione e capace di sfruttare le proprie trasformazioni anche sul campo, mentre Sabretooth non nasconde il risentimento nei confronti di Logan. Non viene quindi presentato semplicemente come il classico antagonista del protagonista, almeno nella fase iniziale dell’avventura.

Essex è invece legato direttamente al passato di Wolverine: secondo quanto mostrato nella prova, fu proprio lui a trovare Logan anni prima, quando si trovava in uno stato selvaggio, e a dare vita a Team X. La ricerca dei ricordi perduti potrebbe quindi rendere questo personaggio particolarmente importante per comprendere le origini della versione di Wolverine creata da Insomniac.

Jean Grey e gli altri personaggi confermati

Un’altra figura centrale sarà Jean Grey. Insomniac la descrive come una potente telecineta e come una leader emergente di un gruppo di mutanti perseguitati. Il rapporto con Logan sembra costruito gradualmente: durante una sequenza ambientata al Princess Bar di Madripoor, Wolverine arriva a confidarle la propria paura di perdere il controllo della rabbia e il desiderio di diventare una persona migliore.

Tra i personaggi e le fazioni ufficialmente confermati troviamo inoltre numerosi nomi familiari dell’universo Marvel:

• Bolivar Trask, principale responsabile della persecuzione dei mutanti mostrata finora
• Omega Red, affrontato da Logan durante le operazioni contro Trask
• Deathstrike, presentata come una delle grandi antagoniste della storia
• The Hand, fazione nemica con cui Wolverine condivide un passato ancora da scoprire
• i Reaver, mercenari cibernetici impiegati nella caccia ai mutanti

Il trailer della storia mostrato al Comic-Con di San Diego ha confermato in particolare Deathstrike e The Hand, specificando che il legame passato fra Wolverine e l’organizzazione sarà approfondito durante il gioco.

Canada, Tokyo e Madripoor: le ambientazioni confermate

Marvel’s Wolverine non resterà confinato in una singola città. La storia porterà Logan in diversi luoghi del mondo e PlayStation ha già indicato esplicitamente tre grandi ambientazioni: le foreste innevate del Canada, le strade di Tokyo e Madripoor, la celebre isola-stato dell’universo Marvel.

La recente anteprima ha mostrato soprattutto Madripoor e il quartiere di Lowtown. Qui è presente anche il Princess Bar, gestito da Tyger, che sembra funzionare almeno in una parte dell’avventura come punto in cui parlare con alleati, raccogliere informazioni ed esplorare con maggiore calma rispetto alle sezioni di combattimento. I sensi di Wolverine permettono persino di individuare conversazioni, tracce odorose e altri elementi interessanti nell’ambiente.

La missione iniziale mostrata alla stampa si svolge invece nelle terre selvagge di Telambang e porta Team X a infiltrarsi in una struttura appartenente a Trask. Il continuo passaggio fra scenari molto diversi sembra dunque una delle caratteristiche narrative e visive dell’avventura, più che la costruzione di una singola grande mappa aperta.

Non è open world: come funziona l’esplorazione

La conferma dell’assenza di un open world distingue nettamente Marvel’s Wolverine dalla struttura dei Marvel’s Spider-Man. Non significa però che il giocatore dovrà semplicemente avanzare lungo corridoi lineari. Nell’hands-on ufficiale sono descritte aree dove è possibile rallentare, parlare con i personaggi, seguire tracce grazie ai sensi di Logan e cercare oggetti nascosti.

Esplorando si possono trovare casse contenenti materiali per i potenziamenti e bottiglie di whisky da collezione. Sono presenti anche le cosiddette porte dell’incubo, che conducono Logan verso prove a tempo ambientate in versioni alterate degli scenari già visitati. Completandole è possibile recuperare ricordi dimenticati del protagonista, collegando quindi l’esplorazione direttamente al tema della memoria.

Chi vuole approfondire le differenze rispetto alle precedenti produzioni dello studio può recuperare anche il nostro confronto dedicato a Marvel’s Wolverine e alle differenze con Spider-Man. Le nuove informazioni confermano una direzione molto più concentrata sulla violenza degli scontri e sulla storia personale di Logan.

Combattimento, Furia e potenziamenti di Wolverine

Il combattimento punta a trasformare Wolverine in un personaggio estremamente aggressivo. Logan può lanciarsi rapidamente contro i bersagli, usare gli artigli in combo ravvicinate, parare, eseguire tecniche speciali e sfruttare approcci furtivi quando la situazione lo richiede. Sono presenti tecniche potenziabili e adattamenti che migliorano statistiche come salute e capacità legate alla Furia.

La Furia è organizzata su tre livelli e cresce combattendo con efficacia. Salendo di livello cambiano potenza e opzioni disponibili: al secondo livello Logan può sfruttare la propria rabbia per recuperare da una situazione critica, mentre al terzo gli attacchi diventano più devastanti e permettono brutali colpi critici.

Ci saranno però circostanze in cui il fattore rigenerante non potrà risolvere ogni problema. Trask dispone di inibitori capaci di bloccare le abilità dei mutanti, costringendo Wolverine a combattere senza poter contare normalmente sulla guarigione. Fra gli avversari mostrati figura anche un prototipo di Sentinella progettato proprio per individuare ed eliminare i mutanti.

Cosa sapere prima di giocare Marvel’s Wolverine

Non sembra necessario conoscere ogni dettaglio dei fumetti per avvicinarsi al gioco. Insomniac sta costruendo una propria interpretazione del personaggio e una storia originale, pur utilizzando figure, organizzazioni e concetti ben noti dell’universo Marvel. Esiste anche un fumetto prequel digitale scritto dal Narrative Director Walt Williams, pensato per raccontare gli eventi precedenti al gioco e il difficile rapporto di Logan con Team X. È disponibile attraverso Marvel Unlimited.

Le informazioni ufficiali delineano quindi un’avventura che vuole combinare la brutalità tipica di Wolverine con una storia molto personale. Il conflitto con Trask costituisce la minaccia immediata, ma il vero percorso sembra riguardare la domanda su chi sia Logan quando non può più fidarsi pienamente dei propri ricordi e su quale posto voglia occupare in un mondo che sta appena iniziando a confrontarsi con l’esistenza dei mutanti.

Restano naturalmente molti elementi che Insomniac non ha ancora raccontato, soprattutto sulle origini del protagonista e sui rapporti fra i diversi personaggi. Ed è probabilmente meglio così: a poche settimane dal 15 settembre, conosciamo abbastanza per capire la direzione di Marvel’s Wolverine senza avere già davanti l’intero percorso narrativo.

Tra le novità più recenti troviamo OMAROTM12, insieme ai codici ysa6pfr4hk e hfxpneakdd. Restano inoltre segnalati come funzionanti diversi codici pubblicati nei mesi precedenti.

Di seguito trovi la lista aggiornata dei codici Once Human ad agosto 2026, le ricompense conosciute e la procedura per riscattarli.

Codici Once Human attivi ad agosto 2026

La lista seguente è stata verificata sulla base delle informazioni disponibili al 19 agosto 2026. I codici possono avere una durata limitata, un numero massimo di riscatti oppure essere disattivati senza preavviso: conviene quindi provarli il prima possibile.

Per alcuni codici appena pubblicati non è ancora disponibile un elenco sufficientemente affidabile dei singoli oggetti inclusi nella ricompensa. In questi casi abbiamo preferito non attribuire premi specifici non verificati.

Ricorda inoltre che un codice indicato come attivo potrebbe raggiungere un limite massimo di riscatti. Se ricevi un messaggio di errore, controlla prima di tutto di averlo scritto correttamente e prova a rispettare esattamente maiuscole, minuscole e numeri.

Quali codici Once Human conviene riscattare per primi?

Se non vuoi inserire subito tutti i codici, conviene cominciare da quelli pubblicati più recentemente e da quelli associati a una scadenza.

• OMAROTM12: è uno dei codici più recenti e viene indicato come valido fino al 10 settembre 2026.
• ysa6pfr4hk e hfxpneakdd: sono tra le aggiunte più recenti alla lista di agosto.
• CONSOLEDEV: offre 2.000 Starchrom oltre a tre Gamer Pro Gift Box.
• 2026SFOH e S3STREAMER: includono 1.000 Starchrom ciascuno insieme ad altre ricompense.
• GEARUP01 e STARDESK01: consentono di ottenere una Stardust Secret Crate: S13 e altre risorse.

A cosa servono i codici in Once Human

I codici promozionali permettono di ottenere ricompense gratuite senza doverle acquistare o conquistare esclusivamente attraverso le normali attività di gioco.

