Se al posto di Unity o Construct qualcuno vuole usare RPG Maker per creare videogiochi può ritrovarsi un dialogo del genere:

“Ah, io uso Unity, ci ho sclerato per tre ore ieri…”
“Ti capisco, anch’io con RPG Maker l’altro giorno solo per far andare una cutscene ci ho messo cinque ore!”
“…Cosa? Ma se è semplicissimo.”

Ecco, soprattutto l’ultima frase in grassetto se la saranno sentita dire moltissimi utilizzatori del tool (chiamati “makeratori” in italiano nella community) da parte di molti, per il semplice motivo che è un abbastanza semplice, rispetto ad altri. Il motivo della sua semplicità è però dato solo dal fatto che è un software prima di tutto intuitivo.

Come si vede dalle immagini, le interfacce sono abbastanza chiare, rispetto ad altri engine. Questa facilità rende RPG Maker un tool per tutti… Anche per troppi.

Di questo ne parleremo tra poco, ma partiamo dall’inizio, da come è nato RPG Maker, come si è evoluto e de-evoluto fino ad oggi dall’uscita della prima versione.

RPG Maker 95, 2000 e 2003 – Don Miguel, il primo pirata per l’Occidente

Ogni versione dell’engine è stata creata dall’Enterbrain, una divisione della Japanese ASCII Corporation.

In realtà non si aveva alcuna intenzione di distribuire il tool al di fuori del Giappone, ma alla fine c’è stato qualcuno che l’ha portato qui in Occidente: uno studente russo che prende il nome di Don Miguel.
Egli pubblicò la prima traduzione (anche abbastanza raffazzonata) di RPG Maker 95 e 2000, in maniera completamente illegale. Infatti l’Enterbrain stessa cercò di rilasciare una lettera di cessazione e desistenza a Don Miguel, ma era troppo tardi: la sua creazione era fuori controllo. Mentre chiudeva il suo sito web, ne comparvero decine di altri. Ulteriori azioni legali non sono state mai riuscite a sradicare il problema. RPG Maker in inglese doveva restare nell’internet.

E quindi, con questa distribuzione, cosa facevano i “creator” del tempo?

Molti di quei primi utenti non erano artisti qualificati. Prendevano grafiche dai giochi in vendita come Chrono Trigger e Secret of Mana e le assemblavano in dei file supportati dal programma.

RPG Maker XP – La Belle Epoque di RPG Maker

Anche questa nuova versione del 2004 non è stata mai pensata per l’Occidente, quindi fu tradotta tempestivamente da un successore di Don Miguel: RPG Advocate.

RPG Maker XP presentava una risoluzione dello schermo più elevata, un nuovo brillante sistema di mappe e, soprattutto, un sistema di scripting. Armeggiando con la libreria di base, tutta scritta in Ruby, è stato possibile cambiare le funzioni principali o aggiungere nuove funzionalità ai giochi.

Con RPG Maker XP è stato anche creato To the Moon.

Gli “Scripters” hanno iniziato a pubblicare il loro lavoro: aggiungere un nuovo stile di menu al gioco diventò solo una questione di copia e incolla di alcune righe di codice. I nuovi utenti si unirono ai forum alla ricerca di tali risorse e script, così la community crebbe.

Nel 2005, l’impossibile è accaduto: RPG Maker ha trovato un editore inglese: Protexis. Tuttavia, le persone che già possedevano una copia pirata non erano disposte a sostenere la versione ufficiale. Dopo aver atteso così a lungo un rilascio in inglese, molti hanno ignorato purtroppo il suo lavoro.

RPG Maker VX/VX Ace – Un nuovo inizio, ma un nuovo declino

Due anni dopo, Protexis lanciò una nuova versione tradotta di RPG Maker: RPG Maker VX.

Fu visto da molti come un grande passo indietro, con una risoluzione più bassa ed un sistema della mappe più semplice. Nacque così RPG Maker VX Ace per ovviare a questi problemi, e Degica si affermò come nuovo publisher.

Degica non solo tradusse l’engine, ma gli diede anche una bella spinta: si impegnò a costruire una comunità attorno al prodotto. RPG Maker aveva finalmente forum ufficiali, una rete di supporto e qualcuno disposto ad ascoltare la comunità e a trasmettere il proprio feedback agli sviluppatori. Ancora più importante, Degica mise tutta la serie RPG Maker su Steam, aumentando notevolmente la sua popolarità.

Ma Degica impose anche nuove regole abbastanza rigide da seguire, per la community di allora.

Non si aveva più la manica tanto larga per la pirateria e lo sfruttare risorse di altri, il che significava “niente più giochi di fan che utilizzavano materiale protetto da copyright”. I giorni di gloria e saccheggio erano finiti. Era tempo che la comunità crescesse, ma gran parte non era ancora brava a creare opere originali.

Per ciò vennero in “aiuto” gli RTP (Run Time Packages) dati da Degica, che incoraggiava la comunità a creare giochi che potessero usare queste risorse, per colmare la mancanza di tileset e sprite. L’idea era di incoraggiare l’uso di RTP, costruendo una grande libreria gratuita di asset. Era un nobile intento, ma produsse anche un disastroso effetto collaterale.

Grazie Steam Greenlight – L’esplosione della piaga

Infatti l’uscita di RPG Maker VX Ace corrispondeva a quella dello Steam Greenlight.

Gli utenti di RPG Maker hanno iniziato a considerarsi veri sviluppatori di giochi e si sono resi conto che potevano effettivamente provare a vendere le loro creazioni. Il risultato? Un’esplosione di giochi RPG Maker da due soldi su Steam Greenlight, spesso realizzati da “creator” che non potrebbero essere neanche definibili come tali, e che erano tutti identici perché usavano tutti le stesse risorse.

Per colpa di questi pseudo-sviluppatori, tutti i titoli fatti con questo tool vennero immediatamente disprezzati da ogni tipo di videogiocatore, considerandoli “pigri”, “senza impegno”, che “usano sempre le stesse risorse”, e di “cattiva qualità”. Il che era vero, per molti casi.

Ma ci furono anche giochi meritevoli – L’epoca d’oro degli RPG Horror

Ma in questo Medioevo per RPG Maker si erse un genere che in questi tempi, invece, è in un periodo davvero terribile, e viene ignorato da chi usa RPG Maker. Nei tempi dal 2012 (anche se due dei primi RPG Horror, Yume Nikki e Ao Oni, sono usciti nel 2007) al 2015/2016 ci fu una corrente che salvò in parte il tool, facendo rendere conto ai videogiocatori medi cosa si potesse fare con RPG Maker. Gli RPG Horror.

Essi erano accomunati più o meno da elementi simili: gameplay formato prevalentemente da esplorazione ed enigmi, una ragazza come protagonista (regola però spezzata da alcuni titoli).

Erano infatti molto diversi tra loro, e posso anche fare alcuni esempi su come certi casi abbiano rivoluzionato nel loro piccolo l’intero concetto del gameplay tipico di questo genere, così come le scelte artistiche:

Ib – Kouri – 2012

Il pioniere dell’intero genere, con una grande attenzione per gli enigmi, e soprattutto nell’integrazione di essi nella trama e nel luogo stesso: infatti la Galleria di Guertena assume una vera e propria personalità proprio grazie agli enigmi ideati dall’autore/autrice (non ci è dato sapere il gender di tutti questi creator giapponesi).

Il titolo va ricordato per essere stato il primissimo RPG Horror di calibro un po’ più alto (perché Ao Oni, oggettivamente, non è propriamente un titolo molto profondo, a parte certi enigmi che erano abbastanza ingegnosi, e Yume Nikki non seguiva il gameplay che ha introdotto Ib), e che ha dato inizio ad un genere.

Mad Father – Sen/Deep Sea Prisoner – 2012

Questo è stato il primo titolo con una scrittura che voleva essere più impegnata: ha portato quindi delle rivoluzioni a livello puramente narrativo, rendendo però ancora più amalgamati nella storia gli enigmi presenti, e qui venne introdotta una vera e più spettacolare drammaticità nelle scene madre del gioco.

Seppur fatto con Wolf RPG Editor, quindi ci scostiamo un po’ dal tool di cui parliamo, nella corrente RPG Horror questo è un gioco da ricordare sicuramente.

The Witch’s House – Fummy – 2012

Questo è stato l’inizio del virtuosismo su RPG Maker, che voleva in un certo senso anche dimostrare cosa si potesse fare con questo tool.

Infatti Fummy sembra amare le animazioni per gli sprite, davvero complicate da fare, soprattutto per le morti della povera Viola, ma anche in molte altre situazioni e personaggi.

Per le mappe la gestione davvero magistrale delle luci si fa ben vedere, e i risultati si vedono anche solo dagli screenshot: la scenografia è davvero curata anche con altri elementi, come la composizione delle mappe (soprattutto quelle esterne, difficili da fare su RPG Maker), e le varie “nebbie” aggiunte ad alcuni luoghi.

Il genio di Fummy si è fatto sentire anche nei vari enigmi che accompagnano il gioco, mai banali e a tratti anche abbastanza difficili.

Poi, come scelta, Fummy ha deciso di non far vedere cutscene al giocatore per tutto il titolo: delle informazioni infatti si hanno leggendo i vari “diari della strega”, fino alla cutscene finale, con un plot twist che tutta la community ricorda.

Dreaming Mary – Accha – 2014

Ci crederai o no, Dreaming Mary è un RPG Horror a scorrimento laterale. Anche grazie ad un bell’editing di mappe e sprite ha modificato l’intera prospettiva di RPG Maker, quasi non facendo capire che è stato creato con questo tool.

Senza fare spoiler non posso raccontare la storia di questo gioco, ma i personaggi (a parte la protagonista) che incontreremo sono allegorie ben scritte, e rappresentano ognuno una persona importante nella vita difficile di Mary, dato che si giocherà nei suoi sogni.

Il gioco è molto corto, è possibile finirlo in un pomeriggio, ma sarà davvero una bella esperienza.

Ci sarebbero anche molti titoli “minori” che hanno portato effettivamente nuovi elementi di gameplay in questa corrente, ma elencarli tutti non lo trovo necessario, dato che questi quattro (i primi tre, infatti, sono i “maestri” che hanno ispirato altri creator come Accha) sono quelli che hanno stupito di più il pubblico.

RPG Maker MV – Una spinta verso l’alto… Ma quasi ignorata

Nel 2015 Degica pubblicò RPG Maker MV. Era simile alle versioni precedenti, ma era stato completamente riscritto in Javascript. Le nuove funzionalità includevano opzioni di porting appropriate, una console di debug e un supporto per il mouse.

Dopo 20 anni, RPG Maker stava finalmente iniziando a somigliare a un engine adeguato. È stato un enorme passo avanti. Sebbene al rilascio avesse molti bug, ora funziona bene. Tuttavia questo non è stato abbastanza per riparare una reputazione danneggiata.

Fonti: PcGamer.com

“Money for Nothing”

Chi ha letto con attenzione tutti i punti della storia del tool, soprattutto nella parte su VX/VX Ace, avrà notato una cosa.

“…Gli utenti di RPG Maker hanno iniziato a considerarsi veri sviluppatori e si sono resi conto che potevano effettivamente provare a vendere i loro giochi”.

Questi “creator” si erano messi su un piedistallo, rovinando la reputazione di un intero tool. Non hanno controllato giochi meritevoli su Steam, e quindi non hanno avuto la coscienza di valutare il loro titolo rispetto ad altri fatti con lo stesso software. I più subdoli hanno voluto sfruttare la possibilità di fare “soldi per niente” , volendo truffare il pubblico che, però, non è stato ingannato nei casi più indifendibili.

