Attenzione però, non affezionatevi già all’idea di trovare link per le rom o come emulare i giochi, quello spetta ad altri.

Oggi mi limiterò a dare il via ad un percorso temporale disordinatissimo dove insieme a curiosità sui tempi elettronici che furono festeggeremo il compleanno dei videogiochi che hanno consumato corrente nelle nostre case e, più probabilmente, nelle case dei vostri genitori. Chiedetegli quali erano i loro passatempo preferiti e scoprirete una parte di loro che il tempo e l’età hanno provato a mettere da parte.

Chi di voi conosce la prima azienda che ha prodotto console (anche se sono sempre in tanti a voler stare sul podio) per il grande pubblico, alzi il pad.

Se avete detto Atari, ci siete andati vicino, ma con un errore di 3 anni.

Il 24 maggio 1972 Magnavox, allora una società statunitense di elettronica, mette sul mercato Magnavox Odyssey (un progetto di Ralph Baer) la prima console per videogiochi ad uso domestico della storia. E, attenzione, anche un altro mito è da sfatare: il gioco di tennis della Odissey anticipò persino Pong, tanto che in sede di tribunale Magnavox ebbe ragione sui diritti del brevetto rispetto ad Atari.

L’Odyssey era anche stata progettata per supportare una periferica aggiuntiva: la prima pistola ottica in assoluto ad essere mai commercializzata, chiamata Shooting Gallery.

Ed è proprio questo il gioco di cui festeggiamo in questo Settembre il suo compleanno.

Shooting Gallery esce nel Settembre del 1972, presente sulla cartuccia n° 10 della console Odyssey, consisteva in una serie di fogli da sovrapporre allo schermo della tv ed attraverso un mini fucile (il light gun diventato poi famoso con il NES e Duck Hunt) in dotazione, bisognava “colpire” il segnale luminoso che andava a riempire il relativo bersaglio.

I bersagli rappresentavano il classico Far West, il tiro al volo con le anatre, la battaglia aerea. Insomma, cercare di far combaciare una lenta luce a schermo con il proprio occhio, ha fatto felici almeno 330.000 famiglie fino al 1975, anno in cui cessò la produzione di Odyssey e cominciò quella di Magnavox 100, ma ormai i tempi erano già cambiati e la corsa all’Home Entertainment elettronico era ormai cominciata e il marketing era un mostro capace di creare e distruggere tutto, a seconda di come lo nutrivi.

Chissà, forse guardare con nostalgia a quelli che oggi dai più sarebbero etichettati come giochi analogici (in parte lo erano per via della costruzione della console stessa) al pari di un gioco da tavola, può aiutarci a capire quali siano i passi che la tecnologia del videogioco ha fatto in oltre 40 anni e quali sono le cose che un vecchietto come me cerca ancora oggi quando accende la propria console e attende l’inequivocabile suono che precede ore di viaggi nel tempo, battaglie epocali e sfide infinite.

Benvenuti in Old But Gold signore e signori.

“Wow come hai fatto?”, diceva Eidos

Se le cose migliori avvengono per caso, la storia di Hitman: Codename 47 non è da meno. Il suo sviluppo è iniziato nel lontano 1998 poco dopo la fondazione di IO Interactive, la sua casa produttrice: a quell’epoca era una join venture (una azienda nata dalla collaborazione di altre due, tipo Sony Ericsson per capirci) tra Reto-Moto e Nordisk Film. La prima le aveva commissionato un MMO fantasy chiamato Rex Dominus, ma la seconda non era molto convinta dell’idea così la convinse a cambiare rotta e a creare uno sparatutto run-and-gun più semplice.

Come ricorda il lead designer Jacob Andersen in un’intervista, cominciarono a creare il gioco per Nordisk Film ispirandosi ai film d’azione del regista di Hong Kong John Woo. Secondo le prime idee, i giocatori avrebbero dovuto impersonificare un assassino in giacca e cravatta intento ad uccidere i componenti della mafia cinese presenti nel gioco (idea che, per chi conosce già Hitman: Codename 47 risulterà estremamente famigliare).

Come piattaforma si scelse il PC perché è proprio qui che nacque l’idea di un nuovo componente chiamato scheda grafica, che dava al computer un modo più rapido per renderizzare la grafica 3D senza appesantire la CPU.

Volendo mostrare il loro talento, cominciarono a sviluppare il loro motore di gioco personale. Lo chiamarono Glacier Engine e per crearlo non badarono a spese: per renderlo spettacolare implementarono una fisica molto più realistica degli altri videogiochi, con i corpi che interagivano con l’ambiente quando spostati e che cadevano a terra in modi diversi in base a come venivano colpiti, mostrando così al mondo il primo esempio concreto di fisica ragdoll.

Jonas Eneroth, executive producer di Eidos Interactive, dopo aver assistito ad una dimostrazione e impressionato dalla fisica del motore di gioco, convinse IO Interactive a continuare lo sviluppo per loro mollando l’idea del run-and-gun e creando un videogioco stealth incentrato sul realismo, dando inizio ai lavori sul primo capitolo della saga del killer più letale al mondo.

L’agente in azione

In Hitman: Codename 47 impersonificheremo i panni di 47, un uomo che si sveglia legato al letto in quello che sembra essere un manicomio: non si sa nulla del suo passato o come sia finito là dentro, l’unica cosa conosciamo di lui è il codice a barre tatuato dietro la sua pelata nuca (oltre al fatto che fa molto ridere come viene raffigurato nelle schermate di caricamento).

In questa prima fase, che funge da tutorial, verremo introdotti alle meccaniche di gioco da una voce che si autoproclamerà fin da subito “nostra unica amica”: impareremo ad usare le armi iconiche del personaggio come la corda di pianoforte e le pistole (che ahimè non sono ancora le amate Silverballer, ma vengono chiamate Hardballer e non hanno il silenziatore), a saltare gli ostacoli e a travestirci per passare inosservati anche davanti agli occhi più sospettosi.

Dopo essere riusciti a scappare dal manicomio, inizia la nostra avventura come sicario per conto della ICA, l’agenzia di assassini più famosa dei videogiochi, a fianco della nostra collaboratrice Diana Burnwood (di cui non sentiremo mai la voce, ma che comunicherà con noi durate i briefing pre-missione con dei messaggi scritti). Ci sporcheremo le mani attraverso una serie di delitti contro alcuni dei peggiori criminali del mondo da Hong Kong fino in Romania, passando per la Colombia, Budapest e Rotterdam.

La storia di Hitman: Codename 47 in generale non è nulla di così complicato: non è Metal Gear Solid e non punta nemmeno ad esserlo. É abbastanza godibile, anche se il titolo principalmente punta sul gameplay e non su una racconto intrecciato con un milione di sottotrame, facendo la felicità dei puristi della saga (anche se reputo Absolution il migliore proprio per il suo approccio diverso nel raccontare le vicende, ma è solo una mia considerazione personale).

La varietà delle ambientazioni è veramente notevole considerando l’età del gioco: risultano essere nettamente distinte tra loro e ognuna riesce a lasciare un segno nella memoria di chi gioca. Gli sviluppatori sono riusciti a renderle ben caratterizzate e si capisce fin da subito di essere ad Hong Kong piuttosto che in Colombia e così via.

Gli interni degli edifici sono veramente belli da esplorare e offrono un sacco di stanze ben arredate. L’unico problema che si riscontra è la navigabilità: per quanto gli ambienti interni siano ben strutturati, a causa dell’enorme vastità capita spesso di perdersi e di faticare a ritrovare il punto da cui si è partiti.

Inoltre la mappa (consultabile ogni volta che lo si desidera) di certo non aiuta a molto: ci vengono indicati solo il punto di partenza (che coinciderà con quello di arrivo), la nostra posizione e qualche punto di interesse, ma è tutto comunque troppo semplificato. É comprensibile il fatto che per rendere il gioco più realistico abbiano voluto fare determinate scelte, ma qualche indicazione in più non avrebbe fatto male.

Alla ricerca del delitto perfetto

Dopo il tempo speso per capire come muoversi negli ambienti, dovremo trovare il modo di avvicinarci al nostro bersaglio e qui cambia tutto. Per gli appassionati del genere, comprendere come si muovono tutti gli NPC e agire di conseguenza è la base di un buon stealth e Hitman: Codename 47 sa il fatto suo: i percorsi che sia le guardie che i civili seguono durante tutte le nostre partite sono veramente ben studiati e danno un senso di sfida continua al giocatore.

Purtroppo all’epoca non avevano pensato a nessuna meccanica in grado di modificare i tragitti prestabiliti delle guardie. Nel nostro repertorio di armi non è previsto nessun oggetto lanciabile (come una moneta o dei mattoni) che permetta di attirare il nemico verso la direzione da noi desiderata, costringendoci o ad abbatterlo senza essere visti o a lasciarlo passare.

Durante le nostre sessioni è possibile ammirare le varie reazioni che i personaggi non giocanti avranno in base a come ci comporteremo: se una volta indossato un travestimento cominceremo a correre davanti alle guardie incuranti delle conseguenze, è facile che queste ci fisseranno in modo sospetto, dandoci attenzioni che potrebbero rendere più difficile il completamento della missione.

Per giocare al meglio è sempre buona cosa capire con quale travestimento è possibile accedere a determinate aree della mappa: se non ci si fa caso ci penseranno le guardie a ricordarcelo, riempendoci di colpi e costringendoci a ricominciare tutto da capo (per una scelta stilistica degli sviluppatori non esistono i check-point).

Per un giocatore che come me ha cominciato a giocare a Hitman col capitolo del 2012 su PS3, il fatto di dover proseguire costretti ad uccidere le guardie potrebbe essere un po’ destabilizzante, soprattutto all’ inizio.

Infatti chi ha giocato i nuovi capitoli sa come più si gioca in modo “pulito” senza uccidere nessuno e senza cambiare i propri abiti, più il punteggio a fine missione sarà alto: per giocare a questo primo titolo quindi è importante tenere a mente come questa regola non valga e seguire questa strada impedirà di netto il completamento del livello.

“É l’arma a scegliere il killer, signor 47”

Il repertorio delle armi che Hitman: Codename 47 offre non è estremamente vasto, ma è comunque funzionale a quello che dovremo fare. Non sarà affatto semplice comunque prendere un mitra e fare i John Rambo di turno: oltre ai comandi legnosi già per l’epoca, il vero problema è la scarsità dei colpi a nostra disposizione. Certo, è possibile fare una scorta di proiettili durante il briefing della missione, ma per un mitragliatore il massimo numero di colpi acquistabili è di 150 e sono veramente pochi per lo scopo.

É altrettanto vero che si possono depredare i cadaveri per ricaricare le nostre armi, ma sarà un’impresa solo avvicinarsi a causa della quantità di nemici che ci ritroveremo davanti (con munizioni infinite ovviamente). Infatti Hitman: Codename 47 predilige un approccio molto più meticoloso rispetto ai normali sparatutto: oltre alla Beretta silenziata e la famosa corda in fibra, è consigliabile imparare a conoscere il livello (andando di esperienza e tentativi) per trovare l’armamento ideale.

