Non si tratta, però, di una questione meramente pratica. I videogiocatori più abituati al formato fisico hanno avuto modo di ricordare come le confezioni, i manuali di istruzioni e gli stessi CD o le cartucce fossero per gli sviluppatori occasioni per rendere ancora più uniche le proprie creature.

L’arte nei videogiochi, infatti, non si limita soltanto alla grafica e al design dei personaggi, ma si estende anche ai dettagli più piccoli, proprio come le illustrazioni stampate sui CD di gioco. Alcuni titoli hanno sfruttato questa superficie per creare immagini rimaste impresse nell’immaginario collettivo, e sono stati così capaci di aggiungere un tocco speciale all’esperienza di noi giocatori.

Per ripercorrere quella magia che, con la diffusione sempre più estesa del digitale sta andando via via scomparendo, questa settimana proponiamo la nostra top 5 delle migliori illustrazioni sui CD dei videogiochi.

N. 5: Game & Wario (WiiU)

Iniziamo la nostra lista con un esempio particolarmente divertente. Game & Wario, uscito su Wii U nel marzo 2013, porta l’umorismo tipico della serie WarioWare anche nel design del suo disco. L’immagine presente su CD, infatti, raffigura il volto del caotico anti-eroe Nintendo con il suo sguardo sornione e i baffi arricciati, in una delle sue classiche espressioni esagerate.

La particolarità che rende questa illustrazione così memorabile, però, è il modo in cui il foro centrale del disco viene utilizzato. Posizionato esattamente sopra il naso di Wario, questo spazio rende necessario premere premere proprio in corrispondenza del grosso e paonazzo naso del personaggio, creando così un effetto comico irresistibile e rendendo il design del CD immediatamente riconoscibile e in perfetta sintonia con il tono sopra le righe del gioco.

N. 4: Jet Grind Radio (Dreamcast)

Al quarto posto troviamo Jet Set Radio, uno dei titoli più famosi e apprezzati realizzati per Dreamcast. Il gioco è noto per il suo stile visivo cel-shading e l’estetica urbana ispirata alla cultura hip-hop e ai graffiti, oltre che per una colonna sonora davvero stilosa. Nella versione nordamericana, che prende invece il titolo di Jet Grind Radio, troviamo un elemento che rende questo gioco ancor più indimenticabile: il design del disco.

L’intera superficie del CD, infatti, ricrea l’aspetto di un disco in vinile, con scanalature sottili che imitano i solchi di un LP. Il foro centrale, proprio come accade nei vinili, diventa un elemento naturale del design. Inoltre, sono presenti dei simboli verdi, che richiamano le tag stilizzate e i graffiti presenti nel gioco, enfatizzando così l’animo ribelle e urban del titolo sviluppato da Smilebit. Questo design riesce a rappresentare l’anima musicale del gioco, risultando così un’estensione perfetta del suo stile artistico.

N. 3: Metroid Prime (GameCube)

Salendo nella nostra classifica, al terzo posto troviamo Metroid Prime per GameCube, un titolo rivoluzionario che ha portato la saga di Metroid nel mondo della prima persona. Il design del disco è un esempio di eleganza e raffinatezza minimalista, con un tocco di ingegno che lo rende davvero unico. L’illustrazione principale del CD, infatti, è una rappresentazione della Morfosfera, la forma sferica in cui Samus può trasformarsi nel gioco.

Il foro centrale del disco diventa parte integrante dell’illusione ottica, simulando il nucleo luminoso della sfera. Questa scelta non solo è visivamente accattivante, ma richiama uno degli elementi di gameplay più iconici della serie e, proprio per questo, presente trasversalmente in tutti i capitoli della saga. Il design monocromatico con dettagli in rilievo, inoltre, conferisce al disco un aspetto futuristico e tecnologico, in totale armonia con l’atmosfera del gioco.

N. 2: Final Fantasy VII Rebirth (PlayStation 5)

Al secondo posto troviamo Final Fantasy VII Rebirth, il secondo capitolo del remake della leggendaria avventura di Cloud e compagni. Il gioco richiama il capitolo originale già nella presenza di due dischi, fatto a cui oggi siamo disabituati, se non per rare eccezioni (come Metaphor: ReFantazio, che nella versione Xbox presenta due dischi). Molti titoli dell’era PlayStation 1, infatti, erano caratterizzati dalla presenza di più CD: nella versione originale del settimo capitolo della saga creata da Hironobu Sakaguchi, ad esempio, ne erano presenti addirittura tre.

