Gli easter egg di Read Dead Redemption

• Dopo i titoli di coda di Red Dead Redemption 2 si riprenderanno i comandi di John mentre parla con Abigail in un punto specifico della mappa. Esattamente dove verranno seppelliti alla fine del primo capitolo.
• The Strange Man, ovvero “lo strano tizio” che solo John può incontrare in Red Dead Redemption, è il personaggio più misterioso della saga. Appare in diversi interni del vasto mondo di gioco, tra cui in RDR2. Per l’esattezza in un dipinto, che prenderà gradualmente forma, in una capanna abbandonata nel Lemoyne, sotto la quale giace la stranamente perfetta carcassa di un alligatore in gabbia.
• Proprio come in GTA V è possibile aver un incontro ravvicinato con un UFO. L’evento si sblocca dopo aver recuperato un sermone particolarmente inquietante in un capanno di caccia nell’Heartlands. Tornandoci alle 2 di notte si potrà avvistare l’oggetto volante non identificato.

• Non solo UFO, in RDR2 è possibile imbattersi nel fantasma di una donna nei pressi di Lagras e in un treno fantasma se, verso le 3 di notte, ci si ritrova a passare accanto ai binari nel Lemoyne.

Gli easter egg di Assassin’s Creed

• Nel secondo capitolo della saga, mentre si fa parkour tra i tetti, si può sentire un dialogo tra due NPC che parlano di un secondo crociato incappucciato. Riferimento esplicito al cavaliere oscuro: Batman.
• In Valhalla, accedendo al laptop di Layla, è possibile leggere alcune mail con riferimenti alla pandemia COVID.
• Sempre in Valhalla, e sempre nel laptop di Layla, si possono ascoltare file audio di Desmond Miles: il primo protagonista della saga.
• Nel primo capitolo, dopo aver lasciato Masyaf, avremo l’opportunità di uccidere silenziosamente l’assassino Jamal. Questo è possibile in quanto Jamal è colui che ha tradito l’ordine aprendo le porte della città ai Templari. In realtà questo ci è permesso in quanto sarebbe dovuto essere l’obiettivo di una missione che poi è stata eliminata.
• Easter egg e riferimenti alla saga sono praticamente in ogni media. Da Skyrim a Dead sland, da Far Cry 3 a Dragon Age II, fino ai Simpsons.

Gli easter egg di Metal Gear

• In Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, ultimo capitolo dell’arco narrativo di Solid Snake, è possibile imbattersi nel primo elicottero abbattuto da lui abbattuto nel primo capitolo.
• Nella missione secondaria 112 di Metal Gear Solid V: Phantom Pain è possibile salvare niente meno che Hideo Kojima. La missione non è altro che un “copia e incolla” della prima missione “Arti Fantasma” in cui dobbiamo salvare Kazuhira Miller.

• Sempre in Phantom Pain, se si torna alla base particolarmente sporchi e con Quiet come spalla, la bellissima cecchina ci regalerà una doccia bollente insieme a lei.

Questi sono solo alcuni dell’infinità di easter egg che sono stati scoperti nei giochi sopra citati. Chissà quanti ancora sono nascosti nelle immense mappe di questi fantastici open world.

Eppure, come avrai avuto modo di testimoniare durante le tue ore in compagnia delle narrazioni che il mondo videoludico sa raccontare, esistono titoli che propongono panoramiche su storie d’amore che spesso rivaleggiano con quelle letterarie o filmiche. In occasione di San Valentino ti proponiamo cinque tra le più riuscite romance presenti nel decorso videoludico di tutti i tempi, senza distinzione di generazione.

Prima di cominciare, un piccolo disclaimer sulla copertina: sappiamo bene che Link è secolarmente l’eterno friendzonato del mondo videoludico, tuttavia quel bacio che milioni di fan della serie attendevano dal 1986 è arrivato in quel The Legend of Zelda: Twilight Princess del 2006, per cui, come si suol dire, “cosa fatta capo ha“, ergo sono loro a meritare la menzione onorevole, come accadde per Sir Daniel Fortesque in questa top risalente a Pasqua 2021.

Ti ricordiamo inoltre che il contenuto di quest’articolo non è spoiler free, per cui se ti mancano alcuni dei titoli che elencheremo, ti consigliamo di saltarli man mano che li incontri.

Cominciamo!

I 5 migliori amori videoludici per San Valentino

1. Geralt di Rivia e Triss Merigold (The Witcher, The Witcher 2: Assassins of Kings, The Witcher 3: Wild Hunt)

Se hai giocato le avventure del witcher più famoso del mondo videoludico e oltre, saprai che non è di certo la metà che molte persone si augurerebbero, non disdegnando praticamente mai dolci compagnie neanche quando è più o meno seriamente impegnato, eppure c’è una presenza costante a fianco del Lupo Bianco ammazzamostri, ed è la maga dalla chioma rossa Triss Merigold.

Sebbene l’evoluzione della loro relazione lungo i tre capitoli della saga videoludica sia totalmente subordinata alle scelte in game di chi gioca, sono in molti e molte ad aver spezzato una lancia a favore del cosiddetto ‘team Triss‘, disdegnando difatto il canonico grande amore di Geralt, la sensuale e determinata Yennefer di Vengerberg, collega di Triss il cui spietato opportunismo è spesso causa degli allontanamenti da colui al quale è nei fatti legata dalla magia di un genio (questa parte della loro storia è raccontata meglio nei libri di Andrzej Sapkowski).

Proprio a causa di tale condizionamento la storia tra Geralt e Triss risulta giocoforza più genuina, sebbene intrisa di quella torbidezza che è propria della narrazione sapkowskiana, la quale è stata mantenuta in maniera egregia anche dagli sceneggiatori della controparte videoludica della saga del witcher.