Tra i bonus distribuiti più frequentemente troviamo:

• Starchrom, una risorsa particolarmente importante per il sistema della Wish Machine
• Mitsuko’s Mark e altre valute legate ai sistemi e agli eventi del gioco
• Stardust Source e Stardust Ether
• casse e Gift Box contenenti ricompense aggiuntive
• Paradise Coins e buoni utilizzabili nello shop
• consumabili utili durante l’esplorazione e i combattimenti

Per chi ha appena iniziato, queste ricompense possono rendere più semplice accumulare risorse nelle prime ore, mentre per i giocatori veterani rappresentano soprattutto un modo per ottenere gratuitamente valute e oggetti collegati ai diversi sistemi stagionali.

Come riscattare i codici Once Human

Il riscatto dei codici richiede soltanto pochi passaggi. Il percorso può cambiare leggermente a seconda della versione utilizzata.

Come riscattare i codici su PC

1. Avvia Once Human.
2. Completa la parte iniziale del gioco necessaria per accedere alle relative funzioni.
3. Apri il menu dedicato agli eventi o allo shop.
4. Seleziona Redeem Code o l’opzione equivalente per riscattare un codice.
5. Inserisci il codice esattamente come indicato e conferma.

Come riscattare i codici su mobile

1. Apri Once Human su iOS o Android.
2. Apri il menu nell’angolo superiore destro.
3. Entra nelle Impostazioni.
4. Cerca la voce Redeem Code.
5. Inserisci il codice e premi il pulsante di conferma.

Se il codice è ancora valido e il riscatto viene accettato, le ricompense vengono associate al tuo account.

Perché un codice Once Human non funziona?

Se uno dei codici della lista restituisce un errore, non significa necessariamente che sia stato inserito nel modo sbagliato. I motivi possono essere diversi.

• il codice potrebbe essere scaduto recentemente
• potrebbe essere stato raggiunto il numero massimo di riscatti
• il codice potrebbe essere già stato utilizzato sul tuo account
• potresti aver confuso una lettera con un numero o inserito qualche carattere in modo errato
• alcune promozioni possono essere soggette a condizioni specifiche

La soluzione migliore è quindi copiare e incollare direttamente il codice ed evitare di aspettare troppo prima del riscatto.

Cos’è Once Human

Once Human è un survival open world free-to-play ambientato in un mondo trasformato dalla contaminazione dello Stardust. Il giocatore deve raccogliere risorse, costruire una base, sviluppare il proprio equipaggiamento e affrontare creature e anomalie che popolano lo scenario post-apocalittico.

Il gameplay combina diversi elementi:

• sopravvivenza open world
• costruzione e gestione della base
• esplorazione e raccolta di risorse
• cooperazione tra giocatori
• combattimenti contro creature e boss

Per conoscere aggiornamenti, eventi e comunicazioni direttamente dagli sviluppatori puoi consultare anche il sito ufficiale di Once Human.

Starchrom: perché è una delle ricompense più ricercate

Tra i premi distribuiti attraverso i codici, lo Starchrom continua a essere uno dei più interessanti. La risorsa è strettamente collegata alla Wish Machine e all’acquisizione di blueprint ed equipaggiamenti utili alla progressione.

Non sorprende quindi che codici come CONSOLEDEV, che assegna 2.000 Starchrom, oppure 2026SFOH e S3STREAMER, con 1.000 Starchrom ciascuno, siano tra quelli che vale la pena provare per primi.

Quando arrivano nuovi codici Once Human

Non esiste un calendario fisso per la pubblicazione dei codici. Nuove combinazioni possono comparire in occasione di:

• aggiornamenti e nuovi contenuti
• anniversari
• eventi speciali
• streaming e iniziative della community
• collaborazioni con creator
• lanci su nuove piattaforme

Proprio per la loro natura temporanea, è consigliabile controllare periodicamente la lista e riscattare subito ogni nuovo codice disponibile.

Once Human arriva su PS5 e Xbox ad agosto 2026

Agosto sarà inoltre un mese particolarmente importante per il futuro di Once Human. Dopo essere arrivato su PC e dispositivi mobile, il survival è infatti pronto ad ampliare ulteriormente il proprio pubblico.

Gli sviluppatori hanno annunciato che Once Human arriverà su PlayStation 5 e Xbox il 25 agosto 2026. Il debutto console rappresenta quindi uno dei principali appuntamenti del mese e potrebbe portare una nuova ondata di giocatori nel mondo contaminato dallo Stardust.

Puoi seguire gli annunci e le comunicazioni più recenti anche attraverso il profilo ufficiale di Once Human.

Con il lancio console ormai vicino e nuovi codici ancora pubblicati nel corso di agosto, conviene quindi tenere sotto controllo le iniziative dedicate alla community: proprio eventi e ricorrenze di questo tipo sono spesso accompagnati da nuove ricompense gratuite.

Hai già riscattato i nuovi codici di Once Human? Scrivici nei commenti quali funzionano ancora sul tuo account e seguici su Instagram per altri codici, guide e aggiornamenti sui giochi del momento.

Il titolo arriverà il 27 agosto 2026 su PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S e propone una campagna single-player tattica a turni. Dopo la presentazione iniziale, il gameplay mostrato al Summer Game Fest e le informazioni diffuse al San Diego Comic-Con 2026 hanno chiarito molti elementi della trama, pur lasciando ancora qualche margine di incertezza sulla sua collocazione cronologica precisa.

Star Wars Zero Company è canonico?

Tutto porta a considerare Star Wars Zero Company parte della continuity canonica attuale di Star Wars. Lucasfilm presenta il gioco sul sito ufficiale di Star Wars come una storia originale ambientata nell’era delle Guerre dei Cloni, sviluppata da Bit Reactor insieme a Lucasfilm Games. Non viene indicato come progetto Legends, universo alternativo o racconto esterno alla continuity principale.

C’è però una precisazione importante: nelle comunicazioni ufficiali consultate Lucasfilm non utilizza esplicitamente una formula come ‘questo videogioco è canonico’. La sua appartenenza alla continuity si ricava dal modo in cui viene inserito nella narrativa ufficiale e dalla collaborazione diretta con Lucasfilm Games. È inoltre probabile che gli elementi puramente ludici, come alcune possibilità di personalizzazione o gli esiti variabili delle missioni, non vadano interpretati tutti come eventi rigidi della cronologia.

La presenza di Anakin Skywalker rafforza ulteriormente il legame con l’universo narrativo principale: il Jedi compare durante la campagna e incrocia la strada della Zero Company nel corso di una propria missione. Per chi vuole recuperare gli altri annunci mostrati insieme al gioco, abbiamo raccolto anche le principali novità del Summer Game Fest 2026.

Quando è ambientato Star Wars Zero Company?

La risposta ufficiale è piuttosto precisa sul periodo generale, ma non ancora sul singolo anno: Star Wars Zero Company si svolge verso la fine delle Guerre dei Cloni. Lucasfilm utilizza l’espressione ‘twilight of the Clone Wars’, cioè il tramonto del conflitto che oppone la Repubblica Galattica alla Confederazione dei Sistemi Indipendenti.

Questo significa che la vicenda appartiene alla stessa grande fase storica raccontata dalla serie The Clone Wars e precedente alla nascita dell’Impero Galattico. Non è stato però indicato ufficialmente un punto esatto della timeline, né è stata confermata una collocazione rispetto a battaglie o episodi specifici della serie animata.

Anche l’apparizione di Anakin permette soltanto di restringere il campo, senza stabilire una data definitiva. Il gioco racconta infatti operazioni condotte lontano dai principali fronti militari e punta proprio a mostrare un lato più nascosto della guerra. Meglio quindi evitare, almeno fino a nuove informazioni ufficiali, di attribuirgli un anno preciso o di collocarlo automaticamente a ridosso degli eventi de La vendetta dei Sith.

La storia di Hawks e della Zero Company

Il protagonista è Hawks, un ex ufficiale della Repubblica che ha lasciato il servizio e guida una compagnia indipendente specializzata in investigazioni clandestine e operazioni tattiche. Hawks è personalizzabile dal giocatore nell’aspetto e in diversi elementi della sua specializzazione, ma possiede un passato narrativo già definito.

Secondo quanto raccontato dagli sviluppatori, Hawks è un ufficiale caduto in disgrazia che, dopo aver abbandonato la Repubblica, si mantiene accettando incarichi insieme alla propria squadra. La situazione cambia quando Zero Company viene coinvolta in una minaccia molto più grande di un semplice contratto mercenario.

L’obiettivo principale sarà fermare Kundri Fathom, leader della Spira Infinita, un culto paramilitare schierato con i Separatisti. Le informazioni diffuse durante il San Diego Comic-Con 2026 hanno aggiunto un dettaglio particolarmente rilevante: il gruppo intende diffondere nella galassia una pericolosa ‘shadow plague’, trasformando quella che inizialmente sembra una guerra combattuta nell’ombra in una minaccia potenzialmente galattica.

Chi farà parte della Zero Company?

Hawks non sarà solo. La squadra unirà personaggi provenienti da fazioni e culture molto diverse, una scelta coerente con l’idea di raccontare la guerra da una prospettiva meno convenzionale rispetto al classico confronto tra esercito della Repubblica e Separatisti.

