Gli easter egg di Read Dead Redemption

• Dopo i titoli di coda di Red Dead Redemption 2 si riprenderanno i comandi di John mentre parla con Abigail in un punto specifico della mappa. Esattamente dove verranno seppelliti alla fine del primo capitolo.
• The Strange Man, ovvero “lo strano tizio” che solo John può incontrare in Red Dead Redemption, è il personaggio più misterioso della saga. Appare in diversi interni del vasto mondo di gioco, tra cui in RDR2. Per l’esattezza in un dipinto, che prenderà gradualmente forma, in una capanna abbandonata nel Lemoyne, sotto la quale giace la stranamente perfetta carcassa di un alligatore in gabbia.
• Proprio come in GTA V è possibile aver un incontro ravvicinato con un UFO. L’evento si sblocca dopo aver recuperato un sermone particolarmente inquietante in un capanno di caccia nell’Heartlands. Tornandoci alle 2 di notte si potrà avvistare l’oggetto volante non identificato.

• Non solo UFO, in RDR2 è possibile imbattersi nel fantasma di una donna nei pressi di Lagras e in un treno fantasma se, verso le 3 di notte, ci si ritrova a passare accanto ai binari nel Lemoyne.

Gli easter egg di Assassin’s Creed

• Nel secondo capitolo della saga, mentre si fa parkour tra i tetti, si può sentire un dialogo tra due NPC che parlano di un secondo crociato incappucciato. Riferimento esplicito al cavaliere oscuro: Batman.
• In Valhalla, accedendo al laptop di Layla, è possibile leggere alcune mail con riferimenti alla pandemia COVID.
• Sempre in Valhalla, e sempre nel laptop di Layla, si possono ascoltare file audio di Desmond Miles: il primo protagonista della saga.
• Nel primo capitolo, dopo aver lasciato Masyaf, avremo l’opportunità di uccidere silenziosamente l’assassino Jamal. Questo è possibile in quanto Jamal è colui che ha tradito l’ordine aprendo le porte della città ai Templari. In realtà questo ci è permesso in quanto sarebbe dovuto essere l’obiettivo di una missione che poi è stata eliminata.
• Easter egg e riferimenti alla saga sono praticamente in ogni media. Da Skyrim a Dead sland, da Far Cry 3 a Dragon Age II, fino ai Simpsons.

Gli easter egg di Metal Gear

• In Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, ultimo capitolo dell’arco narrativo di Solid Snake, è possibile imbattersi nel primo elicottero abbattuto da lui abbattuto nel primo capitolo.
• Nella missione secondaria 112 di Metal Gear Solid V: Phantom Pain è possibile salvare niente meno che Hideo Kojima. La missione non è altro che un “copia e incolla” della prima missione “Arti Fantasma” in cui dobbiamo salvare Kazuhira Miller.

• Sempre in Phantom Pain, se si torna alla base particolarmente sporchi e con Quiet come spalla, la bellissima cecchina ci regalerà una doccia bollente insieme a lei.

Questi sono solo alcuni dell’infinità di easter egg che sono stati scoperti nei giochi sopra citati. Chissà quanti ancora sono nascosti nelle immense mappe di questi fantastici open world.

Metal gear Solid 4: Guns of the Patriots viene ancora ricordato

Nonostante la brusca separazione tra Kojima e Konami nel 2015, dopo l’uscita di MGSV, il maestro non ha mai rinnegato il lavoro svolto con la major giapponese, ma anzi ha continuato a celebrarlo in occasioni come questa. Infatti qualche mese fa, per l’anniversario di Peace Walker ha condiviso un aneddoto con i fan del gioco. E adesso celebra Guns of the Patriots con Here’s to You: brano di Ennio Morricone composto originariamente per il film Sacco e Vanzetti, e poi ripreso anche per MGSV: Ground Zeroes nel filmato iniziale.

Purtroppo nel corso degli anni questo titolo è stato il capitolo meno fortunato della famiglia, in quanto al momento è ancora relegato alla ormai vecchia PlayStation 3. Un barlume di speranza potrebbe essere una possibile Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 contenente questo titolo, ma in ogni caso speriamo di poter un giorno rigiocare questo grande capolavoro.

Metal Gear Solid 4: una sorprendente scoperta 

Una dichiarazione tratta dal libro Ultimate History of Video Games: Volume 2 di Ryan Payton, un produttore che ha lavorato alla Kojima Productions durante l’era di Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, ha svelato che il gioco funzionava meglio su Xbox 360 che su PS3. Tuttavia secondo il produttore, c’era una certa resistenza del team di sviluppo a lavorare con l’hardware Microsoft, infatti in molti erano dei fanboy tossici di Sony, i quali ritenevano che Metal Gear Solid 4 non potesse funzionare su Xbox 360. Ovviamente un team di ricerca e sviluppo di Konami ha comunque seguito una propria linea di lavoro, il che a sviluppo terminato ha sorpreso tutti dato che il titolo funzionava a meraviglia.

“Nonostante i miei colleghi fossero frustrati dallo sviluppo su PS3 la maggior parte di loro erano fanboy Sony, perciò non erano propensi a dedicare risorse per Xbox 360. Pensavano che MGS4 avrebbe avuto un aspetto e delle prestazioni pessime sull’hardware di Microsoft. Un giorno il team di ricerca e sviluppo di Konami ha sorpreso tutti dato che abbiamo potuto vedere i risultati del loro lavoro, Metal Gear Solid 4 girava splendidamente e senza problemi su Xbox 360, come fan del brand di Microsoft ero rimasto veramente entusiasta”.

Sebbene i test fossero a favore di una versione di Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots per Xbox 360, Konami non lo approvò a causa del formato del disco utilizzato dalla console, infatti il peso del gioco nel suo complesso non aveva problemi ad occupare un singolo Blu-ray su PS3, tuttavia nel caso del sistema Microsoft avrebbero dovuto essere utilizzati diversi dischi, qualcosa che all’epoca l’azienda giapponese non si poteva permettere.

Mantieniti aggiornato con le nostre ultime notizie.

Inutile dire che i fan impazziscono da sempre per la saga e ogni tanto Kojima principale autore e ideatore li omaggia raccontando qualche aneddoto a riguardo. Se sei curioso di sapere cosa l’uomo abbia condiviso con noi oggi, rimani con noi e di certo non andrai a casa deluso!

Metal Gear Solid 4 e come cucinare le uova!

Metal Gear solid 4 nasconde al suo interno diversi misteri e segreti. Una delle scene più curiose e amate dai fan è quella che si svolge durante i briefing delle missioni, dove verremo ciclicamente accolti da una Sunny intenta a cucinare le uova fallendo miseramente quasi tutte le volte.

Kojima ha proprio voluto parlare dei retroscena in merito alla famosa sequenza condividendo un curioso tweet con i fan per omaggiare il quattordicesimo anniversario dell’incredibile gioco.

Sei curioso di sapere che ha scritto, te lo riportiamo subito:

“Guardando ‘Funny Games’, mi è venuta improvvisamente in mente la scena delle uova fritte all’inizio di ogni capitolo di MGS4

Ricordo che era impossibile far sembrare il piatto gustoso con la CG dell’epoca, quindi abbiamo girato questa scena in live action, più e più volte per ottenere la ripresa giusta. Naturalmente, alla fine le abbiamo mangiate.”

Insomma, un retroscena davvero curioso che si unisce agli altri che ti abbiamo in passato riportato in merito ai titoli. Noi come sempre ti diamo infine appuntamento al prossimo articolo, rinnovandoti il nostro costante impegno nel garantirti le migliori notizie disponibili in rete e non solo!

Abbiamo deciso di dedicare un articolo a questa giornata a modo nostro, ovvero facendo riferimento al mondo dei videogiochi e alla sua profondità che tanto ci fa emozionare.

Anche la maternità, infatti, ha un posto importante nell’universo videoludico: questo concetto viene utilizzato in maniera sempre differente, incarnato da alcune precise figure che sono rimaste impresse nel cuore di molti di noi.

Ho deciso, non a caso, di fare riferimento a Metal Gear Solid: oltre ad essere probabilmente la saga più complicata della storia dei videogiochi, il capolavoro di Hideo Kojima mette al centro tante tematiche profonde, inerenti a filosofia, arte, scienza, politica, guerra. Strano ma vero, in mezzo a tutto questo troviamo anche la maternità.

Le due facce di una madre in Metal Gear Solid

Sono due le protagoniste femminili materne che risaltano di più nella saga di Kojima: EVA e The Boss. Entrambe donne, entrambe legate a figure maschili che definiscono come figli, entrambe potentissimi personaggi in grado di cambiare il destino della storia.

Sia The Boss che EVA, infatti, si sono imposte nell’immaginario comune grazie alla loro forza di volontà: non sono solo madri, ma anche figure femminili forti e indipendenti, per nulla banali. Tuttavia, allo stesso tempo riescono a trasmetterci la loro fragilità, le loro insicurezze.

EVA: l’archetipo materno

Se si pensa al ruolo rivestito dal personaggio di EVA all’interno della saga, allora apparirà più che chiara la scelta del suo nome. Nell’immaginario biblico, infatti, Eva è la prima donna, l’archetipo assoluto della femminilità; di conseguenza, è stata la prima madre della storia, la prima creatura umana in grado di portare in grembo un figlio.

Nella saga di Kojima, EVA è la spia che si innamora di Big Boss nel corso degli eventi di Metal Gear Solid 3. Affascinata dal suo carisma e dalla sua storia, EVA svelò il proprio amore a John; tuttavia, sapeva di non potere rimanere con lui come avrebbe voluto. EVA era infatti una spia doppiogiochista che lavorava in segreto col Governo cinese per impossessarsi dell’Eredità dei Filosofi.

Impossibilitata a mostrare i propri sentimenti, EVA fuggì. Tuttavia, dopo avere saputo del piano di Zero di creare un clone di Big Boss tramite un ovulo fecondizzato, EVA non ci pensò due volte: voleva essere la madre “surrogata” dei futuri figli di John, l’unico uomo per cui sia mai stata in grado di provare un amore sincero, lontano dalle mille maschere della guerra.