Il design dei dischi di Rebirth è un esempio di eleganza e potenza narrativa. Gli illustratori, infatti, hanno utilizzato la presenza di due CD per creare due illustrazioni complementari che rappresentano la battaglia tra Cloud e Sephiroth. Il primo disco, infatti, raffigura Sephiroth, immerso in un’aura minacciosa, mentre il secondo disco mostra Cloud con la sua iconica Buster Sword pronto all’attacco. Insieme, le due immagini creano un’opera unica che simboleggia perfettamente l’eterna rivalità dei due personaggi e il senso di epicità del loro scontro.

N. 1: Xenoblade Chronicles (Wii)

Al primo posto non poteva che esserci Xenoblade Chronicles per Wii, con uno dei design più iconici e affascinanti di sempre per quanto riguarda l’art design dei CD. L’opera di Monolith Soft, amata per la sua trama epica e il suo vasto mondo esplorabile, presenta un’illustrazione che riesce a racchiudere tutta la magia del gioco in un singolo disco.

L’elemento principale dell’illustrazione è la Monado, la spada leggendaria impugnata dal protagonista Shulk. Il foro centrale dello slot dedicato al CD si integra perfettamente con l’elsa della spada, creando l’illusione che il cuore pulsante della Monado sia rappresentato proprio dal centro del disco.

Questo design non è solo esteticamente accattivante, ma è anche simbolico: la Monado è l’elemento chiave della storia di Xenoblade Chronicles, e posizionarla al centro del disco è un modo geniale per sottolinearne l’importanza. Per questo, a nostro modo di vedere, la prima posizione della classifica non poteva che essere occupata da questo gioco

In una recente puntata del podcast Giant Mess Mornings di Giant Bomb, l’insider Jeff Grubb ha rivelato alcune informazioni inedite in merito ai piani di Nintendo con la tanto amata IP.

Il ritorno di Metroid Prime!

Stando a quanto rivelato da Grubb, una remaster completa del primo titolo della serie costituirà uno dei giochi principali del Natale di Nintendo Switch. Proprio questo novembre, non a caso, ricadrà il ventesimo anniversario della serie, occasione imperdibile per un ritorno in grande stile.

“Credo che il gioco sarà progettato in qualche misura da Retro Studios, attualmente già alle prese con il quarto capitolo, così da rendere ai noto ai fan cosa aspettarsi dal seguito. Per abituarli a quegli elementi che potrebbero cambiare.”

Grubb ha poi specificato che il remaster in questione, che probabilmente farà uso di entrambi gli analogici e del giroscopio, includerà solo il primo gioco della trilogia.

“Le remaster del secondo e del terzo gioco sono praticamente finite, ma con molta probabilità Nintendo opterà per una release in un secondo momento. I sequel potranno contare su un sistema di controlli aggiornato, ma non sul completo rifacimento che invece riceverà il primo capitolo.”

Con molta probabilità, qualora la voce dovesse confermarsi come veritiera, data la finestra di lancio stimata il gioco verrà annunciato ufficialmente nel corso del prossimo Nintendo Direct di portata generale. Staremo a vedere.

Metroid Prime: fu Nintendo a fermare tutto.

In una video intervista fatta per Kiwi Talkz, David Kirsch lo sviluppatore del titolo ha confermato che, come vociferato in passato, all’interno del titolo del 2002 doveva essere contenuto anche Super Metroid. L’uomo afferma di aver inserito il titolo per Super Nintendo nel suo videogioco dopo averlo completato ed esserne diventato un fan ma fu la stessa Nintendo a chiederne la rimozione per via dell’emulatore non ufficiale usato in fase di sviluppo.

Sono stati rivelati anche altri interessanti dettagli sullo sviluppo di Prime, ad esempio il fatto che la telecamera di gioco fu corretta su consiglio di Shigeru Miyamoto in persona che dopo aver visonato un prototipo del gioco ha chiesto allo sviluppatore di abbassare leggermente l’inquadratura.

Krisch, che oramai è in pensione dal mondo videoludico ha anche raccontato di come durante lo sviluppo di Metroid Prime lavorasse 100 ore a settimana e di come si congedò dallo studio durante lo sviluppo del terzo capitolo della saga a causa del troppo stress.

Ecco il video dell’intervista completa.