• Trick, un clone disilluso interpretato da Dee Bradley Baker.
• Cly Kullervo, una guerriera mandaloriana appartenente all’antico Clan Verminoth.
• Tel-Rea Vokoss, una Padawan Jedi Tognath.
• Runa Blask, collaboratrice di Hawks con un passato legato ai Separatisti.
• Operatori aggiuntivi reclutabili e personalizzabili dal giocatore.

Il gioco permetterà quindi di affiancare personaggi scritti dagli autori a reclute create e configurate dal giocatore. Le relazioni fra i membri della squadra avranno anche conseguenze sul gameplay: combattere insieme permetterà di sviluppare legami e sbloccare nuove sinergie tattiche.

Una storia delle Guerre dei Cloni vista dalle ombre

Il punto più interessante di Star Wars Zero Company potrebbe essere proprio la prospettiva scelta. Non guideremo un esercito della Repubblica né seguiremo una campagna Jedi tradizionale. La Zero Company opera ai margini del conflitto, occupandosi di investigazioni, sabotaggi e missioni che il resto della galassia potrebbe non conoscere mai.

Bit Reactor e Lucasfilm Games hanno dichiarato di voler raccontare una storia autenticamente Star Wars, ma osservando le Guerre dei Cloni da un’angolazione diversa. La presenza di Anakin dovrebbe quindi funzionare come collegamento con gli eventi conosciuti senza trasformare necessariamente il gioco in una riproposizione di battaglie già viste.

Sul sito ufficiale di Electronic Arts viene confermato che le decisioni del giocatore influenzeranno il percorso della campagna e la sorte dei membri della squadra. Tra una missione e l’altra sarà inoltre possibile gestire la Den, la base operativa di Zero Company, raccogliere informazioni e preparare gli operatori per gli incarichi successivi.

Cosa resta ancora da scoprire prima dell’uscita

A pochi giorni dal lancio conosciamo quindi il contesto, l’antagonista e buona parte dei protagonisti, ma manca ancora un dettaglio importante: la posizione cronologica esatta all’interno delle Guerre dei Cloni. È un’informazione rilevante soprattutto per capire quanto da vicino la vicenda potrà avvicinarsi agli avvenimenti che porteranno alla caduta della Repubblica.

Quel che è certo è che Zero Company vuole inserirsi in uno dei periodi più densi dell’universo di Star Wars senza raccontare ancora una volta la guerra dal punto di vista dei suoi protagonisti più famosi. Se il progetto manterrà questa promessa, potremmo ritrovarci davanti a un tassello narrativo capace di ampliare le Guerre dei Cloni mostrando ciò che accadeva lontano dai riflettori.

Star Wars Zero Company sarà disponibile dal 27 agosto 2026. Il titolo rientra inoltre nella già ricchissima line-up dell’anno, che abbiamo riepilogato nel nostro approfondimento sui giochi Xbox annunciati per il 2026.

The Sinking City 2 arriva il 18 agosto 2026 e il numero nel titolo può generare un dubbio piuttosto comprensibile: bisogna aver giocato The Sinking City prima di iniziare il sequel?

La risposta breve è no.

Frogwares ha progettato The Sinking City 2 come una storia autonoma, separata da quella raccontata nel gioco del 2019. Non è quindi necessario conoscere le vicende di Charles Reed o aver esplorato Oakmont per capire quello che succede nel nuovo capitolo.

Il collegamento tra i due giochi esiste soprattutto nell’universo lovecraftiano, nell’atmosfera e in alcune idee alla base della serie.

Per il resto, The Sinking City 2 cambia parecchio.

Serve giocare The Sinking City prima di The Sinking City 2?

No, puoi iniziare direttamente da The Sinking City 2.

Frogwares ha descritto ufficialmente il gioco come una nuova storia standalone, separata dalla precedente.

Questo significa che The Sinking City 2 non continua direttamente la storia del protagonista del primo capitolo e non richiede al giocatore di conoscere il suo finale.

È una scelta particolarmente importante perché The Sinking City poteva concludersi in modi differenti e costruire un sequel strettamente legato a uno di quei finali avrebbe obbligato Frogwares a stabilire una continuità precisa.

The Sinking City 2 aggira completamente il problema.

Chi arriva per la prima volta nella serie può quindi iniziare dal secondo gioco senza sentirsi come se avesse perso metà della storia.

The Sinking City 2 racconta una nuova storia

Il cambiamento più evidente riguarda l’ambientazione.

Il primo The Sinking City portava il giocatore nella città semi-sommersa di Oakmont, nel Massachusetts.

The Sinking City 2 si sposta invece ad Arkham negli anni Venti, reinterpretata ancora una volta attraverso l’orrore cosmico di H.P. Lovecraft.

La città è stata colpita da un’inondazione soprannaturale e il giocatore deve attraversare strade allagate, edifici abbandonati e zone infestate da creature.

Anche il protagonista cambia.

In The Sinking City vestivamo i panni dell’investigatore privato Charles Reed.

Nel sequel seguiamo invece Calvin Rafferty, personaggio introdotto nella nuova storia.

È uno dei segnali più chiari della volontà di Frogwares di rendere il secondo capitolo accessibile anche a chi non conosce l’originale.

Cosa rimane del primo The Sinking City?

Dire che i due giochi sono autonomi non significa che non abbiano nulla in comune.

The Sinking City 2 conserva innanzitutto l’identità lovecraftiana della serie.

Ritroviamo quindi:

• orrore cosmico;
• creature soprannaturali;
• città sommerse e decadenti;
• misteri legati all’occulto;
• investigazioni;
• esplorazione;
• una costante sensazione di vulnerabilità.

Chi ha giocato il primo riconoscerà facilmente molte delle atmosfere tipiche di Frogwares.

Non bisogna però aspettarsi una continuazione tradizionale.

Il nuovo gioco utilizza quelle fondamenta per costruire qualcosa di diverso.

La differenza più grande è nel gameplay

Qui si trova probabilmente il cambiamento più importante.

The Sinking City era principalmente un’avventura investigativa open world con combattimenti. The Sinking City 2 è stato progettato prima di tutto come un survival horror.

Frogwares ha voluto modificare in maniera significativa il peso delle diverse meccaniche.

Nel sequel diventano centrali elementi come:

• gestione delle munizioni;
• risorse limitate;
• inventario;
• esplorazione degli ambienti;
• combattimenti;
• creature;
• puzzle;
• potenziamenti;
• ritorno in aree precedentemente visitate;
• scorciatoie da sbloccare.

Chi vuole approfondire la struttura del gioco può consultare anche il nostro approfondimento su durata e struttura di The Sinking City 2.

La differenza rispetto al primo capitolo non è quindi solamente narrativa.

È cambiata la stessa idea di gioco.

Le investigazioni non sono scomparse

Questa è probabilmente la domanda successiva per chi ha amato The Sinking City.

Se il sequel è diventato un survival horror, cosa è successo alle investigazioni?

Sono ancora presenti, ma non costituiscono più necessariamente il centro dell’intera esperienza.

The Sinking City 2 permette di affrontare investigazioni opzionali che possono offrire informazioni, segreti e vantaggi.

Frogwares mantiene quindi parte del DNA che ha reso riconoscibili i suoi giochi investigativi, senza obbligare il giocatore a trascorrere gran parte dell’avventura interrogando personaggi e collegando prove come accadeva nell’originale.

Per un nuovo giocatore questa struttura può risultare persino più immediata.

Non è necessario conoscere sistemi investigativi precedenti o avere familiarità con The Sinking City per iniziare.

Giocare il primo può comunque essere utile?

Utile sì, necessario no.

Giocare The Sinking City permette soprattutto di capire meglio l’evoluzione di Frogwares e riconoscere alcuni temi ricorrenti.

Potresti apprezzare maggiormente:

• il diverso modo in cui viene rappresentato l’orrore lovecraftiano;
• il passaggio dall’investigazione al survival horror;
• le differenze nella struttura delle città;
• l’evoluzione dei combattimenti;
• il nuovo peso assegnato a risorse e sopravvivenza.

Ma si tratta di valore aggiunto.

Non di informazioni necessarie per comprendere la trama.

È una distinzione importante soprattutto per chi sta pensando di acquistare il nuovo gioco e teme di dover recuperare prima decine di ore del capitolo precedente.

The Sinking City 2 è quindi un sequel?

Sì, ma non nel senso di una continuazione narrativa diretta.

È più corretto considerarlo un nuovo capitolo della stessa identità videoludica.

Condivide il nome, l’ispirazione lovecraftiana e alcuni concetti con The Sinking City, mentre cambia storia, protagonista, città e parte considerevole del gameplay.

È una soluzione simile a quella adottata da molte serie horror che mantengono un universo o un’identità comune senza raccontare necessariamente la stessa vicenda da un episodio all’altro.

Per questo il “2” non deve spaventare chi non ha mai giocato il titolo originale.