2. Deacon St. John e Sarah Whitaker (Days Gone)

Days Gone (2019), a detta di molti, è stata una delle ex esclusive Sony peggio trattate da parte di critica e pubblico. Se da una parte il titolo nei fatti non fa spalancare gli occhi da nessun punto di vista, rimane comunque un’avventura che vale la pena vivere, anche perché la narrazione, sebbene sia zeppa di buchi di sceneggiatura colmati solo da quel finale alternativo sbloccabile solo ripulendo l’intera mappa dalle missioni secondarie, riserva una storia d’amore inizialmente disperata che di punto in bianco rifiorisce.

Deacon, il biker ed ex militare protagonista del gioco, viene separato dalla moglie Sarah durante le prime scene a causa del caos scatenato dall’epidemia che ha trasformato buona parte della popolazione degli Stati Uniti in bestie prive di ragione.

Inizialmente convinto di aver perduto per sempre la sua metà a causa dello schianto dell’elicottero di soccorso su cui l’aveva fatta salire, Deacon le erge una piccola lapide accanto alla carcassa di esso, tornando periodicamente in loco a raccontarle attraverso lunghi monologhi le sue esperienze dopo la fine del mondo.

Fortuna vuole che i due si ritrovino due anni dopo la loro separazione, corrispondente al mid game del gioco, dopo che abbiamo rivissuto la nascita e crescita del loro sentimento tramite i ricordi di Deacon stesso.

Proprio da questi flashback apprendiamo che la loro frequentazione iniziale non era stata per nulla facile a causa della loro diversa estrazione sociale (lui un motociclista scapestrato e non amante delle regole, lei una scienziata specializzata in botanica) e dal loro essere stati reciprocamente male accolti dalle rispettive cerchie, l’uno dalla famiglia di Sarah, per nulla convinta dal suo stile di vita, l’altra dalla banda di biker cui Deacon è affiliato, convinti che lei possa allontanare da loro il compagno, sebbene finisca poi per essere benvoluta da Boozer, il migliore amico di Deek.

Tutti questi elementi danno vita a quello che in effetti è uno dei rapporti amorosi meglio approfonditi del videogioco contemporaneo.

3. Ezio Auditore e Cristina Vespucci (Assassin’s Creed II, Assassin’s Creed: Brotherhood)

Sebbene il Mentore più amato tra gli Assassini di tutti i tempi abbia terminato i suoi giorni al fianco della veneziana Sofia Sartor, chi ha giocato nella loro interezza i tre titoli a lui dedicati ricorda bene la figura di Cristina Vespucci (canonicamente cugina del più famoso Amerigo), un amore giovanile del nostro Ezio che in seguito apprendiamo non essere nei fatti mai terminato.

La ragazza è una delle prime conoscenze che facciamo in Assassin’s Creed II (2009), sebbene compaia solo in quei brevi attimi di early game in cui la vediamo consumare una notte d’amore con il diciassettenne futuro Assassino.

Quella che sembrava essere una storia transitoria e puramente fine a sé stessa subisce una nuova luce nel corso di Assassin’s Creed: Brotherhood (2010), quando tramite una serie di quest secondarie scopriamo l’intera storia dell’evoluzione del rapporto tra Ezio e Cristina, che si rivela negli esiti una storia d’amore tragica, tanto è vero che l’ultima di queste missioni accessorie ha il nome di Pene d’amor perdute, in omaggio all’omonima opera shakespeariana, la quale ironicamente è una commedia.

Le quest mostrano in primis la conoscenza tra un nuovamente adolescente Ezio e la giovane, di cui egli si fa soccoritore dopo un tentativo di molestie da parte di quel Vieri de’ Pazzi che morirà a San Gimignano, per poi spostarsi a pochi mesi più avanti, quando ella lo aiuta a dare degne esequie agli ingiustamente giustiziati padre e fratelli di Ezio, caricandoli su una barca e mandandola alla deriva sull’Arno.

Le strade dei due si dividono a causa di questo evento, che li allontana per due anni, al termine dei quali Ezio, tornato a Firenze dopo l’esilio forzato a Monteriggioni, scopre da Cristina stessa che è stata promessa sposa a tale Manfredo, un nobile fiorentino con il vizio del gioco d’azzardo, il quale verrà salvato proprio da Ezio dai suoi creditori, dietro la promessa che si dedicherà alla futura moglie abbandonando il suo deplorevole divertimento.

Trascorsi altri otto anni, Ezio rincontra Cristina a Venezia, la quale gli rinfaccia di averla abbandonata nonostante ella avrebbe volentieri rifuggito le nozze se solo il futuro Mentore glielo avesse proposto, intimandogli di non cercarla mai più.

L’ultimo incontro tra i due amanti disperati avviene nel 1498, durante il Falò delle vanità di Firenze (un episodio narrato anche nell’omonimo DLC di Assassin’s Creed II), quando, a causa delle loro ricchezze, Manfredo e Cristina divengono bersaglio delle persecuzioni dei fanatici al seguito di Girolamo Savonarola. Sbarazzatosi degli inseguitori di lei dopo l’omicidio di Manfredo, Ezio non riesce purtroppo a salvare la vita della sua amata, che spira tra le sue braccia dopo avergli confessato di non aver mai smesso di amarlo.

Ancora più ironicamente, Ezio le rivolge le parole: “Riposa in pace, Amore mio!“, che fanno eco a quel ‘requiescat in pace‘ con cui pedissequamente accompagna i propri assassinii.

Una storia triste ma profonda e degna di comparire in questo elenco.

4. Senua e Dillion (Hellblade: Senua’s Sacrifice)

Abbandonando la teatralità, la storia d’amore di cui ci apprestiamo a parlare assume i connotati a tratti spaventosi della psicologia, nello specifico dei disturbi mentali, sui quali la scienza ha ancora molta strada da percorrere.