EVA è, insomma, colei che permette l’esecuzione del progetto Les Enfants Terribles, il piano che genererà i figli di Big Boss e che darà il via a tutti gli avvenimenti principali della saga. Si potrebbe quindi davvero dire che EVA è l’archetipo della madre, colei che “partorisce” a tutti gli effetti i futuri avvenimenti della storia.

Nonostante possa essere definita una madre “surrogata”, EVA decise di non considerarsi tale. Solid Snake e Liquid Snake, i due gemelli portati con sé per nove mesi, vengono visti dalla donna come dei figli a tutti gli effetti. Non importano gli esperimenti né gli intrighi nascosti dietro questa scelta: EVA amò i suoi figli come una qualunque altra madre.

Non mi importava se eravate dei cloni o se il vostro DNA fosse stato manipolato. Tu e Liquid siete nati nella stessa maniera di qualunque altro bambino: dal grembo di vostra madre.

A EVA non viene concessa la possibilità di dimostrare amore ai propri figli: Liquid e Solid vengono infatti immediatamente addestrati dai Patriots, manipolati e utilizzati a scopi bellici come i perfetti cloni del più grande soldato del XX secolo.

Tuttavia, EVA non smise mai di alimentare quel bruciante amore che solo una madre è in grado di provare. Per tutta la vita continuò a pensare a loro, ai figli dell’unico uomo che avesse mai veramente amato.

The Boss: l’eredità materna

A prima vista, The Boss sembra essere una sorta di “madre mancata”: suo figlio Adamska (conosciuto come Revolver Ocelot) le venne infatti portato via il giorno stesso della nascita, avvenuta durante il famigerato Sbarco in Normandia (6 giugno 1944). Come sempre, Metal Gear Solid ci fa fare i conti con la terribile realtà della guerra.

L’eroina della Seconda Guerra Mondiale venne insomma privata della propria maternità: i Filosofi le strapparono ciò che aveva di più caro, segnandola a vita non solo fisicamente (il parto le provocò una ferita lungo la pancia) ma anche emotivamente. Da quel giorno, The Boss non si sentì più in grado di amare.

The Joy (il vecchio nome in codice di The Boss) fu infatti costretta a uccidere The Sorrow, il padre di Adamska nonché l’uomo con cui aveva condiviso ogni gioia e ogni dolore (in Metal Gear Solid nulla è un caso, nemmeno l’assegnazione dei nomi). I Filosofi, infatti, avevano minacciato di uccidere il bambino nel caso in cui i genitori fossero sopravvissuti entrambi.

The Boss uccide la persona amata per salvare la vita del proprio figlio; tuttavia, quest’ultimo non scoprirà mai la verità sulla vera identità della madre, né a lei sarà permesso dirlo. L’eroina chiude così il proprio cuore e la propria anima, pensando di avere perso per sempre la possibilità di donare un briciolo di amore materno.

Inaspettatamente, l’incontro con John la salvò: costui, il futuro Big Boss, verrà infatti allevato da The Boss come un figlio. Non solo l’eroina passò al giovane soldato tutte le proprie conoscenze belliche, di sopravvivenza, di combattimento e adattamento alle circostanze più ostili; gli passò emozioni, sentimenti, visioni di vita, filosofia di crescita, uno scopo per cui stare al mondo.

The Boss riuscì, grazie a Big Boss, a dimostrare di potere essere una madre; lo stesso John, in un dialogo fondamentale con EVA, ammette che la sua mentore was like a mother. Tutte le scene di Metal Gear Solid 3 che includono Big Boss e The Boss si fondano proprio sull’idea che quest’ultima ha reso John il più grande lascito che poteva lasciare al mondo.

Ti ho cresciuto. Ti ho amato. Ti ho dato le armi, ti ho insegnato le tecniche, passato le mie conoscenze. Non c’è nient’altro che io possa darti.

“Metà di me stesso appartiene a The Boss”, ribadisce Naked Snake. L’eroina del XX secolo riuscì insomma a scuotere il proprio cuore, liberandolo dalla disillusione, per poi approdare a un nuovo livello di amore: quello di una madre che, pur non essendo biologicamente tale, lo diventa grazie alle proprie azioni.

Conclusioni

Nella saga di Metal Gear Solid, EVA e The Boss sono due facce della stessa medaglia: una è la madre biologica assoluta, l’altra la madre adottiva. EVA ama profondamente i propri figli ma le viene impedito di dimostrare questo affetto per via degli eventi della storia; dall’altra parte, The Boss chiude il proprio cuore dopo avere perso l’unico figlio biologico, per poi riaprirlo di fronte a Big Boss.

Quest’ultimo è il personaggio che lega entrambe le figure femminili: se EVA si è innamorata di Big Boss, è stato sicuramente anche grazie agli insegnamenti che The Boss gli aveva dato. Era stata proprio lei a renderlo l’uomo in cerca di ideali e armato di carisma, capace di attirare a sé Zero, Ocelot, Miller, diventando forse il personaggio più importante di Metal Gear Solid.

In ogni caso, EVA e The Boss incarnano due concezioni di maternità opposte ma complementari: da un lato la madre biologica, che dona la vita tramite il proprio corpo e che per nove mesi condivide ogni singolo respiro con la propria creatura; dall’altro lato la madre adottiva, che grazie alle proprie azioni e all’affetto più genuino riesce a donare a un bambino un immenso amore, perfettamente equiparabile a quello di una madre biologica.

Entrambe le donne sono state così in grado di crescere, educare, amare: sono state delle madri a tutti gli effetti, di quelle che sarebbero disposte a dare la vita per i propri figli. The Boss morirà proprio per mano di Big Boss, mentre EVA esalerà l’ultimo respiro tra le braccia di Solid Snake: il loro lascito si completa, il loro ruolo di madre termina, ma il loro amore dura per sempre.

Top 20 colonne sonore dei videogiochi: la seconda parte

Se per la prima metà il lavoro di scelta è stato difficile, per questa seconda parte ho avuto molti meno dubbi. I primi posti della classifica erano già decisi nella mia mente, impressi nel mio cuore come quelle melodie insostituibili in grado di farmi emozionare in modi unici.

Ecco quali sono, a mio parere (ci tengo a sottolinearlo ancora una volta), le più belle soundtrack del mondo videoludico.

10. Weight of the World – NieR: Automata

https://www.youtube.com/watch?v=BJ2kS9yyIwk

Bisognerebbe scrivere un articolo a parte sul capolavoro di Yoko Taro. NieR: Automata è un titolo straordinario, capace di creare un world-building accattivante, popolato da personaggi misteriosi, spesso taciturni ma profondamente espressivi nel loro silenzio.

Tutta la soundtrack di NieR: Automata meriterebbe un posto nella top 20 colonne sonore dei videogiochi; le musiche di Keiichi Okabe, infatti, sono state in grado di assumere uno stile unico, perfettamente riconoscibile, che le distingue da tutte le altre: voci femminili soavi, parole inventate, pianoforti delicati e percussioni perfettamente ritmate.

Tra queste spicca la canzone del finale di gioco, Weight of the World. Il testo della melodia racchiude tutto il senso dell’esistenza di 2B e A2, i due androidi protagonisti: “lo urleremo a squarciagola, anche se le nostre parole sembrano non contare nulla. Mi sembra di portare sulle spalle il peso di tutto il mondo”.

2B, in particolare, si lascia “intaccare” dalle emozioni grazie a 9S, il suo compagno di viaggio, e scopre cosa voglia dire essere innamorati della vita, del mondo, della bellezza. L’androide dal cuore di ghiaccio si fa carico di tutta la rovina e la sofferenza che la circondano, sperando di potere cambiare il corso degli eventi con il proprio coraggio.

“Spero, in qualunque modo, di potere salvare tutti noi. Ma la verità è che sono solo una semplice ragazza”: le parole della cantante sono le parole di 2B, una giovane ragazzina che si sente schiacciata da tutte le responsabilità e dal destino ingiusto a cui sono andati incontro umani e macchine. Tuttavia, nonostante questo, 2B va avanti.

“E, comunque, noi lo urleremo a squarciagola”. Nel finale E (il vero finale di gioco), alla voce femminile si aggiunge un coro potentissimo di altre persone, pronte a combattere e sacrificarsi per spezzare l’infame corso degli eventi. “Forse, continuando a crederci, i miei sogni diventeranno realtà”: un finale degno di essere definito capolavoro artistico, coronato da una soundtrack struggente ed emozionante.

9. Main Theme – Halo 3 

Domanda retorica: può una top 20 colonne sonore dei videogiochi non contenere la main theme di Halo? Ci troviamo di fronte al coro più famoso della storia dei videogiochi, oltre che sicuramente a una delle melodie videoludiche più iconiche mai realizzate.

A parte essere una fonte inesauribile di cover e meme (chi di noi non ha mai pensato di entrare in una chiesa cantandola?), la main theme di Halo ha segnato l’immaginario collettivo di tutti noi gamer, anche di chi non è mai riuscito a provare la saga Microsoft.

A mio parere, la versione di Halo 3 è il rifacimento perfetto della soundtrack del primo capitolo: il coro è stato perfettamente riorchestrato, arricchito da quell’inconfondibile serie decisa di tasti al pianoforte prima dell’esplosione delle percussioni.

Una soundtrack memorabile, che ha accompagnato generazioni di giocatori facendole sognare nello spazio sperduto. O’ Donnell e Salvatori, infatti, sono riusciti a condensare in questa traccia il senso di mistero e attrazione affascinata per l’universo infinito, per quelle innumerevoli stelle che si affacciano sull’orlo dell’Anello Sacro.

Rispolvera il primo Halo, quello del 2001: atterra con la navicella sull’Anello dei Covenant e contempla gli spazi sterminati tutti intorno. Ti renderai conto di quanto ancora adesso questa saga abbia creato delle atmosfere inarrivabili, capaci di trasportarci in altri spazi, di farci cambiare vita, di darci una diversa possibilità di esistenza. Questo, del resto, è il potere dei videogiochi.