Da quale gioco conviene iniziare?

Dipende soprattutto da cosa stai cercando.

Non esiste quindi un ordine obbligatorio.

Se The Sinking City 2 ti interessa soprattutto perché sembra un survival horror lovecraftiano, puoi tranquillamente iniziare dal sequel.

E se possiedo già il primo capitolo?

In quel caso può avere senso giocarlo, ma non perché il sequel lo richieda.

Il primo The Sinking City rimane un’esperienza molto differente e permette di vedere da dove nasce questa particolare interpretazione dell’universo lovecraftiano.

Se però mancano pochi giorni o poche ore al lancio e stai pensando di recuperarlo frettolosamente soltanto per “prepararti” al sequel, non è necessario.

The Sinking City 2 è stato costruito proprio per evitare questa barriera.

The Sinking City 2 esce il 18 agosto

The Sinking City 2 sarà disponibile dal 18 agosto 2026 su PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S.

Frogwares ha inoltre pubblicato una demo gratuita su Steam che permette di provare circa la prima ora dell’avventura e conoscere Calvin Rafferty prima dell’acquisto.

Sul sito abbiamo già raccolto anche prezzo, edizioni e requisiti PC di The Sinking City 2 per chi sta valutando quale versione acquistare.

Le informazioni ufficiali sul gioco sono disponibili anche sulla pagina Steam di The Sinking City 2.

In breve: bisogna recuperare The Sinking City?

No.

The Sinking City 2 racconta una storia autonoma, presenta un nuovo protagonista e si svolge in una città differente.

Aver giocato il primo capitolo permette di cogliere meglio l’evoluzione della serie e alcune delle sue idee, ma non costituisce un requisito narrativo per iniziare il sequel.

È forse proprio questo uno degli aspetti più interessanti del progetto di Frogwares.

The Sinking City 2 conserva il nome e l’anima lovecraftiana del predecessore, ma prova a costruire una propria identità, molto più vicina al survival horror.

Chi non ha mai messo piede a Oakmont può quindi entrare ad Arkham senza bisogno di fare i compiti prima.

Ghetto Zombies: Graffiti Squad tra zombie e graffiti

Ghetto Zombies: Graffiti Squad ha un incipit fumettoso che funge da introduzione a un gioco che della narrativa sembra quasi dimenticarsene tra un’orda e un’altra di zombie. Il che è un peccato visto che poteva cercare di differenziarsi dall’oceano di altri titoli che includono zombie. Ma tornando a noi, a spiccare subito a livello narrativo, seppur giusto per estetica, sono i quattro comprimari.

Parliamo di giovani ragazzi mutanti, due maschi e due femmine, che si differenziano come detto per estetica oltre che per abilità e statistiche. Una differenza quindi più ludica che narrativa visto che avremo ben pochi scambi da leggere. Il gioco, infatti, si piega velocemente al gameplay lasciando all’azione su schermo il ruolo di protagonista. Eppure qualche idea carina c’è: siamo davanti all’ennesima invasione di zombie con tanto di cittadini tramutati in mostri affamati di cervello…

Eppure, non tutto è perduto. Alcuni sono sopravvissuti e si stanno barricando in un quartiere con tanto di ricerche scientifiche in atto. Lo scopo? Cercare una cura. Per farlo però, c’è bisogno di raccogliere il DNA direttamente dagli zombie ambulanti. Ed ecco quindi che si manda all’azione proprio i quattro giovani protagonisti prima citati. Spetta a loro il compito di massacrare gli invasori, difendere la città e raccogliere DNA. 

Ma non solo… perché non fare qualche bel graffito di tanto in tanto? Esatto, i protagonisti dovranno abbandonarsi all’antica arte di disegnare sui muri di città per attirare l’attenzione di nuove ondate di zombie da massacrare e progredire ulteriormente. Una meccanica inizialmente carina e folle, in linea con l’umorismo proposto dal titolo che no, non si prende praticamente mai sul serio, e che vede anzi negli zombie stessi un’ulteriore elemento umoristico. Tra pseudo mostri di Frankenstein in mutande bianche con cuoricini rossi a mostruosi colossi simili-Hulk, c’è un po’ di tutto in Ghetto Zombies: Graffiti Squad.

Uno sparatutto classico e caciarone

Ghetto Zombies: Graffiti Squad è uno sparatutto in terza persona 2D a due levette. Di quelli dove devi muoverti, puntare e sparare tutto manualmente. niente automatismi. In più, qui dovrai prestare molta attenzione ai tempi di ricarica delle armi, alcune decisamente molto lente. Essenziale quindi creare una build varia ma efficace per tutte le situazioni. Tale build la si costruisce cercando ed equipaggiando le giuste armi che sono un po’ le co-protagoniste del titolo.

Ci sono diverse bocche da fuoco con alcune davvero fuori di testa. Peccato che le hitbox non siano eccellenti, anzi. Alcune bocche da fuoco restituiscono un feedback impreciso e quasi scomodo che ti porterà ben presto a focalizzarti unicamente su quelle più precise e comode da utilizzare. Altro elemento essenziale con cui dovrai giostrarti, è l’hub di gioco. L’unica zona sicura. Questa la si ottiene in specifici checkpoint in cui oltre a salvare il gioco, potrai scendere in una sorta di bunker.

Qui troverai gli unici personaggi non giocanti con cui interagire anche se fungono da meri strumenti per potenziare o ricaricare armi, cambiare equipaggiamento o anche potenziare le tue statistiche. Qui potrai anche cambiare personaggio. Questi sono discretamente diversi tra loro soprattutto per specifiche abilità da attacco fisico ravvicinato a mosse difensive semi fantascientifiche. Durante le scorrazzate nel livello di gioco, invece, lo scopo è essenzialmente uno: sterminare zombie. Occhio però alle munizioni che si possono esaurire velocemente alimentando un livello di difficoltà da non prendere sottogambe.

Uccidere i nemici, oltre a farti sopravvivere, ti permette di accumulare valute di gioco da investire in bidoni d’immondizia in cui potrai recuperare energie vitale o nuove armi da equipaggiare. Per progredire, invece, dovrai darti ai graffiti. Questa pratica che richiede la pressione di un solo tasto, attira nuovi zombie ma sblocca anche degli zainetti in cui potresti trovare delle chiavi. Tali chiavi sono essenziali per aprire cancelli e sbloccare nuove aree d’esplorazione. Tutto ciò per un percorso lineare che ti porterà all’inevitabile boss di turno.

Ecco, Ghetto Zombies: Graffiti Squad è essenzialmente tutto qui. La longevità sfiora appena le 4-5 ore ma la ripetitività ludica emerge già dopo la prima ora. Questo avviene perché, essenzialmente, Ghetto Zombies: Graffiti Squad si gioca subito tutte le sue carte e, nonostante una buona varietà di nemici e un cambio di biomi, non avviene altro di significante, neanche sul piano narrativo che, come anticipato, si nasconde dietro lo stesso gameplay. Un peccato considerando il potenziale di base.

Grafica e sonoro

La grafica in pixel art scelta da Ghetto Zombies: Graffiti Squad è molto carina, nostalgica e funzionale all’esperienza. L’impatto generale è positivo e appaga nonostante una certa ripetitività tipica delle orde di zombie. Eppure, sono proprio i nemici ad attirare di più grazie anche al loro lato più “buffo”. Buona anche la cura al dettaglio degli ambienti che risultano uno scenario gradevole in cui dar libero sfogo alla devastazione. Buona anche l’interfaccia di gioco, intuitiva e pratica.

Il sonoro è gradevole e fa il suo dovere seppur senza mai brillare davvero per originalità o ritmo. Buoni gli effetti sonori. Per quanto riguarda le modalità offerte dall’ibrida Nintendo, entrambe si prestano bene per Ghetto Zombies: Graffiti Squad con quella portatile maggiormente consigliata in quanto ospita al meglio il mondo pixelloso oltre a sposarsi adeguatamente alla filosofia mordi e fuggi delle partite. Da segnalare, infine, la totale assenza della lingua italiana anche se c’è poco da leggere e quel poco è molto semplice da comprendere.

Prima del nuovo aggiornamento, i comandanti possono partecipare a una serie di attività celebrative con regali, missioni, Twitch Drop e il nuovo evento Viaggio. Tutti i dettagli sull’anniversario sono disponibili anche nella pagina ufficiale del 16° anniversario di World of Tanks.

World of Tanks festeggia 16 anni con regali e l’evento Viaggio

Le celebrazioni dell’anniversario accompagnano i giocatori per buona parte di agosto. Dal 12 al 31 agosto è possibile reclamare uno speciale regalo che comprende, tra le altre ricompense, un membro dell’equipaggio con esperienza sufficiente per tre talenti, tre giorni di account Premium WoT e una medaglia commemorativa.