L’amore che lega la guerriera Senua, protagonista di Hellblade: Senua’s Sacrifice del 2018, al compaesano Dillion ha tutte le caratteristiche di un’amore impossibile. Questo perché Dillion è stato ucciso durante un’incursione norrena nel loro villaggio, ed è stato proprio il desiderio di restituire il soffio vitale all’amato a spingere Senua a compiere la discesa negli inferi che viviamo durante il gioco.

Tale viaggio e lo scopo per cui viene compiuto sono in realtà metafore della difficoltà che ogni persona incontra ad elaborare un lutto, la cui difficoltà raddoppia nel momento in cui a mancare è il proprio compagno o compagna di vita. Il tentativo di Senua di raggiungere la dea Hela indica altresì l’inferno che una persona vive nel momento in cui si trova davanti a una situazione del genere.

Non è neanche un caso se diversi tra gli ostacoli che Senua deve attraversare onde raggiungere il proprio fine sono legati a doppio filo con il suo passato, in particolar modo con i ricordi più spiacevoli, la cui via di fuga da essi viene sempre rintracciata in Dillion.

5. Farah e il Principe (Prince of Persia: The Sands of Time, Prince of Persia: The Two Thrones)

Citando il titolo di un film tratto dal manga non bisognoso di presentazioni Inuyasha, quello che chiude questa breve rassegna è un sentimento che trascende il tempo.

Il legame tra l’innominato Principe di Persia e la principessa indiana Farah, che nasce e cresce durante il primo dei due titoli sopracitati, ha infatti un destino molto particolare: nelle battute finali del gioco, la ragazza rimane uccise a causa di una caduta. Ciò spinge ulteriormente il Principe ad operare l’unica scelta possibile, richiudere la Clessidra contenente le Sabbie del tempo.

Tale atto riavvolge il tempo alla notte prima dell’invasione della città indiana in cui era custodito il manufatto, dando all’agile spadaccino l’occasione di cambiare il corso degli eventi e così salvare la vita di Farah, la quale, vedendolo sopraggiungere, chiaramente non lo riconosce.

Ritrovatisi nella Babilonia invasa dal vizir Zervan, loro vecchio avversario comune, nel secondo gioco nominato (il terzo della ‘tetralogia delle Sabbie del tempo‘), il Principe si avvede di non aver mai cessato di provare sentimenti per la sua compagna di battaglie cancellate dal corso del tempo nonostante la sua relazione con l’imperatrice del tempo Kaileena, uccisa da Zervan ad inizio gioco.

Determinato a ricostruire la sua città e speranzoso che le sue parole destino qualcosa nell’animo di Farah, dopo la sconfitta dell’avversario il Principe chiude il cerchio aperto nel primo titolo. Alla rinnovata domanda dell’arciera su come facesse a conoscerla prima di incontrarla, egli le risponde con quell’incipit che chi ama la saga conosce a memoria: “Molti pensano che il tempo sia come un fiume che scorre lento in un’unica direzione. Ma io che l’ho visto da vicino, posso assicurarti che si sbagliano. Il tempo è un mare in tempesta. Forse ti chiederai chi sono e perché io parli così. Siediti, e ti racconterò la storia più incredibile che tu abbia mai sentito.”

La citazione di quest’ultima coppia vuole anche essere espressione della speranza di vederla presto di nuovo in azione grazie a quel remake che non arriva mai, ma, cantava giustamente Cindy Gomez nella traccia che scorre insieme ai titoli di coda del titolo originale: “Time only knows“. Nella speranza che arrivi almeno nel 2023, tutti e tutte noi di iCrewPlay auguriamo a te (e alla tua metà) un felice San Valentino.

Top 20 colonne sonore dei videogiochi: la seconda parte

Se per la prima metà il lavoro di scelta è stato difficile, per questa seconda parte ho avuto molti meno dubbi. I primi posti della classifica erano già decisi nella mia mente, impressi nel mio cuore come quelle melodie insostituibili in grado di farmi emozionare in modi unici.

Ecco quali sono, a mio parere (ci tengo a sottolinearlo ancora una volta), le più belle soundtrack del mondo videoludico.

10. Weight of the World – NieR: Automata

https://www.youtube.com/watch?v=BJ2kS9yyIwk

Bisognerebbe scrivere un articolo a parte sul capolavoro di Yoko Taro. NieR: Automata è un titolo straordinario, capace di creare un world-building accattivante, popolato da personaggi misteriosi, spesso taciturni ma profondamente espressivi nel loro silenzio.

Tutta la soundtrack di NieR: Automata meriterebbe un posto nella top 20 colonne sonore dei videogiochi; le musiche di Keiichi Okabe, infatti, sono state in grado di assumere uno stile unico, perfettamente riconoscibile, che le distingue da tutte le altre: voci femminili soavi, parole inventate, pianoforti delicati e percussioni perfettamente ritmate.

Tra queste spicca la canzone del finale di gioco, Weight of the World. Il testo della melodia racchiude tutto il senso dell’esistenza di 2B e A2, i due androidi protagonisti: “lo urleremo a squarciagola, anche se le nostre parole sembrano non contare nulla. Mi sembra di portare sulle spalle il peso di tutto il mondo”.

2B, in particolare, si lascia “intaccare” dalle emozioni grazie a 9S, il suo compagno di viaggio, e scopre cosa voglia dire essere innamorati della vita, del mondo, della bellezza. L’androide dal cuore di ghiaccio si fa carico di tutta la rovina e la sofferenza che la circondano, sperando di potere cambiare il corso degli eventi con il proprio coraggio.

“Spero, in qualunque modo, di potere salvare tutti noi. Ma la verità è che sono solo una semplice ragazza”: le parole della cantante sono le parole di 2B, una giovane ragazzina che si sente schiacciata da tutte le responsabilità e dal destino ingiusto a cui sono andati incontro umani e macchine. Tuttavia, nonostante questo, 2B va avanti.