Non tutti ma solo il primo

I roumor su un’eventuale remastered dei primi tre capitoli di Metroid Prime, circolano ormai da diverso tempo, tuttavia Emily Rogers afferma che i piani iniziali di Nintendo, ovvero di rilasciare la trilogia in un unico box, sono cambiati e potremmo avere solo il primo capitolo dell’FPS spaziale.

https://twitter.com/EmilyRogersBlog/status/1458561450075639813?ref_src=twsrc%5Etfw%7Ctwcamp%5Etweetembed%7Ctwterm%5E1458561450075639813%7Ctwgr%5E%7Ctwcon%5Es1_&ref_url=https%3A%2F%2Fwww.nintendolife.com%2Fnews%2F2021%2F11%2Frumour-metroid-prime-switch-remaster-is-wrapped-up-according-to-industry-insider

Il report di Emily Rogers viene citato anche da Jeff Grubb di VentureBeat, un’altra figura estremamente nota nel mondo dei videogiochi.

Il buon Jeff aveva predetto che Nintendo avrebbe rilasciato tutti e tre i titoli di Metroid Prime in un unico pacchetto, tuttavia la voce intercettata dalla Rogers pare aver convinto anche il giornalista di VentureBeat il quale afferma:

“Emily Rogers mentioned this, and I went back to look into it, and I think she’s right,”

tradotto

“Emily Rogers ha menzionato la cosa e sono andato a riguardarmelo, penso che abbia ragione”

Un duro colpo per tutti gli amanti della saga di Metroid Prime che speravano di poter rigiocare alle avventure in soggettiva di Samus, tuttavia questa mossa è dovuta anche alla questione Covid che ha rimaneggiato, di parecchio, i piani di parecchie software house e non solo. Speriamo solamente che la release di Metroid Prime, se veramente uscirà solo il primo capitolo, venga venduto a prezzo budget.

Metroid Prime è un FPS in salsa spaziale, il quale riprende la protagonista è le ambientazioni di Metroid (i popolare Metroidvania creato da Nintendo) ed è stato rilasciato, originariamente, per Gamecube. Sono usciti tre capitoli della saga, due su Gamecube e uno su Wii, tuttavia il titolo è entrato nel cuore degli appassionati facendolo diventare una hit da giocare a tutti i costi da chiunque ami il genere. Da tempo si vocifera non solo di una remastered dei primi tre capitoli, di cui abbiamo parlato in questa news, ma di un quarto capitolo vero e proprio il quale spesso viene segnalato da vari insider e addetti ai lavori, ma ancora a distanza di anni si sa poco e nulla.

Le dichiarazioni ufficiali: parola a Clark Wen!

Possiamo soltanto immaginare la mole di lavoro che c’è dietro questo titolo: la trilogia di Metroid Prime è ormai un punto di riferimento per quanto riguarda il comparto sonoro dell’intera serie Metroid. Clark Wen rivela che quasi tutta la colonna sonora è stata realizzata utilizzando sintetizzatori, mentre elementi come Morph Ball ed Echo Visor sono stati ispirati rispettivamente da magneti e sonar.

Gli Space Pirates, d’altra parte, parlavano originariamente in russo, ma Clark Wen alla fine ha impostato il linguaggio sull’ Yorùbá (una delle principali lingue della Nigeria), ha invertito il discorso ed enfatizzato le sillabe. Un elemento che si è rivelato particolarmente difficile da definire è stata la voce di Samus, i suoi grugniti, per essere precisi. Wen spiega:

(…) In origine avevamo fatto alcune registrazioni “temporanee” per la voce di Samus, perché volevamo assicurarci che ci fosse un feedback nel gameplay ogni volta che il personaggio subiva danni. Abbiamo chiesto a uno dei designer di fare alcuni grugniti e urla provvisori.

Non è mai stato inteso come un passaggio audio finale, ma poche settimane dopo averli inseriti nel gioco, abbiamo ricevuto un commento da [Nintendo] EAD sulla voce di Samus: sostenevano che avesse un suono troppo sensuale. [ride] Nintendo è “particolare” riguardo ai suoni vocali in generale, quindi sono stato felice di lasciargli la regia. Hanno finito per registrare diverse voci di attrici per doppiare Samus, per poi scegliere la voce che funzionava meglio.