8. Nate’s Theme – Uncharted 3: L’Inganno di Drake

Il brivido epico dell’avventura: è questa la sensazione che trasmette la main theme di Uncharted, il capolavoro Naughty Dog che ha fatto guadagnare a Nathan Drake un posto tra i personaggi più amati del mondo videoludico.

Oltre all’altissimo valore oggettivo che questi titoli racchiudono, c’è n’è uno anche profondamente personale: Uncharted è stata la saga che ha letteralmente accompagnato tutta la mia adolescenza, dall’uscita di PlayStation 3 agli ultimi anni di PlayStation 4.

Vedere Drake passare dal giovane sbarbatello immaturo all’uomo vissuto e sposato riesce in qualche modo a farmi capire che anche io sono cresciuto: Uncharted è stato insomma quel compagno di avventure ed emozioni, quell’amico fedele capace di creare un rifugio sicuro in cui ti senti compreso, la cui presenza basta per farti crescere e maturare senza che tu te ne renda conto.

La main theme di gioco è stato il simbolo di questa crescita: essa racchiude l’epicità di un cacciatore di tesori pronto ad affrontare tutti i pericoli dell’avventura, un Lara Croft al maschile (come tutti lo definiscono, anche se Nate è molto di più di questo) che si fa portavoce di intere generazioni di giocatori appassionati alle sue storie.

Credo che la versione della Nate Theme di Uncharted 3 sia la più iconica: arricchita con percussioni chiare e squillanti e con archi che esprimono tutti i brividi che saremo pronti a vivere accompagnando Nate nelle sue memorabili avventure. Brividi di paura, di gioia, di emozione: ancora una volta, il videogioco è un’esperienza indimenticabile.

7. Main Theme – Triangle Strategy

https://www.youtube.com/watch?v=F7uYrSH-hr4

Un titolo recentissimo (marzo 2022) che entra nella top 20 colonne sonore dei videogiochi: a prima vista può sembrare qualcosa di azzardato, ma se poi pensiamo che il creatore è Square Enix allora, forse, non è del tutto così fuori luogo (e comunque non preoccuparti: non è l’ultimo titolo Square Enix che vedrai in questa lista).

Da fan sfegatato di Octopath Traveler ho aspettato con trepidazione l’uscita di Triangle Strategy: il successore spirituale in HD-2D, infatti, non ha minimamente deluso le mie aspettative, a partire dalla main theme di gioco.

Prova a immaginare l’impatto che si genera nell’aprire un titolo e sentire una traccia musicale del genere: capisci fin da subito che deve essere un gioco che trasuda epicità, momenti drammatici e complessi, personaggi estremamente profondi. Tutto questo è Triangle Strategy, un’esperienza che mette letteralmente alla prova tutte le nostre convinzioni.

La main theme dell’ultimo titolo Square Enix ci vuole fin da subito fare capire che ogni scelta che compiremo avrà delle inevitabili conseguenze, spesso drammatiche. Condensati nelle note dell’orchestra ci sono Serenoa, Frederica, Benedict e tutti gli altri personaggi: ci sono le loro decisioni, il loro temperamento, il loro inevitabile destino.

Questa melodia racchiude gli intrighi politici, la storia di Nortelia, tutto il sangue versato e tutte le parole spese per cercare di cambiare il mondo. È come se Square Enix ci stesse avvertendo: non sarà un’avventura facile, ma per coloro che avranno il coraggio di seguire le proprie convinzioni la ricompensa emotiva sarà immensa.

6. Ganondorf Battle – The Legend of Zelda: Twilight Princess 

Quando penso a questa traccia mi immagino sempre una scena. Aonuma, il director di Zelda, entra nella sala di registrazione, si siede di fronte ai compositori e dice: “ok signori, Link deve affrontare l’Imperatore del Male, l’Essere Assoluto Oscuro e Invincibile ma cazzuto come pochi. Voglio una soundtrack azzeccata.”

Ecco il risultato: la traccia che viene riprodotta durante la battaglia finale con Ganondorf, in uno degli scontri più belli della storia dei videogiochi. Pur essendo presente per pochissimo tempo in Twilight Princess (dove viene dato più spazio a Zant), Ganondorf riesce in 10 minuti a rubare la scena a tutti gli altri personaggi.

Il suo character design, la sua voce, le sue motivazioni: tutto trasuda malvagità ed epicità allo stesso tempo. Egli è il Signore Oscuro, l’incarnazione di quell’Odio primordiale che dai tempi di Demise (Skyward Sword) continua a tormentare i discendenti di Zelda e Link.

La battaglia finale di Twilight Princess (e la soundtrack che la accompagna) è la condensazione di tutto il tono epico che caratterizza questo titolo: l’avventura di Link, infatti, è quella dell’Eroe valoroso rappresentante della Luce, pronto a esorcizzare il Male aiutato dalla Principessa prescelta dalle Dee.

Questa colonna sonora è talmente pervasiva da influenzare anche il gameplay: noi giocatori siamo rapiti dallo scorrere delle note, ci esaltiamo insieme al tono epico, siamo pervasi da una scarica di adrenalina che ci porta a dare il massimo nello scontro finale contro il Signore Oscuro.

Ganondorf è rappresentato, insomma, da una theme perfetta: tamburi violenti, fiati intimidatori, coro aggressivo. Tutto trasuda malvagità e desiderio di dominare il mondo, tutto è indirizzato ad affogare la terra in un’ondata di oscurità e sofferenza. Un personaggio così cazzuto (diciamolo) non poteva essere caratterizzato da una soundtrack migliore.

5. Gusty Garden Galaxy – Super Mario Galaxy

https://www.youtube.com/watch?v=AV9ADodnsoM

Super Mario Galaxy: ecco un gioco che dovrebbe entrare in qualunque top 20 colonne sonore dei videogiochi. Quasi tutte le tracce di questo titolo sono assolutamente uniche, costruite con una cura e un amore per il mondo videoludico che solo Nintendo riesce a trasmettere.

Credo che la melodia più iconica di gioco (nonché la più bella) sia quella dedicata alla Galassia Giardino Ventoso. Ogni volta che ascolto questa colonna sonora penso solo a una cosa: tutti noi giocatori, rappresentati da Mario, che ci lanciamo pieni di entusiasmo in mezzo alle stelle più remote, rapiti dal grido dell’avventura.

Questa theme di Super Mario Galaxy riesce a trasudare nostalgia anche per chi non ha giocato al titolo nel momento della sua uscita (2007): è come se la musica volesse trasportarci indietro nel tempo, in un’altra dimensione fatta di avventura, epicità, divertimento, senza alcuna preoccupazione della vita quotidiana.

In mezzo a queste note ci siamo noi giocatori che voliamo in groppa agli Sfavillotti di Rosalinda, c’è il desiderio di esplorare lo spazio sconosciuto armati di coraggio, c’è la promessa profonda di un’emozione che solo un viaggio videoludico può trasmetterti.

La Gusty Garden Galaxy theme vuole insomma ricordarci ancora una volta che non dobbiamo mai perdere di vista il nostro fanciullino interiore; ci ricorda quanto è bello continuare a fantasticare, tornare alle nostre origini, alle emozioni radicate che ci definiscono; ci fa capire quanto è bello, anche adesso, spiccare un salto gridando di gioia.

4. Ezio’s Family – Assassin’s Creed II

Cominciano a scendere le lacrime. Comincia quella sequenza di brani che hanno segnato tutta la mia vita di videogiocatore, tutte quelle note che sono capaci di farmi venire la pelle d’oca in ogni parte del corpo. Difficile dire tutto questo e non pensare a una saga che, nel bene e nel male, ha segnato profondamente tutti noi: Assassin’s Creed.

La storia di Desmond, fin dal suo primo capitolo (2007), ha fatto innamorare milioni di gamer, e continua ancora oggi (per quanto in maniera diversa e discutibile) ad accompagnarci. Ma c’è un nome che, nella storia degli Assassini, è rimasto impresso nella memoria di tutti; un uomo le cui gesta sono diventate leggenda: Ezio Auditore.

Sarebbe impossibile negare che la storia di Ezio è ancora oggi la più amata di tutta la saga, così come è un dato di fatto che l’Assassino di Firenze sia il personaggio più carismatico mai apparso nei capitoli Ubisoft. Tutto questo lo dimostra la soundtrack Ezio’s Family (melodia che, non a caso, è poi diventata la main theme dell’intera saga).

Nelle meravigliose note di Jesper Kyd è racchiusa tutta l’essenza del Credo degli Assassini: il coro angelico in sottofondo ci sta gridando che “nulla è reale, tutto è lecito”; i violini drammatici diventano il simbolo dei sacrifici compiuti dagli eroi nel corso della storia, di tutto il misterioso alone epico che ha sempre circondato i grandi uomini.

Ezio’s Family, come suggerisce il nome, è la condensazione della vita drammatica di Ezio Auditore da Firenze: la perdita del padre e dei fratelli, il peso di un destino imposto, la consapevolezza di essere solo una pedina nelle mani di un piano più grande, che coinvolge divinità e uomini di un’epoca futura.

Nonostante questo, Ezio continua a combattere per adempiere al proprio destino nella maniera più gloriosa possibile: al di là della sofferenza egli cerca infatti un posto nella storia, ricerca quel legame con Altair, con Desmond e con tutte le altri grandi personalità a lui connesse nell’intricato arazzo degli eventi.

Per quanto oggi Ubisoft abbia intrapreso un’altra strada e la saga abbia perso praticamente tutto del proprio fascino, i primi capitoli di Assassin’s Creed rimarranno nell’Olimpo dei videogiochi: un marchio indelebile di narrativa coinvolgente, personaggi carismatici, world-building immersivo; insomma, un’esperienza intessuta di brividi e commozione.