“E, comunque, noi lo urleremo a squarciagola”. Nel finale E (il vero finale di gioco), alla voce femminile si aggiunge un coro potentissimo di altre persone, pronte a combattere e sacrificarsi per spezzare l’infame corso degli eventi. “Forse, continuando a crederci, i miei sogni diventeranno realtà”: un finale degno di essere definito capolavoro artistico, coronato da una soundtrack struggente ed emozionante.

9. Main Theme – Halo 3 

Domanda retorica: può una top 20 colonne sonore dei videogiochi non contenere la main theme di Halo? Ci troviamo di fronte al coro più famoso della storia dei videogiochi, oltre che sicuramente a una delle melodie videoludiche più iconiche mai realizzate.

A parte essere una fonte inesauribile di cover e meme (chi di noi non ha mai pensato di entrare in una chiesa cantandola?), la main theme di Halo ha segnato l’immaginario collettivo di tutti noi gamer, anche di chi non è mai riuscito a provare la saga Microsoft.

A mio parere, la versione di Halo 3 è il rifacimento perfetto della soundtrack del primo capitolo: il coro è stato perfettamente riorchestrato, arricchito da quell’inconfondibile serie decisa di tasti al pianoforte prima dell’esplosione delle percussioni.

Una soundtrack memorabile, che ha accompagnato generazioni di giocatori facendole sognare nello spazio sperduto. O’ Donnell e Salvatori, infatti, sono riusciti a condensare in questa traccia il senso di mistero e attrazione affascinata per l’universo infinito, per quelle innumerevoli stelle che si affacciano sull’orlo dell’Anello Sacro.

Rispolvera il primo Halo, quello del 2001: atterra con la navicella sull’Anello dei Covenant e contempla gli spazi sterminati tutti intorno. Ti renderai conto di quanto ancora adesso questa saga abbia creato delle atmosfere inarrivabili, capaci di trasportarci in altri spazi, di farci cambiare vita, di darci una diversa possibilità di esistenza. Questo, del resto, è il potere dei videogiochi.

8. Nate’s Theme – Uncharted 3: L’Inganno di Drake

Il brivido epico dell’avventura: è questa la sensazione che trasmette la main theme di Uncharted, il capolavoro Naughty Dog che ha fatto guadagnare a Nathan Drake un posto tra i personaggi più amati del mondo videoludico.

Oltre all’altissimo valore oggettivo che questi titoli racchiudono, c’è n’è uno anche profondamente personale: Uncharted è stata la saga che ha letteralmente accompagnato tutta la mia adolescenza, dall’uscita di PlayStation 3 agli ultimi anni di PlayStation 4.

Vedere Drake passare dal giovane sbarbatello immaturo all’uomo vissuto e sposato riesce in qualche modo a farmi capire che anche io sono cresciuto: Uncharted è stato insomma quel compagno di avventure ed emozioni, quell’amico fedele capace di creare un rifugio sicuro in cui ti senti compreso, la cui presenza basta per farti crescere e maturare senza che tu te ne renda conto.

La main theme di gioco è stato il simbolo di questa crescita: essa racchiude l’epicità di un cacciatore di tesori pronto ad affrontare tutti i pericoli dell’avventura, un Lara Croft al maschile (come tutti lo definiscono, anche se Nate è molto di più di questo) che si fa portavoce di intere generazioni di giocatori appassionati alle sue storie.

Credo che la versione della Nate Theme di Uncharted 3 sia la più iconica: arricchita con percussioni chiare e squillanti e con archi che esprimono tutti i brividi che saremo pronti a vivere accompagnando Nate nelle sue memorabili avventure. Brividi di paura, di gioia, di emozione: ancora una volta, il videogioco è un’esperienza indimenticabile.

7. Main Theme – Triangle Strategy

https://www.youtube.com/watch?v=F7uYrSH-hr4

Un titolo recentissimo (marzo 2022) che entra nella top 20 colonne sonore dei videogiochi: a prima vista può sembrare qualcosa di azzardato, ma se poi pensiamo che il creatore è Square Enix allora, forse, non è del tutto così fuori luogo (e comunque non preoccuparti: non è l’ultimo titolo Square Enix che vedrai in questa lista).

Da fan sfegatato di Octopath Traveler ho aspettato con trepidazione l’uscita di Triangle Strategy: il successore spirituale in HD-2D, infatti, non ha minimamente deluso le mie aspettative, a partire dalla main theme di gioco.

Prova a immaginare l’impatto che si genera nell’aprire un titolo e sentire una traccia musicale del genere: capisci fin da subito che deve essere un gioco che trasuda epicità, momenti drammatici e complessi, personaggi estremamente profondi. Tutto questo è Triangle Strategy, un’esperienza che mette letteralmente alla prova tutte le nostre convinzioni.

La main theme dell’ultimo titolo Square Enix ci vuole fin da subito fare capire che ogni scelta che compiremo avrà delle inevitabili conseguenze, spesso drammatiche. Condensati nelle note dell’orchestra ci sono Serenoa, Frederica, Benedict e tutti gli altri personaggi: ci sono le loro decisioni, il loro temperamento, il loro inevitabile destino.

Questa melodia racchiude gli intrighi politici, la storia di Nortelia, tutto il sangue versato e tutte le parole spese per cercare di cambiare il mondo. È come se Square Enix ci stesse avvertendo: non sarà un’avventura facile, ma per coloro che avranno il coraggio di seguire le proprie convinzioni la ricompensa emotiva sarà immensa.