Lo shooting non è nulla di che, mi è capitato di trovarmi con un’automatica tra le braccia e sparare verso un bersaglio sprecando metà dei colpi. Questo perchè gli sviluppatori hanno cercato di simulare la rosa dei colpi dei fucili, ma risulta essere troppo ampia non riuscendo quasi mai a colpire come si deve il bersaglio anche a distanza media.

Avremo anche la possibilità di comprare altre armi, la cui disponibilità nel negozio varierà in base alla missione. Troveremo sempre, oltre la corda di pianoforte e la beretta silenziata, anche un coltello, una bussola e un binocolo mentre per armi più particolari come un cecchino vi sono dei livelli apposta dove l’utilizzo faciliterà di gran lunga l’abbattimento del bersaglio.

Per gli amanti del genere quindi, Hitman: Codename 47 è un gioco assolutamente da recuperare: per quanto alcune meccaniche possano risultare scomode, vecchie o addirittura non presenti, è il precursore di uno degli stealth game più importante degli ultimi 30 anni: per ogni cosa che fa storcere un po’ il naso è presente una controparte in grado di ribilanciare il gioco, risultando una bella sfida ad ogni partita. Inoltre, per chi volesse approfondire l’intera saga, è un allenamento ai capitoli successivi ed in particolare al suo sequel diretto, Hitman 2: Silent Assassin.

E tu cosa ne pensi? Avevi giocato a questo Hitman: Codename 47 all’epoca o, come me, non lo avevi mai provato? Dicci la tua qua sotto nei commenti e ricorda di seguire la nostra pagina Instagram! Ah, se sei un fan della saga ma non hai ancora giocato l’ultimo capitolo, perché non provi a dare un’occhiata alla nostra recensione?

Il prodotto può essere infatti considerato un titolo a cavallo tra molti generi: principalmente un puzzle game, presenta alcune meccaniche che possono farlo somigliare ad un platform.

Si tratta del primo capitolo di una serie che non ha avuto particolarmente fortuna per quanto riguarda le vendite ma che, grazie ad una certa originalità nello stile di gioco, è riuscito a rimanere nel cuore di coloro che hanno avuto l’occasione di provarlo.

Kuru Kuru Kururin: una corsa contro il tempo

Come dicevamo poc’anzi, è difficile inquadrare il genere di gameplay di questo gioco. All’interno di Kuru Kuru Kururin dobbiamo controllare un’asta che esegue dei movimenti circolari: questa non è altro che l’astronave del nostro piccolo protagonista che, per arrivare alla fine degli stage, non dovrà incappare in alcun ostacolo.

Questa formula, di base estremamente semplice, porta in verità ad interessanti combinazioni che contribuiscono a rendere il titolo una bella sfida. Abbiamo strumenti che possono invertire il verso di rotazione della nostra astronave, strumenti che aumentano la nostra velocità con la nostra resistenza per un tempo limitato e, soprattutto, spazi particolarmente stretti da percorrere in un tempo preciso.

Non solo non è facilissimo arrivare alla fine del livello, ma l’obiettivo finale e la maggiore sfida del gioco consistono nell’arrivare alla fine del breve livello nel minor tempo possibile. All’interno del gioco È infatti presente un timer interno che indica un record prestabilito da battere e quello che è invece il nostro tempo migliore.

Uno stile emblematico

Fatto curioso su Kuru Kuru Kururin: nessuno si ricorda il suo nome ma tutti, appena vista una sola schermata del titolo, capiranno bene il gioco a cui si fa riferimento. Questa semplice informazione, dovrebbe farti capire perché ci riferiamo a questo titolo con aggettivi come “emblematico”.

Grazie alla sua struttura originale, Il titolo è capace di farsi ricordare proprio perché nessuno, nel panorama videoludico attuale, è riuscito a portare su console o altri dispositivi un tipo di gameplay che riesce ad essere contemporaneamente semplice e complesso come in questo caso.

Infatti, riprendere in mano Kuru Kuru Kururin nonostante siano passati oltre vent’anni dalla sua pubblicazione è tutt’altro che ostico per il giocatore moderno: l’immediatezza delle azioni che ci ritroviamo a compiere funge da cavallo di battaglia di questo titolo letteralmente immortale.

Un titolo da riscoprire

In conclusione, insomma, possiamo certamente affermare che, pur non venendo ricordato da molti a causa di una struttura che, per quanto semplice, non risulta appetibile per ogni tipo di giocatore, Kuru Kuru Kururin riesce nella sua intenzione di essere un gioco capace di farsi riscoprire, nonostante siano passati tanti anni della sua iniziale pubblicazione.

Ora come ora, tra l’altro, è piuttosto facile risalire e a questa serie: cioè reso possibile dal fatto che il primo capitolo della serie, quello di cui vi abbiamo parlato proprio in questo nostro articolo, è disponibile per tutti gli abbonati al servizio Nintendo Switch Online in quanto contenuto all’interno del catalogo pacchetto aggiuntivo Game Boy Advance.

Non dimentichiamoci, inoltre, che proprio questo catalogo è ricco di titoli e sorprese da non farsi sfuggire: proprio un paio di settimane fa vi abbiamo parlato di uno dei più grandi successi per Nintendo 64, finalmente è diventato disponibile anche su questa piattaforma.

Sviluppato da Creative Assembly e pubblicato da Sega, Medieval II Total War è un gioco di strategia a turni con battaglie tattiche che possono svolgersi in tempo reale o meno, a seconda delle opzioni che permettono di disabilitare la pausa per impartire ordini alle proprie truppe.

Medieval II Total War, rivivere la storia

La bellezza dei giochi Total War non è un genere che può piacere a tutti. Personalmente, non ho mai avuto un interesse vivo fino all’arrivo di Total War: Warhammer nel 2016. I capitoli precedenti erano molto più focalizzati sugli eventi storici e si rivolgevano a un pubblico specifico, appassionato sia della strategia che degli eventi dell’epoca in cui erano ambientati i giochi.

In particolare, Medieval II Total War migliora ciò che il suo predecessore aveva già ben concepito. Scelta una fazione bisognerà guidarla attraverso battaglie storiche, come la vittoria inglese ad Azincourt o la battaglia di Hastings, verso la conquista dell’intero continente e, con le espansioni, anche del Nuovo Mondo.

Le religioni hanno un’influenza centrale nel mondo di gioco e sono integrate in modo coerente sia a livello storico che di gameplay. Le Crociate e le Jihad contrappongono cristiani e musulmani, con i primi sotto l’autorità del Papa e i secondi guidati dall’Imam. Se non si gestiscono attentamente queste dinamiche, si potrebbe incorrere in conseguenze come scomuniche o eresie. Dichiarare guerra alle istituzioni religiose può risultare in una sfida enorme, poiché i loro seguaci si uniranno contro la nostra fazione, puntando alla capitale.

Un gameplay più vivo che mai

Medieval II: Total War, pur essendo uno strategico a turni datato con battaglie in tempo reale, è riuscito a resistere al passare del tempo in modo sorprendente. Anche dopo tanti anni, la profondità della parte strategica resta coinvolgente, grazie alla gestione di commercio, alleanze diplomatiche, missioni segrete e matrimoni politici, che arricchiscono l’esperienza di gioco. La sfida offerta non è semplice, ma proprio per questo spinge a riflettere e pianificare con attenzione ogni mossa.

Le battaglie di Medieval II Total War sono note per la loro epicità e profondità tattica. Fattori come l’elevazione del terreno e il morale delle truppe rendono ogni scontro impegnativo, e le diverse unità, influenzate dalla cultura di appartenenza, aggiungono una rara varietà strategica. Tuttavia, ci sono alcune imperfezioni, come problemi di pathfinding e un’intelligenza artificiale non sempre brillante, che possono frustrare i giocatori più esigenti.

Oltre alla fase a turni, gli assedi e le difese delle città continuano a essere uno degli elementi chiave del gioco. La strategia cambia in base allo sviluppo urbano, dalle mura alle truppe di difesa, arricchendo ulteriormente l’esperienza. Dal punto di vista storico e strategico, Medieval II Total War riesce ancora a emozionare, offrendo una vivida scoperta degli eventi storici attraverso una campagna quasi mai tranquilla, poiché la guerra può sempre arrivare da un momento all’altro.

Strategia, diplomazia e sotterfugi

La parte strategica, nella quale ho sempre avuto qualche difficoltà e che continua a mettermi alla prova, riguarda la gestione di assassini, matrimoni ed emissari. Nonostante la mia inclinazione a dichiarare guerra a tutti, ci sono state volte in cui ho cercato di creare un regno di pace, ma tra le religioni e gli antichi odi storici, come quello tra Francia e Inghilterra, la sfida è stata ardua. Questo aspetto può risultare particolarmente difficile, soprattutto con un livello di difficoltà elevato sia nella fase a turni che in battaglia.

I risultati di un assassinio o di un sabotaggio sono accompagnati da video spesso divertenti, che nella maggior parte dei casi finiscono male. Tuttavia, questi momenti aggiungono un tocco di umorismo, poiché, a parte una percentuale che ne indica il successo, non si sa mai come andrà a finire.

Invecchiato bene, ma non troppo

Nonostante i molti pregi di Medieval II Total War, ci sono alcune mancanze rispetto ai titoli successivi della serie. L’assenza di un albero tecnologico più dettagliato, un’economia semplificata e una diplomazia a volte frustrante possono limitare l’esperienza. Anche a livello visivo, il gioco mostra i suoi anni, con una grafica datata e un’interfaccia che, sebbene funzionale, fatica a competere con i titoli più recenti.

Dal punto di vista del gameplay, rispetto ai suoi successori, Medieval II Total War mostra alcune limitazioni evidenti. Un certo tipo di truppe e alcune tattiche risultano a volte troppo scriptate, portando a battaglie quasi scontate se gestite in un certo modo. Ad esempio, in una campagna con la Francia, avevo costruito due interi plotoni di gendarmi francesi, la cavalleria più forte del gioco, e si sono rivelati “rotti”, decisamente overpower, anche contro lancieri e arcieri (loro counter perfetti in combo).

Non farei una colpa specifica a Medieval II Total War, ma è da qui che emerge uno dei difetti più persistenti della serie, ancora presente oggi in Total War: Warhammer 3: l’intelligenza artificiale. La IA si comporta in modo prevedibile, senza miglioramenti sostanziali negli anni. La cavalleria cercherà sempre di attaccare i fianchi, gli arcieri manterranno la distanza e, se pressati, scapperanno regolarmente, mentre gli arcieri a cavallo continueranno a infastidire con il loro costante avanti e indietro. Questa prevedibilità rende alcune battaglie ripetitive, senza la varietà tattica che ci si aspetterebbe da un gioco strategico.

Conclusione

Medieval II Total War è un titolo che ha saputo catturare l’immaginazione dei giocatori grazie alla sua profondità strategica, alle campagne espansive, alla gestione impeccabile degli eventi storici e alla sua vivace scena modding. Nonostante i suoi difetti, rimane una pietra miliare della serie e, per molti, il miglior Total War mai creato. La nostalgia sicuramente gioca un ruolo, ma i punti di forza oggettivi del gioco lo rendono ancora oggi un’esperienza imperdibile.