Quindi questo periodo buio (che purtroppo non è mai completamente finito) è nato dall’arroganza di persone senza sensibilità che vogliono farsi belli agli occhi degli altri dicendo che “hanno sviluppato un gioco”, senza vedere l’effettivo marciume che c’è nel prodotto stesso. Ecco il vero perché dello snob dato a questo tool. Perché semplicemente è più visibile lo stesso problema presente in tutte le discipline artistiche: “Guardami! Riesco a farlo anch’io, non ci vuole niente!”

Questa è una frase detta in tutti gli ambiti. Recitazione, scrittura, cinema, doppiaggio, e purtroppo anche parlando di questi tipi di engine, ma soprattutto RPG Maker.

Questo articolo nasce da chi ha passato del tempo nella community e anche fuori, e stando da entrambe le parti ha notato tutti questi fenomeni di cui a un certo punto si doveva parlare. L’atteggiamento snob o semplicemente diffidente da parte di videogiocatori, che purtroppo hanno visto sulle grandi piattaforme pseudo-creator senz’anima, ha un grande generalismo in questi tipi di giochi.

In queste righe alla fine molto tristi, lo ammetto, è stata raccontata anche la storia di questo tool anche per dare speranza: la prospettiva che una nuova epoca d’oro, come quella con RPG Maker XP, possa nascere grazie anche a creator più esperti o anche nuovi makeratori di talento, perché no, che un giorno non verranno messi più così in sordina. Nelle giuste mani, RPG Maker può fare davvero miracoli.

Pixel Game Maker però ha cercato di essere più grande, di dare più possibilità di creazione ai futuri “makeratori”. Infatti in questo tool è possibile creare sia titoli a scorrimento laterale, sia titoli con la prospettiva classica di RPG Maker.

Gli screenshot dei progetti dati di base da Pixel Game Maker, soprattutto quello di destra (è oggettivamente superiore a livello di mapping e sprite editing), fanno molto ben sperare per questo tool, ma… Quanto è possibile fare o non fare effettivamente? Che limiti ha, ed è possibile spezzarli?

Scopriamolo insieme, un po’ alla volta.

Interfacce, approccio all’utente

Un problema riscontrato da molti sono state le interfacce del tool. Queste sono state continuamente messe a confronto con quelle intuitive e ben categorizzabili di RPG Maker, anche se Pixel Game Maker MV (seppur unito con RPG Maker dal nome, dallo sviluppatore e  dal publisher) sembra somigliare a tutt’altri programmi, come Unity. Se si vedono meglio le immagini si hanno categorie più simili: scene, oggetti, animazioni, etc… Quindi, da un certo punto di vista, il confronto con RPG Maker non sembrerebbe neanche essere molto lecito.

Tuttavia, personalmente mi ritrovo nel pensiero di tutti questi recensori, semplicemente perché il tool promette di essere user-friendly quanto i suoi predecessori della serie principale, quindi è anche giusto metterli a confronto, e far capire che non è stato fatto un lavoro per rendere più accessibile il tool.

Sicuramente è apprezzabile che, seppur divisi in due “tipi di progetti” ben distinti, i titoli a scorrimento laterale e i titoli con prospettiva classica abbiamo un’interfaccia pressoché uguale: se si impara a padroneggiare la UI, è possibile creare giochi con entrambe le prospettive, senza avere la noia di reimparare tutto da capo.

Dopo un po’ ci si prende l’abitudine a cambiare da una finestra all’altra, andare alle scene, alle transizioni, e in generale a prendere familiarità, ma come scritto sopra, se voleva promettere la stessa intuitività di RPG Maker, non ci siamo: per chi non ha mai usato altri engine, alias l’utente medio, è difficile comprendere le varie voci del menu, tranne “animazioni” e “plug-in”, e poi essendo tutta la UI monocromatica non è possibile capire bene a occhio le varie opzioni del menu, essendo queste non molto ben definite dai colori.

Inoltre non sono neanche a portata di mano: sono su tante schermate diverse che non hanno neanche tempi velocissimi di caricamento. Quindi, se un creatore qualunque vuole aggiungere un plugin velocemente, senza sprecare molto tempo, dovrà ogni volta aspettare il caricamento di una schermata anche inutilmente grande, in certi casi.

Funzionalità

Pur avendo dei menù complicati, il programma permette di fare moltissimo: praticamente tutto quello che serve per creare il titolo a cui l’utente aspira, soprattutto nei casi in cui si voglia puntare ad uno stile di grafico più “nostalgico” (è chiamato “Pixel Game Maker” per un motivo, no?).

In pratica, abbiamo di fronte un tool complesso: possiamo vedere un sistema di gravità pre-programmato, come lo può avere un platform, per i titoli a scorrimento laterale. Abbiamo anche la possibilità di gestire ogni singola animazione, senza doversi adattare per forza alle dimensioni dei file richiesti dal programma, ed è possibile persino modificare le hitbox stesse di personaggi e oggetti a proprio piacimento.

Anche perché, ricordando RPG Maker, (anche l’ultima versione) poter gestire ogni animazione non è una cosa che il tool offriva già di suo, e si doveva ricorrere per forza a vari stratagemmi se non si volessero usare plugin troppo difficili; inoltre le hitbox non erano personalizzabili ed erano di dimensioni limitate, e ciò faceva raggiungere a molti poveri creator un gran livello di frustrazione che PGM punta a eliminare. A nome di ogni makeratore, ringrazio KADOKAWA.

Insomma, possiamo dire di esserci, per le opzioni di personalizzazione!

…Ma, ahi ahi, il problema rimane sempre nel mettere in gioco, letteralmente, le animazioni di cui sei tanto soddisfatto:

Tutta la gestione delle animazioni è gestita tramite una schermata con delle frecce da collegare ad ognuna delle animazioni inserite, il che poteva essere anche un buon funzionamento: se si vuole mettere in-game l’animazione per il salto (senza aggiunte ulteriori) basta avere i due rettangoli “walk”, “jump” e infine “return to walk”.

Il problema è che se si vogliono mettere più animazioni anche di base (come un semplice cammina, salta, spara, spara in aria) ci sarà quasi sempre un gran caos nella schermata di making, come quello mostrato nello screenshot sopra.

Possibilità grafiche e asset di base

Non è per niente consigliabile usare gli asset di base, per una questione di originalità, ma essi non sono per niente male. Effettivamente ci si aspetta un buon comparto artistico di base  da una grande azienda come KADOKAWA, ma entrambi i progetti danno buone risorse con sprite senza sbavature e dalla giusta anatomia (almeno, per una sprite) e tileset per le mappe mischiabili per creare nuovi luoghi, anche se personalmente preferisco le sprite e i tileset del progetto a scorrimento laterale.

Ma anche se si vogliono creare dei propri asset, Pixel Game Maker non ha limiti, così come i suoi predecessori: basta solo un artista ed un programma di disegno, pixel art… Insomma, il limite è la fantasia!

Questo è un aspetto che rende il tool molto versatile, e che può far creare così ogni tipo di atmosfera, e può far dare ad ogni titolo una sua “personalità”, proprio come fa un buon tool di making.

Purtroppo un’altra pecca, data anche dallo stato ancora un po’ grezzo del progetto, è che alcune interfacce sono rimaste in giapponese, quindi il tutto diventa anche più difficile, se non si è muniti di traduttore o non si conosce la lingua.

Sviluppato da Barnaque e con un publisher che sembra recente, ovvero Nakana.io, Infini narra di Hope, che catapultato nell’Infinito dalla Guerra, deve trovare la via del ritorno al mondo reale prima che inizi a soffrire della sua assenza. Hope deve evitare gli ostacoli per raggiungere il livello successivo mentre cade all’infinito attraverso un eccentrico regno alternativo. Ogni mondo ospita nuove abilità, temi e opportunità per esplorare il multiverso e le sue personalità bizzarre.

Il gioco è descritto come “una linea sottile tra il meditativo e il caotico”, che promette uno script eccezionale, enigmi che impegneranno il giocatore al punto di “piegargli la mente”, e già dal trailer è possibile notare uno stile grafico che va molto sul surreale, con personaggi anche deformati e sproporzionati. Ma ciò si può quasi perdonare, perché è proprio quello a cui punta il gioco.

L’obbiettivo di Infini dal punto di vista delle atmosfere è dato anche dalle varie “personificazioni” della Guerra, del Tempo, della Poesia e, per chi non l’avesse ancora capito, la Speranza, il nostro protagonista.

Quest’ultimo dovrà navigare nell’Infinito e decidere di chi fidarsi tra i molti altri personaggi allegorici in questo viaggio, mentre va da uno all’altro dei 10 mondi di gioco, dove ci saranno rompicapi ad ogni dove pronti ad ostacolare l’avanzata della Speranza verso l’uscita di quel limbo dedicato alla Guerra.

Questo titolo, come ogni avventura degna di un live dei Pink Floyd, è sicuramente più da vedere che da parlare, ma lasciamo lo stesso una lista delle caratteristiche del gioco, assieme ovviamente al trailer di lancio.

• Puzzle rigorosi che introducono nuove abilità in ogni mondo

• Mondi distinti stratificati con allegoria, simbolismo e personaggi complessi

• Più di 100 livelli in 10 mondi diversi

• Immagini straordinarie e una colonna sonora grandiosa con oltre 20 brani originali

• Gameplay strabiliante che oscilla tra meditativo e caotico

Tramite un tweet di Bandai Namco USA, si è venuto a sapere che è possibile pre-registrarsi per fare una donazione di sangue per i bisognosi alla Croce Rossa. “E per cosa?”, sarà un’altra tua domanda.

Ebbene, è un’iniziativa per il lancio di Code Vein, il nuovo soulslike di Namco, più specificatamente gli sviluppatori di God Eater, dove i protagonisti sono dei vampiri… E da qui si può capire la quasi ironia di quest’iniziativa ma, come ha constatato la stessa Namco, “Non solo i Persi hanno bisogno del tuo sangue!”.

Si ottiene qualcosa da ciò? La risposta è sì: infatti per chi partecipa a quest’iniziativa verrà offerta una copia gratuita di Code Vein, assieme ad un “Kit Sanguinario Promozionale” il prossimo venerdì.

Bandai Namco sta indicando i potenziali donatori al sito Web della Croce Rossa americana per la pre-registrazione. (Al momento in cui scrivo, il sito non ha “nessun appuntamento online disponibile.”)

Anche se può sembrare strano donare il proprio sangue per un videogioco, questa è sicuramente un’iniziativa nobile da parte di Bandai per presentare un suo titolo, e anche la Croce Rossa è d’accordo e pensa sia per una buona causa, dicendo nel suo sito ufficiale:

“Ogni due secondi qualcuno negli Stati Uniti ha bisogno di sangue. Una sola donazione può aiutare tre persone”

Il sangue donato verrà utilizzato negli interventi chirurgici, nel trattamento del cancro e per le persone con malattie croniche.

Se qualcuno residente in America è interessato può, come scritto sopra, consultare il sito ufficiale della Croce Rossa americana, oppure andare direttamente alla Piazza Gaslamp di San Diego dalle 10:00 alle 16:00 il 27 Settembre, data d’uscita di Code Vein.

Incipit e sviluppo

L’incipit del primo volume è semplice: il protagonista, il giocatore, ha appena finito di leggere l’epilogo di Homestuck, e dopo vari sragionamenti e imprecazioni occasionali per la delusione, marcia arrabbiato girando per casa sua.

Ad un certo punto trova una luce bianca che lo attira, si avvicina ed inizia ad avere dei flash, sembra ricordare qualcosa… Ma alla fine tutto diventa bianco.