6. Ganondorf Battle – The Legend of Zelda: Twilight Princess 

Quando penso a questa traccia mi immagino sempre una scena. Aonuma, il director di Zelda, entra nella sala di registrazione, si siede di fronte ai compositori e dice: “ok signori, Link deve affrontare l’Imperatore del Male, l’Essere Assoluto Oscuro e Invincibile ma cazzuto come pochi. Voglio una soundtrack azzeccata.”

Ecco il risultato: la traccia che viene riprodotta durante la battaglia finale con Ganondorf, in uno degli scontri più belli della storia dei videogiochi. Pur essendo presente per pochissimo tempo in Twilight Princess (dove viene dato più spazio a Zant), Ganondorf riesce in 10 minuti a rubare la scena a tutti gli altri personaggi.

Il suo character design, la sua voce, le sue motivazioni: tutto trasuda malvagità ed epicità allo stesso tempo. Egli è il Signore Oscuro, l’incarnazione di quell’Odio primordiale che dai tempi di Demise (Skyward Sword) continua a tormentare i discendenti di Zelda e Link.

La battaglia finale di Twilight Princess (e la soundtrack che la accompagna) è la condensazione di tutto il tono epico che caratterizza questo titolo: l’avventura di Link, infatti, è quella dell’Eroe valoroso rappresentante della Luce, pronto a esorcizzare il Male aiutato dalla Principessa prescelta dalle Dee.

Questa colonna sonora è talmente pervasiva da influenzare anche il gameplay: noi giocatori siamo rapiti dallo scorrere delle note, ci esaltiamo insieme al tono epico, siamo pervasi da una scarica di adrenalina che ci porta a dare il massimo nello scontro finale contro il Signore Oscuro.

Ganondorf è rappresentato, insomma, da una theme perfetta: tamburi violenti, fiati intimidatori, coro aggressivo. Tutto trasuda malvagità e desiderio di dominare il mondo, tutto è indirizzato ad affogare la terra in un’ondata di oscurità e sofferenza. Un personaggio così cazzuto (diciamolo) non poteva essere caratterizzato da una soundtrack migliore.

5. Gusty Garden Galaxy – Super Mario Galaxy

https://www.youtube.com/watch?v=AV9ADodnsoM

Super Mario Galaxy: ecco un gioco che dovrebbe entrare in qualunque top 20 colonne sonore dei videogiochi. Quasi tutte le tracce di questo titolo sono assolutamente uniche, costruite con una cura e un amore per il mondo videoludico che solo Nintendo riesce a trasmettere.

Credo che la melodia più iconica di gioco (nonché la più bella) sia quella dedicata alla Galassia Giardino Ventoso. Ogni volta che ascolto questa colonna sonora penso solo a una cosa: tutti noi giocatori, rappresentati da Mario, che ci lanciamo pieni di entusiasmo in mezzo alle stelle più remote, rapiti dal grido dell’avventura.

Questa theme di Super Mario Galaxy riesce a trasudare nostalgia anche per chi non ha giocato al titolo nel momento della sua uscita (2007): è come se la musica volesse trasportarci indietro nel tempo, in un’altra dimensione fatta di avventura, epicità, divertimento, senza alcuna preoccupazione della vita quotidiana.

In mezzo a queste note ci siamo noi giocatori che voliamo in groppa agli Sfavillotti di Rosalinda, c’è il desiderio di esplorare lo spazio sconosciuto armati di coraggio, c’è la promessa profonda di un’emozione che solo un viaggio videoludico può trasmetterti.

La Gusty Garden Galaxy theme vuole insomma ricordarci ancora una volta che non dobbiamo mai perdere di vista il nostro fanciullino interiore; ci ricorda quanto è bello continuare a fantasticare, tornare alle nostre origini, alle emozioni radicate che ci definiscono; ci fa capire quanto è bello, anche adesso, spiccare un salto gridando di gioia.

4. Ezio’s Family – Assassin’s Creed II

Cominciano a scendere le lacrime. Comincia quella sequenza di brani che hanno segnato tutta la mia vita di videogiocatore, tutte quelle note che sono capaci di farmi venire la pelle d’oca in ogni parte del corpo. Difficile dire tutto questo e non pensare a una saga che, nel bene e nel male, ha segnato profondamente tutti noi: Assassin’s Creed.

La storia di Desmond, fin dal suo primo capitolo (2007), ha fatto innamorare milioni di gamer, e continua ancora oggi (per quanto in maniera diversa e discutibile) ad accompagnarci. Ma c’è un nome che, nella storia degli Assassini, è rimasto impresso nella memoria di tutti; un uomo le cui gesta sono diventate leggenda: Ezio Auditore.

Sarebbe impossibile negare che la storia di Ezio è ancora oggi la più amata di tutta la saga, così come è un dato di fatto che l’Assassino di Firenze sia il personaggio più carismatico mai apparso nei capitoli Ubisoft. Tutto questo lo dimostra la soundtrack Ezio’s Family (melodia che, non a caso, è poi diventata la main theme dell’intera saga).

Nelle meravigliose note di Jesper Kyd è racchiusa tutta l’essenza del Credo degli Assassini: il coro angelico in sottofondo ci sta gridando che “nulla è reale, tutto è lecito”; i violini drammatici diventano il simbolo dei sacrifici compiuti dagli eroi nel corso della storia, di tutto il misterioso alone epico che ha sempre circondato i grandi uomini.

Ezio’s Family, come suggerisce il nome, è la condensazione della vita drammatica di Ezio Auditore da Firenze: la perdita del padre e dei fratelli, il peso di un destino imposto, la consapevolezza di essere solo una pedina nelle mani di un piano più grande, che coinvolge divinità e uomini di un’epoca futura.

Nonostante questo, Ezio continua a combattere per adempiere al proprio destino nella maniera più gloriosa possibile: al di là della sofferenza egli cerca infatti un posto nella storia, ricerca quel legame con Altair, con Desmond e con tutte le altri grandi personalità a lui connesse nell’intricato arazzo degli eventi.