3. Father and Son – Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots

Sarà difficile essere concisi: proprio come Kojima, sarò molto prolisso. Del resto, penso sia impossibile spendere poche parole quando ci si trova di fronte a una saga videoludica così geniale come Metal Gear. Fiumi di inchiostro sono stati scritti sulla sua lore, sui suoi personaggi, sulla sua filosofia.

Decine di studiosi, filosofi, intellettuali hanno scritto approfondimenti e interpretazioni, hanno sviscerato ogni singola parola e avvenimento, cercandoci di fare capire quanto sia profondo il messaggio anti-bellico di Kojima, la sua metanarrativa, la capacità di rendere il videogioco un vero e proprio mezzo di espressione artistica.

Non mi soffermerò su tutto questo. Ma credo sia importante sottolineare quanto sia importante questa soundtrack [SPOILER]: Father and Son viene riprodotta nel momento finale della saga, quello più cruciale. L’incontro finale tra Big Boss e Solid Snake, i due protagonisti assoluti di tutti i capitoli; uno padre, l’altro figlio.

Già il titolo ci suggerisce il significato di questa melodia: non c’è più posto per la guerra. Niente armi, niente mosse da combattimento, nessuna strategia militare. La speranza di Big Boss è solo una: essere, finalmente, un padre. Per conto suo, Solid Snake si rende conto di qualcos’altro: cosa voglia dire sentirsi un figlio.

Lascia stare le armi, figlio mio. Non sono qui per combattere. È finita. È arrivato il momento di lasciare perdere le armi, e vivere.

Il finale di Metal Gear Solid porta in scena, con una semplicità di una potenza inaudita, un sentimento comunissimo: l’amore tra padre e figlio. “Non ho mai pensato a te come un figlio”, dice Big Boss, “ma ti ho sempre rispettato come soldato. E come uomo”. La speranza finale di John, prima di morire, è trasmettere un messaggio di pace.

Big Boss si rende conto di quanto la sua vita sia stata dominata dall’odio, dal rancore, dalla sofferenza. Capisce di non avere mai sperimentato un vero momento di pace. Capisce di essere morto il giorno in cui ha ucciso The Boss, la propria madre, la donna a cui ha dovuto tutto. “Il mondo starebbe meglio senza serpenti“, sussurra John sulla tomba della più grande eroina del XX secolo.

Di fronte a ciò, l’ultimo lascito che Big Boss vuole lasciare al mondo prima di andarsene è evitare che il proprio figlio ripeta i suoi stessi errori. Basta guerra. Basta sangue, armi e complotti. “Vivi, Snake. Vivi per te stesso”. Questo è il più grande desiderio che un padre possa augurare al proprio figlio. “Trova una nuova ragione di vita”.

Big Boss porge il suo ultimo saluto a Zero, l’amico-rivale, e a The Boss, la donna più importante della sua vita. Il suo addio è un atto finale di pentimento, una speranza di rimediare ai propri peccati abbracciando con affetto il proprio figlio e guardandolo con gli occhi lucidi, mentre la vita gli concede di fare un ultimo tiro al suo sigaro preferito.

“This is good, isn’t it?”. Non è solo il sigaro ad essere “buono”. È la possibilità di guardare in faccia il proprio figlio col cuore leggero, con la consapevolezza di avere ricevuto un briciolo di affetto dall’unica persona che poteva insegnargli che cosa significasse amare.

2. Main Theme – Octopath Traveler

Come promesso, ecco un’altra traccia firmata Square Enix, precisamente da Yasunori Nishiki, uno dei compositori più brillanti degli ultimi anni. Anche in questo caso siamo di fronte a un titolo relativamente recente, che addirittura merita di stare nel podio della top 20 colonne sonore dei videogiochi.

La motivazione è molto semplice: Octopath Traveler è un titolo in cui OGNI SINGOLA traccia è assolutamente memorabile. Non mi è mai capitato, nella mia sfaccettata carriera di gamer, di trovare un gioco in cui tutte (e dico TUTTE) le melodie fossero uniche, perfette, capaci di rimanerti impresse nella memoria.

Ogni singola nota di Nishiki è in grado di pararti davanti agli occhi i paesaggi di Orsterra (il mondo di gioco): dalle rigogliose praterie alle montagne ventose, dagli aridi deserti ai ghiacciai innevati. Il world-building respira insieme alla musica, tanto che sembra che ogni singola location di gioco esista proprio in funzione di quella soundtrack.

Stesso discorso vale per i personaggi: ognuno degli 8 protagonisti ha la sua main theme, e ognuna di queste si costruisce intorno a uno strumento musicale diverso (il pianoforte per H’aanit, i flauti per Therion, gli archi per Cyrus etc.). Nishiki è riuscito a catturare l’essenza di ogni personaggio e ad esprimerla in maniera sublime attraverso le sue epiche composizioni.

In mezzo a questo infinito catalogo, ho scelto di inserire la main theme (quella della schermata iniziale): credo racchiuda perfettamente quel senso di trasognata avventura che solo Octopath Traveler è riuscito a trasmettermi. Questa melodia grida epicità, ci racconta le avventure di tutti i protagonisti, ci promette di trasportarci in un mondo di narrativa fantasy, di scontri memorabili, di dialoghi coinvolgenti.

Octopath Traveler è stato il titolo che mi ha fatto appassionare agli RPG strategici. La trama, l’eccellente doppiaggio, la cura nel world-building, la particolarissima grafica in HD-2D: tutto questo ha certamente contribuito a rendere il gameplay godibilissimo, ma sono state le musiche il vero fattore decisivo.

C’è un motivo se, ancora adesso, Yasunori Nishiki è nella mia top degli artisti più ascoltati su Spotify: riprodurre la main theme di Octopath mentre passeggi per strada ti fa aumentare il passo senza che tu te ne accorga, ti dipinge davanti agli occhi quel mondo alternativo dove è bello rifugiarsi periodicamente, sognando di poterci, un giorno, arrivare davvero.

1. Title Theme – The Legend of Zelda: Ocarina of Time

Ti ricordi quello che ho detto all’inizio dello scorso articolo? Questa top 20 colonne sonore dei videogiochi è la mia personalissima lista, quella che definisce la mia carriera da gamer. Alla luce di questo, sarà chiaro perché io abbia deciso di inserire questa soundtrack al primo, ambitissimo posto.

Ocarina of Time è stato il primo videogioco a cui io abbia mai giocato; è stato quel titolo che ha piantato in me il seme del videogiocatore. Avevo 5 anni quando mio zio mi mise nelle mani il pad del Nintendo 64, facendomi prendere il controllo di un ragazzino in tunica verde che rotolava in mezzo a un’immensa pianura.

Non solo reputo Ocarina of Time il miglior videogioco di tutti i tempi (complici anche alcuni fattori oggettivi condivisi da buona parte della critica), ma ritengo anche sia il gioco che ha inciso di più su tutta la mia vita. Quel bambino vestito di verde ero anche io. Per colpa di Link a scuola infilzavo bastoni nel terreno, facendo finta di estrarre la Spada Suprema dal suo Piedistallo.

Dopo tanti anni, ho capito una cosa: l’intro di Ocarina of Time è stata creata per risultare nostalgica. La schermata del titolo, con questa melodia in sottofondo, vede Link cavalcare liberamente per la Piana di Hyrule, mentre in lontananza il sole comincia a sorgere, segnando l’alba di un nuovo giorno. Nessun altro suono, se non gli zoccoli di Epona che avanzano al trotto.

Ascoltare oggi questa melodia mi restituisce ancora quel senso universale di nostalgia, quel desiderio di un’infanzia perduta che tutti noi abbiamo provato almeno una volta. Credo che l’intro di OoT sia la concentrazione di tutto il mio amore per i videogiochi. Se mi dovessero chiedere che suono ha la mia infanzia, risponderei sicuramente con questa traccia.

Con le sue note, Koji Kondo vuole dirci che la nostra nostalgia perduta è anche quella di Link: costretto dal destino ad essere il salvatore del mondo, egli ritorna nella propria epoca senza essere riconosciuto come Eroe. Non solo Child Link è cresciuto (e per questo i Kokiri, eterni bambini, lo discriminano), ma niente e nessuno potrà mai restituirgli gli anni perduti della propria infanzia.

Solo in Twilight Princess scopriremo che quello stesso bambino, dopo essere cresciuto e diventato uno spettro (Hero Shade), aiuterà il nuovo Link insegnandogli le più avanzate tecniche di combattimento. Un passaggio di testimone che, per quanto piccolo, ristabilisce il nome del vecchio Eroe, consegnandogli finalmente il posto che merita nella storia.

Conclusioni

Siamo arrivati alla fine della mia top 20 colonne sonore dei videogiochi. Sono sicuro che ci sarà stata qualche esclusione che ti ha abbastanza indignato, e probabilmente avrei dovuto aggiungere una sezione honorable mentions (dove, fra parentesi, metterei sicuramente titoli come Ori o The Last of Us).

Tuttavia, ci tengo a ribadire ancora una volta che questa classifica è qualcosa di assolutamente soggettivo e personale. Non c’è nessuna pretesa di imporre il mio pensiero a nessuno; c’è solo volontà di trasmetterti il mio amore viscerale per i videogiochi, che molto spesso è passato proprio attraverso la musica.

Non esiste niente di più soggettivo di una traccia musicale; tuttavia, la cura posta nelle colonne sonore ci fa capire ancora una volta quanto il videogioco sia oggi un fondamentale mezzo di espressione artistica. Alla faccia di tutti quelli che sminuiscono il mondo videoludico come droga, noi rispondiamo mettendo in gioco le emozioni, gli insegnamenti, le consolazioni che solo i videogiochi ci hanno regalato.

Giochiamo per lo stesso motivo per cui molte altre persone guardano serie TV e film o leggono libri: per rifugiarci in un universo alternativo, per appassionarci alle storie, per trovare quel momento di pace e di emozione al di fuori del caos quotidiano. Giochiamo perché siamo emotivi (dal latino emotus, “scosso, smosso”), e non esiste mezzo di espressione emotiva più profondo della musica.