Da qui in poi… il nulla. Si incontra, nel primo capitolo, un ragazzo con cui si hanno rituali chiacchierate quotidiane, che aspetta un certo pacco rosso… Ma non si va incontro ad un vero e proprio turning point che fa iniziare la narrazione: il giocatore lo conosce, ci fa amicizia, finisce il capitolo, e poi?

Il problema è che questo succede anche per gli altri due capitoli per ora giocabili: solo il secondo offre un minimo di approfondimento in più, ma dal terzo si cala già di nuovo.

Struttura dei dialoghi e parti giocabili

Essendo una visual novel non è possibile parlare di vero e proprio gameplay, dal punto di vista della “giocabilità”. Per questo motivo si parlerà di come sono scritti i vari dialoghi dei personaggi che affronteremo.

Come ogni visual novel ci saranno delle scelte che determineranno i vari finali che avremo nei vari capitoli, e quindi alle scene che ci ritroveremo durante la nostra sessione di gioco, che ci permetteranno di conoscere i personaggi più nel dettaglio.

Non c’è nulla da segnalare, fanno bene il loro lavoro anche per come sono scritte: danno la tentazione di scegliere l’una o l’altra opzione e fanno venire voglia al giocatore di salvare e magari, a capitolo finito, riprovare facendo la scelta opposta.

Lo stile retorico scelto non è male, se ci si abitua al fatto che è molto, molto colloquiale. Non c’è nessuna frase troppo criptica ed impossibile da capire e infatti, come è solito fare quando si racconta in prima persona, sembra di essere nella mente del protagonista, pur sempre una “persona normale”.

Il problema di Pesterquest, infatti, non è nello stile di scrittura.

Scelte stilistiche, comparto grafico e sonoro

Parlando ancora dei dialoghi, ma dal punto di vista prettamente stilistico-artistico, si può notare un dettaglio che ho trovato molto gradevole, sin da subito.

La scrittura dei diversi comprimari,  oltre ad essere del colore che più rappresenta il personaggio che sta parlando, mette i loro soprannomi virtuali al posto dei loro veri nomi, e stilisticamente è molto diversa per ognuno di essi, rispecchiando il modo in cui scrivono online questi ragazzi.

Dave non mette neanche gli apostrofi, dicendo frasi come “youd show up” al posto di “you’d show up”, John semplicemente scrive tutto in minuscolo senza contare le lettere maiuscole dopo i punti, e i dialoghi di Rose invece sono caratterizzati da una buona grammatica.

Una scelta che invece non ho molto compreso è stata quella dello stile per le immagini dedicate a varie “scene madre”:

Si vede che è molto diverso dallo stile di disegno prettamente anime presente nei potrait per i dialoghi, e un po’ più simile a quello dell’Homestuck originale.

Lo stile anime per i dialoghi tende a “prendere in giro” i classici dating sim giapponesi realizzati con Ren’Py, ma non è dato lo stesso capire il perché di questa scelta: sarebbe stato ancora più divertente e parodistico avere immagini con lo stesso stile dei potrait e, perché no, quando ce ne fosse stato bisogno anche esagerarle, per evocare il “drama” che fa sempre molto ridere.

Parlando ancora dei disegni, anche qui niente da dire, lo stile degli sfondi e soprattutto dei personaggi mi è piaciuto fin da subito, perché vedendo anche i character design originali non sono stati per niente snaturati dei tratti, si può capire chi siano i personaggi anche se lo stile di disegno è cambiato per esigenza di parodia.

Un’altra pecca è sicuramente il sound design: non c’è un singolo effetto sonoro, neanche il suono della pioggia, in una scena. Tutto consiste solo nella musica che va in loop, e ciò rende i dialoghi molto vuoti a mio parere, senza neanche un effetto per lo shock, ad esempio, oppure qualche frase o esclamazione doppiata per alcune parti, come si fa per molte visual novel.

Ma qual è il cosiddetto “problema di Pesterquest”?

Ecco, finalmente ci siamo arrivati. Il problema non sono i disegni, non è lo stile di scrittura, non lo sono neanche tanto i ritmi narrativi, anche se sulla scrittura non è ancora possibile dire molto, dato che per adesso, fino al volume tre, sono stati solo presentati i tre co-protagonisti…

Mi ha dato molto fastidio, in verità, la scelta arbitraria del target del “fan di Homestuck”. Chi non è mai entrato in questo mondo non capirà mai Pesterquest!
Secondo molti non è un problema: è un gioco scritto dall’autore per i fan, ma a me ha molto seccato la scelta di vivere di rendita di questo titolo e di Hiveswap. Infatti, le recensioni positive sono prevalentemente dei fan delle serie.

In breve, trovo inconcepibile che sia necessario leggere il webcomic, poi giocare Hiveswap e alla fine Pesterquest, per capire meglio i personaggi ed emozionarti assieme ad essi! Se si pensa ai franchise (perché si è creato un franchise su questi titoli) più famosi, vediamo spesso la possibilità di seguire la storia anche se non si ha nessuna esperienza dei capitoli precedenti. Magari si perdono alcune citazioni, ma si capisce comunque tutto.

Durante le varie route mi sono genuinamente annoiata, e la motivazione è molto semplice: non ci sono vere e proprie scene belle e forti , anche perchè dal punto di vista degli avvenimenti non succede molto, e quel poco che accade in generale è narrato male, questo rende le varie storie e, per ora, le varie introduzioni dei personaggi, noiose.

Oltre ad aggiungere alcuni eroi per le serie già citate, Blazblue: Cross Tag Battle vuole inserire, con un pacchetto DLC, anche nuovi franchise nel suo roster.
Precedentemente sono stati già annunciati quattro personaggi in questo “Content Pack 2.0”, ovvero:

• Yumi da Senran Kagura
• Blitztank da Akatsuki Blitzkampf
• Akatsuki da Akatsuki Blitzkampf
• Neo Politan da RWBY

Inoltre in questi giorni sono stati annunciati altri combattenti che amplieranno la scelta offerta da Blazblue:

• Celica A. Mercury da BlazBlue: Central Fiction
• Elizabeth da Persona 4
• Tohru Adachi da Persona 4
• Hilda da Under Night In-Birth
• Susanoo da BlazBlue: Central Fiction

Questo fa arrivare il Content Pack di Cross Tag Battle a ben nove personaggi.  Il pacchetto uscirà il 21 novembre assieme ad un aggiornamento del gioco: la versione 2.0 includerà importanti modifiche per il bilanciamento di ogni lottatore, il componente aggiuntivo “Content Pack Versione 2.0” costerà $ 24,99 e includerà i nove personaggi giocabili aggiuntivi, un nuovo scenario e nuove interazioni e varianti di colori per alcuni eroi.

Sicuramente la scelta di inserire certi combattenti e non altri ha fatto molto discutere: i fan di Persona 4 sono praticamente svenuti all’annuncio di Adachi, la scelta di Elizabeth è stata abbastanza discussa… Ma non come quella di Yumi, la nostra regina di ghiaccio da Senran Kagura.

Effettivamente, secondo molti, Yumi è stata una scelta un po’ azzardata, dato che molti altri personaggi potevano meritare di essere in Blazblue, oppure dovevano esserci semplicemente per il loro ruolo: Asuka è la protagonista, perché inserire Yumi?

Alcuni utenti hanno ipotizzato che è stata scelta per via del suo enorme successo in Giappone anche se secondo l’utenza, e parlando personalmente condivido questo pensiero, è uno dei personaggi più noiosi della serie.

Ormai però è stata aggiunta, e non ci possiamo fare molto: si spera che Blazblue con questi nuovi DLC non deluda!

Infatti Que Choisir ha rivendicato il diritto dei videogiocatori di rivendere i loro giochi dato che per adesso, per l’appunto, non è possibile farlo.
Così, quattro anni dopo, un tribunale francese ha deciso a favore di UFC-Que Choisir. Valve prevede di fare appello.

Tutte le parti, sembrano a favore di UFC: così come il sito francese Numerama, si schiera da parte di UFC-Que Choisir anche l’Alta Corte Francese, e se l’appello di Valve fallisce questa sentenza non avrà conseguenze solo in Francia, ma in tutta l’Unione Europea.
E, per altro, il tribunale non ha trovato la difesa di Valve, secondo cui Steam è un servizio di abbonamento, convincente; anche perché nella versione originale della denuncia, Que Choisir prese di mira l’impossibilità di riavere il denaro speso su Steam se eventualmente l’account venisse cancellato.

Così la sentenza affermata nel tribunale di Parigi enuncia che la società dovrà invece rimborsare gli utenti che lo richiedono: Valve dovrà assumersi la responsabilità di ridare i soldi spesi agli utenti se un prodotto non li ha soddisfatti, anche nel caso di una beta. Anche i diritti di Valve sulle mod degli utenti e sui contenuti della community verranno ridotti e la società dovrà chiarire le condizioni in base alle quali gli utenti possono perdere l’accesso a Steam a causa di comportamenti scorretti. Se Valve rifiuta di modificare le sue regole e di pubblicare la decisione del tribunale su Steam entro un mese, dovrà pagare una multa fino a 3.000 euro al giorno per un massimo di sei mesi.

Valve però non si arrende, e un rappresentante scrive ciò in una mail al sito Kotaku:

“Non siamo d’accordo con la decisione del tribunale di primo grado di Parigi e la faremo appello. La decisione non avrà alcun effetto su Steam mentre il caso è in corso.”

Quindi, per adesso, non è ancora possibile avere dei cambiamenti effettivi nella piattaforma, ma è notevole lo sforzo fatto da UFC- Que Choisir per far avere questo diritto ai videogiocatori, anche perché ci hanno provato anche altri tribunali: una sentenza del tribunale australiano del 2014, ad esempio, ha portato all’attuale politica di rimborso di Steam. Per ora, tuttavia, il caso è ancora in corso e quindi non si ha ancora una conclusione certa.

Un post su Reddit di uno di questi tipi di videogiocatori, Manekimoney, ha sorpreso molti fan di Resident Evil 4, dato che viene mostrata una schermata di fine livello dal gioco, ma con una caratteristica molto particolare…

“Hit ratio: 0%”. Esattamente, Manekimoney ha completato l’intero gioco dall’inizio, senza nessun contenuto dato da una New Game Plus, con lo 0% di precisione usando solo:

• Coltello
• Lanciarazzi
• Granate stordenti
• Lanciamine
• Arpioni del Lago (che, stranamente, non aumentano la percentuale di precisione)

Sicuramente molti pensano che questa sia più facile di una run con il solo coltello, ma in realtà anche questa sfida non scherza: ci sono sezioni del gioco in cui è necessario gestire le cose in modo da non danneggiare altri personaggi, come Ashley quando ha bisogno di difendersi, quindi per le armi come il lanciamine c’è bisogno, ironia della sorte, di una grande precisione dal momento che bisogna infliggere danni solo ai nemici.

Però è possibile superare quel punto in particolare, da una spiegazione di Manekimoney ad un utente sotto il suo post di Reddit:

“Ho usato il lanciamine e le granate stordenti. Il raggio di esplosione di un lanciamine non potenziato è estremamente ridotto, quindi di solito ha difficoltà ad uccidere più di 2 nemici, quindi non colpisce sempre Ashley.

Anche l’hitbox del pavimento in cui Ashley sta girando è strano e le granate stordenti non funzioneranno sempre, probabilmente perché Capcom non si è preoccupata di programmarlo, dato che nessuno può camminare su tutte le aree.”

Sicuramente è una prova niente male, e che può testare la versatilità di un giocatore con varie armi che offre il gioco, oltre ovviamente alla sua abilità in generale, come ogni sfida.

Parlando di “sfide” anche un po’ meno serie consigliamo anche un altro articolo che parla di un giocatore di Red Dead Online che portò, apparentemente senza un motivo, una ciotola di stufato da Valentine a Saint Denis.