Per quanto oggi Ubisoft abbia intrapreso un’altra strada e la saga abbia perso praticamente tutto del proprio fascino, i primi capitoli di Assassin’s Creed rimarranno nell’Olimpo dei videogiochi: un marchio indelebile di narrativa coinvolgente, personaggi carismatici, world-building immersivo; insomma, un’esperienza intessuta di brividi e commozione.

3. Father and Son – Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots

Sarà difficile essere concisi: proprio come Kojima, sarò molto prolisso. Del resto, penso sia impossibile spendere poche parole quando ci si trova di fronte a una saga videoludica così geniale come Metal Gear. Fiumi di inchiostro sono stati scritti sulla sua lore, sui suoi personaggi, sulla sua filosofia.

Decine di studiosi, filosofi, intellettuali hanno scritto approfondimenti e interpretazioni, hanno sviscerato ogni singola parola e avvenimento, cercandoci di fare capire quanto sia profondo il messaggio anti-bellico di Kojima, la sua metanarrativa, la capacità di rendere il videogioco un vero e proprio mezzo di espressione artistica.

Non mi soffermerò su tutto questo. Ma credo sia importante sottolineare quanto sia importante questa soundtrack [SPOILER]: Father and Son viene riprodotta nel momento finale della saga, quello più cruciale. L’incontro finale tra Big Boss e Solid Snake, i due protagonisti assoluti di tutti i capitoli; uno padre, l’altro figlio.

Già il titolo ci suggerisce il significato di questa melodia: non c’è più posto per la guerra. Niente armi, niente mosse da combattimento, nessuna strategia militare. La speranza di Big Boss è solo una: essere, finalmente, un padre. Per conto suo, Solid Snake si rende conto di qualcos’altro: cosa voglia dire sentirsi un figlio.

Lascia stare le armi, figlio mio. Non sono qui per combattere. È finita. È arrivato il momento di lasciare perdere le armi, e vivere.

Il finale di Metal Gear Solid porta in scena, con una semplicità di una potenza inaudita, un sentimento comunissimo: l’amore tra padre e figlio. “Non ho mai pensato a te come un figlio”, dice Big Boss, “ma ti ho sempre rispettato come soldato. E come uomo”. La speranza finale di John, prima di morire, è trasmettere un messaggio di pace.

Big Boss si rende conto di quanto la sua vita sia stata dominata dall’odio, dal rancore, dalla sofferenza. Capisce di non avere mai sperimentato un vero momento di pace. Capisce di essere morto il giorno in cui ha ucciso The Boss, la propria madre, la donna a cui ha dovuto tutto. “Il mondo starebbe meglio senza serpenti“, sussurra John sulla tomba della più grande eroina del XX secolo.

Di fronte a ciò, l’ultimo lascito che Big Boss vuole lasciare al mondo prima di andarsene è evitare che il proprio figlio ripeta i suoi stessi errori. Basta guerra. Basta sangue, armi e complotti. “Vivi, Snake. Vivi per te stesso”. Questo è il più grande desiderio che un padre possa augurare al proprio figlio. “Trova una nuova ragione di vita”.

Big Boss porge il suo ultimo saluto a Zero, l’amico-rivale, e a The Boss, la donna più importante della sua vita. Il suo addio è un atto finale di pentimento, una speranza di rimediare ai propri peccati abbracciando con affetto il proprio figlio e guardandolo con gli occhi lucidi, mentre la vita gli concede di fare un ultimo tiro al suo sigaro preferito.

“This is good, isn’t it?”. Non è solo il sigaro ad essere “buono”. È la possibilità di guardare in faccia il proprio figlio col cuore leggero, con la consapevolezza di avere ricevuto un briciolo di affetto dall’unica persona che poteva insegnargli che cosa significasse amare.

2. Main Theme – Octopath Traveler

Come promesso, ecco un’altra traccia firmata Square Enix, precisamente da Yasunori Nishiki, uno dei compositori più brillanti degli ultimi anni. Anche in questo caso siamo di fronte a un titolo relativamente recente, che addirittura merita di stare nel podio della top 20 colonne sonore dei videogiochi.

La motivazione è molto semplice: Octopath Traveler è un titolo in cui OGNI SINGOLA traccia è assolutamente memorabile. Non mi è mai capitato, nella mia sfaccettata carriera di gamer, di trovare un gioco in cui tutte (e dico TUTTE) le melodie fossero uniche, perfette, capaci di rimanerti impresse nella memoria.

Ogni singola nota di Nishiki è in grado di pararti davanti agli occhi i paesaggi di Orsterra (il mondo di gioco): dalle rigogliose praterie alle montagne ventose, dagli aridi deserti ai ghiacciai innevati. Il world-building respira insieme alla musica, tanto che sembra che ogni singola location di gioco esista proprio in funzione di quella soundtrack.

Stesso discorso vale per i personaggi: ognuno degli 8 protagonisti ha la sua main theme, e ognuna di queste si costruisce intorno a uno strumento musicale diverso (il pianoforte per H’aanit, i flauti per Therion, gli archi per Cyrus etc.). Nishiki è riuscito a catturare l’essenza di ogni personaggio e ad esprimerla in maniera sublime attraverso le sue epiche composizioni.

In mezzo a questo infinito catalogo, ho scelto di inserire la main theme (quella della schermata iniziale): credo racchiuda perfettamente quel senso di trasognata avventura che solo Octopath Traveler è riuscito a trasmettermi. Questa melodia grida epicità, ci racconta le avventure di tutti i protagonisti, ci promette di trasportarci in un mondo di narrativa fantasy, di scontri memorabili, di dialoghi coinvolgenti.