Oggi non siamo però qui per raccontarti nel dettaglio le vicende dei titoli della serie ma per riportarti l’ennesimo easter egg, o se preferisci piccolo dettaglio, che il maestro Kojima ha inserito nella sua opera. Se sei curioso di sapere di cosa ti stiamo parlando rimani con noi e di certo non ne resterai deluso!

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots: scoperto un piccolo easter egg!

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots ci ha accompagnato durante il lancio di PlayStation 3 e neanche per scherzo risulta ancora molto giocato. Qualche tempo fa avevamo persino dedicato una guida completa qui che ti permette se seguita di giocare alla modalità online chiusa da Konami stessa, insieme ad altri giocatori!

Bando alle ciance però, perché oggi siamo qui per parlarti dell’atto IV del gioco e dell’easter egg che contiene al suo interno.

Come ben saprai, l’amato atto IV risulta uno dei più apprezzati dai fan in quanto capace di ripercorrere i dolci ricordi che ci hanno accompagnato durante le infinite partite a Metal Gear Solid sull’amata PlayStation 1! 

Un utente di Reddit, dal nick Sam_Williams ha recentemente fatto notare che prestando attenzione durante la famosa sequenza di gioco, sarà possibile notare il famoso Hind di Liquid (o perlomeno ciò che ne rimane) che come ben saprai non ha fatto una bella fine!

Si tratta di un dettaglio a prima vista insignificante ma che in realtà rievoca alla mente moltissimi ricordi da parte dei fan. Che dire, Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots anche a distanza di decenni sembrerebbe avere ancora molto da offrire!

La famosa opera di Hideo Kojima, si sa, è estremamente complessa: i dettagli di lore sono infiniti, e ogni personaggio meriterebbe uno spin-off di approfondimento a parte. Tuttavia, in questa complessità Ocelot ha sicuramente un ruolo di primo piano: è forse il personaggio da cui dipendono tutti i futuri esiti della storia, e le sue scelte hanno influenzato ogni singolo avvenimento.

La nascita di Revolver Ocelot e il rapporto con Big Boss

Revolver Ocelot nasce il 6 giugno 1944, il giorno dello sbarco degli Alleati in Normandia. I suoi genitori erano The Boss (nome in codice The Joy) e The Sorrow; la madre di Ocelot, quindi, era proprio la mentore di Big Boss, il personaggio forse più importante e caratteristico di tutta la saga. Al futuro Revolver Ocelot venne dato il nome di Adamska, ma subito dopo la nascita venne preso in custodia da agenti dei Filosofi.

Questi ultimi sono la storica organizzazione al centro della trama di Metal Gear: essi crebbero Adamska come una perfetta spia, addestrata nelle arti di combattimento, tortura, illusione e doppiogiochismo. Adamska divenne insomma il perfetto agente infiltrato, e infatti venne arruolato dal colonello Volgin come Maggiore Spetsnaz, mentre in realtà passava informazioni sia al KGB che alla CIA.

Nel 1964, durante la famosa operazione Snake Eater, il Maggiore Ocelot conobbe Naked Snake, il soldato americano che in seguito sarebbe stato conosciuto in tutto il mondo come Big Boss. Adamska rimase fin da subito impressionato dal carisma e dalle abilità di Snake, tanto da seguire i suoi consigli su armi da fuoco e tecniche di combattimento ravvicinato (CQC, Close Quarter Combat).

Il soldato americano riconobbe le abilità di Revolver Ocelot, per quanto inferiori alle sue, e pronunciò una frase che rimase per sempre impressa nella memoria del Maggiore Spetsnaz: “you’re pretty good”.

Durante gli avvenimenti della Guerra Fredda, Ocelot sviluppò quindi un’ammirazione assoluta per Naked Snake, creando un rapporto di rivalità ma allo stesso tempo di immenso rispetto. Per tutta la vita Ocelot vedrà infatti Big Boss come un grande modello da imitare, l’incarnazione di quei valori in cui anche Ocelot cominciò lentamente a credere.

La visione di The Boss

Il forte legame con Big Boss venne confermato dalla creazione dei Patriots, l’organizzazione voluta dal Maggiore Zero il cui scopo era realizzare la visione del mondo in cui credeva fortemente The Boss, l’eroina che si era sacrificata per salvare il proprio paese (nonché mentore di Big Boss e madre di Ocelot).

Ocelot (il figlio biologico) e Big Boss (il figlio “adottivo”) cercarono di unire le forze per potere portare avanti la visione che, secondo loro, The Boss aveva sperato per il futuro dell’umanità: creare un mondo senza confini, in cui ogni individuo potesse rispettare l’altro. Un mondo che valorizza insomma l’individualismo di ciascuno e combatte l’egoismo, in cui persino il concetto di guerra risulta obsoleto.

Al di là dei conflitti e degli odi di parte, l’obiettivo più alto rimane l’unità del mondo, che nella sua vastità è qualcosa di infinitamente più importante di ogni guerra o guadagno personale. Big Boss e Revolver Ocelot si fanno interpreti di questo sogno di The Boss, creando l’esercito privato dei Militaires Sans Frontières (abbreviato in MSF) e poi dei Diamond Dogs (abbreviato in DD).

L’idea di Big Boss, nonché quella di Ocelot, era quella di creare un rifugio sicuro per tutti coloro che cercavano di ottenere un posto nel mondo. Gli MSF e i DD rappresentavano la possibilità per l’individuo di affermarsi attraverso ciò che più di ogni altra cosa fa sentire all’uomo di essere vivo: la guerra. Proprio attraverso il combattimento e la frenesia della battaglia gli uomini raggiungono la pienezza di vivere, e così affermano il loro individualismo.

Tuttavia, ciò non significa che gli MSF e i DD fossero dei guerrafondai: nella visione di Big Boss e Revolver Ocelot i loro soldati agivano in missioni di pace, per aiutare i più bisognosi e combattere gli altri eserciti privati che si preoccupavano solo del proprio tornaconto personale. Seguendo questa visione, Revolver Ocelot accompagnò per anni Big Boss, diventando uno dei suoi confidenti diretti nonché amici più cari.

Liquid Snake, Shadow Moses e il trapianto chirurgico

Dopo gli avvenimenti di Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, Revolver Ocelot decise di addestrare in segreto uno dei figli di Big Boss, Liquid Snake, mentre il fratello di quest’ultimo, Solid Snake, venne cresciuto da Master Miller, l’altro braccio destro di Big Boss.

Ocelot si unì all’organizzazione di Liquid, FOXHOUND, un’unità di forze speciali americana: Revolver Ocelot prese questa decisione non tanto per gli ideali che incarnava FOXHOUND (egli continuò comunque a svolgere il ruolo di spia doppiogiochista), ma per via della somiglianza di Liquid con il padre, che nel frattempo era stato apparentemente ucciso da Solid Snake durante l’incidente di Zanzibar Land.

Ocelot scoprì infatti che la salma di Big Boss era mantenuta in vita attraverso un coma indotto dai Patriots: fece quindi di tutto per riuscire a ottenere il corpo del suo mentore, la persona che ammirava più di qualunque altra. Collaborò insomma con Liquid (anche se in realtà passò informazioni segrete su armi nucleari tramite il mercato nero) e conobbe Solid Snake, l’altro figlio di Big Boss nonché acerrimo nemico di Liquid.

Alla fine degli avvenimenti di Shadow Moses (narrati in Metal Gear Solid 1), Revolver Ocelot perse un braccio e Liquid morì a causa del virus FOXDIE (di cui Solid Snake era, a propria insaputa, il portatore); Ocelot ne approfittò e si fece trapiantare il braccio destro di Liquid Snake, in modo da avere accesso al suo codice genetico.

L’obiettivo di Revolver Ocelot, infatti, era uno solo: distruggere i Patriots. Voleva recuperare il corpo del proprio mentore e vendicarsi di quell’organizzazione corrotta creando il mondo di libertà in cui lui, The Boss e Big Boss avevano sempre creduto. I Patriots, infatti, erano arrivati ad essere un’organizzazione senza volto, controllata da intelligenze artificiali che si occupavano rigidamente dell’ordine mondiale.

Distruggere i Patriots avrebbe significato liberare l’umanità da ogni controllo imposto, dalle divisioni economiche e sociali, dalle leggi dettate dai più ricchi e potenti. Revolver Ocelot voleva fare tornare il mondo a uno “stato di natura”, creando una sorta di anarchia in cui gli uomini avrebbero potuto raggiungere la pienezza del vivere attraverso il combattimento e il valore personale.

Nella sua visione, che poi è quella di Big Boss, era questa la libertà di cui parlava The Boss. Ocelot cominciò quindi a ingannare tutte le persone intorno a lui: attraverso una combinazione di psicoterapia, droghe, autoipnosi e nanomacchine egli diventò il sosia mentale di Liquid Snake. Il suo obiettivo era creare una rivolta contro i Patriots, cercando di distruggere quel sistema corrotto che ormai dominava la realtà.

Liquid Ocelot e la realizzazione del suo piano

Col tempo, Revolver Ocelot lasciò che la personalità di Liquid prendesse sempre più il sopravvento, e così divenne conosciuto come Liquid Ocelot, una sorta di ibrido tra i due personaggi. Era soprattutto nei momenti di vicinanza di Solid Snake che il carattere di Liquid si mostrava con maggiore violenza, per via della rivalità tra i due fratelli.

In Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, Ocelot riuscì a prendere il controllo dei più grandi eserciti privati del mondo, e col tempo ottenne il codice genetico di Big Boss, necessario per potere accedere alla rete dei Patriots. Il suo obiettivo apparente (quello che fece credere agli altri) era prendere il controllo della rete per sé, in modo da condurre il mondo verso una nuova era.