Uno degli elementi centrali dei festeggiamenti è Viaggio, il nuovo evento in-game che permette di spostarsi attraverso diverse località iconiche di World of Tanks. La progressione richiede carburante, ottenibile attraverso gli accessi e il completamento delle missioni giornaliere, mentre il percorso scelto determina le ricompense incontrate lungo la strada.

La struttura non è completamente lineare: i giocatori possono scegliere differenti itinerari e utilizzare chiavi per aprire alcuni percorsi bloccati. Tra le ricompense figurano elementi di personalizzazione, risorse e il Chi-Go, nuovo carro medio Premium tedesco di livello VII ottenibile raggiungendo una delle destinazioni finali dell’evento.

Le iniziative stagionali sono ormai una componente importante del supporto a World of Tanks. Soltanto poche settimane fa abbiamo seguito anche lo Speciale Pass di battaglia di World of Tanks dedicato a Far Cry, che aveva introdotto personaggi e contenuti ispirati alla serie Ubisoft.

Bonus anche per chi torna a giocare dopo almeno 60 giorni

Wargaming vuole sfruttare l’anniversario anche per riportare sul campo di battaglia chi non accede al gioco da qualche tempo. I comandanti che non hanno combattuto per almeno 60 giorni possono ricevere un pacchetto dedicato al ritorno.

Tra i vantaggi annunciati figurano 30 giorni di account Premium WoT, accesso a veicoli Premium e ulteriori ricompense e bonus. È un incentivo particolarmente rilevante considerando che il periodo celebrativo precede di poche settimane l’arrivo del grande aggiornamento di settembre.

Non mancano inoltre i Twitch Drop. Guardando gli streaming dedicati a World of Tanks durante le finestre previste è possibile ottenere gettoni Cupcake da utilizzare nel relativo negozio, insieme ad altre ricompense. Gli oggetti disponibili comprendono consumabili, elementi di personalizzazione e persino il carro medio Premium francese M4A1 FL 10 di livello VI.

World of Tanks Overdrive arriva il 2 settembre

Terminate le celebrazioni di agosto, l’attenzione si sposterà sull’aggiornamento 2.4. Overdrive sarà disponibile dal 2 settembre 2026 e Wargaming lo presenta come il più grande aggiornamento di World of Tanks dell’anno.

Il contenuto più evidente sarà una nuova linea di carri pesanti tedeschi composta da quattro veicoli e destinata a culminare con il Pz.Kpfw. Neu di livello XI. La linea introduce il Sistema di calibrazione dei proiettili, una meccanica attraverso la quale i comandanti potranno intervenire sui parametri delle munizioni per adattare maggiormente il fuoco alla situazione tattica.

Le informazioni complete sulle novità sono raccolte nella pagina ufficiale dell’aggiornamento 2.4 di World of Tanks.

Cinque nuovi carri di livello XI si aggiungono al Pz.Kpfw. Neu

Overdrive non si limita alla nuova linea tedesca. In aggiunta al Pz.Kpfw. Neu, l’aggiornamento introduce altri cinque veicoli di livello XI, ciascuno appartenente a una nazione e a una categoria differente.

• Vz. 63P – carro pesante cecoslovacco di livello XI
• BV-111 – carro medio svedese di livello XI
• CAV 71 – carro medio italiano di livello XI
• WZ-219 – carro leggero cinese di livello XI
• Ho-Ri Shugo – cacciacarri giapponese di livello XI

Wargaming ha progettato questi mezzi attorno a meccaniche specifiche, introducendo soluzioni come caricatori adattivi, modalità di fuoco alternative, sistemi di ricognizione e tecnologie pensate per differenziare maggiormente il comportamento dei singoli carri. Considerando anche il Pz.Kpfw. Neu, Overdrive porterà quindi complessivamente sei nuovi veicoli di livello XI.

Oltre 30 carri leggeri verranno ribilanciati

Un’altra parte importante dell’aggiornamento riguarda i carri leggeri. Con la versione 2.4 questi mezzi verranno suddivisi in tre ruoli principali: esploratore, versatile e supporto. La classificazione dovrebbe rendere più chiaro il compito tattico di ciascun veicolo e sarà accompagnata da modifiche al bilanciamento.

Secondo Wargaming, saranno interessati oltre 30 carri leggeri. Le modifiche non avranno ripercussioni soltanto sulle caratteristiche dei singoli veicoli, perché la nuova divisione per ruoli verrà utilizzata anche dal sistema di matchmaking.

L’obiettivo dichiarato è creare formazioni più equilibrate, evitando per quanto possibile situazioni nelle quali due squadre si trovino ad affrontarsi con carri leggeri pensati per funzioni molto differenti. World of Tanks aveva già sperimentato negli anni interventi profondi sulle proprie logiche di matchmaking e sulle categorie di veicoli; anche la versione console aveva ricevuto importanti trasformazioni, come raccontato nel nostro approfondimento su World of Tanks: Modern Armor.

Matchmaking, mappe, grafica e audio cambiano con l’update 2.4

Il matchmaking non sarà l’unico sistema a ricevere modifiche. Overdrive introdurrà anche una nuova gestione della rotazione delle mappe pensata per ridurre le ripetizioni durante le sessioni e aumentare la varietà degli scenari affrontati consecutivamente.

Wargaming interverrà inoltre sulla leggibilità delle battaglie attraverso nuovi effetti grafici e sonori. Colpi, perforazioni, rimbalzi e impatti dovrebbero offrire un feedback più evidente, permettendo al giocatore di comprendere più rapidamente cosa è successo durante uno scontro senza rinunciare alla spettacolarità.

Sono interventi meno immediati rispetto all’introduzione di nuovi carri, ma potrebbero avere un peso considerevole sull’esperienza quotidiana, soprattutto per una community che dopo sedici anni conosce nel dettaglio il comportamento del matchmaking e delle mappe.

Un anniversario che prepara il futuro di World of Tanks

Il sedicesimo anniversario diventa quindi un lungo collegamento tra il passato e la prossima fase del gioco. Agosto è dedicato principalmente a ricompense, missioni e attività celebrative, mentre il 2 settembre segnerà l’arrivo delle modifiche strutturali di Overdrive.

La nuova linea di pesanti tedeschi, i sei veicoli di livello XI complessivi, il ribilanciamento dei leggeri e gli interventi sul matchmaking rendono l’aggiornamento 2.4 molto più di una semplice aggiunta di contenuti. Per i comandanti che hanno continuato a giocare durante questi sedici anni, e per quelli intenzionati a tornare sul campo di battaglia, settembre sarà quindi il momento da tenere maggiormente sotto controllo.

Il progetto cerca quindi di trovare un punto d’incontro tra struttura action RPG, combattimento di derivazione soulslike e una formula più immediata basata sulle singole spedizioni. A pochi giorni dal debutto possiamo ormai fare il punto sulle caratteristiche confermate e, soprattutto, su come funzionerà una delle componenti più interessanti: la cooperativa online per due giocatori.

Crimson Moon: data di uscita e piattaforme

La data ufficiale è fissata al 1° settembre 2026. Come confermato dal sito ufficiale di Crimson Moon, il gioco sarà pubblicato su PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S. Su computer sarà distribuito sia tramite Steam sia attraverso Epic Games Store.

Non risultano invece annunciate versioni per Nintendo Switch o Nintendo Switch 2. Per quanto riguarda Xbox, la comunicazione ufficiale di ProbablyMonsters indica specificamente Xbox Series X|S. Il debutto cade inoltre appena due giorni prima di The Blood of Dawnwalker, previsto per il 3 settembre, rendendo l’inizio del mese particolarmente interessante per chi cerca nuovi action RPG dalle atmosfere oscure.

Che tipo di gioco è Crimson Moon

L’avventura conduce nella città caduta di Gildenarch, un tempo centro sacro e ora invasa da demoni, non-morti, vampiri e altre creature infernali. Il giocatore veste i panni di un Nefilim, un ibrido tra essere umano e angelo creato per difendere l’umanità e riportare sotto controllo i diversi quartieri della città.

Il combattimento punta soprattutto sulla mischia e combina armi, poteri sovrannaturali e trasformazioni angeliche. ProbablyMonsters parla esplicitamente di un sistema ispirato ai soulslike, ma la struttura non sembra voler replicare integralmente la progressione tipica del genere. Il fulcro è rappresentato da missioni e run rigiocabili, nelle quali affrontare gruppi di nemici, ottenere nuove opportunità di crescita e arrivare agli scontri con le cosiddette Dead Gods.

Tra una spedizione e l’altra sarà possibile tornare alla Chiesa, che funziona da base operativa. Qui trovano spazio potenziamenti, interazioni con i personaggi non giocanti e la War Table utilizzata per preparare le missioni successive. Ogni run completata può inoltre introdurre nuove missioni, modificatori e obiettivi legati alle abilità.