Cosa c’entra questo fenomeno neanche tanto nuovo con i videogiochi?

Beh, per adesso non c’entra ancora nulla, ma tra pochi giorni Kentucky Fried Chicken, meglio conosciuta come KFC, avrà il suo videogioco dating sim, proprio basato sulla sua mascotte, il Colonnello Sanders, che prende il nome di “I Love You, Colonel Sanders!”.
Come si è sicuramente capito, gli sviluppatori hanno preso questo fenomeno dell’ umanizzazione dei fast food e l’hanno sfruttato a loro favore per creare un dating sim che i fan del Colonnello apprezzeranno genuinamente e i curiosi, o semplicemente amanti dell’assurdo, acquisteranno per vedere di cosa sono stati creatori quei mattacchioni del KFC.

Come motivo aggiuntivo per la creazione di tutto questo c’è anche la creazione in CGI di un nuovo “Colonnello”, che è stato molto apprezzato più che altro per la sua avvenenza, scatenando varie reazioni da chi lo apprezza e chi ne è stranito.
Quindi, si è voluto lucrare e sfruttare questa figura, creando questo dating sim.

In I Love You, Colonel Sanders! Sei un nuovo studente in una scuola di cucina, e sei follemente innamorato/a di un tuo compagno di classe, nientepopodimeno che il Colonnello Sanders.

Come ogni dating sim o visual novel che si rispetti, si avranno delle scelte che influiranno sul gioco e sui rapporti che avrai con gli altri personaggi che ti circonderanno, oltre alle fasi nella cosiddetta scuola.

Le caratteristiche del gioco, dalla sua pagina Steam, sono le seguenti:

– 9 personaggi tutti da amare
– Molte ore di gioco
– Puoi avere un appuntamento con il Colonnello Sanders
– Un finale segreto! Shh!
– Ricette segrete! Doppio Shh!
– Battaglie di cucina
– Battaglie di battaglia (non è uno scherzo, in originale è “battle battles”)
– Guadagna una laurea in una scuola di cucina immaginaria
– 11 erbe e spezie
– Cibo in miniatura carino
– Creato ufficialmente da KFC. Siamo seri.

I Love You, Colonel Sanders! uscirà su Steam il 24 settembre di quest’anno, come il dating sim più “delizioso” e “da leccarsi le dita” di sempre.

Prima di concludere questo discorso, però, ti invitiamo prima di tutto di controllare la galleria per avere più immagini di questo titolo, e di seguire come al solito la nostra newsletter!

Lasciamo una piccola chicca presente sulla pagina Steam di I Love You, Colonel Sanders!, più precisamente nei tag.

Essendo un dark fantasy, l’atmosfera che si respira in Sin Slayers è sicuramente molto cupa, con trama abbastanza classica: un’invasione di demoni che i nostri eroi dovranno debellare, sconfiggendo i “Signori del Peccato”, nientepopodimeno che le rappresentazioni mostruose dei 7 peccati capitali, ormai un tema sempreverde da trattare nei videogiochi. Ognuno di loro ha dei sigilli che permettono anche ai protagonisti di non morire mai definitivamente, e i nostri eroi dovranno romperli tutti per uscire dalla Landa dei Peccatori Caduti.

Inizio con il dire che la trama mi sembra raccontata in modo un po’ confusionario: per scriverla in questa recensione ho dovuto cercare un minimo su internet, perché la cutscene iniziale non ha fatto capire molto chi siano i protagonisti. Ancora adesso non riesco a capire perché siano finiti tra i “Peccatori Caduti”. Questo mio grande punto interrogativo mi ha fatto pensare che la narrazione non è il punto forte di questo titolo, che non sembra puntare su quella, anche se i punti interrogativi sono da prendere in considerazione.

Gameplay

Come molti titoli fantasy, ciò che devi fare in Sin Slayers è dato dalle quest che verranno assegnate nel corso del gioco: la prima, ad esempio, è ritrovare il fabbro smarrito nella foresta dell’Ingordigia.

Ovviamente ci sono anche delle quest secondarie che possono anche essere assegnate, alcune volte, dai mostri stessi che si trovano, in questo caso, nella foresta, e questo fornisce sicuramente un ammontare un po’ più alto di cose da fare, e dato che gli eventi non sono visibili da subito sulla mappa, può essere anche un effetto “sorpresa” che non dispiace.

Parlando dell’esplorazione, nei dungeon all’interno del titolo ci si muove con il mouse, cliccando sulle caselle in cui vogliamo andare. Potremo incontrare vari ostacoli: incontri casuali con dei nemici (evitabili con una certa abilità di uno dei personaggi, ma ne parleremo più tardi), con combattimenti tipici a turni, fontane in cui  si potranno ricaricare parte degli HP della nostra squadra e altri bonus o malus.

Un altro elemento utilizzabile mentre si esplorano le mappe sono le skill “fuori-battaglia” dei personaggi. Ogni skill ha le sue caratteristiche buone e cattive. Prendiamo un esempio che già ho citato: la Cacciatrice, personaggio che avremo dall’inizio del gioco, ha l’abilità “Cold Calculation”, che permette di poter fuggire dai nemici, per una volta. Ecco, potrebbe ricordare il Repellente che c’è in Pokémon, ma qui ci sono due malus, tra cui uno che condivide con tutte le skill fuori-battaglia del gioco: anche se si fugge non è possibile tornare sulla casella dove è stato incontrato il nemico, e inoltre dopo aver usato questa skill si dovrà aspettare circa 20 turni di combattimento per poterla riutilizzare.

Un punto a favore dell’esplorazione di questo titolo è che ogni volta i luoghi sono generati con una struttura differente: ad ogni giocata, anche se un giocatore è andato in quel dungeon un sacco di volte, non si sa mai cosa ci sia, dato che le caselle sono create casualmente.

Ciò che rende particolare il titolo sono le azioni che sarà possibile fare per aumentare o diminuire la “peccaminosità” dei nostri compagni di viaggio. Infatti, ad esempio, potremo scegliere di depredare un cadavere nella foresta, provando ad ottenere qualcosa, ma la nostra barra del peccato si alzerà, rendendo i nemici più potenti.

Trovo che sia un modo abbastanza particolare per calibrare la difficoltà del titolo, perché il giocatore, anche inesperto, deve stare attento a quel che fa, per non avere una vita difficile. C’è quindi, secondo me, una buona calibrazione della difficoltà, dato che viene perennemente decisa dal giocatore: si può rendere più “difficile” o più “facile” l’esperienza semplicemente andando in giro, e facendo azioni che aumentano o diminuiscono la barra, in base alle esigenze. Davvero una meccanica interessante.

Va detto che purtroppo alcune azioni non hanno molto senso: il caso che ricordo meglio è quando mi si è alzata la barra del peccato perché ho seppellito un corpo, al posto di lasciarlo marcire. Avrei fatto una buona azione!

Però, anche con la barra del peccato al minimo, soprattutto i primi tempi, i combattimenti saranno comunque abbastanza lunghi e, purtroppo, a tratti anche tediosi; anzittutto per via del fatto che in early-game non si hanno molte mosse, quindi non si può costruire una vera e propria strategia, perciò bisogna arrangiarsi con quel che si ha. In generale, però, l’intero gameplay può essere definito godibile, anche se fin troppe volte tende a diventare noioso, per via altresì della stancante ripetitività delle azioni e in generale dei combattimenti abbastanza lenti: ciò è dato anche dal fatto che ci vorranno moltissimi colpi prima di buttare giù anche un solo slime lancia-spade pur essendo in early-game, dove in teoria i mostri dovrebbero essere più “facili”. Questo rende il tutto a tratti abbastanza frustrante.

Un altro grandissimo problema è visibile in late-game o anche prima, e rende il gameplay molto noioso: se un giocatore decide di far aumentare fino al livello massimo (che è 5) tre personaggi della propria squadra… cambiare i moltissimi combattenti disponibili diventa inutile, dato che sembra non ci sia stata una così grande differenziazione tra essi, oppure semplicemente bisognava rendere il livello massimo più alto, e non far entrare i combattenti nella propria squadra tutti quanti al livello 1. Questo è, come dicevo, sicuramente un problema abbastanza grave che non si può ignorare.

Grafica e sound design

Lo stile grafico del gioco è sicuramente bello da vedere, con una pixel art che è preponderante per la maggior parte del gioco.

In generale le sprite dei personaggi sono fatti bene, il tutto ha una buona anatomia, nessuna deformazione. Non ho molto da segnalare sulle animazioni, salvo quelle di molti attacchi che ho trovato abbastanza macchinose.

La palette di colori usata per il gioco è adatta all’atmosfera: in generale ci sono colori scuri sia per i luoghi, sia per molti nemici, sia per i personaggi… salvo alcuni come la Cacciatrice e la Sacerdotessa: sembra quasi che per queste due ragazze il character design sia un po’ calato, lasciando dei fucsia, dei viola e dei celesti piuttosto accesi, contrastanti con il resto dell’atmosfera e, soprattutto, con il resto dei personaggi.

Anche il sound design in generale non è per nulla male, dà l’atmosfera che vuole dare (proprio per questo mi ha dato fastidio il contrasto che ho citato sopra) e le musiche, pur non essendo indimenticabili, rendono bene.

Concludendo – Perché Sin Slayers non è indimenticabile?

A parte i difetti che ho elencato, che potrebbero avere anche molti altri titoli, Sin Slayers soffre un grave problema, che per alcuni può sembrare una piccolezza, ma di cui purtroppo molti titoli soffrono. Sin Slayers è un gioco anonimo. Non sembra avere una propria linea di riconoscibilità, qualcosa che faccia risaltare il titolo e che possa creare dei fan.

Neanche il gameplay mi ha convinta più di tanto, per via delle varie lacune che ha, e le varie migliorie che potevano essere fatte, per come poteva essere smussato il tutto per renderlo più divertente. Si sarebbero dovuti risolvere i problemi di lentezza, anche nell’esplorazione, rendendo il tutto più particolare anche dal punto di vista delle mosse dei personaggi, così che anch’esse fossero più godibili e più divertenti per il giocatore da usare, dare anche attacchi più diversificati ai nemici, che sembravano usare sempre gli stessi… Tutto ciò avrebbe spezzato parecchio la monotonia.

Le atmosfere sono sicuramente rese bene, ma… sono state già viste in molti altri videogiochi. “Già visto, già fatto”, in breve. Non mi dilungo ulteriormente.

Essendo un mink, la nostra “moschettiera” di Zou potrà usare attacchi elettrici, e in generale potrà essere utile in ogni situazione in battaglia, grazie anche alla sua forma sulong. Esatto, anche la forma sulong di Carrot sarà disponibile: i fan ricorderanno che con questa trasformazione Carrot è riuscita a compiere un salto di centinaia di metri verso una nave nemica, deviando anche traiettoria a piacimento, la sua velocità è tale da schivare facilmente i proiettili, da sconfiggere dozzine di nemici, oltre che di strappare la ruota del timone della nave prima che essi se ne accorgano… Con questa potenza, si spera sarà ben bilanciata come molti altri!

Ulteriori informazioni dovrebbero essere annunciate al Tokyo Game Show 2019 dal 12 al 15 settembre, dove One Piece: Pirate Warriors 4 sarà giocabile e avrà un evento sul palco dedicato alle ultime informazioni, ma c’è stato già un buon chiacchiericcio e un passaparola tra le persone sui personaggi disponibili.

Molti si aspettavano, come combattente, uno dei più famosi figli di Big Mom: Katakuri, che sicuramente verrà annunciato (senza Katakuri non ci sarebbe un’intera parte della saga di Whole Cake!).
Inoltre, tra chi aspetta questo titolo c’è una genuina curiosità sulla forma sulong dell’ormai deceduto Pedro.