Solid Snake riuscì a fermare il piano di Liquid Ocelot, inserendo un complicatissimo virus all’interno del sistema e disabilitando così tutta la rete satellitare dei Patriots. Tuttavia, anche questo era tutto parte del piano di Ocelot: il suo obiettivo era proprio permettere a Solid Snake di accedere alla rete dei Patriots e distruggerla dall’interno; così facendo, il mondo era finalmente libero, e il piano della “terra unita” voluto da Big Boss era realizzabile.

Di fronte al fratello, la personalità di Liquid prese tuttavia il sopravvento, e in un epico scontro finale (a mio parere, il miglior scontro nella storia dei videogiochi) entrambe le personalità di Liquid Ocelot morirono. Il primo a esalare l’ultimo respiro fu Liquid Snake, che svelò al fratello la propria visione della realtà:

Questo è solo l’inizio, Snake. L’America piomberà nel caos. Sarà di nuovo un Selvaggio West. Nessuna regola né ordine. Le persone combatteranno, e attraverso la battaglia conosceranno la pienezza della vita. Alla fine, il sogno di nostro padre si è realizzato; là fuori, da qualche parte, so che sta ridendo.

Anche Liquid si fa insomma portatore del messaggio del padre, quella volontà di creare un mondo senza confini in cui Big Boss aveva creduto per tutta la vita. In seguito, a pronunciare la frase finale è proprio Revolver Ocelot, che negli ultimi istanti di vita riprende completamente il controllo della propria mente:

Io sono il sosia di Liquid. E tu sei il suo. Sei proprio come tuo padre.

Fino alla fine, Ocelot mantiene davanti agli occhi l’immagine dell’uomo a cui ha dedicato tutto, quell’individuo che gli ha fornito una ragione di vita e che ha ammirato come un Messia salvifico. Alzando le braccia e mimando lo stesso gesto di un Maggiore Spetsnaz di quarant’anni prima, borioso e sfacciato, Revolver Ocelot rivolge a Solid Snake, che non è altro che Big Boss, il suo ultimo saluto: “you’re pretty good”.

Non c’è da stupirsi che a più di 10 anni dall’uscita emergano ancora retroscena e dettagli relativamente al gioco. Oggi resta con noi perché vogliamo riportarti una notizia che ti lascerà a bocca aperta!

Metal Gear Solid 4: scoperto un intero livello di gioco eliminato!

Come ben saprai se come me sei un fan della saga, Metal Gear Solid 4 è composto da 5 atti. Oggi voglio concentrarmi sul terzo di questi 5 atti. Tanto per rinfrescarti la memoria, sto parlando del momento in cui Old Snake incontra Big Mama e i due si ritrovano a fuggire in un inseguimento in moto.

Andiamo con ordine però! Nella versione ufficiale del titolo, il gameplay dell’atto 3 finisce nel campanile, una volta abbattuta Raging Raven. Appena dato il colpo di grazia al boss infatti, partirà una lunghissima e a mio parere sensazionale scena d’intermezzo che terminerà con l’inizio dell’atto 4.

Alcuni fan però, scavando nel profondo dei file contenuti nel disco di gioco di Metal Gear Solid 4, hanno scoperto che in origine i piani di Kojima non erano affatto questi!

Forse ti ricorderai che Snake e Big Mama in una delle ultime sequenze prima d’incontrare Liquid nelle fogne, aprono un tombino e durante l’apertura del suddetto, Big Mama avverte Snake con un sonoro “Ci potrebbero essere alcuni soldati di Liquid li sotto.”

Per anni il motivo di questo strano avvertimento è stato a noi sconosciuto, ma oggi finalmente tutto ci risulta chiaro. In origine l’interno delle fogne doveva essere un vero e proprio livello giocabile, ma non è finita qui!

Di certo ti ricorderai la sequenza di gioco di Metal Gear Solid 3 in cui Eva ferita, viene scortata da Big Boss fino all’elivelivolo per poi fuggire assieme. Originariamente il livello delle fogne era proprio pensato alla stessa maniera, probabilmente seguendo il pieno stile di Kojima e ricreando l’effetto nostalgia del vecchio capitolo.

All’interno del gioco  sono appunto stati scoperti numerosi audio che testimoniano ciò appena detto. Otacon esordirà con un:

“Snake, le condutture portano fino al punto d’incontro sulla riva, se seguirai il flusso dell’acqua dovresti riuscire a ritrovarti proprio davanti al punto d’incontro.”

Se ti stai chiedendo di quali minacce invece avremmo dovuto preoccuparci, detto fatto, Otacon infatti ci avvertirà:

“Sto rilevando moltissimi Gekko nell’area, ma è sempre meglio dell’accoglienza che ti aspetterebbe in superficie.”

Inoltre, come ti ho  accennato prima, questo livello sarebbe stato molto diverso dagli altri, in quanto come Otacon ci avverte:

“Big Mama è ferita, stai pronto a tutto, e tienila al sicuro! Capito?”

Ma la genialità di Kojima in Metal Gear Solid 4 non finisce di certo qui, seguimi bene adesso, perché arriva forse il motivo principale che mi ha spinto a scrivere questo articolo. Otacon ci contatterà attraverso il codec e ci dirà:

“Snake, sto rilevando molti movimenti nemici, così ho effettuato alcune scansioni dell’area e ho scoperto che Big Mama sta emettendo un potente segnale dal proprio corpo.”

Snake, a questo punto si renderà conto che i nemici conoscono la posizione sua e di Big Mama e Otacon specificherà che non ha captato nessun segnalatore prima della battaglia tra Snake e Raging Raven:

“Quindi significa che il segnalatore è stato impiantato prima che tu entrassi nelle fogne.”

Ed ecco qui il colpo di scena, che va a spiegare perfettamente una frangente di gioco che i giocatori non avevano mai capito appieno. I due infatti realizzano che un cecchino ha sparato a Big Mama un proiettile contenente nanomacchine traccianti.

Ma quando? Ma dove? Ti starai chiedendo. Di certo ti ricorderai la scena dell’inseguimento in moto presente nella versione ufficiale del gioco, a un certo punto un mini filmato introduce un cecchino che spara in pieno petto di Big Mama senza che le venga procurato il minimo danno, portando i giocatori a rimanere perplessi.

Ed ecco a te spiegato dopo anni il perché di quella determinata scena che prima appariva senza senso!

Insomma ora è tutto chiaro, Big Mama non ha subito nessun danno dal colpo per il semplice fatto che non si trattava di un proiettile ma di un segnalatore.

Il problema però rimane, come togliere questo tracker dal corpo della donna? Molto semplice! Otacon suggerisce a Snake di usare l’inibitore di nanomacchine donatogli da Naomi che infatti sembra funzionare alla grande una volta iniettato.

I riferimenti a Metal Gear Solid 3 a ogni modo sono molto espliciti. A ruoli invertiti, Eva infatti si ritrovava a rimuovere un segnalatore da Snake in quell’occasione. Anche in questo caso, è chiaro che in questa parte di gameplay di Metal Gear Solid 4 Kojima era pronto a giocare con le emozioni dei player.

Sono presenti moltissimi altri file audio all’interno di questa sequenza di gioco che per motivi di lunghezza dell’articolo purtroppo non possiamo riportare in versione integrale ma ci limiteremo a citarli:

• Otacon si arrabbierà ogniqualvolta che urterete in qualche modo Big Mama, arrivando perfino ad ammonire pesantemente Snake.
• In caso uccidiate i ratti presenti nelle fogne, Otacon vi chiamerà e comincerà anche in questo caso ad ammonirvi verbalmente.
• Vi sono anche un paio di gag in cui Snake e Otacon discuteranno sulla manutenzione del sistema fognario.
• Infine i Gekko si armeranno di armi chimiche allo scopo di neutralizzare Snake.

Rimane un ultimo punto da chiarire prima di salutarci: come sarebbe stata la mappa di gioco? Beh, molto probabilmente se sei stato o sei un giocatore di Metal Gear Solid Online 2 (tra l’altro abbiamo realizzato una guida per poterci giocare anche nel 2021 qui) la mappa delle fogne eliminata l’hai sempre avuta sotto il naso!

“Tomb of Tubes” è molto probabilmente la mappa eliminata dall’esperienza single player di Metal Gear Solid 4. Konami ha rilasciato la mappa nell’espansione GENE e noi possiamo dirci sicuri al 99% che sia un adattamento della versione progettata per il single player 

Seguendo i vari dialoghi di gioco riscoperti e confrontandoli con la mappa, la conformazione corrisponde quasi perfettamente alle indicazioni di Otacon.

Chiudiamo con il dire che è un vero peccato che la sessione di gioco sia stata cancellata da Metal Gear Solid 4. Sicuramente sarebbe stato un buon frangente di gameplay che avrebbe anche portato i player al passato ripensando le analoghe scene di Metal Gear Solid 3.

Non capiamo per quale motivo la scelta di Kojima di eliminare questa sequenza, anche perché dialoghi e mappa ormai sembravano più che completati. Se sei interessato ti alleghiamo a fine articolo un video che riporta per intero tutti i dialoghi scoperti!

Tu cosa ne pensi? Ti sarebbe piaciuto avere questo frangente di gioco nella versione finale di Metal Gear Solid 4?

Snake? SNAAAAAKE!!!!

Disclaimer, da qui seguono spoiler, prosegui a tuo rischio e pericolo.

Secondo alcune teorie trapelate in rete, Kojima avrebbe vagliato la morte sia di Solid Snake che di Otacon, tramite condanna a morte. Questo avrebbe sicuramente messo la parola fine e spento totalmente le speranze di milioni di fan che ancora oggi aspettano un seguito, magari con Solid Snake (anche se dovrebbero inventarsi una soluzione convincente all’invecchiamento precoce di Solid Snake, ma ehi…Nanomachines!)

Tuttavia il buon Hideo Kojima, reputò questo finale troppo crudo ed eccessivamente conclusivo quindi decise di far ricongiungere Solid Snake con il padre Big Boss, ovvero quello che abbiamo visto tutti, o almeno coloro che hanno giocato e finito il quarto capitolo di Metal Gear Solid.