Come funziona il multiplayer cooperativo

Crimson Moon potrà essere completato interamente in solitaria, ma tutte le cacce potranno essere affrontate anche in co-op online per due giocatori. ProbablyMonsters ha spiegato sul PlayStation Blog che il sistema non consiste semplicemente nell’aggiungere un secondo personaggio agli stessi combattimenti: gli incontri vengono adattati dinamicamente a seconda che la missione venga giocata da soli oppure in coppia.

La cooperativa introduce inoltre una riserva di vite condivisa durante ogni caccia. Quando un compagno viene sconfitto, l’altro giocatore può rianimarlo, ma ogni morte porta la squadra più vicina al fallimento della spedizione. Questa scelta rende la collaborazione particolarmente importante nei combattimenti più impegnativi e durante gli scontri con i boss.

Il gioco permette anche di combinare build differenti e Weapon Arts, creando sinergie tra i due Nefilim. La componente cooperativa sembra quindi integrata direttamente nella struttura delle missioni, pur rimanendo completamente opzionale. Al momento non è stata confermata ufficialmente la presenza del cross-play tra PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S.

Progressione, difficoltà e rigiocabilità

Uno degli elementi su cui ProbablyMonsters insiste maggiormente è la rigiocabilità. Gildenarch è suddivisa in distretti e Ward progressivamente più pericolosi, mentre le spedizioni possono presentare modificatori e nuove opportunità di sviluppo. L’obiettivo sembra essere quello di spingere il giocatore a sperimentare diverse configurazioni senza trasformare necessariamente ogni sconfitta in una lunga ripetizione delle stesse sezioni.

Anche la difficoltà segue questa filosofia. Crimson Moon prevede un sistema regolabile e, secondo la descrizione ufficiale, le missioni possono adattarsi al livello di sfida scelto. Affrontare condizioni più difficili permette però di ottenere ricompense migliori, creando un rapporto tra rischio e premio che dovrebbe incentivare le run successive.

Resta naturalmente da capire quanto il sistema riesca a mantenere interessanti le missioni nel lungo periodo e quanto profonde siano le possibilità offerte dalle build. Il confronto con altri action RPG sarà inevitabile, anche perché il 2026 ha già proposto produzioni molto diverse tra loro: nella nostra recensione di Duskfade su PlayStation 5, ad esempio, abbiamo visto un approccio all’action decisamente più tradizionale e incentrato sull’avventura.

Standard e Deluxe Edition: cosa includono

ProbablyMonsters ha annunciato due edizioni. Negli Stati Uniti la Standard Edition viene proposta a 19,99 dollari, mentre la Deluxe Edition costa 29,99 dollari. I prezzi possono variare in base alla regione e allo store, quindi questi importi non devono essere considerati automaticamente equivalenti ai prezzi italiani.

La Deluxe comprende il gioco base, il Ceremonial Armor Set, l’Axe of the Gods e l’accesso a una futura espansione post-lancio. Quest’ultima è ancora in sviluppo: contenuti, caratteristiche e finestra di pubblicazione non sono stati definiti definitivamente. Su PlayStation sarà inoltre disponibile un upgrade dalla Standard alla Deluxe al prezzo statunitense annunciato di 10 dollari.

È presente anche un bonus specifico per PlayStation: tutti gli utenti PS5 riceveranno al lancio il Sonai Magistrate Armor Set, indipendentemente dall’edizione acquistata. Su PlayStation 5 Pro è stato inoltre confermato il supporto nativo alla versione aggiornata di PSSR per migliorare la nitidezza dell’immagine.

Requisiti PC e lingua italiana

La pagina Steam indica al momento 50 GB di spazio libero e 16 GB di RAM tra i requisiti minimi, insieme a una GeForce GTX 1070 o Radeon RX 5700 e a un processore Intel Core i5-8400 o AMD Ryzen 5 2600. La scheda Epic Games Store riporta una configurazione minima leggermente differente, quindi sarà opportuno ricontrollare i requisiti definitivi in prossimità dell’uscita.

Una buona notizia per il pubblico italiano riguarda invece la localizzazione. Sia Steam sia Epic Games Store indicano la presenza dell’italiano per interfaccia e testi, mentre il doppiaggio completo risulta disponibile in inglese. Il gioco supporta inoltre controller su PC e non prevede supporto VR.

Cosa sapere prima del lancio di Crimson Moon

Crimson Moon si presenta quindi come un progetto più compatto rispetto ai grandi RPG open world, con un prezzo di ingresso relativamente contenuto negli Stati Uniti e una struttura costruita attorno a combattimento, progressione e ripetibilità delle cacce. Il punto più interessante resta probabilmente la possibilità di vivere l’intera esperienza da soli senza rinunciare a un sistema cooperativo pensato specificamente per due persone.

• Uscita prevista il 1° settembre 2026.
• Piattaforme confermate: PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S.
• Su PC sarà disponibile tramite Steam ed Epic Games Store.
• Campagna completamente giocabile in singolo.
• Cooperativa online opzionale per due giocatori con difficoltà adattiva.
• Missioni rigiocabili, modificatori, potenziamenti e boss chiamati Dead Gods.
• Testi e interfaccia disponibili anche in italiano.
• Standard e Deluxe Edition confermate, con una futura espansione inclusa nella Deluxe.

La vera prova arriverà naturalmente con il gioco completo: quantità e varietà delle missioni saranno decisive per capire se la struttura basata sulle run riuscirà a sostenere la progressione nel tempo. Le premesse, però, delineano un action RPG con un’identità precisa, una forte componente cooperativa e una formula che prova a rendere il combattimento impegnativo accessibile anche a chi non cerca necessariamente l’esperienza più punitiva possibile.

Questa pagina viene aggiornata costantemente. Abbiamo controllato nuovamente i codici disponibili il 18 agosto 2026: nelle ultime settimane sono comparsi diversi nuovi codici legati alla fase di lancio della versione 2.0 e ai contenuti di Hidden Mountain. Riscattali il prima possibile, perché le date di scadenza non vengono sempre comunicate in anticipo.

Codici Where Winds Meet attivi ad agosto 2026

Ecco i codici segnalati come funzionanti nelle verifiche più recenti. Inseriscili esattamente come scritti: alcuni codici distinguono tra lettere maiuscole e minuscole.

I tre codici GOOSELOVEU, FINALTRUTH e MEETINHM sono tra le aggiunte più recenti di agosto. Per alcuni dei nuovi codici alfanumerici le fonti aggiornate confermano la possibilità di riscattarli ma non indicano ancora in modo affidabile il contenuto preciso del premio: per questo abbiamo preferito non attribuire ricompense non verificate.

Le date di scadenza non vengono sempre comunicate ufficialmente. Riscatta quindi i codici appena possibile: quelli legati a eventi, livestream o aggiornamenti possono rimanere disponibili soltanto per un periodo limitato.

Codici scaduti o non più funzionanti

Questi codici sono stati distribuiti in precedenza ma non risultano più affidabili nelle verifiche più recenti. Li manteniamo per riferimento, così puoi riconoscere facilmente eventuali vecchie liste ancora presenti online.

• WWMGO1114 – 100x Echo Jade, 1x Melodia Risonante
• WWMGO1115 – 40x Echo Jade
• WWM251115 – 10x Echo Jade, 5.000 Monete, targhetta Goose God
• WWMGLyoutube – 20x Echo Jade, 5.000 Monete, 2x Scrigno Note Via Interiore
• WWMGLtiktok – 10x Echo Jade, 10.000 Monete
• YYSLSTIB – 10x Echo Jade, 1.000 Monete

Alcuni vecchi codici risultano in una situazione meno chiara, perché sono ancora riportati come attivi da determinate fonti ma non da altre. Se li avevi salvati da una precedente versione di questa guida, puoi comunque provare a riscattarli: il gioco ti segnalerà immediatamente se non sono più disponibili o se li hai già utilizzati.

Come riscattare i codici in Where Winds Meet

La procedura è rapida e viene effettuata direttamente all’interno del gioco. Prima di poter riscattare i codici devi aver completato la parte iniziale dell’avventura e sbloccato la relativa funzione.

1. Apri il menu principale e seleziona l’icona a forma di ingranaggio per entrare nelle Impostazioni.
2. Spostati sulla scheda Altro.
3. Seleziona Codice di riscatto o Exchange Code.
4. Inserisci il codice esattamente come riportato nella tabella e conferma.
5. Apri la casella di posta in gioco per ritirare le ricompense.

Puoi riscattare più codici in sequenza e recuperare poi tutte le ricompense dalla posta. Se giochi da PC, copia e incolla direttamente i codici dalla tabella per ridurre il rischio di errori.

Errori comuni durante il riscatto

Se il codice non viene accettato, prima di considerarlo scaduto controlla alcuni degli errori più frequenti:

• 0 e O: lo zero e la lettera O maiuscola si confondono facilmente;
• 1, l e I: il numero uno, la L minuscola e la I maiuscola possono essere quasi identici in alcuni font;
• 2 e Z: un altro scambio frequente nei codici alfanumerici;
• codice già utilizzato: ogni codice può essere riscattato una sola volta sullo stesso account.