Metroid Prime: tra voci e suoni

Clark Wen apre una parentesi a proposito di Jennifer Hale: era lei a doppiare Samus nei giochi Prime? Hale non ha mai ricevuto riconoscimenti per il ruolo, ma molti fan pensano che sia proprio la sua voce a comparire in tutti e tre i giochi Prime, così come in Metroid Prime Hunters.

Clark Wen ammette di non esserne totalmente certo così (è sicuro al 90-95%), poiché le uniche iniziali sui file audio erano “JH”. La voce della morte, rivela, è stata registrata da un’altra attrice, le cui iniziali sono “VM“.

È interessante notare che, sebbene Nintendo avesse chiaramente avuto voce in capitolo sul comparto audio del gioco, Retro Studios è stata in grado di respingere modifiche che riteneva inefficaci. Infatti, il compositore di Metroid Kenji Yamamoto ha composto una colonna sonora che era molto basata sulla chitarra (tanto che Clark Wen l’ha descritta come “Steve Vai incontra Sun Ra”): Retro Studios ha rifiutato questa proposta iniziale.

Clark Wen ora gestisce il pluripremiato studio audio Exile Sound, e negli ultimi anni ha lavorato su titoli del calibro di Guitar Hero e Call Of Duty. Quando gli è stato chiesto cosa ne pensasse di Metroid Dread, ammette che inizialmente pensava che l’audio e il sound design fossero “terribili“, ma dopo averlo giocato per un po’, si è reso conto esattamente a cosa mirava il team, apprezzando di più il risultato finale.

Guarda il teaser trailer:

Nella sua definizione più generica, metroidvania è un termine con cui si intende un gioco (spesso in 2D, più raramente in 3D) il cui mondo esplorabile si espande man mano che si prosegue nell’avventura, tramite l’ottenimento di specifici power-up capaci di aprire l’accesso a nuove zone. Sebbene una simile definizione possa essere ritenuta valida per tutti i giochi sopracitati, questa non è sufficiente a definire il tipo di esperienza verso cui ognuno di essi è indirizzato.

Avremo a che fare con un gioco dalla durata breve, sulla decina di ore, o lunga, di oltre 30 ore, come nel caso eccezionale di Hollow Knight? L’esplorazione sarà lineare e guidata, in favore di una narrazione serrata, oppure sarà completamente libera e aperta, nell’intento di spingere gli stessi giocatori ad orientarsi alla bell’e meglio? Sarà un titolo nel quale perdersi, dove sono ambienti e suggestioni a raccontare una storia, o uno il cui design suggerisce un completamento rapido, all’insegna della speedrun?

Un solo genere, tante sfumature, quindi. Curiosamente, questa molteplicità di approcci non costituisce affatto una novità, figlia magari dell’arrivo di tanti nuovi team creativi sulla scena, ma è invece sempre stata un elemento caratterizzante della storia del genere, come risulta evidente rispolverando la storia della saga che ne è, di fatto, la capostipite: Metroid.

Un ideale minato da limiti tecnologici

L’idea alla base del primissimo Metroid per NES era quella, del tutto diversa rispetto agli altri titoli del catalogo Nintendo, di creare un titolo dalle atmosfere cupe e ostili, che “non tenesse per mano” il giocatore ma che anzi lo spronasse a cavarsela da solo, orientandosi da sé, vedendosi costretto più volte a tornare sui propri passi prima di trovare la direzione giusta verso cui rivolgersi.

In un certo senso, il titolo per NES tenne fede a questo ideale, ma non ne rappresentò il perfetto compimento a causa dei grossi limiti tecnologici del tempo: come orientarsi, se più volte ci si ritrova a navigare corridoi dal layout riciclato, tutti provvisti di un monocromatico sfondo nero, e senza nemmeno una mappa di sorta da consultare? Le fondamenta per la nascita di qualcosa di nuovo erano state gettate, ma i tempi erano ancora troppo acerbi affinché se ne potesse cogliere il frutto.

È anche per questo motivo che Metroid II: Return of Samus, uscito per Game Boy e seguito diretto del capitolo per NES, si ritrovò costretto a mettere momentaneamente da parte l’ambizione alla base del precedente capitolo, perseguendo un obiettivo simile, ma tramite una via trasversale, che tenesse bene a mente i limiti tecnici del Game Boy. La scarsa visibilità dello schermo della console infatti, spinse gli sviluppatori di R&D1 verso una struttura di gioco più lineare; la discesa verso le profondità del pianeta SR388 si sussegue incessante, zona dopo zona, proseguendo nel meccanico sterminio dei Metroid, senza che si presenti mai un reale motivo per esplorare nuovamente luoghi già visitati.