Octopath Traveler è stato il titolo che mi ha fatto appassionare agli RPG strategici. La trama, l’eccellente doppiaggio, la cura nel world-building, la particolarissima grafica in HD-2D: tutto questo ha certamente contribuito a rendere il gameplay godibilissimo, ma sono state le musiche il vero fattore decisivo.

C’è un motivo se, ancora adesso, Yasunori Nishiki è nella mia top degli artisti più ascoltati su Spotify: riprodurre la main theme di Octopath mentre passeggi per strada ti fa aumentare il passo senza che tu te ne accorga, ti dipinge davanti agli occhi quel mondo alternativo dove è bello rifugiarsi periodicamente, sognando di poterci, un giorno, arrivare davvero.

1. Title Theme – The Legend of Zelda: Ocarina of Time

Ti ricordi quello che ho detto all’inizio dello scorso articolo? Questa top 20 colonne sonore dei videogiochi è la mia personalissima lista, quella che definisce la mia carriera da gamer. Alla luce di questo, sarà chiaro perché io abbia deciso di inserire questa soundtrack al primo, ambitissimo posto.

Ocarina of Time è stato il primo videogioco a cui io abbia mai giocato; è stato quel titolo che ha piantato in me il seme del videogiocatore. Avevo 5 anni quando mio zio mi mise nelle mani il pad del Nintendo 64, facendomi prendere il controllo di un ragazzino in tunica verde che rotolava in mezzo a un’immensa pianura.

Non solo reputo Ocarina of Time il miglior videogioco di tutti i tempi (complici anche alcuni fattori oggettivi condivisi da buona parte della critica), ma ritengo anche sia il gioco che ha inciso di più su tutta la mia vita. Quel bambino vestito di verde ero anche io. Per colpa di Link a scuola infilzavo bastoni nel terreno, facendo finta di estrarre la Spada Suprema dal suo Piedistallo.

Dopo tanti anni, ho capito una cosa: l’intro di Ocarina of Time è stata creata per risultare nostalgica. La schermata del titolo, con questa melodia in sottofondo, vede Link cavalcare liberamente per la Piana di Hyrule, mentre in lontananza il sole comincia a sorgere, segnando l’alba di un nuovo giorno. Nessun altro suono, se non gli zoccoli di Epona che avanzano al trotto.

Ascoltare oggi questa melodia mi restituisce ancora quel senso universale di nostalgia, quel desiderio di un’infanzia perduta che tutti noi abbiamo provato almeno una volta. Credo che l’intro di OoT sia la concentrazione di tutto il mio amore per i videogiochi. Se mi dovessero chiedere che suono ha la mia infanzia, risponderei sicuramente con questa traccia.

Con le sue note, Koji Kondo vuole dirci che la nostra nostalgia perduta è anche quella di Link: costretto dal destino ad essere il salvatore del mondo, egli ritorna nella propria epoca senza essere riconosciuto come Eroe. Non solo Child Link è cresciuto (e per questo i Kokiri, eterni bambini, lo discriminano), ma niente e nessuno potrà mai restituirgli gli anni perduti della propria infanzia.

Solo in Twilight Princess scopriremo che quello stesso bambino, dopo essere cresciuto e diventato uno spettro (Hero Shade), aiuterà il nuovo Link insegnandogli le più avanzate tecniche di combattimento. Un passaggio di testimone che, per quanto piccolo, ristabilisce il nome del vecchio Eroe, consegnandogli finalmente il posto che merita nella storia.

Conclusioni

Siamo arrivati alla fine della mia top 20 colonne sonore dei videogiochi. Sono sicuro che ci sarà stata qualche esclusione che ti ha abbastanza indignato, e probabilmente avrei dovuto aggiungere una sezione honorable mentions (dove, fra parentesi, metterei sicuramente titoli come Ori o The Last of Us).

Tuttavia, ci tengo a ribadire ancora una volta che questa classifica è qualcosa di assolutamente soggettivo e personale. Non c’è nessuna pretesa di imporre il mio pensiero a nessuno; c’è solo volontà di trasmetterti il mio amore viscerale per i videogiochi, che molto spesso è passato proprio attraverso la musica.

Non esiste niente di più soggettivo di una traccia musicale; tuttavia, la cura posta nelle colonne sonore ci fa capire ancora una volta quanto il videogioco sia oggi un fondamentale mezzo di espressione artistica. Alla faccia di tutti quelli che sminuiscono il mondo videoludico come droga, noi rispondiamo mettendo in gioco le emozioni, gli insegnamenti, le consolazioni che solo i videogiochi ci hanno regalato.

Giochiamo per lo stesso motivo per cui molte altre persone guardano serie TV e film o leggono libri: per rifugiarci in un universo alternativo, per appassionarci alle storie, per trovare quel momento di pace e di emozione al di fuori del caos quotidiano. Giochiamo perché siamo emotivi (dal latino emotus, “scosso, smosso”), e non esiste mezzo di espressione emotiva più profondo della musica.

Come era già stato annunciato, la Collection includerà i 3 titoli che vedono protagonista Ezio Auditore: Assassin’s Creed II (del 2009), Assassin’s Creed: Brotherhood (del 2010) e Assassin’s Creed: Revelations (del 2011), inclusi tutti e 3 i DLC usciti successivamente (come quello del secondo capitolo riguardante Caterina Sforza e Girolamo Savonarola).

Assassin’s Creed: The Ezio Collection: una storia mai banale

Riproporre nuovamente i capitoli riguardanti la storia di Ezio Auditore da Firenze dimostra come il personaggio sia rimasto impresso nel cuore dei giocatori: ancora adesso, la timeline di Ezio rimane infatti la più celebre della saga, nonché quella che ha generato il maggior successo e l’espansione della saga anche tramite altri mezzi artistici (fumetti, romanzi, animazione).