Questa serie, apprezzata e nota a livello globale, ha iniziato la sua storia proprio sulla console progettata per le tre dimensioni made in Nintendo ma, al contrario di altri fortunati colleghi, non è riuscita ad emergere in maniera netta nel mercato moderno. Riscoprire Banjo-Kazooie del 1998 significa, insomma, fare un viaggio in un mondo forzatamente relegato al passato che, però merita certamente di essere riscoperto ed interpretato da tutti i fan del genere platform.

L’avventura del mitico duo Banjo-Kazooie

Come in ogni avventura platform targata anni ’90 che si rispetti, il nostro compito sarà quello di salvare una dolce donzella fatta prigioniera dal cattivo di turno: in questo caso, facciamo riferimento alla sorellina di Banjo, la piccola Tooty, e alla malvagia strega Gruntilda, che vuole derubare la giovane della sua bellezza.

La trama, come da prassi in questo genere di avventura, non è che il pretesto per inserirci all’interno di un mondo di gioco ricco di personaggi iconici e di ambientazioni che lasceranno il segno. È infatti importante che, ancor prima dell’impostazione grafica che ha sorpreso tutti all’epoca per la sua profondità, si tenga presente che Banjo-Kazooie è riuscito a diventare un’icona proprio grazie ai suoi attori.

La talpa Bottles, che sarà la nostra guida per conoscere tutti i numerosi comandi di gioco presenti e lo sciamano Mumbo Jumbo oltre, ovviamente, ai due protagonisti che controlleremo simultaneamente, sono al centro di dialoghi e situazioni esilaranti e fuori dagli schemi capaci di far sorridere dopo tanti anni.

Mondi iconici tutti da esplorare

Come riportato poc’anzi, gran parte del successo di Banjo-Kazooie non va ricollegato solo ai personaggi del suo universo narrativo, ma anche alle sue ambientazioni e scelte di gameplay: per quanto riguarda il primo aspetto, infatti, scorci della Spiral Mountain e della Gobi’s Valley (come non ricordare la sfinge con il muso di Banjo) sono entrati a far parte dell’immaginario collettivo tra i videogiocatori più o meno appassionati dello specifico genere.

All’interno di queste ambientazioni, all’interno di ognuna delle quali troveremo personaggi esclusivi davvero bizzarri, dovremo risolvere delle piccole missioni e raccogliere determinati collezionabili sparsi in una struttura che ricorda vagamente quanto abbiamo imparato a conoscere in Super Mario 64.

A differenza di quanto visto nel platform dell’idraulico baffuto, infatti, aumenta di gran lunga il numero di collezionabili da raccogliere e aumenta anche la varietà di situazioni: ciò è reso possibile dalla presenza di Mumbo Jumbo, lo sciamano che provvederà a trasformare i nostri eroi in creature diverse a seconda del mondo visitato, portando ad un cambio di approccio e alla possibilità di compiere azioni altrimenti impossibili (la termite del primo livello, ad esempio, può arrampicarsi sui muri, sviluppando i livelli con una verticalità altrimenti impossibile).

Un progetto ancorato al passato

Se escludiamo episodi di riproposizione come l’inserimento del gioco sul catalogo Nintendo Switch Online + Pacchetto Aggiuntivo, dobbiamo purtroppo constatare che Banjo-Kazooie, come dichiarato dallo stesso director del progetto originale in una recente intervista, non è un titolo che crea appeal nel mercato moderno.

Ciò è dovuto principalmente alla perdita di fascino dei platform 3D in seguito al periodo di boom della seconda metà degli anni ’90 ma, anche e soprattutto, alla specificità di questo progetto che, col passare degli anni, ha trovato critiche e giudizi relativi alla complessità e all’eccessivo numero di comandi, oltre alla presenza di una telecamera poco appetibile e ad un gameplay che, posto in confronto ad un esempio moderno quale Mario Odyssey, risulta essere eccessivamente ripetitivo.

La serie, insomma, se non per qualche riferimento al suo glorioso passato come può essere l’aggiunta del mitico duo nel roster di Super Smash Bros Ultimate, è ad un punto morto. Far “evolvere” Banjo-Kazooie significa, con ogni probabilità, snaturare una formula che, in un’epoca precedente, ha saputo funzionare quasi perfettamente: perché rovinare questo piccolo quadro del passato? Questo, probabilmente, è il ragionamento fatto dall’azienda che ad oggi tiene in mano l’IP, ossia Microsoft.

Un fratello, un criminale e una missione

Total Overdose ci porta nei panni di Ramiro Cruz, un ex detenuto messicano che si ritrova coinvolto in una missione per conto della DEA. La storia ha inizio quando Tommy, il fratello gemello di Ramiro e agente della DEA, rimane gravemente ferito durante un’operazione. Con Tommy fuori gioco, tocca a Ramiro prendere il suo posto e affrontare il mondo del crimine messicano. Tuttavia, c’è un piccolo dettaglio: Ramiro non è un agente come il fratello, bensì un criminale dal passato turbolento, e questo si rifletterà nei suoi metodi non proprio ortodossi.

L’ambientazione di Total Overdose è un Messico vibrante e ricco di pericoli, dove ogni angolo nasconde una minaccia e dove Ramiro dovrà fare uso di tutte le sue abilità per sopravvivere. Nonostante la premessa intrigante, il gioco soffre di alcune mancanze che ne limitano il potenziale, soprattutto nelle sezioni di esplorazione e guida.

Esplorazione limitata e guida frustrante

Il gioco offre una mappa cittadina esplorabile, ma qui emergono i primi difetti. L’esplorazione della città è decisamente limitata, riducendosi per lo più al furto di automobili e a qualche scazzottata di quartiere. Non ci sono negozi dove fare acquisti, né tantomeno fidanzate da corteggiare o gare di velocità da vincere, elementi che avrebbero potuto arricchire l’esperienza di gioco. A peggiorare la situazione, il sistema di guida si rivela piuttosto frustrante, con controlli poco reattivi e fastidiosi caricamenti tra un quartiere e l’altro che spezzano il ritmo del gioco. Fortunatamente, il titolo offre la possibilità di saltare direttamente alle missioni, rendendo quasi superfluo l’uso dei veicoli.

Missioni adrenaliniche e acrobazie da cinema

Se l’esplorazione lascia a desiderare, le missioni di Total Overdose rappresentano il vero punto di forza del gioco. Nonostante la varietà limitata, le missioni riescono a intrattenere grazie a combattimenti adrenalinici e acrobazie spettacolari. Ramiro è in grado di compiere movimenti incredibili come doppi salti sui muri, capriole mortali e tanto altro, il tutto condito dall’immancabile effetto “bullet time” che rende ogni scontro un’esperienza cinematografica.

Un elemento distintivo del gameplay è rappresentato dalle “mosse loco“, abilità speciali che permettono a Ramiro di utilizzare armi fuori dal comune. Ad esempio, una delle mosse loco consente di impugnare due mitragliatrici nascoste in portachitarre, mentre un’altra mette a disposizione una potente pistola d’oro. Queste abilità, combinate con lo slow motion, rendono ogni combattimento unico e spettacolare. Inoltre, il gioco introduce una meccanica di riavvolgimento del tempo, presa in prestito da Prince of Persia, che permette di tornare indietro di qualche secondo per correggere eventuali errori durante gli scontri.

Aspetto tecnico e sonoro

Dal punto di vista tecnico, Total Overdose mostra i segni del tempo e della piattaforma su cui è stato rilasciato. Nonostante lo stile grafico fumettoso, che non richiede una cura eccessiva dei dettagli, è evidente che l’hardware della PlayStation 2 non è stato sfruttato al massimo. Le ambientazioni sono scarne e poco dettagliate, con texture che appaiono troppo “pulite” e un numero basso di poligoni. Tuttavia, queste limitazioni non rovinano troppo l’atmosfera del gioco, grazie anche a una caratterizzazione dei personaggi decisamente azzeccata.

Il comparto sonoro, invece, è di buon livello, con un doppiaggio ben realizzato e colonne sonore elettrizzanti che accompagnano perfettamente l’azione frenetica del gioco. Le musiche, tutte a tema latino-americano, contribuiscono a creare un’atmosfera coinvolgente che si sposa bene con il contesto messicano.

Total Overdose, un mix imperfetto ma divertente

Total Overdose è un titolo che, pur con i suoi difetti, riesce a offrire un’esperienza di gioco divertente e frenetica. Le sezioni di esplorazione e guida lasciano a desiderare, ma le missioni, con il loro mix di acrobazie e combattimenti spettacolari, riescono a mantenere alto il livello di intrattenimento. Se si è disposti a chiudere un occhio sui limiti tecnici e su alcune scelte di design discutibili, Total Overdose rappresenta un buon esempio di action game di metà anni 2000, capace di regalare qualche ora di sano divertimento. E chi lo sa, forse un giorno potremmo vedere un remake che sfrutti appieno il potenziale di questo titolo, dandogli la seconda chance che merita.

LeChuck’s Revenge in particolare, sequel diretto del primissimo The Secret of Monkey Island, approdato sul mercato nel 1990, è definito dai più come non solo il titolo meglio riuscito della serie, ma anche come l’avventura grafica 2D più iconica di sempre. Ora chiediamoci: cosa rende Monkey Island 2 un titolo così importante per questo genere “d’altri tempi”?

Un pirata, uno zombie e una bambola voodoo

La trama di Monkey Island 2 prende il via collegandosi strettamente a quella del primo Monkey Island: Guybrush ha sconfitto (non definitivamente) il pirata zombie LeChuck, ma nessuno si ricorda delle sue incredibili gesta e, per questo motivo, va alla ricerca di nuova fama imbarcandosi in una grande missione: ritrovare il leggendario tesoro di Big Whoop.

La trama di Monkey Island 2 ha diversi grandi pregi che la rendono iconica: è breve e mai ripetitiva, ma allo stesso tempo ricca di personaggi e di scene memorabili. Se a ciò sommiamo l’umorismo targato Lucas Arts, che in questo titolo in particolare riesce ad essere veramente senza freni, capisci bene perché ci troviamo di fronte ad un titolo che gli appassionati del genere si portano nel cuore da oltre 30 anni.

Ricco di riferimenti al mondo del cinema, della cultura pop e anche di altri giochi targati Lucas Arts, la serie di Monkey Island non manca mai di usare questi schemi di rottura della quarta parete che, soprattutto in un titolo ove il gameplay viene ridotto fondamentalmente all’osso, aiutano a rendere l’esperienza “un qualcosa in più”.

Un arcipelago di stramberie

I luoghi che possiamo visitare in Monkey Island 2 superano per quantità e varietà quelli presenti nel primo capitolo: i personaggi che abbiamo imparato ad amare nella prima avventura di Guybrush, però, sono tornati sotto nuove vesti, sommandosi ad una serie di nuovi interpreti. Insomma: Monkey Island 2 ha innanzitutto il merito di aver preso il primo capitolo della serie e averlo migliorato a livello qualitativo sotto ogni punto di vista, senza mai risultare eccessivo.