Isolamento e smarrimento sono elementi sì estremamente presenti in Metroid II, che però non vengono restituiti al giocatore secondo l’originale disegno di R&D1; per quello, bisognerà aspettare il 1994, anno d’uscita di Metroid 3, meglio noto come Super Metroid.

Nascita di un genere

Con Super Metroid, e grazie alle possibilità offerte dallo SNES, R&D1 riesce finalmente nel suo scopo. Gli ambienti stavolta sono resi estremamente memorabili, merito di una notevole presenza di dettagli capaci di colpire l’occhio del giocatore. Più volte si incontrano zone il cui accesso è interdetto, da tenere a mente fino a quando non vi si potrà tornare successivamente una volta che si sarà ottenuto il power-up necessario a superare gli ostacoli che prima sbarravano la strada. L’esplorazione, in un primo momento guidata per mettere a suo agio il giocatore, improvvisamente diventa libera e aperta, spingendolo a consultare la mappa, quest’ultima finalmente incorporata in-game, per fargli decidere quale sarà il prossimo passo da seguire.

Quanto detto basterebbe senz’altro a definire alcuni degli aspetti principali di quello che diventerà un vero e proprio genere, ma non è tutto qui. In Super Metroid prende definitivamente forma un’altra dimensione della serie; se è vero che anche i primi due titoli presentavano ricompense per tempi di completamento brevi, è solo in Super Metroid che ai giocatori vengono forniti gli strumenti capaci di far davvero brillare questa modalità d’approccio. Lo shinespark ed il wall jump non solo rendono possibile una navigazione del mondo di gioco estremamente rapida, ma permettono anche di “rompere” la sequenza prestabilita degli eventi, incontrando boss e power-up secondo un ordine completamente a discrezione del giocatore.

Ecco quindi che, sulla stessa struttura che verrà solo in seguito definita da “metroidvania”, vanno a poggiarsi due esperienze sostanzialmente diverse. Una, che vede Samus avventurarsi su un pianeta desolato e ostile, che vive di atmosfere evocative ed è all’insegna dell’esplorazione; e un’altra, che incarna un vero e proprio power dream, ottenuto meritatamente grazie agli insegnamenti forniti dal gioco, che vede Samus schizzare inarrestabile per tutto il pianeta nel tentativo di completare la sua missione nel minor tempo possibile. Ed è curioso, allora, pensare che Super Metroid sia stato l’ultimo gioco della serie ad incarnare in egual misura entrambi gli aspetti.

Lo scisma tra 2D e 3D

Dopo Super Metroid, ci vollero ben 8 anni prima di vedere un nuovo gioco della serie, o meglio, due. Nel 2002 vengono rilasciati contemporaneamente Metroid Prime per Nintendo GameCube, prima esperienza dei texani Retro Studios, e Metroid Fusion per Game Boy Advance, ad opera sempre di R&D1. Mai come allora, le due anime della serie apparvero evidenti agli occhi dei fan, che le videro incarnarsi in due esperienze, al di là della qualità, nettamente diverse l’una dall’altra.

Metroid Prime costituì il tentativo (azzardato, ma che il tempo ha decretato come riuscito) di trasporre la tipica esperienza di Metroid in un ambiente 3D. Per farlo, Retro Studios decise di puntare tutto sulla componente esplorativa della serie, dato che la dinamicità di Samus sarebbe stata difficile da adattare altrettanto bene in uno spazio tridimensionale.

Visuale in prima persona, mobilità limitata e la presenza di uno scanner capace di rivelare informazioni sull’ambiente circostante sono tutti elementi di un’esperienza dal ritmo più lento, meditativo quasi, che fa dell’immersione e dell’esplorazione i suoi aspetti centrali. Non è un caso, infatti, se alla fine di tutti i capitoli della trilogia i giocatori non ricevono premi basati sul tempo di completamento, ma sulla percentuale di oggetti trovati.

Allo stesso tempo, con Metroid Fusion R&D1 non si limitò a sfornare un “Super Metroid 2” (del resto, come avrebbe potuto?), ma colse invece l’occasione per tentare a sua volta una nuova via.