Assassin’s Creed: The Ezio Collection conterrà infatti anche i due cortometraggi Assassin’s Creed Lineage e Assassin’s Creed Embers: il primo, rilasciato nel 2009, vede come protagonista Giovanni Auditore, il padre di Ezio, e tratta gli avvenimenti immediatamente precedenti ad Assassin’s Creed II; il secondo, invece, è ambientato dopo Assassin’s Creed Revelations, e vede come protagonisti l’ormai anziano Ezio (rifugiato a Costantinopoli) e Shao Jun, la giovane assassina protagonista di Assassin’s Creed Chronicles: China.

Ti ricordiamo che Assassin’s Creed: The Ezio Collection è acquistabile sia in versione digitale (qui il link per il sito Ubisoft) che fisica (qui il link per Amazon); tuttavia, nel caso di quest’ultima all’interno della scatola di gioco troverai solo una cartuccia con Assassin’s Creed II, mentre gli altri due capitoli saranno da scaricare tramite apposito codice.

Vuoi cimentarti anche tu nell’avventura di Ezio Auditore da Firenze? Su Instant Gaming puoi approfittare di uno sconto dell’81% relativo alla versione PC del titolo: acquista Assassin’s Creed 2 a soli €2,84.

Qualche informazione su Assassin’s Creed 2

Assassin’s Creed 2 è il seguito del titolo che è diventato la nuova IP più venduta nella storia dei videogiochi. L’attesissimo titolo presenta un nuovo eroe, Ezio Auditore da Firenze, un giovane nobile italiano e una nuova era, il Rinascimento.

Assassin’s Creed 2 mantiene l’esperienza di gioco di base che ha reso la prima opera un successo clamoroso e presenta nuove esperienze che sorprenderanno e metteranno alla prova i giocatori.

Assassin’s Creed 2 è una storia epica di famiglia, vendetta e cospirazione ambientata nello sfondo incontaminato, ma brutale, di un’Italia rinascimentale. Ezio fa amicizia con Leonardo da Vinci, affronta le famiglie più potenti di Firenze e si avventura lungo i canali di Venezia dove impara a diventare un maestro assassino.

• EZIO, UN NUOVO ASSASSINO PER UNA NUOVA ERA Ezio Auditore da Firenze è un giovane nobile italiano che apprenderà le vie degli assassini dopo che la sua famiglia è stata tradita e cerca vendetta. È un uomo da donna, un’anima libera con brio ma ha un lato molto umano della sua personalità. Attraverso di lui, diventi un maestro assassino.
• L’ITALIA DEL RINASCIMENTO L’Italia del XV secolo era meno un paese e più un insieme di città-stato in cui famiglie dotate di forza politica ed economica iniziarono ad assumere ruoli di leadership in città come Firenze e Venezia. Questo viaggio attraverso alcune delle città più belle del mondo si svolge in un momento storico in cui la cultura e l’arte sono nate insieme ad alcune delle storie più agghiaccianti di corruzione, avidità e omicidio.
• UNA LIBERTÀ RITROVATA Sarai in grado di svolgere missioni quando vuoi e come vuoi in questo mondo aperto che riporta la corsa libera e aggiunge elementi come nuotare e persino volare all’avventura. La varietà nel gameplay aggiunge un altro livello per permetterti di giocare davvero nel gioco in qualsiasi modo tu scelga.
• FOLLA DINAMICA Scopri un mondo vivo e palpitante in cui ogni personaggio è un’opportunità per il giocatore. Mescolarsi con la folla è più facile, lavorare con i personaggi del gioco fornisce ampie ricompense ma può anche portare a conseguenze sorprendenti.
• DIVENTA UN MAESTRO ASSASSINO Perfeziona le tue abilità per diventare un maestro assassino in cui brandisci nuove armi, impara a disarmare i nemici, quindi usa le loro armi contro di loro e assassina i nemici usando entrambe le lame nascoste.

L’acquisto si può ritirare attraverso la piattaforma di distribuzione digitale di Ubisoft, Uplay.

Assassin’s Creed 2: un “balzo della fede” nel passato

In questo periodo Ubisoft è sotto i riflettori grazie all’enorme successo dell’ultimo capitolo della serie, Valhalla.

Non ci sono dubbi in merito alla qualità ludica e narrativa delle avventure di Eivor, eppure non bisogna dimenticare i “pilastri” della saga.

Uno dei “padri fondatori” di questa prestigiosa serie videoludica è il celebre Ezio Auditore, tant’è vero che a lui è stata dedicata una trilogia, comprendente Assassin’s Creed 2, Brotherhood e Revelations.

Il racconto di Ezio è ambientato in un periodo storico particolarmente affascinante e motivo d’orgoglio del popolo italiano: il Rinascimento.

Le vicende si susseguono nelle principali città in cui il Rinascimento si è diffuso maggiormente. La prima meta in cui noi videogiocatori siamo catapultati è certamente Firenze, probabilmente la località che più di tutte è cresciuta in questo periodo.

Non mancano i grandi personaggi storici che agiscono nella cornice narrativa di Assassin’s Creed 2: dalla parte degli alleati di Ezio troviamo il geniale Leonardo da Vinci e Lorenzo il Magnifico, mentre sulla schiera nemica abbiamo a che fare con la famiglia dei Pazzi.

La stirpe rivale dei Medici, infatti, appartiene a un’organizzazione segreta chiamata “Templari“: essa è responsabile dell’assassinio del padre e del fratello di Ezio.

Da questa tragedia inizia il lungo cammino dell’eroe, il quale passerà anni, se non decenni, a dare la caccia a tutti i responsabili dell’omicidio.

Durante questo percorso, Ezio scoprirà l’esistenza di una seconda setta, nemica storica dei Templari: si tratta degli Assassini. Da quel momento il guerriero si unisce all’organizzazione e la lotta ai Templari diverrà sempre più sanguinosa.