Sebbene il gameplay, come da prassi per questo genere di prodotto, si riduca ad un “punta e clicca”, gli enigmi e le soluzioni di situazioni paradossali risultano di difficile comprensione, ma non per errori di impostazione, quanto più per il percorso logico controverso che ci accompagna al loro completamento. Fortunatamente, Lucas Arts ha deciso di inserire dei suggerimenti che possano aiutare i giocatori che hanno semplicemente intenzione di godersi la storia.

Lo stile artistico di Monkey Island 2

Sia nella sua versione Special, una riproposizione “modernizzata” sotto numerosi aspetti, sia nella sua versione originale, Monkey Island 2 riesce ad immergere il giocatore in atmosfere estremamente cartoon e caricaturali senza però farci rinunciare ad un’alta qualità dei colori e degli scenari, che figurano essere sempre ben impostati e riconoscibili.

Nella sua semplicità, insomma, lo stile, il mood e il contesto stesso nel quale prende vita la seconda avventura di Guybrush riesce nell’intento di essere una fuga dalla realtà capace di strappare qualche sorriso a quei giocatori che saranno così “temerari” da superare lo scoglio che rappresenta il gameplay piuttosto ancorato ad un tipo di videogioco che, ora come ora, non ha lo stesso mordente di 30 anni fa.

Essendo inoltre disponibile, come dicevamo poc’anzi, una versione modernizzata del gioco pubblicata nel 2011 e disponibile su Steam, non ci sono scuse: per vivere appieno l’esperienza dell’avventura grafica, bisogna passare per Scabb Island e, una volta ottenuta la propria imbarcazione, prendere il largo come veri pirati!

Raziel perché ti sei fatto le ali?

Sei nella immaginaria Nosgoth, la quale vede la presenza dei vampiri comandati da Kain (ovvero il protagonista del gioco originale). Prenderai i panni di Raziel, uno dei vampiri più fidati del cattivissimo Kain, peccato che avrai la, non proprio brillante idea, di farti un paio di ali e quindi superare in capacità il tuo capo.

Kain non la prende benissimo e quindi decide di strapparti le ali, ma soprattutto di gettarti nella buca dell’oblio. Qui Raziel non morirà, ma resterà addormentato per centinaia e centinaia di anni (alla faccia della pennica) e verrà risvegliato dalla voce dell’Anziano Dio, il quale ti dirà prenditi la tua vendetta verso Kain, nel frattempo mi fai pure un favore a me nel farlo fuori, prenditi la Soul Reaver (ovvero la spada che fece conquistare Nosgoth a Kain) e non risparmiare nessun vampiro. Da qui inizierà la tua avventura nella città, martoriata, di Nosgoth.

Si impalano e si bruciano i nemici

Come gli altri capitoli della saga di Legacy of Kain, anche Soul Reaver è un action-adventure, tuttavia pone un’enfasi inferiore sulla componente RPG per concentrarsi principalmente sull’azione più pura. Il titolo ha una prospettiva in terza persona, con la telecamera posizionata dietro Raziel, ma avrai la possibilità di ruotare il punto di vista intorno al personaggio utilizzando i tasti R1 e L1, elemento che, purtroppo, non ha fatto invecchiare benissimo l’avventura.

Nel gioco principalmente dovrai passare tra il piano Materiale e quello Spettrale per superare le diverse aree. Sebbene l’interazione con gli oggetti sia limitata nel Piano Spettrale, questo può risultare vantaggioso, poiché Raziel può attraversare facilmente l’acqua e passare attraverso cancelli altrimenti invalicabili, visto che il protagonista sarà vulnerabile a questa, ma solo nel mondo Spettrale. Tuttavia, blocchi, porte e interruttori possono essere manipolati solo nel mondo fisico.

Molti enigmi sfruttano le differenze tra i due piani, ad esempio, piattaforme e elementi dell’ambiente in un piano possono assumere forme diverse e sbloccare nuovi percorsi nell’altro. Gli enigmi basati sui blocchi sono la maggior parte e ti richiederanno di ruotare, capovolgere o spostare grossi oggetti per progredire, spesso entro un limite di tempo, ma soprattutto mentre eviti i nemici.

Il sistema di combattimento di Legacy of Kain: Soul Reaver è praticamente un antesignano del genere hack-and-slash, visto che dovrai usare combinazioni di attacchi diversi prima di eseguire uno spettacolare colpo finale. I nemici di Raziel potranno essere umani, creature spettrali e soprattutto vampiri.

Tra gli umani si trovano gli abitanti dei villaggi, cacciatori di vampiri e adoratori dei vampiri. Nel piano Spettrale, invece, ti cimenterai con nemici minori chiamati Sluagh oppure le anime dei vampiri deceduti che sono diventate spettri. Ogni stirpe di nemici vampiri possiede abilità uniche, simili a quelle del loro capoclan. Gli umani e le creature spettrali possono essere uccisi con gli artigli di Raziel o con qualunque arma, mentre i vampiri dovrai prima storditi e poi eliminarli impalandoli, bruciandoli, gettandoli sotto la luce del sole o l’acqua (come diceva Quentin Tarantino, la violenza è molto divertente).

Quando farai fuori un nemico, questo lascerà dietro di sé delle anime che ricaricheranno la tua barra della salute, la quale nel piano Materiale si esaurisce automaticamente col tempo, mentre nel piano Spettrale aumenta.

Graficamente bellissimo per il tempo

Stiamo pur sempre parlando di un gioco del 1999 e ovviamente abbiamo una grafica che non tiene il passo con quello che abbiamo oggi, ma ti posso assicurare che per il tempo Legacy of Kain: Soul Reaver era qualcosa di veramente spettacolare. Il gioco si presenta totalmente in 3D e la nebbia tipica della prima PlayStation, da un colpo d’occhio molto più spettrale (trucchetto utilizzato, pure di più, anche da Silent Hill).

I dettagli, con l’occhio di chi ha giocato questo gioco all’uscita, sono molto alti, ma pecca forse nella poca presenza di nemici, visto che avrai 2 al massimo 3 avversari per volta. Questo, sicuramente, è stato fatto per non appesantire il gioco e non dargli vistosi cali di frame rate (infatti il gioco non rallenta mai e fila sempre liscio).

Nonostante siamo negli anni dei doppiaggi più che terribili (sì Metal Gear Solid, sto parlando proprio di te), Soul Reaver ha delle voci più che buone, ovviamente parlando degli standard del ’99, il che da un taglio nettamente più cinematografico al tutto. Anche i rumori ambientali sono davvero niente male, ma peccano leggermente in quanto un po’ ripetitivi e metallici, ma ripeto, per il ’99 siamo di fronte a oro colato.

Legacy of Kain sei invecchiato bene?

La più grande pecca di giocare a Legacy of Kain: Soul Reaver, nel 2024 è senza ombra di dubbio il dover inghiottire la terribile telecamera. Infatti questa appare ballerina e assolutamente non in linea con gli standard odierni. Ti capiterà, infatti, di perdere più e più volte solo perché non vedrai un nemico arrivare e tutto per colpa di quest’ultima, ma se riuscirai a chiudere un occhio su questa cosa Legacy of Kain mantiene, oggettivamente, un suo fascino.

Questo perché il protagonista Raziel è indubbiamente molto carismatico e l’antagonista Kain è il classico super cattivo da film. Non si può restare indifferenti a cotanto carisma e non mi sorprende che si vociferi così tanto un suo remake a breve…davvero schifo non farebbe.

PS. No, non accennerò minimamente al sequel uscito qualche anno dopo, perché non merita nemmeno 5 secondi del tuo tempo.

Farò la mia software house con blackjack e squillo di lusso

Alundra, come ti dicevo prima, nasce nel 1997 dalla software house Matrix Software, che potresti conoscere in quanto ha lavorato, in tempi più recenti (ma non troppo), a parecchi remake di Final Fantasy per conto di Square Enix. Esempi sono Final Fantasy III e Final Fantasy IV per Nintendo DS, Final Fantasy IV: The After Years e anche The 4 Heroes of Light. Andando ancora più indietro nel tempo, questa casa di sviluppo faceva parte di Climax Entertainment, tuttavia l’intraprendenza è sempre premiata, quindi alcuni dei membri decidono di staccarsi e creare un loro gioco…e fu così che nacque Alundra.

Prima della nascita di Matrix Software, se sei un fan di Sega Megadrive, potresti ricordare Landstalker, ovvero uno dei giochi più iconici della console giapponese, il quale è rimasto particolarmente impresso nella mente dei videogiocatori, soprattutto per i dungeon parecchio difficili e per le sue parti al limite del super frustrante. Alundra nasce come seguito spirituale di Landstalker, quindi non aspettarti nulla di meno, anzi…

Chi è Alundra?

Alundra, ovvero il protagonista del gioco, è un piccolo elfo con un potere parecchio peculiare, infatti può entrare nei sogni delle altre persone, come un novello Freddy Krueger.

Il gioco inizia con Alundra su una barca diretta verso il villaggio di Inoa, nel continente di Torla, perché una figura spettrale di nome Lars ha chiamato Alundra attraverso un suo sogno implorandolo per il suo aiuto. Quando arriva uno studioso di nome Septimus, questo subito capisce l’abilità del protagonista di poter entrare nei sogni, basandosi sulla sua natura elfica e sulle esperienze che ha avuto.

Per apprezzare appieno la premessa di questo gioco, è necessario un po’ di lore del gioco, giusto per contestualizzare il tutto. Nel continente di Torla, il Re (che non viene mai ne presentato o nominato) proibisce il culto di qualsiasi Dio, ma non solo ordina la distruzione di tutti gli idoli, statue e figure che ritraggano qualsiasi forma divina.

Per colpa di questo divieto, gli abitanti della terra e quindi anche del villaggio di Inoa, perdono la loro inventiva. La loro vita si suddivide tra la cura del proprio orto e il tormento di incubi incessanti. Nel tentativo di combattere questi incubi, essi iniziano a pregare segretamente un noto Dio della terra, ma nonostante questo i brutti sogni continuano. Anzi, all’arrivo di Alundra, questi si intensificheranno, tuttavia il protagonista ha il potere di entrare all’interno di questi sogni e combatterne direttamente il male.

Sfortunatamente, Alundra non può salvare tutti, visto che alcuni abitanti, purtroppo, moriranno nel sonno, mentre altri si trasformeranno in lupi mannari o peggio in demoni a causa di questi brutti sogni. Questo porterà ad una tragica fine per questi sfortunati individui, mentre altri verranno assassinati a sangue freddo per motivi che verranno rivelati più avanti nel gioco.

Mentre tutto ciò accade, Il fabbro, Jess, ovvero colui che accoglie Alundra al suo arrivo su Inoa, si ritrova quasi incontrollabilmente a creare nuovi strumenti e armi che Alundra può usare ogni volta che un individuo muore. Jess dice di riuscire a sentire le loro voci che gli suggeriscono di creare questo o quel power up (anche se secondo me Jess avrebbe preferito 3 numeri da giocare al lotto come fanno i defunti normali, ma vabbè questo è un altro discorso).