Fusion è un capitolo che, a favore di sequenze horror scriptate ed una componente narrativa decisamente più marcata, sacrifica la libertà esplorativa (se non in una singola, notevole eccezione) vista nel capitolo per Super Nintendo. Il ritmo di gioco è serrato, i movimenti di Samus più fluidi che mai; eppure, l’immersione in un titolo che costantemente fornisce informazioni sulla direzione verso cui dirigersi risulta altamente compromessa, dando a tutta l’esperienza un che di “artificiale”. Forse, non a caso, è anche per questo che l’intero gioco è ambientato in un centro di ricerca spaziale atto a studiare la fauna di SR388, di cui ne imita i biomi.

Che la nuova deriva dei capitoli 2D costituisca una sorta di “terreno di gioco” per i veterani della serie viene reso ancor più evidente con l’uscita nel 2004 di Metroid: Zero Mission, ancora una volta per Game Boy Advance e remake del capitolo per NES.

Di quest’ultimo, Zero Mission riprende la semplicità della struttura e l’atmosfera generalmente eroica e trionfale. Nonostante sia ambientato sullo stesso pianeta di Super Metroid, eccezion fatta per qualche piccolo riferimento visivo, Zero Mission non dà mai al giocatore il tempo di soffermarsi sull’ambiente che lo circonda, slanciandolo incessantemente verso il prossimo obiettivo. Si tratta della stessa modalità vista in Fusion, con la sostanziale differenza che, nelle mani giuste, Zero Mission diventa tutt’altro che lineare, prestandosi perfettamente al sequence breaking. Ancora oggi, per questo motivo, è uno dei giochi più amati dalla comunità di speedrunners.

Il grande buio, fino a quando…

Dopo la chiusura della Prime Trilogy nel 2007 ed il malriuscito esperimento di Metroid: Other M nel 2010, un discreto tentativo di trasporre la dinamicità dei capitoli in 2D nelle tre dimensioni affossato però da un sistema di combattimento mal calibrato ed una componente narrativa a dir poco atroce, la serie entrò in uno iato lunghissimo. Questo fino a quando, nel 2017, Nintendo annunciò a sorpresa di aver affidato a MercurySteam lo sviluppo di Metroid: Samus Returns per Nintendo 3DS, remake del secondo capitolo della serie. Un ritorno decisamente inaspettato per tutti i fan, che ormai avevano abbandonato ogni speranza di poter giocare di nuovo nei panni di Samus.

Samus Returns è un capitolo spiccatamente diverso dai precedenti grazie all’introduzione di alcune nuove idee, come i poteri Aeion, la mira libera a 360°, e, per la prima volta in 2D, il contrattacco corpo a corpo. Si è trattato, però, di un ritorno non esente da difetti. Le capacità tecniche di Nintendo 3DS, analogamente a quanto visto con Return of Samus e Game Boy, non hanno potuto permettere contemporaneamente una grafica in 2,5D ed un ritmo di gioco frenetico (si tratta del primo gioco 2D della serie ad essere sprovvisto di Shinespark dopo la sua introduzione in Super Metroid); molti sono infatti i caricamenti presenti nel gioco, abilmente mascherati con una serie di blocchi da distruggere in fila.

Ioltre, risulta impossibile non sottolineare come MercurySteam, team decisamente improntato verso giochi d’azione, si sia ritrovato tra le mani il remake di uno dei capitoli della serie meno adatti alla loro cifra stilistica (non sorprende che la loro proposta iniziale riguardasse un remake di Fusion), ed il risultato che ne è conseguito è un titolo che dell’originale snatura ampiamente il senso. Le potenzialità, però, non mancavano, e forse il team di sviluppo avrebbe tratto enorme vantaggio da una maggiore libertà creativa, cosa di cui Metroid Dread è oggi la prova tangibile.

Finalmente, Metroid Dread

Metroid Dread rappresenta, per molti versi, l’evoluzione naturale di quanto visto in Fusion e Zero Mission: del primo, riprende l’atmosfera horror di certi segmenti, la narrativa maggiormente esplicitata (stavolta grazie alle cutscenes), ed un livello di difficoltà decisamente maggiore; del secondo, riprende e migliora la fluidità di controlli e movimenti, e ne eredita l’attenzione riposta verso la comunità di speedrunners. Metroid Dread infatti presenta una progressione che, se non guidata come in Fusion e Zero Mission, tende comunque a orientare chiaramente il giocatore verso la direzione giusta. Ciononostante fornisce, soprattutto nei playthrough successivi al primo, grandi possibilità di apertura, nonché di un tipo diverso di esplorazione, grazie al sequence breaking, che viene persino premiato dagli stessi sviluppatori.