Un’altra grande richiesta è Capone Bege la Supernova che si è fatta valere durante la saga di Whole Cake Island, altri chiedono se ci sarà Perospero… Insomma, i fan sono curiosi di chi altro potrà essere usato come combattente nel nuovo titolo dedicato ad ormai uno dei manga più longevi. Per saperne di più, consigliamo vivamente di seguire la nostra newsletter!

Durante il Nintendo Direct del 4 Settembre, ieri, sono stati annunciati molti retro game che si aggiungeranno al catalogo di Nintendo:

• Super Mario World
• Super Mario Kart
• The Legend of Zelda: A Link to the Past
• Super Metroid
• Stunt Race FX
• Kirby’s Dream Land 3
• Super Mario World 2: Yoshi’s Island
• Star Fox
• F-Zero
• Pilotwings
• Kirby’s Dream Course
• BRAWL BROTHERS
• Breath of Fire
• Demon’s Crest
• Joe & Mac 2: Lost in the Tropics
• Super E.D.F. Earth Defense Force
• Super Ghouls ’n Ghosts
• Super Puyo Puyo 2
• Super Soccer
• Super Tennis

Con questi giochi, la lista di titoli giocabili grazie a quest’abbonamento diventa sempre più grande, raggiungendo addirittura la cinquantina, dai venti con cui è iniziato.
Ci teniamo a dire che uno di questi, Super Puyo Puyo 2, è un’uscita esclusiva per l’Occidente, dato che non è mai andato fuori dal Giappone.

Ricordiamo però che Nintendo ha già ridato vita allo SNES, tramite la sua console SNES Mini rilasciata anche prima dell’abbonamento, nel 2017, ma se non si vuole spendere per la console retrò, si può acquistare solo Nintendo Switch Online (se si possiede già una Nintendo Switch), che ha già una buona lineup di titoli, per far parte di un semplice abbonamento.

Poi, per un’esperienza ancora più completa, ci saranno anche i nuovi controller SNES wireless adatti proprio per la nuova console di Nintendo, e questo non può far altro che dare l’idea di un trattamento anche più curato dei retrogame che offre Nintendo Switch.

Per sapere di più sui nuovi titoli che nel corso del tempo potrebbero arrivare su Nintendo Switch, ti invitiamo a seguire la nostra newsletter, assieme ai vari Nintendo Direct che di solito si avvicendano durante questo periodo e quello dell’E3.

Le caratteristiche del gioco, secondo la pagina Steam, sono queste:

• Un autentico gioco di ruolo 2D creato con RPG Maker MV – Un gioco di ruolo completo che utilizza RPG Maker MV come motore. Il suo contenuto soddisferà sia i fan dei giochi di ruolo che i fan degli anime.
• Oltre 700 scene dall’anime! – Il gioco è arricchito con personaggi pixelati e oltre 700 spezzoni dell’anime.
• Profondo sistema di combattimento – Il titolo utilizza un profondo sistema di battaglia dove potremo catturare i nemici o proteggere gli alleati; assorbendo gli oggetti con il nostro scudo potremo imparare delle nuove abilità.
• Tutte le città e i villaggi che sono apparsi nell’anime appariranno nel gioco – Viaggia attraverso il vasto mondo di Melromarc; il gioco non sarà solamente battaglie e conversazione ma potremo contare sulla compravendita degli oggetti e anche su un sistema “fama” che influenzerà le reazioni dei personaggi a seguito delle nostre azioni.

Le premesse che offre il gioco, però, sono totalmente vanificate da come viene presentato il titolo già dal trailer e dagli screenshot mostrati (che è possibile trovare anche nella pagina Steam), dove si vede palesemente una grande pigrizia sotto molti punti di vista.

Il cosiddetto “sistema di combattimento” non sembra nulla di speciale, e potremmo azzardare a dire che usa il sistema di combattimento di base che offre RPG Maker MV.

Parlando dei “luoghi originali dell’anime”, le mappe sembrano in generale molto raffazzonate e piatte, per quel che può offrire questo tool: ci sono molti autori amatoriali che riescono a fare molto di meglio e rendere una buona atmosfera.

Le cosiddette “scene” non sembrano altro che un’immagine dell’anime su schermo (che neanche occupa l’intero monitor) accompagnata da testo, e su questo non c’è bisogno neanche di commentare.

Il sistema di “fama” è stato già implementato in molti altri giochi, e spenderci più righe sopra è persino insensato, dato che sembra poca cosa.

Infatti quasi nessuno è stato emozionato dall’uscita di questo titolo. Anzi, la reazione generale del pubblico è stata pura e semplice indifferenza: non è difficile capire che si tratta solo una mera trovata commerciale, in realtà sembra che la cara Kadokawa ci metterà poco, vista la data d’uscita tanto vicina alla data dell’annuncio del gioco…e mi piacerebbe anche ricordare il prezzo a cui vogliono vendere questo titolo nel Sol Levante.

E a questo punto verrebbe da dire a tutti noi: ce n’era davvero bisogno?

In particolare, ha fatto molto parlare di sé il sistema di combattimento di questo nuovo Yakuza: infatti, rispetto agli altri giochi della serie, gli scontri  saranno a turni.
Il capo produttore Masayoshi Yokoyama ha dato più informazioni in proposito tramite dei tweet:

“Live Command RPG Battle” significa avere battaglie attraverso l’esecuzione di comandi in cui il combattimento è costantemente in movimento. In un gioco di ruolo standard a turni i nemici e i membri del gruppo sono fermi e le loro azioni vengono riprodotte solo eseguendo comandi come “Attacco”. Ma in Yakuza: Like a Dragon, le battaglie sono diverse.

Per essere precisi, questo è un sistema di combattimento in cui “i personaggi si muovono in tempo reale” e “combattono in una città vivente”.

A eccezione di alcuni boss, quando incontri un nemico, la battaglia inizierà proprio dove ti trovi. In altre parole, a seconda di come incontri il nemico, la tua posizione di partenza nella battaglia cambierà, il che può farti avere il ​​sopravvento o coglierti di sorpresa. (Alcuni nemici possono anche apparire all’improvviso nascondendosi.)”

Lo sviluppatore di Yakuza continua citando l’interazione che sarà possibile avere con l’ambiente, facendo l’esempio di una bicicletta che, se lanciata, danneggia il nemico. Inoltre, i nemici potranno cadere se inciamperanno in segnali stradali o altri ostacoli. In breve, non si avrà quel senso di “chiusura dell’ambiente” che si ha generalmente negli RPG a turni. Il titolo non darà questo effetto anche grazie all’intelligenza artificiale di chi passa per quelle strade, che prenderà le distanze e continuerà ad andare avanti: sicuramente uno dei particolari che può dare più vita agli scenari di Yakuza 7 durante le battaglie.

Le opinioni, come al solito, sono state diverse: ovviamente ci sono stati molti che preferivano lo Yakuza “action”, con combattimenti in tempo reale e che sono un pò diffidenti in merito a questa scelta e a questo cambio tanto repentino, ma altri si sono anche mostrati interessati a sapere come si comporterà SEGA con questo nuovo combat system.

Per saperne di più su questo nuovo Yakuza e anche su molti altri titoli, ti consigliamo di seguire la nostra newsletter, oltre al profilo Twitter ufficiale di Yokoyama, dove potrai trovare i 14  punti che riportano anche più informazioni sul titolo in generale.

Generalmente, quando si adatta un prodotto cinematografico (che sia un film, una serie TV o una serie animata), si prende anche l’impegno di doppiarlo: cambiare le voci in lingua originale per sostituirle con la lingua in cui si sta adattando l’opera.

Riscoprendosi “figlio” del prodotto cinematografico anche un videogioco, se prevalentemente narrativo, ha bisogno di essere ridoppiato. E quindi eccoci a parlare della storia del doppiaggio nei videogiochi, come si è evoluto, i doppiaggi e ruoli più iconici che hanno lasciato il segno per l’interpretazione o per altre ragioni.

Un po’ di storia italiana – Dal cinema degli anni trenta al videogioco negli anni duemila

In teoria, il doppiaggio in Italia è nato negli anni trenta, impegnando inizialmente attori, come Lydia Simoneschi, Miranda Bonansea (i più grandicelli forse ricorderanno Shirley Temple, di cui era la doppiatrice ufficiale), Romolo Costa e Paolo Stoppa, ma solo nel 1935 il doppiaggio diventerà una professione

Nel corso degli anni, la scelta di doppiare si allargò ad altri prodotti audiovisivi oltre ai film: serie tv, serie animate, fino ad arrivare ai videogiochi.
Il doppiaggio videoludico ha avuto inizio nel 1995 a Milano, con  la Synthesis, azienda ancora attiva nell’ adattare e doppiare anche titoli di punta, nonché una delle aziende italiane più antiche che fanno questo lavoro.

Le prime voci nei videogiochi – Gli anni ottanta e novanta      

Facciamo un salto tra la fine degli anni ottanta e l’inizio degli anni duemila, e spostiamoci dal nostro bel paese per fare un discorso più generale.
Nel corso del tempo, i videogame si sono evoluti, la tecnologia si è ampliata: le migliori capacità audio e la dipendenza dalla recitazione vocale hanno creato nuove sfide e percorsi per la traduzione, consentendo l’uso del doppiaggio e un serio  impegno nella traduzione e la registrazione di nuovo audio.

Due dei primi titoli ad avere delle voci in alcuni frangenti (seppur molto robotiche) uscirono, entrambi, nel 1983: Berzerk e Spike. Un gioco più vecchio, invece, è Castle Wolfenstein, datato 1981.
Per arrivare, tuttavia, a un doppiaggio più vicino all’attuale bisogna andare  ai tempi della prima Playstation.

Un titolo uscito nel 1996 fu il primo Resident Evil, e comprendeva un doppiaggio completo di tutte le cutscene, nonostante per  moltissimi giocatori… Le voci dei personaggi erano inascoltabili, soprattutto quella di Jill.

Il doppiaggio videoludico oggi

Mettendo da parte i piccoli fallimenti, è quasi ironico parlare di doppiaggio videoludico in Italia dato che, ahimè, si doppia sempre meno e ci si deve abituare ai sottotitoli anche per molti titoli tripla A.

Tuttavia, per ricordare come alcuni artisti hanno segnato i videogiochi, sarà stilata una bella lista sui ruoli meglio interpretati in Italia e che hanno creato, secondo iCrewPlay, scene da far venire i brividi.

Ecco alcune scene da brivido in Italia.

Contiene alcuni spoiler per The Last Of Us, Il Professor Layton e Il Futuro Perduto, Mass Effect 2-3, Warcraft III, Uncharted 2

Tess e la sua scena finale in The Last Of Us

“…In quella scena si percepisce come Tess allontani i protagonisti per paura di far loro del male, ma al contempo ha paura di essere lasciata sola a morire.
Tutto questo si percepisce oltre  che dall’impeccabile motion capture, soprattutto dall’inflessione data nel doppiaggio” (Angela Pignatiello)

Mass Effect 2-3

“Dal mio punto di vista invece ho provato veramente tante emozioni all’interno di Mass Effect 2 e 3. Soprattutto nel discorso pre final quest che Shepard fa alla sua squadra…” (Leo Skywalker)

Arthas Menefil – Warcraft III

“Il doppiaggio di Claudio Moneta di Arthas Menethil in Warcraft III, quando trova Frostmourne, dopo aver perso il senno, e prima di impugnarla afferma di: “poter sopportare qualsiasi maledizione e di poter pagare qualunque prezzo per salvare il suo popolo e la sua patria’” (Tommaso Niconti)

Sullivan e la scogliera in Uncharted 2

“Sullivan in Uncharted 2, quando alla fine del Bormio dice a Nate di buttarsi dalla scogliera e di non preoccuparsi per lui!” (Barbara Mazzarelli)

Le origini di Sigma – Overwatch

“Per quanto riguarda la scelta di un doppiatore, parlo di Sigma in Overwatch.