Alcuni degli strumenti che Alundra ottiene ricordano, giusto per usare un eufemismo, quelli che potrai utilizzare nella saga di Zelda, quindi bombe, arco e frecce, bacchetta del fuoco, guanti che permettono di sollevare oggetti pesanti e via dicendo. Nonostante ciò, non mancano power up unici come ad esempio il Sand Cape, il quale ti permetterà di immergerti nella sabbia per passare sotto gli ostacoli nel deserto.

Se hai giocato a suo tempo a questo titolo potresti ben ricordare la forte frustrazione per le sue sezioni platform, visto che alcuni salti richiedo una precisione praticamente millimetrica. Peccato che il protagonista ha un grosso difetto, ovvero il suo balzo lascia parecchio a desiderare, non è quello che puoi trovare in un Super Mario qualsiasi e questo ti farà venire voglia di lanciare il pad contro lo schermo. Non farlo perché un monitor o una TV, insieme ad un pad, costano un occhio della testa e piuttosto impara a saltare da una piattaforma cercando di essere preciso al millimetro, questo è il segreto di Alundra. Non ti piace? Eh, ma è così.

Ok i salti di questo gioco ti faranno venire l’orticaria, ma il combattimento? Dopotutto stiamo pur sempre parlando di un action RPG. In realtà, il combattimento è generalmente semplice e non richiede di risolvere enigmi durante le battaglie con i boss come ad esempio accade in qualsiasi titolo della saga di Zelda.

Tuttavia, Alundra vanta un design dei dungeon straordinario, con numerosi enigmi sfruttando parecchio la tecnica degli interruttori. Questi enigmi possono frustrare il giocatore medio? Sì, ma ciò non compromette per nulla l’esperienza di gioco. Quello che lo fa è la posizione davvero approssimativa dei check point. Se infatti perderai in punto cruciale del gioco, potresti davvero doverti rifare pezzi enormi del titolo prima di poter arrivare, nuovamente, a quel boss che ti aveva sconfitto poco fa.

Graficamente si poteva fare di meglio

Se c’è un aspetto in cui Alundra potrebbe migliorare, è sicuramente il comparto grafico. Ovviamente non è tutto da buttare via, ma la combinazione di colori è parecchio monotona, visto che questa appare un po’ cupa a causa dei toni che tendono al marrone. Prendi, ad esempio, A Link to the Past, questo aveva colori accesi e brillanti, tuttavia c’è da dire che il gioco di Nintendo aveva un tono più leggero e scanzonato rispetto ad Alundra, nonostante questo un tocco di colori vivaci, magari solo per alcuni dungeon, a parer mio, non avrebbe gustato.

Concludo parlando dell’eccellente colonna sonora composta da Kōhei Tanaka, il quale è riuscito a creare una delle più belle musiche presenti di un videogioco nato su un sistema a 32 bit. Questa riesce ad integrarsi ai contesti di gioco in maniera davvero eccellente senza mai andare fuori tema, usando addirittura delle campionature vocali emulate, cosa che nel 1997 non era così scontata. Ovviamente per gli standard moderni questa potrebbe sembrare superata e quasi artificiale, tuttavia ti ricordo che stiamo pur sempre parlando di un titolo di quasi 30 anni fa.

Che facciamo lo rigiochiamo al giorno d’oggi?

Giocare ad Alundra nel 2024 è un’impresa ardua, perché al contrario di altre opere 2D sempre della stessa epoca (vedi Castlevania: Symphony of the Night) non è invecchiato benissimo. Il combattimento è semplice sì, ma la frustrazione di alcune meccaniche, come ad esempio il salto, lo fanno diventare molto poco digeribile per un pubblico odierno. Anche la grafica un po’ cupa, non tiene botta con gli standard di oggi, tuttavia se sei disposto a chiudere un occhio su questi aspetti, ti ritroverai tra le mani un qualcosa che assomiglia molto a The Legend of Zelda, ma con una trama molto più matura oltre che una difficoltà parecchio più alta.

La serie di platform 2D nata dalla mente di Hideo Yoshizawa non è mai riuscita ad emulare il successo dei grandi nomi del genere ma, nonostante tutto, non si può certo dire che la sua non sia una carriera ricca di titoli convincenti che sono rimasti nel cuore di più di una generazione di giocatori.

Il capitolo di cui vogliamo parlare oggi, in realtà, non è nemmeno uno dei più famosi della carriera di Klonoa, anzi. Complice l’essere uscito su una console portatile, quando invece gran parte dei successi della bizzarra creaturina sono arrivati mediante uscite su console casalinghe quali PS1, potreste purtroppo non aver mai sentito parlare di Empire of Dreams.

Un viaggio nel mondo in cui è vietato sognare

Ambientato nel regno del malvagio Jillius, in Klonoa: Empire of Dreams il nostro eroe dalle buffe orecchie dovrà scontare una lunga pena a causa del suo “tremendo” crimine: essere stato beccato a sognare. Il sogno è infatti stato proibito nel regno dal momento che il suo grande re soffre di insonnia: per questo motivo, in una breve cutscene iniziale, il nostro protagonista verrà scortato presso la corte da delle guardie reali e, al termine di un delirante dialogo con sua maestà verrà inviato in giro per il mondo di gioco a sconfiggere i mostri che lo occupano come punizione per il suo “terribile” gesto.

Come da prassi per il genere di platform, insomma, ci troviamo di fronte ad un’introduzione molto semplice che ha come obiettivo quello di introdurci in maniera non troppo brusca all’interno dei vari mondi di gioco: ogni mondo dei 4 visitabili è abitato da buffe creature che, in balia dell’attacco dei mostri, reagiranno in maniera del tutto inaspettata all’arrivo del nostro Klonoa.

Queste piccole cutscenes di introduzione verranno poi seguite dai livelli veri e propri: strutturato come un platform 2D tradizionale, Klonoa: Empire of Dreams permette al giocatore di raccogliere e lanciare a proprio piacimento i nemici, sfruttandoli per compiere particolari azioni come il doppio salto, utile per completare dei piccoli enigmi.

In sostanza, il gioco prevede il completamento dei vari livelli con la possibilità di raccogliere degli speciali collezionabili sparsi in alcuni punti nascosti che possono essere raggiunti aguzzando un po’ l’ingegno. In ogni mondo, inoltre, sono presenti dei livelli diversi da quelli di stampo più tradizionali che prevedono sfide a tempo o l’utilizzo di particolari oggetti, come ad esempio lo “skateboard” che potremo cavalcare in uno specifico livello del primo mondo da attraversare a tutta velocità.

Il divertimento fanciullesco firmato Klonoa

Giocare nel 2024 a questo titolo significa, di base, fare un tuffo in un’epoca in cui i limiti tecnici delle console non erano limiti per la bellezza dello stile artistico. Empire of Dreams, così come una buona fetta dei titoli pubblicati in esclusiva per GameBoy Advance, ha dalla sua uno stile colorato, chiaro e impeccabile che continua dopo oltre 20 anni ad essere un piacere per gli occhi.

Il gameplay del gioco risulta semplice ma ingegnoso: esplorare a fondo i piccoli livelli a corridoio è un’attività semplice ma resa soddisfacente dal fatto che ogni collezionabile necessita del completamento di un enigma di gioco per essere completato, facendolo diventare un premio vero e proprio.

In poche parole, riscoprire questo titolo permette non solo di godere appieno del potenziale grafico dell’iconico GameBoy Advance, che continua a farsi riconoscere e apprezzare nonostante il passare del tempo, ma offre anche un’esperienza adatta a tutta la famiglia e comunque stimolante per gli appassionati del genere più completisti che, in una manciata di ore (se siete pratici del genere non più 4) potranno scoprire o riscoprire un personaggio iconico del passato videoludico che, con il recente lancio del suo nuovo capitolo, potrebbe presto tornare a far parlare di sé.

Ebbene, qualche anno dopo, con la mia fedele PlayStation 3 decisi che era il momento di una catarsi, scendere fino alle porte dell’inferno per poi risalire a suon di pestoni. Se non si fosse capito il mio contrappasso fu Dead Space. A bordo della USG Ishimura sconfissi i miei demoni e le mie paure, letteralmente. Almeno nel mondo dei videogiochi quei mostri che tanto mi tormentavano potevano essere fatti a pezzi, una bella soddisfazione. Da quel momento iniziò il mio backlog dei classici horror, fino a che non arrivò il suo turno: F.E.A.R.

Un semplice sparatutto? Neanche per sogno

Sviluppato da Monolith Productions e pubblicato nel 2005, F.E.A.R è uno sparatutto in prima persona duro e crudo, uno di quelli dove ci sono pochi dialoghi, tanti fucili e innumerevoli uccisioni, per quale motivo mi è rimasto così a cuore? Diciamo che i motivi sono tanti. Il primo di tutti? Alma, una bambina con poteri terribili che, guarda caso, assomigliava in tutto e per tutto a quella Samara che tanto mi spaventò. Era giunto il tempo di prendere la mia vendetta, ma tempo al tempo.

Gli Stati Uniti stanno vivendo una crisi: l’ATC, un’organizzazione legata al Ministero della Difesa, è sotto le mire di Paxton Fettel e del suo esercito, i Replicanti. Per evitare una crisi su scala maggiore, l’esercito statunitense mette in campo la squadra F.E.A.R. (First Encounter Assault Recon) di cui noi, il cosiddetto Apripista, facciamo parte. Dopo essere giunti sul posto il nostro protagonista incomincerà a soffrire di terribili allucinazioni, che ci porteranno a scoprire un cadavere martoriato con la faccia sbranata: una vittima di Fettel. Neanche il tempo di digerire la macabra notizia che finiremo tramortiti per terra.

Fettel ci ha teso un’imboscata e dopo averci confuso con parole prive di senso ci rivelerà che solo lui conosce la nostra vera natura e che durante la nostra nascita, lui era presente. Dopo neanche un’ora di gioco F.E.A.R. scopre le sue carte rivelandosi per ciò che è veramente: un action thriller con risvolti horror e noi giocatori non potevamo chiedere di meglio. Non mi dilungherò sul raccontarvi la trama, perché merita di essere scoperta in gioco, invece approfondiremo l’aspetto che più di tutti ha reso F.E.A.R. un vero e proprio cult degli FPS, il suo gameplay.

Bullet Time? Oh yes.

Ci sono pochi FPS classici come F.E.A.R., abbiamo i medikit (perché la vita ovviamente non si rigenera), abbiamo le scatole di munizioni tirate nei peggio posti, abbiamo tanti fucili e tanta carne da macellare. Cosa rende F.E.A.R. diverso dagli altri sparatutto? Principalmente tre cose. La prima di tutte, il bullet time.

Questo termine, coniato per quel capolavoro di The Matrix, va a indicare un lasso di tempo rallentato, nel quale uno o più personaggi si muovono con estrema velocità, a tal punto da poter schivare dei proiettili. Il nostro Apripista non è secondo a Neo o a Max Payne: con la pressione di un tasto potremo rallentare il tempo e mettere in scena delle sequenze di azione spettacolari, alternando corpo a corpo con colpi precisi da arma da fuoco ripuliremo le stanze come se fossimo in un film di John Woo.