Questa teoria nasce dal fatto che, la canzone utilizzata da Kojima nel finale di Metal Gear Solid 4 è “Here’s to You“, la quale cita Ferdinando Nicola Sacco e Bartolomeo Vanzetti, due anarchici italiani condannati a morte. Proprio come l’italico duo, Snake e Otacon avrebbero dovuto fare la stessa fine.

Visto il finale particolarmente sbrigativo di Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, in molti considerano Metal Gear Solid 4: Guns of The Patriots la vera conclusione alle vicende di Snake & co.

Un titolo che al tempo ha saputo davvero deliziare il pubblico, ma soprattutto gli appassionati di lunga data, grazie ai continui colpi di scena e tantissimi rimandi alle precedenti avventure, come da tradizione nelle opere di Hideo Kojima. Staremo a vedere se un domani Konami deciderà di rispolverare questa gloriosa saga, visto che Metal Gear Solid e buon Solid Snake, con le sue avventure, hanno forgiato legioni di gamer, i quali non attendono altro che poter rivedere i personaggi che costellano questa saga.

Metal Gear Solid 4 Online abbreviato poi in MGO2 è stato rilasciato gratuitamente da Konami nel 2008 per poi essere chiuso definitivamente nel 2012. Il comparto online era molto amato dai fan, in quanto capace d’immergere i giocatori in combattimenti che rispettavano a pieno lo stile della saga.

Non mancavano infatti modalità come infiltrazione a squadre e infiltrazione singola, basate sul fattore stealth che da sempre contraddistingue la serie. Per non parlare poi della presenza di oggetti iconici come la mimetica ottica, i Ga-Ko e Kerotan, personalizzazioni varie come la bandana, fino ad arrivare ad abilità da padroneggiare come il C.Q.C e ai personaggi principali della storia, interamente giocabili come: Raiden, Meryl, Vamp, Otacon e Snake stesso.

Metal Gear Solid 4 Online, come installarlo

MGO2 è stato riportato alla luce diversi anni fa da un gruppo di fan. Questi player in via del tutto gratuita hanno deciso di acquistare dei server privati e pezzo dopo pezzo sono riusciti a ripristinare l’intera offerta video ludica del titolo. Un lavoro mastodontico, durato anni e che ancora oggi continua incessantemente. Il progetto ha preso il nome di SAVEMGO.

Il titolo è ora fruibile a chiunque lo voglia rigiocare o anche solo provare, l’installazione è semplice e abbastanza immediata. Oggi abbiamo deciso di sviluppare una guida il più chiara possibile basata su tre punti chiave più un quarto di approfondimento:

• I. Requisiti
• II Configurazione della chiavetta
• III Ripristino del backup
• IV F.A.Q

I. Requisiti:

Per procedere avrai bisogno di:

• Una PlayStation 3 avente accesso al PSN.
• Un disco contenente i dati di MGO (Original, Greatest Hits, Platinum MGS4, o infine Japan MGO) le ultime versione del gioco non funzionano (vedi punto 1 del F.A.Q).
• Una chiavetta USB con spazio disponibile di minimo 4GB formattata in FAT32 (vedi punto 2 e 3 del F.A.Q).
• Un computer (Questa guida è basata su Windows 10).

NOTA BENE: perderai tutti i tuoi dati del sistema PlayStation 3, quindi prima di proseguire effettua un backup dei dati seguendo questa guida Sony per poi ripristinare il tutto una volta concluso il procedimento. In alternativa, se sei un fan sfegatato del titolo puoi sempre comprare un’altra PlayStation 3 da dedicare a MGO.

II. Configurazione della chiavetta

a) Scarica il backup della versione di gioco che preferisci e inseriscilo nella tua chiavetta. Tieni a mente che il backup deve corrispondere al tuo disco di gioco (non deve rispecchiare necessariamente la regione dove risiedi).

MGS4 Nord America

MGS4 Europeo

MGS4 Giapponese

MGO Giapponese

b) Una volta scaricato l’archivio di backup estrailo e copia la cartella denominata “PS3” nella tua chiavetta USB.

c) A questo punto puoi rimuovere la chiavetta dal tuo PC e inserirla nella tua PlayStation 3.

III. Ripristino del backup

Fatti forza, sei a metà dell’opera!

a) Nel menu principale della tua PlayStation 3 vai su Impostazioni, impostazioni di sistema e poi utilità backup.

b) Ora scegli di ripristinare e poi conferma la scelta.

c) Dopo il ripristino, avvia il gioco e lascia che si installino i dati. Potresti ricevere un errore di dati corrotti, per ora ignoralo.

ATTENZIONE: non dovrai mai cancellare i dati di gioco, se lo farai perderai l’accesso a MGO e dovrai rifare tutto il procedimento da zero.

Se dovessi continuare a ricevere un avviso di dati corrotti a ogni avvio del gioco, controlla il punto 4 del F.A.Q.

Congratulazioni, ora puoi giocare a MGO. Divertiti!

IV. F.A.Q

1) Come capisco se la mia copia del gioco è compatibile?

Le uniche due versioni non compatibili sono le seguenti:

2) Come formatto la chiavetta USB in FAT32?

Se hai Windows 10, ti basterà andare su Questo PC cliccare il tasto destro del mouse sulla chiavetta e infine cliccare su formatta. Ricordati che la formattazione della chiavetta cancellerà tutti i dati presenti in essa!

.

3) Come controllo se la mia chiavetta è configurata correttamente come FAT32?

Ti basterà cliccare sull’icona della chiavetta stessa e poi andare su proprietà.

4) Ogni volta che avvio il gioco un errore mi avverte che i dati sono corrotti!

Stai tranquillo, questo errore può essere risolto facilmente. Esci dal gioco, riavvialo e una volta arrivato nella schermata iniziale di notifica del salvataggio dei dati (quella che ti dice di premere x per andare avanti) esci dal gioco. Avvia di nuovo il gioco e tutto dovrebbe funzionare normalmente.

Se invece quanto appena detto non dovesse risolvere il problema, entra in recovery mode della tua PS3 e scegli di ripristinare il file System. Dovrebbe risolvere definitivamente il problema.

5) Cos’è il GAME ID?

Konami richiedeva una registrazione al proprio sito per accedere a Metal Gear Online. Il game ID non è altro che il nome utente che ovviamente veniva accompagnato da una password.

6) Come creo un GAME ID?

I ragazzi di SAVEMGO hanno pensato anche a questo. La procedura è immediata, ti basterà registrarti qui.

7) Non ho una PlayStation 3, posso giocarci comunque?

No, purtroppo Metal Gear Solid 4 è stata un esclusiva PlayStation 3, di conseguenza non esistono altri modi per giocare a MGO2.

8) Non ho un PC Windows posso seguire comunque la guida?

Certamente! A patto che tu possa estrarre l’archivio e sia in possesso di una chiavetta FAt32 puoi seguire questa guida.

9) Dovrò pagare per giocare in futuro?

No assolutamente, è tutto svolto a titolo gratuito, i ragazzi di SAVEMGO (stando a ciò che dichiarano) agiscono per passione e per amore del titolo. Non vengono accettate nemmeno donazioni. Se vuoi contribuire, il migliore modo per farlo è supportare il progetto condividendolo e riportando bug nell’apposita sezione.

10) Io avevo un vecchio GAME ID, c’è modo di recuperare i miei progressi?

No, il progetto è esterno a Konami, quindi non vi è modo di recuperare il tuo vecchio personaggio.

11) Verranno aggiunte nuove mappe e modalità al titolo?

I ragazzi di SAVEMGO hanno più volte espresso la loro voglia di ampliare l’offerta originale del titolo, ma al contempo hanno sottolineato la difficoltà nel fare ciò. Se ti può consolare, in questi anni sono state testate diverse custom map, quindi in futuro potrebbe uscire qualcosa di nuovo.

12) Non possiedo il gioco originale, posso comunque giocarci?

Senza una copia originale del titolo è impossibile usufruire di MGO2.

Solid o meglio Old Snake, stanco e in preda ai dolori si vede costretto a rientrare in azione per fermare il folle piano di Liquid Snake prima che sia troppo tardi.

Metal Gear Solid 4, emergono scene eliminate di Shadow Moses

Una delle sequenze più apprezzate dell’intero titolo è quella contenuta nell’atto 4. Old Snake, in seguito a una serie di eventi di cui ovviamente non ti parleremo per evitare spoiler, è costretto a tornare sull’isola di Shadow Moses. Il fattore nostalgia è ben visibile fin dai primi secondi di gioco dove Old Snake intento a riposarsi durante il viaggio, sognerà la famosa sequenza iniziale dell’eliporto di Metal Gear Solid 1. Questo sogno sarà completamente giocabile dal player.

A ogni modo, Hideo Kojima durante il level design di questo atto si è ritrovato di fronte a un enorme dilemma. Da una parte vi era la possibilità di riproporre interamente la Shadow Moses vista in Metal Gear Solid 1, dandoci la possibilità di ripercorrerla in ogni suo singolo aspetto.

In alternativa vi era la scelta di tagliare alcune zone già viste nel vecchio titolo in modo tale dare la possibilità al giocatore di esplorare nuove zone non accessibili in precedenza. Hideo Kojima ha scelto la seconda opzione. Infatti Old Snake percorrerà nuove zone della mappa (oltre alle più iconiche riproposte).

Diversi utenti, scavando all’interno dei file di gioco di Metal Gear Solid 4 sono riusciti a recuperare alcuni file audio inediti e non ottenibili nella versione finale. Per esempio in uno di questi file, Snake menziona la famosa libreria all’interno della stanza dove in Metal Gear Solid 1 si è svolta l’epica battaglia con Psycho Mantis.

Un altro audio invece, riporta un divertente dialogo tra Snake e Otacon dove il secondo rimprovera il nostro eroe di essere entrato nel bagno delle donne (luogo d’incontro tra Snake e Meryl).