Questo perché nel video delle origini, di pochissimi minuti, il doppiatore riesce subito a far capire la disperazione e la follia che caratterizzano il personaggio. Molte frasi di quel video non darebbero le stesse emozioni con un doppiaggio mediocre.

Chiaramente la regia del video aiuta molto, ma il contributo del doppiatore è sicuramente fondamentale.

Lo stesso vale per tante frasi pronunciate durante il gameplay, che contribuiscono a caratterizzare il personaggio.” (Gabriele Rocca)

Gli addii finali nel Professor Layton e il Futuro Perduto

“Ho amato l’intero doppiaggio in italiano di questo titolo, ma per questa lista sono andata sul facile, sulle scene volutamente commoventi… Beh, alla Level 5 hanno fatto bene il loro lavoro: questi addii (soprattutto il primo) hanno fatto piangere molti giocatori.
Nell’addio del Professore a Claire, Layton le dice persino di aspettare: sentire così a bruciapelo che dovrà andarsene… sarà stato un bel peso.

Voglio ricordare il “Claire, aspetta!” così inaspettato da parte del Professore, che grazie a Oliviero Corbetta è stato detto con ogni emozione mista e contrastante che il nostro archeologo potesse provare. Quando Claire se ne va, però, iniziano i lacrimoni sia da parte dei giocatori, sia da parte di Layton perché sì, questa è la primissima volta in tutta la saga per DS in cui Layton piange.

Ma dopo tutto ciò si va da un pianto all’altro con l’addio di Luke al Professore: due compagni che avevano quasi stretto un rapporto padre-figlio, ma che purtroppo devono separarsi. Luke chiede quasi subito al Professore se quello è un addio, ma lui risponde tranquillo che è un “arrivederci”.
Luke alla fine inizia a piangere. Come suo solito, Layton gli dice che un gentiluomo si contiene sempre, ma Luke continua a piangere a dirotto, e tra le lacrime gli dice per la prima volta che “Non è ancora un gentiluomo”.

Qui il lavoro di Lorella De Luca si fa sentire, e questa frase ti fa ancora una volta piangere, anche qui assieme a Luke, che seppur quasi ribellatosi al pacato rimprovero del professore, sfoga le sue lacrime proprio abbracciandolo. Entrambe sono scene rese davvero bene, e che si vede che sono state trattate da dei professionisti come Debora Magnaghi (Claire), Oliviero Corbetta (Layton) e Lorella de Luca (Luke).” (Eleonora D’Amico)

 Anche all’estero ci regalano emozioni

Anche all’estero, però, si sono dati molto da fare con la voce, che sia la lingua originale del titolo o meno; anche qui vogliamo elencare alcuni ruoli e alcune scene resi forti proprio dai colleghi esteri di Lorenzo Scattorin, Jolanda Granato, ecc…

Questa lista contiene spoiler per Detroit Become Human, Persona 5, Metal Gear Solid 3

Metal Gear Solid 3 e il discorso di The Boss
“Allora, The Boss. Quel discorso è pesantissimo, parla di guerra, dei cambiamenti che ci potrebbero essere nel tempo, di nucleare ecc ecc… è un discorso che dura per ore, per poi sfociare nella sua stessa morte.

Ma per come è doppiato riesce a catturare l’attenzione, a far stare il controller sul tavolo senza mai toccarlo per un bel po’ di minuti. Emoziona. E non il discorso in sè, che in certi punti è tutta roba storica che può risultare noiosa per un non appassionato della materia. È il doppiaggio che rende tutto magico. Oltre alla regia di Kojima e del suo team che ovviamente era il top, per l’epoca PS2.” (Angela Pignatiello)

Metal Gear Solid 3 e il discorso di Eva

“…Potrei parlare del finale di Metal Gear Solid 3.

Il monologo di Eva è semplicemente stupendo, dato che la doppiatrice comincia con un tono malinconico, che poi arriva a dei veri e propri singhiozzi alla fine.

Per questo motivo, la spiegazione degli eventi diventa molto di più, dato che la tristezza per la morte di The Boss si concretizza in quel dialogo.” (Gabriele Rocca)

Detroit Become Human e il canto dei devianti

“Vado tutto su Detroit: Become Human. Nel percorso di Markus si possono prendere scelte tali da condurre il personaggio a cantare assieme agli altri devianti. Veramente, è stata una scena toccante.” (Leo Skywalker)

Persona 5 – La disperazione di Akechi

“Mio Dio. Inizio così, perché considero quelle ‘voice lines’ e quei dialoghi dei capolavori, per come sono stati interpretati. Robbie Daymond si è davvero impegnato per questa parte in particolare, nell’interpretare Akechi. Durante la sua battaglia, ma anche nei dialoghi prima di essa… Mi ha messo un’inquietudine addosso che non avete idea.

Il suo background può essere abbastanza classico, da un certo punto di vista, e quel che dice potrebbe essere considerato ai livelli di uno “spiegone”, anche se è possibile che stia semplicemente delirando, ma come sono state rappresentate le conseguenze di tutto ciò… mamma mia. Solo applausi.
Una voce quasi raschiata, sporca, e ‘malata’ come Akechi stesso. O meglio, come l’ha reso il suo passato.”   (Eleonora D’Amico)

Personalmente ritengo il doppiaggio una delle armi più potenti che può avere una narrazione. Nel campo videoludico quest’arte si sta curando sempre di più (non parlo, purtroppo, del caso italiano, perché il nostro paese è in carenza di videogiochi recenti doppiati), salvo alcuni casi, rispetto ai primi tempi in cui fu introdotto: ricordiamo la particolarità del dialetto tipico del West in Red Dead Redemption 2, bellissimo particolare del doppiaggio di questo titolo. Si possono dare tante sfumature a una scena, a un personaggio, oppure solo a una singola frase, associando una semplice voce ed espressione.

Un fan della serie, che prende il nome di BlobVanDam, per via di una “voce” che annunciava di un futuro remake di A Link to the Past, dall’aprile di quest’anno sta provando a sviluppare lui stesso un remake del titolo grazie a Unity. Sarà forse per mettersi alla prova? Questo non lo sappiamo, ma i progressi dello sviluppo sono ben visibili, soprattutto dai post su Twitter, che sono un paradiso per gli altri fan della serie dato che il tutto è molto curato… Ma anche purtroppo denunciabile da Nintendo, per via delle sue nuove direttive sul diritto d’autore.

Infatti, assieme all’immensa sorpresa, c’è stato anche un po’ di sospetto per questo fan-remake, misto alla paura di vederlo stroncato sul nascere. Di fatto molti, sullo stesso profilo di BlobVanDam, si sono chiesti scherzando come mai Nintendo non si sia già mossa.
La risposta è molto semplice: questo remake non sarà giocabile, ci saranno solo dei video che mostrano lo stato di sviluppo, ma il nostro Blob continua a rassicurare i commenti dispiaciuti con un “forse avremo fortuna, se Nintendo farà il suo remake ufficiale”.

Inoltre, rispondendo a un altro commento, BlobVanDam mette le mani avanti e dice che non ci sarà un vero e proprio gameplay in questo progetto:

In conclusione, è sicuramente una bellissima iniziativa, ma è un peccato non poter giocare un progetto così ben curato. Speriamo solo in ulteriori aggiornamenti di Blob e, intanto, noi della redazione di iCrewPlay ti invitiamo a visitare il suo profilo Twitter e anche a dare un’occhiata alla galleria qui sotto, che riporta molte immagini dei suoi progressi fino a oggi.

Infatti è di questo che parliamo, dato che Atlus poco tempo fa ha rilasciato un trailer che presenta un nuovo personaggio con cui si potrà costruire un legame: Takuto Maruki (doppiato da Satoshi Hino). Maruki è lo psicologo del liceo Shujin che lavora lì part-time, ed è stato assunto per via della preoccupazione sulla salute mentale degli studenti dopo un “incidente” con un certo insegnante alla Shujin. Con il tempo è diventato molto popolare tra gli studenti per via della sua consulenza dettagliata, la sua buona capacità di ascoltare, quindi in generale per il suo buon lavoro da psicologo.

Come sappiamo, ogni confidant della serie Persona come anche in questo Persona 5: The Royal, ha una carta “tarocchi” che lo rappresenta, un suo arcana. L’arcana di Takuto Maruki è “Il Consulente”, ed è una carta che denota diplomazia, possibilità di scelta, creatività, capacità di persuadere, vitalità e potere sulla malattia mentale: soprattutto quest’ultima caratteristica si può collegare a Maruki, mentre il resto forse può collegarsi al suo stesso carattere… O forse no.

Bisogna capire se il carattere di Takuto dev’essere dedotto tramite la lettura retta della carta, o la lettura inversa: infatti se la sua carta viene capovolta indica il contrario delle definizioni scritte sopra: indecisione, insicurezza, mancanza di originalità, malattia o “sfruttamento dell’innocente”. Un utente sul sito Gematsu ha persino partorito l’ipotesi di un nuovo cattivo, per via di tutto ciò, anche se nel trailer viene visto come un semplice giovane psicologo anche un po’ sbadato.

Quindi nasce una domanda.
Takuto Maruki: buono, cattivo, o doppiogiochista?
Se devo dare un opinione personale, spero non ci sia uno strano colpo di scena che dia un fondo di verità alla lettura inversa della carta del Consulente… Ma bisognerà aspettare l’uscita del gioco per saperlo!

Per ora non ne sappiamo nulla, ma invitiamo lo stesso a dare un’occhiata al cortissimo trailer del personaggio con sottotitoli in inglese offerti da ZestraX, dove si vedono le sue disavventure con il microfono dell’auditorium della Shujin Academy.

Durante tutto ciò, Kodaka scherzò sul creare un gioco d’uccisione con la premessa di una marcia della morte. Anche se Kazutaka scherzava, Uchikoshi fu genuinamente curioso di crearlo, ma Kodaka non fu d’accordo all’inizio: si era stancato di sviluppare giochi che parlassero di omicidi, ma alla fine Uchikoshi riuscì a convincerlo con la premessa che sarà “l’ultimo gioco di morte creato da entrambi”.

Vedendo il titolo, però, sono sorti molti confronti con le esperienze precedenti dei due sviluppatori: alcuni descrivono Death March Club come “Danganronpa, ma con i bambini”. Kodaka e Uchikoshi hanno fatto fronte a queste supposizioni sottolineando che la somiglianza con i loro titoli precedenti è stata intenzionale, anche con seguente commento da parte dello scrittore di Danganronpa:

“Se stai pensando che si tratta di un clone di Danganronpa, ti abbiamo già in pugno. Mi piace pensare che il gioco sia già iniziato nel momento stesso in cui lo abbiamo annunciato”.

Scenario e premesse di trama

Il gioco prende luogo negli anni 90, in una scuola elementare di Tokyo. Qui un gruppo di 12 ragazzini provenienti da varie parti del Giappone, che fanno poco o niente a scuola, vengono raggruppati in un’unica classe: la classe dei Perdenti (In Giapponese ガンバレ組 Ganbare Gumi, che significa il gruppo del “Fate del vostro meglio!“), composta dal protagonista, Reycho, e dai suoi compagni.