Il secondo fattore, invece, è il level design. Il gioco è diviso a capitoli, ognuno di quali è ambientato in varie location, dal palazzo abbandonato fino ad arrivare al classico laboratorio segreto. Ogni livello è semplice e lineare, senza troppe diramazioni o particolari segreti. Ma, pur essendo spazi contenuti, le mappe sono come delle piccole arene: ogni stanza è collegata alle altre in più modi, attraverso finestre, aperture nei muri o porte. Il risultato è un gunplay dinamico e veloce, mai stazionario, con continui spostamenti da una stanza all’altra e con una componente tattica da non sottovalutare.

Parlando di tattica mi faccio un assist per l’ultimo e più importante fattore, l’intelligenza artificiale. Ad oggi devo sempre trovare un prodotto che abbia degli avversari al pari di quelli di F.E.A.R., recentemente solo The Last of Us Parte 2 si è avvicinato al lavoro svolto da Monolith nel 2005, ma secondo il mio parere, i Replicanti di Fettel sono ancora oggi imbattuti.

Avete presente i nemici in Call of Duty che non vedono l’ora di beccarsi un headshot correndoci allegramente addosso? In F.E.A.R. questo non succederà mai, gli assalti diretti dei Replicanti saranno sempre sotto fuoco di soppressione e nel mentre saremo impegnati ad evitare un attacco frontale, ci sarà qualche soldato che avrà fatto il giro seccandoci da dietro.

Se invece pensiamo di “camperare” dietro un muro verremo presi di mira da un bouquet di granate che ci staneranno facendoci finire in mezzo al fuoco nemico. Gli sviluppatori sono riusciti a creare un sistema nel quale ogni npc nemico comunica con i propri compagni in modo da eseguire la miglior tattica possibile, dando veramente poco respiro al giocatore e creando situazioni che non saranno mai uguali. Adesso, immaginate i tre fattori appena descritti in un’unica sequenza di gameplay e ditemi che non avete voglia di giocarlo, vi sfido.

F.E.A.R. e la sua grafica

Ambienti distruttibili, polvere alzata dai proiettili, luci dinamiche e texture ad alta risoluzione. Tutto questo nel 2005. F.E.A.R. era un vero gioiello da vedere e gli sviluppatori lo sapevano benissimo. Nonostante gli ambienti non fossero particolarmente vari, il sapiente uso delle luci faceva sì che ogni situazione sembrasse unica, complice anche il costante utilizzo della torcia per illuminare gli spazi bui e poco invitanti.

Tipico del tempo era l’utilizzo della tecnologia HAVOC per gestire la fisica all’interno del gioco, anche qua il risultato era pazzesco, con elementi decorativi che saltavano in ogni dove colpiti da fiumi di proiettili. Ogni tanto i corpi dei nemici volavano in modi assurdi, ma c’era una sorta di soddisfazione macabra quando succedeva e ne volevi sempre di più.

Insomma, F.E.A.R. è uno di quei giochi che ancora oggi è totalmente godibile, molti vorrebbero un remake del titolo di Monolith ma io non sono d’accordo. Un po’ come successe per Demon’s Souls, i remake di nuova generazione, per quanto magnifici dal punto di vista tecnico, tolgono quell’alone che rendeva unici suddetti prodotti, come se li spogliasse della loro estetica originale e li rendesse un semplice esercizio di stile pronto a farsi vendere nuovamente a prezzo pieno. Fatevi un piacere, andate su Steam e compratevi F.E.A.R., gira anche su un tostapane e vi godrete 8 ore che vi rimarranno impresse per un bel po’.

In questa puntata di Old But Gold ti racconterò di un gioco che inizialmente non si filò nessuno, ma con il passare del tempo diventò una così detta hit dormiente, ovvero giochi che magari all’inizio non sono apprezzati, ma pian piano diventano dei propri must have, oggi ti narro della nascita di Alucard e di Castlevania Symphony of the Night per PlayStation…ah sì, è uscito anche per Sega Saturn.

È l’alba del 3D…facciamo tutto in 2D allora!

Siamo nel lontano 1994, un anno pieno di avvenimenti cruciali, Baggio sbaglia un rigore in finale contro il Brasile, in Italia nasce un certo partito politico che ci terrà compagnia per gli anni a venire e Sony decide che è arrivato il momento di scendere in campo per fare un dispetto a Nintendo. Nel frattempo che tutti questi accadimenti si svolgono uno dietro l’altro, nelle sedi Konami, il team dietro ai brillanti Castlevania decide di darsi da fare su un nuovo gioco per il Sega 32X, che, al tempo, portava il nome di Castlevania: The Bloodletting.

Tuttavia Konami annusa, a buonissima ragione, che il 32X sarà un flop di quelli pesanti e con il proverbiale colpo di scena degno di una telenovela, decide di buttare tutto alle ortiche per concentrarsi sulla PlayStation. Risultato? Addio The Bloodletting e ben arrivato Symphony of the Night.

Il progetto venne diretto e prodotto da Toru Hagihara, la stessa mente dietro Rondo of Blood (altro titolo di un certo spessore, che prima o poi in Old But Gold dovrà essere trattato, non so quando, ma prima o poi si farà). A dargli man forte c’è Igarashi, il quale si occuperà di storia e programmazione. E così il dinamico duo si intestardisce sul fatto che in questo nuovo Castlevania ci vuole il proverbiale scossone, qualcosa che davvero non si sia mai visto all’interno della saga.

Igarashi racconta che Symphony of the Night è concepito come una storia parallela della saga, così da dare al team una certa libertà d’azione e poter, quindi, mandare all’aria tutti i canoni dei vecchi Castlevania introducendo un sacco di nuovi elementi.

Avete carta bianca!

Si continua nello sviluppo e Igarashi pensa che i giochi d’azione normali siano troppo brevi e vuole creare qualcosa che deve essere goduto a lungo dal giocatore. Così, di comune accordo con il team di sviluppo, si decide di abbandonare il vecchio stile a livelli dei precedenti titoli del franchise (che lo rendevano praticamente un platform, ma con un accenno di trama horror), per un castello che i giocatori potevano esplorare liberamente.

Per farlo si ispirarono addirittura a The Legend of Zelda di Nintendo. La sfida era quella di rendere il castello inizialmente inaccessibile, ma mano a mano che i giocatori acquisivano oggetti e abilità, nuove aree si aprivano. L’idea alla base voleva premiare l’esplorazione mantenendo comunque l’azione tipica di Castlevania.

Ma non solo questo, per dare un’ulteriore profondità al tutto si aggiunsero anche delle meccaniche da gioco di ruolo tipo i punti esperienza (che dai, quello ci sta sempre bene). Facendo così si cercava, in qualche modo, di facilitare chi si approcciava alla saga. Sei uno di quelli che ritiene i vecchi Castlevania troppo difficili? Nessun problema! Ecco un bel sistema di livelli con punti esperienza, che premiava i giocatori con migliori statistiche di attacco e difesa ogni volta che sconfiggevano i nemici.

Non riesci a passare un punto? Che problema c’è…inizia a farmare e passa la paura. Armature, armi e incantesimi vari rendevano poi l’esplorazione meno traumatica anche per chi aveva meno esperienza (che è un modo gentile di dire ti facilito se sei scarso).

Come ti dicevo prima, il gioco inizia il proprio sviluppo nel 1994, per poi uscire nel 1997, anni in cui il mondo dei videogiochi, si affacciava al 3D. Konami di questo se ne frega altamente e decide di utilizzare il 2D (almeno in larga parte). Infatti il titolo utilizzava visuali bidimensionali, con sprite animati su sfondi a scorrimento.

E no, la PlayStation non aveva hardware pensato per lo scrolling, quindi gli sviluppatori si arrangiarono come potevano. Di tanto in tanto sfruttarono anche le capacità 3D della console per delle piccolezze, come ad esempio alcuni nemici (i libri volanti nella biblioteca su tutti) e per i punti di salvataggio. Il risultato? Qualcosa di fenomenale, che riesce a tenere botta ancora oggi. Oh se buona parte delle opere indie utilizza questo identico stile grafico, pixellato e pieno di colori, un motivo ci sarà pure…o no?

Un Castlevania con Dracula, ma senza Dracula

Ma andiamo alla ciccia, in cosa consiste alla fine questo capitolo di Castlevania? Symphony of the Night usa un gameplay a scorrimento laterale in due dimensioni in cui l’obiettivo è esplorare il castello di Dracula nei panni di Alucard (il figlio di Dracula, mezzo umano e mezzo vampiro) con lo scopo di sconfiggere Shaft (un prete che serve il conte Dracula), il quale sta manovrando Richter Belmont (ovvero il protagonista di Rondo of Blood) che si è autoproclamato signore del castello.

Quindi un Castlevania senza Dracula? Non proprio. Infatti una volta esplorato il castello e sconfitto Shaft, si scopre che esiste un altro castello uguale, ma invertito. Questa versione sottosopra è piena di nuovi nemici e boss. Alucard dovrà trovare cinque boss per raccogliere i pezzi di Dracula (un omaggio a Castlevania II: Simon’s Quest), per poi affrontare il padre risorto per l’ennesima volta.

E oggi com’è Castlevania Symphony of the Night?

Se sei tra coloro che al tempo hanno snobbato Symphony of the Night, ti posso solo consigliare di cercare di recuperarlo al più presto, perché sei di fronte a qualcosa di maestoso, divertente, appassionante più di tante opere uscite al giorno d’oggi. Un titolo che riesce a tenere il passo ancora nel 2024, senza ombra di dubbio, che fa dell’esplorazione e del backtracking il suo cavallo di battaglia, ma che non te lo fa pesare. L’unico difetto, che però non lo è, semplicemente al tempo non c’era la tecnologia adatta, l’assenza del supporto allo stick analogico, ma hey…è uscito pure per PlayStation 4, PSP e Xbox 360, quindi ti basta recuperare queste versioni. Problem solved!

Tra un Ocarina of Time, un Twilight Princess e un Tears of the Kingdom, però, abbiamo anche dei capitoli che sono presi in minore considerazione: vuoi per la piattaforma sulla quale sono approdati, vuoi per delle scelte che l’hanno resi “meno canonici”, ma alcuni titoli della serie non ricevono quello stesso rispetto riservato ai suddetti “mostri sacri” e, anzi, gran parte dei videogiocatori nemmeno li conosce, se non tra seguaci della saga. Questo è il caso dello sfortunato The Legend of Zelda: The Minish Cap.

Una nuova trasformazione per il nostro Link

Il personaggio di Link è una costante della serie, essendone il protagonista, così come invariata è la sua continua metamorfosi all’interno dei vari episodi: il nome stesso, che in inglese si traduce con “collegamento” indica proprio il mutevole confronto tra due versioni diverse di sé stesso destinate, volta per volta, ad incontrarsi.

Per esempio abbiamo il Link bambino che diventa adulto in “Ocarina of Time” o il viaggiatore tra due mondi in “A Link to the Past”. Non tutti sanno, però, che Link ha anche vissuto un’avventura a metà tra due dimensioni! In The Legend of Zelda: The Minish Cap il nostro eroe diventa infatti capace di rimpicciolirsi ed esplorare Hyrule da un punto di vista inedito e pieno di possibilità.