Se dopo aver controllato attentamente il codice continua a non funzionare, potrebbe essere scaduto, aver raggiunto il limite di utilizzi previsto oppure non essere disponibile nella tua regione.

Quando arrivano nuovi codici

I codici di Where Winds Meet non seguono un calendario fisso. Generalmente vengono distribuiti in concomitanza con:

• aggiornamenti e nuove versioni, soprattutto in occasione delle patch più importanti;
• livestream ufficiali e iniziative dedicate alla community;
• eventi e celebrazioni organizzati dagli sviluppatori;
• social e Discord ufficiale, dove possono comparire codici disponibili soltanto per un periodo limitato.

Agosto è stato particolarmente importante per il gioco: il 14 agosto 2026 è arrivata la versione 2.0, mentre Hidden Mountain porta Where Winds Meet in una nuova fase dell’esperienza open world. Puoi consultare anche il sito ufficiale di Where Winds Meet per gli annunci degli sviluppatori.

Cos’è Where Winds Meet

Where Winds Meet è un action RPG open world sviluppato da Everstone Studio e pubblicato da NetEase Games. Ambientato nella Cina del periodo delle Cinque Dinastie e Dieci Regni, propone un mondo ispirato alla tradizione wuxia, nel quale esplorazione, combattimenti, narrazione e attività secondarie convivono all’interno di una struttura free-to-play.

Dopo il debutto su PC e PlayStation 5 e l’arrivo su dispositivi mobili, dall’8 giugno 2026 Where Winds Meet è disponibile ufficialmente anche su Xbox Series X|S, Xbox on PC e Xbox Cloud. Il gioco supporta quindi ormai un ecosistema molto più ampio rispetto al lancio originale.

Ad agosto il gioco è inoltre entrato nella sua fase 2.0, accompagnata da Hidden Mountain. Gli sviluppatori hanno descritto la nuova regione come una delle espansioni più ambiziose realizzate finora, con quattro aree principali, quattordici sotto-regioni e oltre dieci nuovi boss.

FAQ

Quali sono i nuovi codici di Where Winds Meet di agosto 2026?
Tra le aggiunte più recenti troviamo GOOSELOVEU, FINALTRUTH e MEETINHM, insieme a numerosi nuovi codici alfanumerici riportati nella tabella di questa guida.

I codici di Where Winds Meet hanno una scadenza?
Sì, molti codici possono scadere. La data limite però non viene sempre comunicata ufficialmente, quindi è consigliabile riscattarli appena vengono pubblicati.

Posso usare lo stesso codice più volte?
No. Normalmente ogni codice può essere utilizzato una sola volta per account.

Dove trovo nuovi codici di Where Winds Meet?
I nuovi codici possono essere distribuiti attraverso i canali social, il Discord ufficiale, eventi, livestream e aggiornamenti del gioco. iCrewPlay.com aggiorna regolarmente questa pagina con le nuove segnalazioni verificate.

Cosa faccio se ricevo un messaggio di errore?
Controlla innanzitutto di aver digitato correttamente lettere e numeri e verifica di non aver già utilizzato il codice. Se continua a non funzionare, potrebbe essere scaduto o non disponibile per il tuo account o la tua regione.

Seguici su Instagram per restare aggiornato sui nuovi codici e sugli aggiornamenti di Where Winds Meet.

Cos’è Once Human e cosa aspettarsi su console

Once Human è un survival free-to-play ambientato in un mondo devastato dallo Stardust, in cui i giocatori esplorano diversi Scenari con ambientazioni e meccaniche di gioco differenti tra loro. Al lancio su console saranno disponibili sei Scenari e uno spin-off PVP, per un totale stimato di oltre 300 ore di contenuti fin dal primo giorno. Al centro del gameplay ci sono le anomalie, da sfruttare per esplorare la landa infestata dallo Stardust, automatizzare il proprio rifugio e potenziare il personaggio in combattimento.

La nuova visuale in prima persona e le funzioni pensate per console

La novità più rilevante per chi arriva dal PC è la possibilità di passare liberamente dalla visuale in terza persona a quella in prima persona in qualsiasi momento, una funzione pensata appositamente per l’esperienza su grande schermo 4K. La versione console offre inoltre due modalità grafiche, Qualità (4K a 60 fps) e Prestazioni (120 fps), oltre a un supporto avanzato per i controller di nuova generazione: vibrazioni a bassa frequenza differenziate per i mostri più grandi, resistenza precisa dei grilletti durante gli scontri con i boss e feedback tattile elastico per la raccolta del bottino.

Preordini e pacchetti bonus

I preordini sono già attivi sugli store PlayStation e Microsoft, in due fasce distinte. Lo Starter Pack, al prezzo di 9,99 dollari, include la skin per la culla Black Gold Butterfly, tre skin per le armi della linea Midnight Rave, un METAPASS da 30 giorni, una skin per una struttura della base e alcuni oggetti esclusivi per la personalizzazione del profilo. Il Radiance Pack, a 14,99 dollari, aggiunge una selezione di tre outfit per il personaggio, un Battle Pass Premium, un METAPASS da 30 giorni, due gettoni per la lotteria Siderite e una cornice esclusiva per l’avatar. Entrambi i pacchetti sono specifici per piattaforma, quindi i contenuti bonus differiscono leggermente tra la versione PlayStation e quella Xbox.

Crossplay e cross-progression completi

Once Human supporterà crossplay e cross-progression completi fin dal lancio su console, permettendo di giocare insieme e mantenere gli stessi progressi indipendentemente dalla piattaforma scelta tra PC, PlayStation 5 e Xbox Series X|S. Una scelta che punta a unificare fin da subito la community del gioco, evitando la frammentazione tipica di molti lanci multipiattaforma scaglionati nel tempo.

Un lancio che arriva dopo mesi di collaborazioni ed eventi

Il debutto su console arriva in un momento di grande visibilità per Once Human, reduce da collaborazioni di alto profilo come il crossover con Palworld, di cui avevamo parlato nel nostro approfondimento su quando inizia il crossover Once Human x Palworld, oltre a eventi stagionali come Visional Wheel e Trial of Misfortune che hanno mantenuto attiva la community su PC nel corso degli ultimi mesi. Per un titolo nato come free-to-play solo PC e più tardi arrivato su mobile, il salto su PlayStation 5 e Xbox Series X|S rappresenta un passaggio importante: NetEase punta chiaramente a consolidare Once Human come uno dei survival multipiattaforma di riferimento del 2026, in un mercato in cui il genere continua ad attrarre publisher di peso anche grazie a titoli come Palworld stesso, con cui il gioco ha già dimostrato di poter dialogare. Tutte le informazioni sui preordini sono disponibili sugli store ufficiali PlayStation e Microsoft, mentre il trailer di annuncio della data di uscita mostra in anteprima alcune delle sequenze in prima persona pensate appositamente per la versione console.

Store online, abbonamenti, DLC, espansioni, valute virtuali e acquisti in-game hanno reso il pagamento una componente sempre più integrata nell’esperienza del giocatore. Una trasformazione che non riguarda esclusivamente il gaming tradizionale: sistemi molto simili vengono utilizzati anche in altri settori dell’intrattenimento digitale, compreso l’iGaming.

Il videogioco è diventato un ecosistema digitale

Accendere una console o avviare il proprio PC significa ormai avere immediatamente accesso a un enorme catalogo di contenuti acquistabili. Il gioco completo rappresenta soltanto una delle possibilità.

Ci sono espansioni, contenuti aggiuntivi, pass stagionali, skin, valute virtuali e servizi in abbonamento. A questi si aggiungono piattaforme mobile e giochi free-to-play, nei quali l’acquisto digitale può diventare parte integrante dell’esperienza.

Di conseguenza, anche il momento del pagamento deve essere sempre meno invasivo. Un processo eccessivamente lungo rischia di interrompere quell’immediatezza alla quale siamo ormai abituati quando utilizziamo un servizio digitale.

Non sorprende quindi che, accanto alle tradizionali carte, abbiano acquisito maggiore importanza sistemi alternativi come i wallet elettronici.

Perché i wallet si adattano bene al mondo del gaming

Un portafoglio digitale permette essenzialmente di utilizzare un intermediario per effettuare determinate transazioni online, evitando di inserire ogni volta direttamente sul sito utilizzato tutti i dati del proprio conto o della propria carta.

Il concetto si sposa particolarmente bene con il gaming, dove velocità e semplicità hanno un peso importante.

Un giocatore che vuole acquistare un contenuto digitale, ad esempio, si aspetta generalmente di poter concludere l’operazione rapidamente e tornare subito a giocare. La stessa logica vale per molti altri servizi online.

Tra i nomi presenti da tempo in questo settore troviamo Skrill, portafoglio elettronico utilizzabile per pagamenti e trasferimenti di denaro. Il servizio permette di aggiungere fondi attraverso differenti sistemi e successivamente utilizzare il saldo presso le piattaforme che lo supportano.