È logico pensare che durante la fase di sviluppo, probabilmente le suddette zone fossero visitabili per poi essere state successivamente tagliate. Ti lasciamo il video nel caso fossi interessato, sconsigliandoti di visionarlo nel caso ancora non avessi completato il gioco:

È un vero peccato che queste porzioni di mappa non siano state implementate nella versione finale del gioco, però da un lato, lasciare la possibilità al giocatore di visitare zone del tutto inedite di Shadow Moses non ci è sembrata la peggiore delle scelte.

Metal Gear Solid 4 è senza dubbio uno dei tanti capolavori che Kojima e il suo team ci hanno donato. Nel caso non l’avessi ancora fatto ti consigliamo di recuperarlo.

Lo sapevi che l’account ufficiale Twitter di Metal Gear ha confermato l’arrivo di nuove notizie sulla saga?

Sony PlayStation – Metal Gear Solid

È il 1998, Natale per essere precisi, dopo una campagna durata circa sei mesi, di attente richieste mirate ai miei genitori, atte a farmi comprare una PlayStation, visto che tutti i miei amici ce l’avevano, la scatola grigia finalmente arriva sotto l’albero. A mani bassissime uno dei migliori Natale di sempre.

All’interno non c’erano giochi, quindi non ti resta che consumare il disco demo contenuto all’interno della confezione (nel 1998, per Natale, si chiudeva davvero tutto e dovevi attendere la fine delle feste per dilapidare i tuoi risparmi, quindi io dovetti aspettare il 27 dicembre mattino per andarmi a comprare una copia di FIFA 99 con Bobone Vieri, i suoi Mojiti e le veline in copertina). All’interno della demo, un gioco di cui non avevo mai sentito parlare (a 13 anni non avevo la mia enciclopedica conoscenza attuale) Metal Gear Solid. Dico semplicemente: “Questo lo voglio, deve essere una figata”.

Risparmio mesi di paghette e, a marzo, poco dopo la sua uscita, mi reco dal mio negoziante di fiducia. Il primo gioco che si avvicina realmente ad una esperienza cinematografica, Snake diventa praticamente di casa e non conto più le innumerevoli volte che l’ho portato a termine (complice anche il fatto, del mio abboccare ad una leggenda metropolitana che diceva che potevi rifarti tutta la campagna nei panni di Grey Fox).

Uno dei pochissimi giochi, della storia, che reputo meritevoli di un perfect score di 10 su 10. Uscito nel momento giusto, innovativo, tecnicamente, per il tempo, perfetto, gameplay solido e divertente, insomma il meglio del meglio che si potesse trovare su PlayStation. Da li in poi ogni mio acquisto di console, fu fortemente influenzato dalla presenza o meno di un capitolo della saga di Metal Gear Solid.

Sony PlayStation 2 – Grand Theft Auto: Vice City

Passano gli anni, ma la passione non diminuisce, anzi. Insieme a PlayStation 2, mi porto a casa Grand Theft Auto 3, primo vero gioco che noi giovini del tempo definivamo: “Il titolo dove puoi fare quello che ti pare” (vabbè l’espressione era più colorita, ma qui non posso scriverla).

Spolpo Grand Theft Auto 3 e scopro la sua mappa in ogni suo anfratto, quindi era logico pensare che il suo sequel (che poi non è un vero proprio sequel, ma un Grand Theft Auto 3,5) sarebbe stato mio al Day One. Perché Grand Theft Auto: Vice City e non San Andreas? Vero in San Andreas le cose da fare, specialmente a livello di missioni secondarie, erano molte, ma molte di più, ma l’atmosfera emanata da Vice City e la sua verve squisitamente anni ’80 era davvero imbattibile.

Partiamo dal personaggio: Tommy Vercetti. Doppiato da Ray Liotta e con una caratterizzazione che davvero ancora oggi fatico a trovare nei protagonisti venuti dopo. Continuiamo con la colonna sonora, la quale raccoglie il meglio, del meglio della musica Rock e Pop anni ’80. Concludiamo parlando della miriade di citazioni e chicche sparse nella Miami fittizia creata da Rockstar. Era Grand Theft Auto 3, ma con tantissimo più carattere.

Sony PlayStation 3 – Metal Gear Solid 4

Capiamoci non che non mi siano piaciuti Metal Gear Solid 2 e 3, anzi li reputo due giochi assolutamente meravigliosi, ma diciamo, forse complice l’età o chissà cosa, il primo mi è rimasto nettamente nel cuore. Tra queste motivazioni c’è la presenza del super carismatico Solid “David” Snake.

Ed è uno dei motivi per cui, a parer mio, Metal Gear Solid 4 è il gioco da provare a tutti i costi su PlayStation 3. Esclusiva per la console targata Sony è uno dei pochi titoli della saga che non abbiamo mai visto, nemmeno sotto forma di remastered o remake, anche su altri lidi. Il motivo per cui, a suo tempo, presi la PlayStation 3, invece che Xbox 360, grazie al mio primo stipendio. Menzione d’onore al ritorno a Shadow Moses, ma con grafica attuale, dove ritroveremo tutte le location del primo Metal Gear Solid: un vero e proprio colpo al cuore di ogni nostalgico, appassionato, come il sottoscritto.

Sony PlayStation 4 – Persona 5 Royal

Arriviamo ai giorni nostri con una saga che fino a qualche anno fa prima misconoscevo totalmente, ovvero quella di Persona, ma che è entrata prepotentemente nel mio cuore di videogiocatore.

Ti dico solo che alla mia entrata in iCrewPlay, la prima cosa da me affermata fu: “Ok, però Persona 5 Royal lo recensisco io” (e così fu). Semplicemente il paradiso per ogni appassionato di JRPG che si rispetti. Uno Shonen che tratta temi di denuncia della società giapponese, una caratterizzazione dei personaggi sopraffina e un gameplay che ti terrà attaccato alla console per le sue 100 e passa ore di gioco.

È difficile spiegare, in poche righe, la magia che un gioco come Persona 5 Royal è in grado di trasmettere. La storia alla base, le numerose quest secondarie, le romance con i vari personaggi di gioco…tutto in questo titolo è stato curato a livello maniacale. E ok, avrei potuto mettere un Red Dead Redempion 2 (che personalmente non ho apprezzato tanto quanto la sua fanbase) oppure un The Last of Us 2 (che reputo meraviglioso a livello di storia, ma monotono per quanto riguarda il gameplay), ma questi due giochi, pur essendo qualcosa di magistrale a livello tecnico, non mi hanno lasciato la stessa impronta del lavoro fatto da Atlus.

Anche qui ci sono le portatili

E pure qui parliamo delle console portatili, Sony è l’unica che, grazie alla sua PlayStation Portable, è riuscita, un minimo, ad impensierire il decennale monopolio di Nintendo in questo campo. Se Game Boy Advance era praticamente un Super Nintendo in miniatura, la PlayStation Portable era una PlayStation 2 con il medesimo concetto.

Giochi più maturi in formato tascabile. Un peccato grande così che PlayStation Vita non sia riuscita a fare altrettanto, visto che, nonostante le critiche ricevute e il poco crederci da parte di Sony, aveva alcune perle nascoste di assoluto spessore, specialmente nel campo dei JRPG e Picchiaduro.

PSP Play Station Portable – Crisis Core: Final Fantasy VII

La sfida, fino all’ultimo, è stata tra: Grand Theft Auto: Liberty City Stories, il quale portava un gameplay paurosamente simile alla sua controparte PlayStation 2 e Crisis Core: Final Fantasy VII. L’ago della bilancia va a propendere verso quest’ultimo, visto che era qualcosa di davvero inedito, senza, naturalmente, sminuire il lavoro svolto da Rockstar.

In Crisis Core: Final Fantasy VII, finalmente ci veniva raccontato cosa accadeva prima di uno dei capitoli di Final Fantasy più amati, ovvero il VII. Perché Sephiroth diventava questa macchina di morte e ce l’aveva con il mondo intero? Chi è sto Zack di cui Cloud e Tifa continuano a ricordare? Un must have se sei un appassionato di Final Fantasy VII e pazienza se il sistema di combattimento è più simile ad un Kingdom Hearts, era comunque stato fatto bene.

PlayStation Vita – Persona 4 Golden

Concludiamo con la più sfortunata console Sony di sempre PlayStation Vita. Che cosa ha reso una macchina che sulla carta era un potenziale “distruggi tutta la concorrenza” in un flop clamoroso? A parer mio l’assenza di un gioco che fosse un vero groundbreaking, come lo fu Grand Theft Auto: Liberty City Stories a suo tempo.

Vero abbiamo avuto Uncharted: L’abisso d’oro, ma non aveva lo stesso fattore rigiocabilità del titolo Rockstar. Però se vai a controllare la lista dei titoli disponibili, questi c’erano ed erano pure tantissimi. Come dicevo prima, la maggior parte erano picchiaduro e JRPG quindi, se sei un appassionato di queste categorie di giochi, ti consiglio vivamente di pensare ad un acquisto. Peccato che l’occhio del popolo del modding sia caduto su questa console e ne abbia fatto schizzare alle stelle le quotazioni sui principali siti di roba usata.

Tornando a noi proprio tra questi JRPG, pesco il titolo che mi è rimasto più nel cuore e quello che mi ha fatto scoprire la saga di Persona ovvero Persona 4 Golden.

Remastered arricchita con nuovi contenuti di Persona 4, uscito per PlayStation 2 (molti titoli per PlayStation 2 hanno ricevuto una remastered per PlayStation Vita, alcuni fatti divinamente come Metal Gear Solid 2 e 3 e altri fatti con i piedi come la trilogia di Jak & Dexter). Anche qui abbiamo una trama eccellente sotto ogni punto di vista con una denuncia al mondo Giapponese travestita da Shonen.

Praticamente e un Persona 5 depotenziato, ma comunque estremamente profondo e divertente. Vero, non abbiamo i tantissimi luoghi da esplorare come nel suo capitolo più recente, tuttavia credo che meriti un’occhiata, in più è presente anche su Steam (infatti in questo periodo lo sto rigiocando sulla piattaforma creata da Gabe Newell).

TO BE CONTINUED…