Sebbene il concetto di trasformazione sia appunto una costante della serie, in rare occasioni questa stessa ha contribuito a modificare così tanto l’esperienza di gioco: da rimpicciolito, Link può entrare in luoghi altrimenti inaccessibili e conversare con microscopici personaggi nascosti tra i fili d’erba, oltre a poter sfruttare in modo alternativo gli oggetti a sua disposizione.

Una “mosca bianca” per la serie di Zelda

Molti sono gli elementi che contribuiscono a rendere questo capitolo della leggendaria serie, sebbene faccia parte della serie principale come dimostra la sua presenza nella timeline ufficiale, un titolo inusuale. In primo luogo, è il primo capitolo della saga a non avere Nintendo come unico sviluppatore principale, poiché anche Capcom contribuì alla realizzazione dell’avventura.

Un altro elemento inusuale è certamente l’assenza del villain per eccellenza, il malvagio re dei Gerudo Ganondorf: il cattivo di turno è infatti un personaggio inedito che apparirà solamente nei titoli della serie targati Capcom (quindi anche in Four Swords e Four Swords Adventures), l’inquietante stregone Vaati.

Agli elementi inusuali si sovrappone senza forzature una serie di elementi classici della saga: i dungeon, le missioni secondarie, la principessa Zelda da salvare ancora una volta, e numerosi personaggi dei capitoli precedenti che fanno il loro ritorno, come Terry, il mercante di The Wind Waker. Inoltre, non manca una “guida” più o meno fatata che ci accompagna nel corso dell’avventura: questa volta non è la fastidiosa fatina Navi, ma il cappello parlante Ezlo.

Controlliamo il nostro Link all’interno di un’Hyrule dalla palette sgargiante che non impallidisce di fronte ad esperimenti più moderni (e parliamo di un gioco che ha la mia età… diamine sto invecchiando!) con una visuale a volo d’uccello chiaramente ispirata ad A Link to the Past. Di fatto, come spesso capita per i titoli 2D della serie, l’ispirazione al capolavoro per SNES è presente sotto tanti punti di vista: la struttura dei dungeon, l’uso degli oggetti e il sistema di combattimento lo riprendono senza nemmeno tentare di nascondere la fonte d’ispirazione iniziale.

Forse proprio la ripetitività, rispetto al passato della serie, della struttura di gioco ha fatto sì che questo titolo venisse prontamente surclassato dai nuovi ed interessanti capitoli in tre dimensioni che, proprio contemporaneamente a The Minish Cap, approdavano sul mercato: d’altronde, solo un anno prima, era uscito il controverso ma immenso The Wind Waker e, solo un anno dopo, arriverà su GameCube il monumentale Twilight Princess.

I capitoli della serie usciti su console portatile, un filone nato con il leggendario Link’s Awakening su quella mattonella che era il Game Boy, non hanno mai goduto insomma della stessa popolarità delle controparti su console casalinga: vuoi per le dimensioni ridotte del mondo di gioco, per la brevità della storia e, spesso, proprio per il loro “atteggiarsi” a spin-off, riproponendo l’ormai vetusto gameplay in due dimensioni che però, console alla mano, continua a funzionare egregiamente, al di là delle apparenze.

Cosa ne ricaviamo, insomma, dal mettere da parte un capitolo come The Minish Cap, considerandolo di fatto secondario e poco utile per la storia della serie? In realtà perdiamo molto, più che altro. La struttura semplice ma ingegnosa dei dungeon, l’ottima scrittura dei personaggi e la struttura vivida e ricca di azione del semplice mondo di gioco lo rendono uno Zelda più che valido, soprattutto tenendo conto del tipo di piattaforma sulla quale girava.

Adesso, inoltre, abbiamo l’opportunità di recuperare il gioco anche su console moderne: ora come ora, un remake non sembra essere in lavorazione ma, in compenso, Nintendo ha introdotto il gioco all’interno del catalogo riservato agli abbonati al servizio Nintendo Switch Online + pacchetto aggiuntivo, che include una libreria dei migliori titoli mai pubblicati su Game Boy Advance.

Insomma, non si possono più accantonare scuse per non dare una possibilità a questo titolo, ancora fluidamente giocabile proprio per quel suo essere così correttamente inserito all’interno dello “schema perfetto” edito da A Link to the Past, proponendo di fatto un’esperienza alla portata di tutti. Tra l’altro, completare questa avventura risulta particolarmente utile per gli appassionati che desiderano ripercorrere la timeline ufficiale della serie, in quanto questo titolo viene subito dopo, cronologicamente parlando, il “capostipite” Skyward Sword.

Uscito nel 2001 su praticamente ogni console con 128 bit presente al tempo (ma non solo, scopro adesso, tramite Wikipedia che ne esiste anche una versione per Game Boy Advance fatta con il suo fintissimo effetto 3D), era quanto di più distante ci potesse essere dallo snowboard, quello vero, ma mamma mia quanto era divertente!

L’essenza dell’arcade

L’aspetto più affascinante di SSX Tricky è proprio il suo stile ultra-arcade, completamente scollegato da come funzionano realmente gli eventi di snowboard (oh capiamoci, io non sono mai andato su uno snowboard, ne ho mai visto una competizione in tv, ma dubito fortemente che sulle piste siano presenti tunnel di ghiaccio o tubi e binari dove poter fare grind). Ma è proprio questa la carta vincente del titolo, SSX Tricky è spettacolare, caciarone e irriverente, ma nonostante questo è impacchettato come se fosse una competizione sportiva a tutti gli effetti, dove a fare la differenza è chi si stacca in maniera più spettacolare lo snowboard da sotto i piedi.

SSX Tricky è uno di quei giochi che ti fanno sentire figo in tanti modi diversi. Ha una curva di apprendimento parecchio bassa e questo ti darà la sensazione di essere un pro player con pochissimo sforzo, ma allo stesso tempo, riuscirai a migliorare le tue abilità fino a diventare veramente bravo, una sensazione rara in altri giochi sportivi dell’epoca. Atterrare con un trick spettacolare è facile e questo grazie, soprattutto, a dei controlli precisi oltre che un design delle mosse accattivanti anche nella loro semplicità.

Ogni volta che atterri bene e quindi finisci un trick, il gioco ti premia con reazioni entusiastiche da parte del personaggio e del commentatore fuori campo, punti che appaiono in grande evidenza e il celebre grido di “Let’s Tricky!” che arriva quando riempi la barra posta sulla destra. Qui inizia il vero spettacolo, infatti dovrai cercare di prendere più velocità possibile, fare un salto esagerato e con la semplice pressione di due tasti contemporaneamente, potrai fare una mossa ad altissimo tasso di spettacolarità, che non solo ti gratificherà, facendoti sentire un pro, ma ti darà una marea di punti.

Questi trick sono chiaramente troppo fantasiosi per essere reali, ma sono progettati in modo tale da sembrare plausibili, ispirandosi a mosse atletiche o di danza e le animazioni sono così belle da vedere, che ancora oggi ti lasciano a bocca aperta.

Personaggi indimenticabili

SSX Tricky ha compreso un concetto fondamentale che spesso i giochi con licenza danno per scontato ovvero che i giochi sportivi sono più divertenti se ti immedesimi in personaggi che ti piacciono. In FIFA (o se preferisci FC24 o 25 o 26, dipende da quando leggerai questo articolo), ti chiede all’inizio qual è la tua squadra del cuore proprio perché se sei del Milan, difficilmente sceglierai l’Inter. Ma la scena dello snowboard non ha volti riconoscibili abbastanza forti come un F1 o un FC24 quindi sono stati creati da zero.

I personaggi hanno stili di moda distinti, un background, delle amicizie, delle rivalità e addirittura delle preferenze cinematografiche. Alcuni di loro sfiorano la caricatura come ad esempio, Marisol Diez Delgado, dal Venezuela, è descritta come un mix di innocenza e sessualità e ama fare festa tutta la notte, ovvero il tipico stereotipo del latino negli Stati Uniti.

Allo stesso modo, Elise Riggs è la biondona, bomba sexy, che ama la musica rock e la dance, è canadese e il suo film preferito è Charlie’s Angel. Peccato che una cosa del genere al giorno d’oggi non si possa fare, visto che in molti si sentirebbero offesi da una caratterizzazione così caricaturale (che brutti tempi che stiamo vivendo), quando tutto sommato si prendevano un po’ in giro tutti, quindi forse è più inclusivo e genuino SSX Tricky di tante altre opere odierne.

La magia di EA Big

SSX Tricky è stato concepito come un gioco di snowboard con più trick, poiché i creatori avevano capito che questa parte avrebbe attirato maggiormente l’attenzione e poi perché l’etichetta EA Big, cercava di essere quello che EA Sports non poteva essere, ovvero irreale e spettacolare. Questo concetto era stato applicato anche ad altri sport come ad esempio NBA Street, FIFA Street e il quasi dimenticato Shox (prima o poi li toccheremo tutti). Peccato che con le successive uscite di SSX, questa formula spettacolare e caciarona, sia stata abbandonata, insieme al marchio EA Big, per far spazio ad un concetto più realistico di snowboard, che però, purtroppo, non a funzionato alla stessa maniera.

Ha senso giocare a SSX Tricky oggi?

Il titolo, nella sua spettacolarità, c’è da ammettere che non è invecchiato benissimo, ma ha ancora parecchie frecce al suo arco. Lo stile è quello classico di un gioco di inizio anni 2000 ovvero con una colonna sonora spettacolare e dei colori parecchio sgargianti. Una remaster forse potrebbe dargli giustizia? Non credo, sarei più d’accordo per un capitolo tutto nuovo, che ne mantenga lo spirito arcade e divertente dei primi capitoli invece dell’atmosfera seriosa delle ultime entries.

E perché non far rivivere il marchio EA Big, giusto per separarlo dalle serie più simulative di Electronic Arts…sto chiedendo troppo? Nel frattempo perché non giocartelo o meglio ancora rigiocartelo, mal che vada ti spunteranno le Nike Silver ai piedi e il giubbotto in finta pella della Lonsdale.

Wipeout ha visto la luce sulla prima console di casa Sony nel 1995, è nato si può dire, con la stessa PlayStation. Per te che hai letto anche la rubrica della settimana scorsa questo titolo non dovrebbe essere niente di sconosciuto se sei uno della vecchia guardia ma, se sei un giovane rampollo dei videogiochi non mi resta che presentarti nella maniera più dettagliata possibile quella che è stata l’esperienza di un piccolo gamer che metteva per la prima volta le mani su un controller grigio marcato Sony.

Wipeout non dovevi per forza comprarlo!

Come tanti titoli anche per l’arcade racing prodotto da Psygnosis era previsto, all’interno della console, una versione di prova dentro un Demo Disc che era fondamentalmente la versione ormai obsoleta del PlayStation Store. Assolutamente non potevi comprarci i giochi ma almeno avevi la possibilità di provarli, hai detto poco!

Soprattutto, in alcuni bundle disponibili al momento dell’acquisto della console avresti addirittura potuto trovare il gioco completo all’interno. Insomma, non dovevi necessariamente comprarlo il gioco ma, una volta provata la demo, avresti potuto non farne più a meno.