È proprio  in quest’ottica che Metroid Dread dà il meglio di sé, affidandosi cioè a quella seconda anima della serie che pure è nata nel capolavoro che ha dato i natali a tutto il sottogenere. Lo spirito più esplorativo, così com’è stato canonizzato da buona parte di Super Metroid e dalla Prime Trilogy, non è presente in Dread, ma poco importa. Tutti gli elementi del gioco, dagli scenari semplicistici alla durata moderata, sembrano voler spingere i giocatori ad abbracciare anche gli aspetti più hardcore della serie, cimentandosi, perché no, in un tentativo di speedrun, finendo così per scoprire che, quando uno stile di gioco viene pienamente sorretto da un design coerente, c’è tutto un mondo nuovo da scoprire.

https://youtu.be/zGMcgIUG4no

Che cos’è un metroidvania?

Abbiamo visto come, una volta trasformato in realtà il sogno di R&D1 con Super Metroid, la serie Nintendo abbia finito col non ripercorrere mai due volte la stessa strada. Analogamente, i tanti appartenenti al genere metroidvania presenti sul mercato oggi tendono a non limitarsi mai esclusivamente a muoversi nell’ombra dei più acclamati capitoli di Metroid e Castlevania, ma anzi spesso sperimentano, laddove possibile, nuove idee da applicare al genere, che si tratti di una direzione artistica particolarmente spiccata, un setting insolito, o un inedito mix con altri generi.

Il bisogno di rivisitare la storia di Metroid dal punto di vista identitario è stato scaturito principalmente per un motivo, forse a questo punto intuibile. Giocando Metroid Dread, atteso così tanto a lungo, ci si rende presto conto che non si tratta di un titolo incentrato sull’esplorazione (intesa nel senso più canonico del termine), e che lascia ai giocatori due possibilità: la prima, smettere di giocare o continuare forzatamente, delusi perché le aspettative sono state disattese; la seconda, mettere da parte qualsivoglia idea pregressa sul genere e provare davvero ad apprezzare Dread per ciò che è, piuttosto che per quello che non è.

La storia di Metroid è lunga 35 anni e fatta di pochi titoli, con tante idee nuove sperimentate ad ogni iterazione. È una saga la cui identità è venuta fuori lentamente, gioco per gioco, ma che, con ogni capitolo, ha ampliato sempre di più il panorama di avventure che, pad alla mano, aspetta chi decide di calarsi nei panni di Samus per una nuova spedizione, sia essa su un pianeta abbandonato con una storia da scoprire gradualmente o su una stazione spaziale da esplorare nel minor tempo possibile.

Il design tipico dei metroidvania non dovrebbe essere mai ridotto a mera imitazione di qualcosa che in passato ha funzionato, ma anzi dovrebbe fornire, come spesso è stato, carta bianca a tutti quegli sviluppatori volenterosi di sfruttare una struttura consolidata per creare qualcosa di nuovo e veramente originale. E se persino la saga capostipite di tutto il genere è stata in grado si innovarsi e sperimentare nel corso degli anni, senza mai fossilizzarsi, allora non vi è davvero alcun motivo valido per cui non se ne debba seguire l’esempio.

Metroid Prime, un remaster che profuma di remake

Stando alle informazioni da lui raccolte, il progetto di Metroid Prime Remastered sarebbe iniziato nel 2018 e si tratterebbe di qualcosa di veramente ambizioso. Questo significa che dovremo aspettarci decisamente di più rispetto a un semplice upgrade della risoluzione.

NateDrake parla infatti di significativi miglioramenti grafici al gioco, sebbene dal punto di vista dei contenuti resterà praticamente identico al titolo originale del 2002. Il lancio dovrebbe avvenire nel 2022, proprio per festeggiare il ventesimo anniversario, con reveal probabile in occasione dei prossimi Game Awards o, comunque, in un periodo compreso da qui all’E3 2022 di Los Angeles.

Il chiaro intento è non solo quello di festeggiare il ventennale, ma anche di aprire la strada a una nuova generazione di giocatori, così poi da dare vita fase di promozione e ri-annuncio di Metroid Prime 4, cui progetto è stato recentemente resettato.