Dal gaming tradizionale all’iGaming

È interessante osservare come alcune dinamiche sviluppatesi intorno ai videogiochi siano presenti anche nell’iGaming.

I due settori rimangono naturalmente differenti, sia per funzionamento sia per regolamentazione, ma condividono alcune esigenze tecnologiche. In entrambi i casi l’utente interagisce con una piattaforma digitale e si aspetta operazioni semplici, sistemi accessibili da dispositivi differenti e procedure di pagamento comprensibili.

Nel settore dei casinò online, tuttavia, la scelta del metodo di pagamento richiede qualche considerazione aggiuntiva. Oltre alla possibilità di effettuare un deposito bisogna infatti verificare eventuali commissioni, limiti, disponibilità per i prelievi e soprattutto che l’operatore utilizzato sia autorizzato a offrire legalmente il servizio nel proprio Paese.

Per chi vuole approfondire specificamente questo aspetto esistono risorse come la guida ai casino con Skrill, che analizza l’utilizzo di questo particolare wallet nel contesto dei casinò online.

Skrill e i pagamenti nel gioco online

Skrill non nasce esclusivamente per l’iGaming. Il servizio viene utilizzato per differenti tipologie di pagamento online e la stessa società presenta il proprio wallet anche come soluzione utilizzabile nel settore del gaming.

Uno degli aspetti alla base di questi sistemi è la possibilità di concentrare differenti modalità di finanziamento all’interno di un unico account. Secondo le informazioni pubblicate sul sito ufficiale di Skrill, è possibile aggiungere denaro al conto tramite carta, bonifico bancario o altri sistemi disponibili e utilizzare successivamente Skrill presso i servizi compatibili.

Naturalmente, prima di scegliere qualsiasi wallet è sempre opportuno controllarne condizioni, costi e limiti aggiornati. La disponibilità di singole funzioni può infatti cambiare in base al Paese, al servizio utilizzato e alla tipologia di transazione.

La comodità non deve far dimenticare il controllo della spesa

La semplicità dei pagamenti digitali porta con sé anche un aspetto che merita attenzione. Più un acquisto diventa immediato, più è facile perdere la percezione di quanto si sta effettivamente spendendo.

È un tema che conosciamo bene anche nei videogiochi. Piccoli acquisti ripetuti, valuta virtuale e microtransazioni possono sommarsi rapidamente, soprattutto quando il denaro reale viene trasformato in crediti utilizzabili all’interno di una piattaforma.

Utilizzare un wallet separato può offrire anche un modo pratico per organizzare il proprio budget, purché venga utilizzato consapevolmente. Stabilire in anticipo una cifra destinata all’intrattenimento digitale rimane una buona abitudine, indipendentemente dal servizio scelto.

La questione diventa ancora più importante quando si parla di gioco con denaro reale: in questo caso il budget deve essere considerato esclusivamente come una spesa destinata all’intrattenimento e mai come un investimento o uno strumento per ottenere guadagni.

Un altro tassello della trasformazione digitale del gaming

La diffusione dei wallet elettronici racconta quindi qualcosa di più ampio della semplice evoluzione dei metodi di pagamento.

Il gaming moderno è diventato un ecosistema nel quale contenuti, account, servizi e acquisti convivono all’interno della stessa esperienza digitale. Per questo motivo anche ciò che avviene prima e dopo la partita – dalla gestione dell’account fino al pagamento – sta diventando sempre più importante.

Wallet come Skrill rappresentano una delle soluzioni nate per rispondere a questa esigenza di immediatezza. Non sono necessariamente la scelta migliore per ogni utente o per ogni piattaforma, ma mostrano bene la direzione intrapresa dall’intrattenimento online: ridurre gli ostacoli tra la scelta di un contenuto e il suo utilizzo.

Per noi giocatori significa avere strumenti sempre più comodi a disposizione. Proprio per questo, però, diventa ancora più importante conoscerli, confrontarne costi e condizioni e mantenere sempre il controllo delle proprie spese.

Non si tratta infatti di un seguito diretto delle vicende di Amicia e Hugo. Resonance è stato progettato come un prequel con una storia autonoma, una protagonista diversa e un’impostazione che amplia l’universo narrativo della saga. Chi conosce Requiem, però, riconoscerà immediatamente Sophia e potrà leggere alcuni elementi della sua giovinezza con una prospettiva diversa.

Bisogna giocare Requiem prima di Resonance?

Focus Entertainment ha risposto esplicitamente alla domanda nelle FAQ ufficiali dedicate a Resonance: non è necessario aver giocato né A Plague Tale: Innocence né A Plague Tale: Requiem per godersi completamente il nuovo episodio. È quindi possibile iniziare direttamente da Resonance senza dover recuperare decine di ore di storia precedente.

La scelta ha senso anche dal punto di vista cronologico. Resonance è ambientato 15 anni prima di Requiem e racconta una Sophia molto più giovane, ancora lontana dalla donna che i giocatori hanno incontrato nel secondo capitolo. L’avventura conduce la protagonista verso l’Isola del Minotauro e approfondisce il suo passato, il rapporto con la propria famiglia e alcuni misteri legati alla Macula.

Perché aver giocato Requiem può comunque essere utile

Giocare prima Requiem non è obbligatorio, ma cambia inevitabilmente il modo in cui si guarda Sophia. Nel titolo del 2022 il personaggio è già adulto e svolge un ruolo importante nel viaggio di Amicia e Hugo. Asobo Studio ha descritto quella versione di Sophia come una figura più matura e razionale, mentre Resonance vuole mostrarne una fase della vita molto differente.

Chi conosce già il personaggio può quindi apprezzare meglio l’evoluzione che separa le due versioni. Sul nostro sito abbiamo approfondito anche Amicia de Rune e il suo ruolo in A Plague Tale: Requiem, utile per capire quanto la serie abbia costruito i propri personaggi attraverso esperienze traumatiche, legami personali e conseguenze delle loro decisioni.

Resonance è un vero prequel della saga di A Plague Tale

La definizione di prequel non riguarda soltanto Sophia. Secondo la pagina ufficiale di Resonance: A Plague Tale Legacy, il gioco racconta una storia originale che continua a ruotare attorno all’eredità misteriosa della Macula. L’ambientazione introduce inoltre elementi collegati alla civiltà minoica e permette di passare tra il Medioevo di Sophia e avvenimenti appartenenti a un passato ancora più remoto.

Questa struttura dovrebbe rendere il titolo accessibile anche a chi non possiede conoscenze pregresse. Al tempo stesso, il riferimento alla Macula costituisce il principale ponte con Innocence e Requiem. Non conoscere subito tutte le implicazioni di questo elemento non dovrebbe ostacolare la comprensione della trama, perché Asobo ha confermato di aver costruito Resonance come esperienza completa anche per i nuovi arrivati.

In che ordine conviene giocare A Plague Tale?

Se vuoi prepararti al lancio, esistono essenzialmente due possibilità. Puoi seguire l’ordine di pubblicazione, giocando prima Innocence, poi Requiem e infine Resonance: in questo modo scoprirai Sophia esattamente come l’ha conosciuta il pubblico e affronterai il prequel sapendo già quale persona diventerà.

In alternativa puoi iniziare direttamente con Resonance. Per un nuovo giocatore questa scelta ha il vantaggio di non richiedere alcuna preparazione e permette di conoscere Sophia partendo cronologicamente dalla sua giovinezza. Recuperare successivamente Innocence e Requiem significherà osservare l’universo di A Plague Tale da una prospettiva diversa, anche se l’ordine cronologico interno della saga non coincide perfettamente con quello di pubblicazione.

• Vuoi seguire l’ordine di uscita? Innocence, Requiem, Resonance.
• Vuoi semplicemente giocare Resonance? Puoi iniziare direttamente dal nuovo capitolo.
• Ti interessa soprattutto Sophia? Requiem offre un contesto aggiuntivo sul personaggio adulto, ma non è indispensabile.

Cosa sapere prima dell’uscita del 27 agosto

Resonance: A Plague Tale Legacy arriverà il 27 agosto 2026 su PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC. Sarà inoltre disponibile dal day one tramite Xbox Game Pass e supporterà Xbox Play Anywhere. La protagonista sarà Sophia, già conosciuta in Requiem, ma qui impegnata in un’avventura personale che la porta a confrontarsi con l’Isola del Minotauro, nemici umani, enigmi e una minaccia legata agli antichi miti.

Se vuoi approfondire prima del lancio, abbiamo già raccolto data di uscita, storia e principali informazioni su Resonance: A Plague Tale Legacy. La conclusione, comunque, è semplice: non serve terminare Requiem per iniziare Resonance. Recuperarlo resta consigliabile a chi vuole cogliere più riferimenti e conoscere in anticipo la Sophia adulta, ma Asobo Studio ha pensato il nuovo gioco anche come porta d’ingresso nella serie.