Durante una gita scolastica estiva, il loro scuolabus resta intrappolato in una frana, e gli studenti si svegliano in un luna park abbandonato sott’acqua. Ad un certo punto, un clown dice loro di partecipare a un gioco di morte dove i ragazzi devono sacrificare le vite dei loro compagni per vincere. Mentre i dodici studenti cercano di sopravvivere, poteri misteriosi iniziano a risvegliarsi all’interno di ciascuno di loro e sulla terraferma anche il mondo esterno sta vivendo una situazione di emergenza.

Gameplay

Il gioco è descritto come un puzzle game action e d’avventura, sarà totalmente doppiato e animato in 3D, e le ore di gioco stimate per finirlo saranno circa 20.
La storia è divisa in due modalità principali: sezioni d’azione in cui il giocatore risolve enigmi e sezioni d’avventura in cui si sperimenta la storia principale. Per questa prima modalità Reycho, il protagonista muto che il giocatore controllerà, potrà chiedere aiuto agli altri studenti e alle loro abilità grazie a un tasto: qualcuno potrà controllare l’elettricità, un altro lanciare oggetti, e quant’altro.

Character design: Take, una scelta curiosa

Se si vede meglio il design dei personaggi, è possibile notare che per trattare un gioco abbastanza macabro, i design e le varie palette di colori scelte per i personaggi sono molto in contrasto con lo scenario oscuro di Uchikoshi. Anche questo è stato intenzionale.

Kazutaka e Kōtarō  hanno scelto Take come character designer, perché volevano qualcuno che avesse uno stile di disegno così stilizzato e che usasse tanti colori e così accesi. Kodaka, inoltre, è sempre stato un ammiratore del lavoro di Take, che nei personaggi di Death March Club voleva evocare nello spettatore l’effetto di “vorrei che quel ragazzo fosse nella mia classe!” e rendere anche giustizia ad essi, perché rappresentano anche dei ragazzini dello stesso periodo della sua infanzia.

Insomma, l’unione di Kodaka e Uchikoshi sta creando tante belle premesse, e l’anno in cui testare se saranno tutte ben rispettate sarà il 2020 su PC e Steam; ma intanto ti invitiamo prima di tutto a dare un’occhiata al sito ufficiale di Death March Club e anche a seguire la nostra newsletter per avere più informazioni su questo titolo e su molti altri.

…Un’ultima cosa, per Death March Club sono già state date informazioni sulle voci di alcuni personaggi!

In realtà c’è ben poco da dire e più da ascoltare, dal punto di vista del personaggio, dato che la doppiatrice di Vanilla non è altro che Ai Kayano, la voce tanto amata che ha dato vita anche a Mikan Tsumiki in Danganronpa 2: Goodbye Despair e ad Alisha in Tales of Zestiria.
La nostra Vanilla, però, sembra molto differente dalla timida infermiera, o dalla principessa di Hyland; infatti viene descritta così nella wiki ufficiale di Death March Club:

“Vanilla è l’eroina innocente, ma sbadata e svampita. Tende a dire cose che mancano gravemente di autocoscienza, quindi gli altri semplicemente la ignorano. Anche se sembra non essere interessata a quello che sta succedendo, in realtà ha una mente molto acuta. È molto veloce ad afferrare le cospirazioni degli adulti.”

Questo, però, non toglie nulla alla doppiatrice: Kayano è molto versatile, quindi la sua voce si presta molto bene al personaggio di Vanilla, dandole un timbro sicuramente più basso rispetto a quello di Mikan e più alto di quello di Alisha. Abbiamo quindi una doppiatrice più che stellare per questo personaggio, quindi anche per il resto del cast si hanno aspettative molto alte.

Intanto ti invitiamo a controllare il profilo Twitter dedicato a Death March Club, dove nei prossimi giorni si potranno ascoltare anche gli altri personaggi e sapere i relativi doppiatori. Inoltre si potrà anche vedere il video dedicato a Vanilla, che ci darà modo di conoscere di più su di lei e i suoi atteggiamenti, dato che, a parte i tweet dove viene contrassegnato che parla il team, gli aggiornamenti di questo profilo ufficiale sembrano “scritti da lei”.

Ancora, ti invitiamo anche a restare sintonizzato qui su iCrewPlay, dato che nei giorni a venire ci sarà anche un articolo più generale sul gioco e la data d’uscita su PC.

Il gioco è un rilassante RPG d’avventura quasi sullo stile di Stardew Valley, ma allo stesso tempo viene definito un “simulatore sociale” sullo stile di Animal Crossing, con grafica basata sulla pixel art.
Il protagonista è Concord, un grappolo d’uva guardiano che deve proteggere la terra in cui vive, liberandola da un misterioso marciume che si è formato nelle viscere di un’isola, ai tempi florida.

Così il nostro eroe dovrà riportare l’isola ai vecchi fasti, ma non è sicuramente solo: potrà aiutare gli abitanti del luogo così che loro possano aiutare lui, creando anche delle amicizie che possano tornare utili nella sua missione, mentre Concord scopre il passato dell’isola e la aiuta coltivando e aiutando l’ambiente in ognuna delle quattro regioni disponibili.

Il gioco ha anche molte altre caratteristiche: puoi ampliare la biblioteca presente con tante nuove informazioni che Concord scopre durante i suoi viaggi. Inoltre è possibile avere nuovi tratti e vantaggi utilizzabili tramite il taccuino. Tutto ciò a discrezione del giocatore. La possibilità di fare ciò che si vuole è definita come una vera e propria caratteristica di gioco e da ciò è partito anche il confronto con Stardew Valley e Animal Crossing, dato che potrai anche semplicemente aiutare i tuoi vicini, nonostante gli stessi non potranno assisterti direttamente nei tuoi combattimenti contro i mostri presenti nelle caverne dell’isola. Parlando delle caverne e dei combattimenti, anche qui si è fatto un confronto, stavolta però con Zelda: infatti Garden Story dal punto di vista delle lotte è definito anche uno “Zelda-like”.
Infatti, oltre a combattere, si dovranno risolvere anche vari enigmi nei luoghi scuri in cui ci ritroveremo.

Il titolo uscirà nella primavera del 2020, e ti invitiamo a visionare il brevissimo trailer che può dare una panoramica generale del gioco, che può essere già messo in wishlist su Steam.

Purtroppo, però, non si sa la fonte di queste informazioni, né la loro verdicità: lo screenshot dice tutto e niente. Persino uno scrittore del sito IGN ha chiesto eventuali dettagli o dove ha trovato queste informazioni, così che si potessero verificare, ma non ha ottenuto risposta.

Non sappiamo, quindi, se il gioco verrà portato su Switch. In tutto questo, preò, il desiderio di portare questo FPS sulla console c’è e si può leggere dalle parole del direttore Piotr Iwanicki, che parlò allo staff del sito Destructoid alla Digital Dragons Convention, e ha confermato che un porting su Switch potrebbe essere una possibilità:

“Ci sono dei piani. Secondo me dovrebbe esserci”

E continua:

“Ho un conflitto con me stesso perché sono il tipo che dice tutto in anticipo, generalmente, ma per ora ci sono solo dei piani e ci abbiamo fatto solo qualche lavoro preliminare. Non ha ancora una data o nulla del genere. Ma penso che dovrebbe esserci. Switch è una piattaforma interessante ed è una piattaforma innovativa. Nintendo ha riscoperto qualcosa che era già lì. Nintendo è abile. Superhot si adatterebbe bene.”

Le opinioni sono state quasi unanimi: SuperHot sarebbe una bella uscita per Nintendo Switch, e ci sono state anche varie idee su come verrà attuato il porting: se si sfrutterà il motion control dei joy-con, l’utilizzo eventuale del giroscopio, e persino se sarà compatibile con il VR di Nintendo Labo, perché appunto SuperHot secondo molti è molto più godibile con un visore (infatti SuperHot VR vendette di più dell’edizione standard).

Continuate a seguire la nostra newsletter per sapere di più su SuperHot: siamo seri, è lo shooter più innovativo con cui abbiamo mai giocato in tutti questi anni!

L’emulazione data dalla console è fornita da FB Alpha, uno dei migliori emulatori arcade, ma c’è solo un unico grande problema: FB Alpha è un emulatore open source, distribuito con una licenza che vieta assolutamente di fare profitto su di esso.
La cosa strana però è che Barry Harris, uno degli sviluppatori principali dell’emulatore, afferma tramite un post su Twitter che la licenza di FB Alpha è stata concessa a Capcom per il suo Home Arcade… Ma in realtà si sospetta più di una cosa.
Prima di tutto non viene detto in che modo la licenza sia stata concessa e perché non ha rispettato le sue stesse condizioni, né con chi Harris si sia confrontato.
Ma quel che dà più sospetto sulla legalità dell’emulazione di questa console è il fatto che la licenza sia stata concessa solo da Barry Harris, infatti altri che hanno collaborato allo sviluppo e distribuzione di FB Alpha non sono stati per niente d’accordo con questa scelta. Di fatto, il distributore iq_132 , sul forum di sviluppo ha affermato:

“Sono molto contrario a qualcuno che trae profitto dal mio lavoro a meno che non sia io, ovviamente. Non ho mai accettato il pagamento per il mio lavoro di emulazione. Sto prendendo in considerazione la possibilità di estrarre tutto il codice che ho scritto e trasferito per FBA, per renderlo di nuovo in un emulatore CPS e Neo-Geo “.

Ciò che rende ancora più complicata la situazione, però, è che FB Alpha si basa su altri emulatori completamente open souce, come Final Burn e MAME.
Più precisamente, FBA è nato quando Final Burn ha smesso di funzionare. Alcuni pensano che per questo motivo alcune parti del codice siano ancora basate sui progetti precedenti e quindi legate alle vecchie licenze commerciali che permettono progetti commerciali.

Ci sono ancora opinioni molto contrastanti sull’argomento, ma soprattutto la community di emulazione dà ragione agli sviluppatori di FBA che sono contro la commercializzazione del loro emulatore.

Questo spin-off già prepara la scena per No More Heroes 3, annunciato da Suda51 all’E3 2019 durante il Nintendo Direct, che uscirà il prossimo anno. Intanto, però, ci si può godere questo titolo in attesa del terzo capitolo dell’acclamata serie.

Travis Strikes Again prende luogo sette anni dopo gli eventi di No More Heroes 2: Desperate Struggle, e si giocherà come sempre nei panni di Travis Touchdown, l’otaku assassino a cui molti giocatori della saga si sono ormai affezionati.
Lo ritroveremo completamente isolato dal resto del mondo in un camper, in Texas, con qualcuno che cerca di tendergli un’imboscata mentre lui continua a giocare ai videogiochi. Quel qualcuno non è altro che Badman, un giocatore di baseball ormai diventato assassino, che cerca vendetta su Travis per aver ucciso sua figlia, precedente avversaria del protagonista, Bad Girl. I due, durante la battaglia, hanno però un grande imprevisto: vengono risucchiati nel Game Drive MK II, una console potenziata tramite oggetti misteriosi dal nome di Death Balls; oggetti che, se raccolti tutti, garantiscono al giocatore un desiderio.
Quindi, per collezionarle tutte, Travis e Badman devono finire i giochi che le contengono, quindi collaborare e mettere da parte i disguidi passati e le loro differenze, combattendo ogni bug che gli si para davanti.

È sicuramente un bell’annuncio per i fan di No More Heroes che volevano lo spin-off su queste due piattaforme, anche se le due versioni sono uscite un po’ in ritardo rispetto all’edizione per Switch, ma la particolarità delle uscite su PlayStation 4 e Steam è la presenza di tutti i contenuti aggiuntivi: i DLC “Bubblegum Fatale” e “Black Dandelion”, e tutte le t-shirt che Travis può indossare nel corso del gioco.

Travis Strikes Again uscirà quest’autunno, il 17 Ottobre, ed è già possibile fare il preorder sia sul Playstation Store, sia su Steam. Noi intanto consigliamo di dare un’occhiata al trailer di lancio, per chi non ha giocato la più recente avventura di Travis su Switch.

Inoltre invitiamo a leggere la nostra newsletter per avere più info su No More Heroes, e molto altro sul mondo videoludico.
…Addirittura si mormora che i primi due titoli potrebbero arrivare su PlayStation 4!

Tra i problemi maggiori viene citato il buttonsmashing, il premere tasti a caso per vincere e in generale la pigrizia nel voler fare un buon picchiaduro, se escludiamo la gran varietà del roster. Inoltre, secondo alcune recensioni anche la storia è mal raccontata.
Alcuni, ovviamente, hanno ribattuto dicendo che da un picchiaduro non ci si può aspettare una grande sceneggiatura, ma parlando personalmente sento di ritrovarmi maggiormente nell’opinione comune: la trama è banale, scontata e raccontata male.

Tuttavia non è solo un problema di questo deludente Jump Force. In molti, troppi giochi crossover, non si ha il coraggio di fare un intreccio vero e proprio e si vuole solamente sfruttare il fatto che i personaggi ci siano, dando poca o nessuna importanza al ruolo che hanno.

Che dire di Super Smash Bros?

Andiamo al caso Smash Bros, invece. Uno dei migliori picchiaduro crossover sul mercato, dicono in tanti.
Non mi sento di dissentire. Dal punto di vista del gameplay è ben curato: è stato fatto un gran lavoro per le modalità, le varie mosse dei personaggi, la varietà di questi ultimi nel roster, il bilanciamento e tanto altro… Ma sembra che veri e propri confronti, o delle interazioni che sfruttino il carattere delle grandi personalità presenti, li facciano solo i fan, con fanart, comic e quant’altro.
Ecco, questo per me indica il desiderio dei videogiocatori di avere delle interazioni più profonde tra questi eroi (e non), sentire che stanno combattendo insieme, che fanno amicizia, litigano, magari uno impara qualcosa dall’altro e cresce proprio per il confronto con qualcuno di un videogioco diverso dal suo… Sarebbe meraviglioso, no?

Il merito di Kingdom Hearts

Lo stesso si può dire di titoli come Kingdom Hearts: gioco prevalentemente narrativo e con una sceneggiatura molto apprezzata. Come detto sopra, vengono usati personaggi Disney e Square Enix in generale (ricordiamo i personaggi di The World Ends With You in Kingdom Hearts: Dream Drop Distance o i vari cameo dei personaggi dei Final Fantasy dal 6 al 10), ma mentre i personaggi Disney sono stati caratterizzati da alcune sfaccettature del carattere che li hanno resi sicuramente più profondi e semplicemente più funzionali alla trama, lo stesso non si può dire di quelli Square Enix, i quali sono solo dei cameo che hanno fatto storcere il naso a molti fan, perché non si rendeva molta giustizia al loro carattere.

A Kingdom Hearts però bisogna dare un merito: anche se ha alterato e/o approfondito delle caratterizzazioni, quindi ha modificato a suo modo i personaggi, ha integrato in un gioco narrativo delle personalità provenienti da altri videogiochi e anche da altri media (come nel caso degli eroi di Walt Disney Pictures). Tuttavia, a parte la celebre saga, purtroppo, si possono vedere solo dei picchiaduro dedicati a tanti titoli diversi, dove gli autori si sbizzarriscono con le varie mosse dei protagonisti, e ciò che concerne il genere dei beat em’up.

Questo fa nascere una domanda: perché non cambiare genere, invece?

Sarebbe innovativo sfruttare personaggi pacifici senza alterare la loro natura (a questo proposito cito il caso dell’Abitante di Animal Crossing in Super Smash Bros) integrandoli nel gameplay per quel che sono e introducendo, magari, anche delle belle meccaniche! E se non si sa come realizzare dei bei confronti profondi con i personaggi si potrebbe utilizzare un sistema che richiami i Confidant di Persona, dove si passa del tempo con chi si vuole e si scopre di più su di esso, su come si senta sulla situazione dettata dalla trama, su cosa pensi di alcuni personaggi…

Il problema principale dei titoli crossover, quindi, è far ben scontrare varie caratterizzazioni tra personaggi molto diversi tra loro, senza snaturarli e creando un bell’intreccio che possa unirli, amalgamandoli come squadra, o acerrimi nemici, o quant’altro.

Sembra quasi che le software house non sappiano come utilizzare personaggi altrui quando, invece, si possono creare bellissimi contrasti e interazioni interessanti.
La risposta alla domanda “i videogiochi crossover sono sfruttati nella giusta maniera?” è per adesso negativa, finché le software house non troveranno il coraggio di sfruttare bene i diritti d’autore che in molti casi acquistano. In fondo, noi amiamo quegli eroi per la loro caratterizzazione, quindi perché non sfruttarla come si deve?

Partiamo dalla prima, la più economica: la Collector’s edition DNA.
Contiene il gioco, un’action figure di Crypto’N’Cow, un portachiavi (con la stessa stampa della spilletta data durante l’E3 2019, per intenderci), sei litografie, un giocattolo anti-stress, di quelli a cui schizzano gli occhi fuori dalle orbite, una scatola premio di 35cm x 30cm x 30 cm e tutte le skin di Crypto sbloccate. Questa Collector’s Edition costerà €149,99.

Andiamo a quella più costosa, la Collector’s edition di Crypto-137.
Offre tutto quello che offriva l’edizione DNA, ma al posto della figure di Crypto’N’Cow abbiamo solamente Crypto-137 con in mano un globo, che può fare anche da porta oggetti.
In più quest’edizione offre il Crypto-zaino, molto simpatico se si vuole avere un alieno attaccato alla schiena come se fosse una scimmia, e una scatola premio più grande (90cm x 38cm x 37 cm).
Questa Collector’s Edition costerà, tenetevi pronti… 399,99€

Esattamente. Quest’edizione costerà quasi 400 euro.
Per questo prezzo, ovviamente, ci sono state molte lamentele di giocatori che volevano capire perché questa Collector’s Edition avesse una così grande differenza di prezzo rispetto all’edizione DNA, dato che di diverso offriva solo uno zaino, e una scatola premio più grande.

Ebbene, si ipotizza che il sovrapprezzo sia stato causato dalle dimensioni della figure di questa edizione, che essendo abbastanza grande (alta 60cm e larga circa 30cm) ha fatto lievitare il prezzo.
Ma anche se fosse, secondo molti 400 euro resta un prezzo folle per un’edizione da collezione che non offre neanche la steelbook del gioco, assieme a tutti gli altri gadget. Infatti le battute sul “poter acquistare un vero corpo alieno con quei soldi” sono state quasi all’ordine del giorno.

Se vuoi saperne di più su queste due edizioni speciali ti invitiamo a guardare i trailer dedicati all’Edizione DNA e l’Edizione Crypto-137

Per sapere di più sull’uscita del remake del gioco ti invitiamo, invece, a leggere altri nostri articoli su questo titolo.

Per chi voleva dei joycon di questo colore questa potrebbe essere davvero una bella notizia, dato che per ora avere entrambi i controller verdi significa comprare per forza due set di Joy-Con per poi usarne solo uno, dato che si deve acquistare il set per il Joy-Con di destra in Europa e quello di sinistra si deve importare dal Giappone perché è incluso nel bundle dedicato a Splatoon 2: uno bello spreco di soldi che per fortuna potrà essere evitato.

Per ora i due nuovi controller sono un’esclusiva del negozio al dettaglio, ma saranno in vendita ufficiale il 27 Ottobre per €79,99. E’ possibile, però, fare già il preorder.

Il prezzo dei due Joy-Con è stato condiviso dall’account Twitter di @Wario64 , dove ci sono stati pareri diversi e contrastanti nei commenti: alcuni che non vedono l’ora di comprarli, altri che li considerano sovrapprezzati, e altri ancora che purtroppo li hanno già, avendo usato però il metodo citato sopra.

Se questo set di Joy-Con ti interessa, ti invito a controllare il profilo Twitter sopracitato per tenerti aggiornato sulle offerte e a seguire la nostra newsletter per maggiori notizie in generale su Nintendo Switch e molto altro ancora!

Il protagonista è un “investigatore del mondo virtuale”: nella Varsavia del XXII secolo gli investigatori privati normali non bastano più, ci vuole qualcuno che dia la caccia alla feccia del futuro internet, che causa crimini effettivi persino in un innocente gioco free-to-play, oppure compie omicidi nella rabbia causata da una disputa tra clan.
Come dice il protagonista stesso nel trailer:
“Durante questi anni è cambiato tanto, ma non la natura umana”

Il gioco, però, non consisterà solo nello smascherare e portare, in un modo o nell’altro, alla giustizia criminali virtuali, ma ci saranno anche varie scelte morali durante la storia: potremmo plasmare gli atteggiamenti e in generale lo sviluppo del nostro personaggio, magari rendendolo un giustiziere più benevolo, con principi giusti, o renderlo un vigilante di cui ogni rete internet deve aver paura. Oltre il protagonista potremo scegliere anche il destino dei vari personaggi secondari che incontreremo nella trama, scoprendo come questi si collegano a tutto il resto e, chissà, forse per alcuni ci saranno anche delle sottotrame. Oltre ai personaggi, le nostre scelte faranno cambiare anche il mondo di gioco, forse rendendolo un luogo più pacifico se saremo stati dei bravi investigatori o con una criminalità ancora più brulicante, se falliremo molteplici volte… Ma sono solo speculazioni! Una cosa che rimane sicura è che Gamedec è un GDR in tutto e per tutto, con moltissime scelte che potranno cambiare tutto e dare colpi di scena che vi faranno ben pensare alle vostre decisioni precedenti, almeno a quanto annunciano gli sviluppatori.

Gamedec non ha ancora una data d’uscita e un prezzo stabilito, ma è già possibile metterlo nella propria wishlist di Steam e si possono anche già controllare i requisiti minimi e consigliati.

Amanti del cyberpunk, buona fortuna mentre aspettate l’anno prossimo!

Tra le aggiunte di questa edizione per la console ibrida di Nintendo sono inclusi quattro livelli aggiuntivi della campagna. Ad esempio, in uno di questi si dovrà sventare un piano escogitato per assassinare il ministro Winston Churchill, essendo il gioco ambientato nel 1942 quindi in piena Seconda Guerra Mondiale. Infatti il titolo ci mette nei panni di nientepopodimeno che Karl Fairburne, protagonista del precedente capitolo che, abbandonata la fredda Germania Nazista, si sposta sui fronti del Nord Africa per lo stesso obbiettivo che ha in Sniper Elite V2: sabotare una super arma nazista.

Non ci saranno solo quattro missioni extra, ma questa nuova edizione di Sniper Elite 3 proporrà nuove funzionalità. Oltre a supportare il Pro Controller di Nintendo Switch, per la prima volta il titolo comprenderà il multiplayer wireless in locale e online: si potrà giocare tutta la campagna in co-op, ma anche le modalità Overwatch e Survival e verrà implementato il multiplayer competitivo in locale fino a quattro giocatori, che si affronteranno a vicenda.
Come ciliegine sulla torta, in questa versione grazie al giroscopio di Switch si potrà regolare meglio la propria mira e, grazie all’HD Rumble, sentire l’impatto dei proiettili.

Già dal 30 Luglio è stato reso possibile il preorder dell’edizione fisica presso i rivenditori selezionati, mentre le prenotazioni digitali saranno possibili dal 17 Settembre. La data d’uscita definitiva per l’edizione fisica e digitale su Nintendo E-Shop, però, è fissata per il 1° Ottobre di quest’anno.