Partiamo dal presupposto che il mio forte non sono mai stati i giochi di corse. Certo, ho sprecato un sacco di ore su vari tracciati di vari simulatori di guida ma Wipeout aveva qualcosa di diverso agli occhi del giovane videogiocatore che ero. Per cominciare era figo e su questo nessuno che avesse avuto in mano un controller PlayStation e meno di dieci anni avrebbe potuto dire il contrario.

I colori, l’ambientazione futuristica e distopica, il tutto condito con delle navicelle antigravità! Hai capito bene, navicelle antigravità! I giochi di corse sono sempre esistiti ma qui avevi la possibilità di correre sopra degli hovercraft che viaggiavano staccati dal suolo. La cosa era fuori di testa, te lo posso assicurare! L’effetto dell’ombra sotto il tuo hovercraft lungo la pista che ondeggia in su e in giù dopo aver fatto un salto o aver sbattuto contro un muro invisibile era a dir poco ipnotico!

Alla fine era tutta questione di stile

Alla base di Wipeout c’era la figaggine, questo è palese. Potevi scegliere tra otto hovercraft diversi, guidati da otto piloti diversi. La tua decisione era guidata solo ed esclusivamente da chi avesse il mezzo più bello, niente di più! Il tuo hovercraft avrebbe percorso con tutta la sua sfacciataggine sei tracciati situati in diverse parti del mondo attraverso ciò che potremmo assolutamente definire un rollercoaster di emozioni.

I tracciati che si percorrevano in Wipeout infatti si sviluppavano sia da un punto di vista di lunghezza che di verticalità. Si ripetevano nelle varie gare salite e discese che davano assolutamente la sensazione di non sapere cosa aspettarsi una volta superata la prossima altura, una sorta di vuoto allo stomaco tipico delle montagne russe.

Ma la cosa che più di ogni altra rendeva giocare a Wipeout una vera esperienza era la sua colonna sonora. Non so come spiegartelo ma correre e sfrecciare, soprattutto nella rapier class (erano due le classi di difficoltà del gioco e la rapier era la più alta, veloce e adrenalica a differenza della venom, assolutamente più lenta e piantata ndr.) con, nelle orecchie, musica elettronica a tutto volume era la cosa più entusiasmante che si potesse chiedere a un videogioco di corse di quegli anni.

Percorrere canyon che renderizzavano molto più lentamente del tuo hovercraft mentre sparavi razzi e rallentavi i tuoi avversari nella speranza di raggiungere per primo il traguardo era, ed è tutt’ora, una cosa emozionante e adrenalinica.

Psygnosis ha creato con Wipeout un franchise incredibilmente vasto e assolutamente sottovalutato. Allo stato attuale delle cose, dove tutto ci spinge verso l’iperrealismo ritengo che titoli come questo potrebbero rendere assolutamente più piacevoli tante serate passate davanti lo schermo a lamentarci di quanto un determinato tipo di luce renda poco credibile un elemento insignificante del fondale.

Oh il gioco di auto per la Play è meraviglioso!

Siamo nel 1998 e dopo un’attenta strategia di manipolazione perpetrata ai danni di mio papà, riesco a farmi regalare l’ambitissima prima PlayStation. Per un tredicenne di allora era praticamente uno status symbol, un po’ come la Lamborghini e il vivere a Dubai per i fuffaguru della finanza di oggi. Insieme alla console mi porto a casa anche FIFA 99 con il buon Bobo Vieri in copertina, bello per carità, ma con i giochi di calcio ho sempre avuto un rapporto amore e odio, ovvero, mi diverto per un po’, ma tempo di vincere il campionato (rigorosamente con il Milan) e mi stufo.

Vado a scuola, in terza media (mamma mia come passa il tempo) e a Matteo, il mio compagno di banco di allora, regalano Gran Turismo. Tra una lezione di italiano e una di matematica, inizia a raccontarmi di quanto sia figo ‘sto gioco, una cosa davvero mai vista. Praticamente devi farti le patenti, devi gareggiare, accumulare i soldi e poi li spendi per comprarti altre macchine oppure per elaborare quella che già hai.

Io ascolto con passione quello che mi dice Matteo e mi convinco che deve essere mio. Prendo i soldi delle paghette messe da parte e mi fiondo al VideoHit ovvero il negozio vicino a casa (sì al tempo non c’era Amazon, Gamestop e simili…che ti devo dire, l’età della pietra), il posto è gestito da Angelo, un ragazzo sulla quarantina che noleggiava VHS, ma i soldi veri li faceva con le videocassette zozze (eh no, non esisteva nemmeno il sito arancione e nero. Internet era ancora qualcosa ad appannaggio di pochissimi eletti) e gli dico: “Ce l’hai Gran Turismo per la Play?” la sua risposta fu: “Che hai dubbi? Certo che ce l’ho! Sono 90 carte”.

Prendo la mia bicicletta e mi fiondo a casa, devo assolutamente vedere com’è sto gioco. Arrivo, infilo il disco nella console, accendo e parte un video con degli alberi e una visione mattutina di un circuito totalmente desolato, finchè non appare la scritta Gran Turismo e li arrivano una marea di auto, che non avevo mai visto in vita mia, sfrecciare, driftare e darsi battaglia. Ho gli occhi lucidi, il cuore mi batte forte, ma di quelle macchine non ne conosco nemmeno una…a 13 anni, senza internet che cultura automobilistica vuoi avere?

Premo Start e ci sono due modalità, quella Arcade e Gran Turismo, mi fiondo subito sulla seconda. Vedo che non posso fare nessuna gara…perché? Proviamo a comprare un’auto, magari non riesco a giocare perché non ne possiedo nemmeno una…ma niente. Vabbè chiamiamo Matteo sul numero di casa. “Oh, ho preso Gran Turismo! Ma perché non riesco a fare nessuna gara?” la sua risposta “C***ione! Prima ti devi fare le patenti e poi puoi gareggiare!”. Quando non esisteva nemmeno Google.

Gameplay che è rimasto sempre lo stesso

Come ha fatto un titolo che se vogliamo, almeno per il tempo, così di nicchia a fare questa esplosione? Capiamoci, alla fine i giochi di macchine sono sempre esistiti, ma io parlo proprio di un gioco che ti dava l’opportunità di comprare auto sia conosciute, ma anche che, almeno nel nostro paese, non si erano mai viste. E la questione elaborazione? Io un volano ho capito cos’era proprio su Gran Turismo!

Beh, il segreto fu fare qualcosa che fino ad allora non si era mai visto. Nessun titolo in passato ti dava il numero monstre (almeno per il tempo, ma nemmeno oggi sono così poche) di 290 auto tra cui scegliere ed erano davvero tutte diverse. Sia il suono che emanavano, ma anche le performance che regalavano su pista, quindi ad ogni macchina acquistata, c’era un approccio diverso alla guida. La Dodge Viper, auto che almeno esteticamente amavo, iniziai ad odiarla proprio per colpa di Gran Turismo perché mi andava sempre in testa coda.

Gran Turismo era più di un videogioco, era un’enciclopedia dell’auto, una raccolta che si sarebbe arricchita ad ogni nuovo capitolo che sarebbe uscito negli anni. Per chi si lamentava che non fossero presenti auto italiane, ci ha messo una pezza il secondo capitolo, che alla fin fine era un more of the same, ma con molti più contenuti e più patenti.

Le patenti poi, croce e delizia di ogni appassionato del gioco di auto di Polyphony Digital. Queste ti spiegavano in maniera semplice come bisognava approcciarsi alle piste e alle curve. Lo facevi in maniera corretta? Ok, ti dava un altro pezzettino di conoscenza con la prova successiva, in caso contrario riprova all’infinito fin quando non ci riesci, perché se no di qua non passi. Un approccio punitivo, ma giusto, perché in gara fare a sportellate o provare a driftare non sempre era la strategia migliore per arrivare al primo posto.

Col tempo la formula è cambiata davvero pochissimo. Quando ho deciso di dedicare questa puntata di Old But Gold al primo Gran Turismo, ho deciso di riprendere in mano, sia il primo, ma anche il quarto capitolo per PlayStation 2. Perché il quarto tu dirai? Perché dagli appassionati è considerato il gioco più bello del franchise (io non mi esprimo perché ancora non ho giocato al 7, ma l’ho già prenotato, a giorni mi arriverà). Il risultato è stato che ok, il gioco per PlayStation 2 sicuramente è più rifinito e ha molti più contenuti, ma tutto sommato il divertimento era molto simile.

Perché? Perché la formula di base è rimasta sempre intatta e l’unica cosa che è cambiata nel corso degli anni è l’adattarsi alle nuove tecnologie con grafiche più pompate e comportamenti più realistici. Prendilo un po’ come Zelda (ultimi due esclusi ovviamente), gira che ti rigira il gioco resta quello, ma con qualche cambiamento per adattarsi meglio all’hardware su cui è proposto, beh Gran Turismo di base è lo stesso.

Gran Turismo si gode anche nel 2024

Se hai letto il paragrafo sopra, avrai ben capito che sì, assolutamente, puoi giocare ancora al primo Gran Turismo nel 2024 e divertirti ancora come un matto, questo perché la formula di base è rimasta intatta nel corso degli anni. Le uniche cose con cui ti andrai a scontare saranno una grafica molto blocchettosa, ma che ti posso assicurare che al tempo era un miracolo (oh nel ’98 i riflessi sulle carrozzerie delle auto ci lasciarono a bocca aperta!) e magari un parco auto un po’ datato…però la Mitsubishi Escudo vale da sola il prezzo del biglietto.

Ma probabilmente in Konami, nel 2001, se fregano di questa legge universale dettata dall’esimio Doc. Emmet Brown e hanno creato Shadow of Memories, ovvero il titolo che ti presenterò nella puntata 210 di Old But Gold. Un gioco che, se visto superficialmente, ti darà le semplici vibes dell’era da cui proviene, ovvero controlli estremamente rigidi e grafica che non ha superato benissimo la prova del tempo, ma se riuscirai ad andare più in profondità sa regalare delle soluzioni di gameplay davvero geniali ed interessanti.

Il tipo che doppia Mario non vuole che noi moriamo

Il gioco si apre in una fittizia cittadina tedesca con il protagonista, ovvero Eike Kusch, che viene ucciso…manco il tempo di avviare il gioco e già siamo sul game over? Eh vabbè! Verrai catapultato in luogo che è a metà tra paradiso e inferno, dove ti accoglierà Satana in persona il quale ti spiegherà cosa ti è successo. Per qualche oscura ragione, il Diavolo ha la stessa voce di Charles Martinet ovvero il doppiatore di Super Mario, ma devi farci attenzione, perché il sintetizzatore ne camuffa parecchio la tonalità…ma non divaghiamo.

Il Diavolo ti dirà che ha tutte le ragioni del mondo per non volerti vedere morto, quindi ti offrirà la possibilità di poter tornare indietro nel tempo per evitare gli avvenimenti che causeranno la tua dipartita. Per farlo ti darà il Digipad (eh no, non è l’ultimo modello di smartphone presente sul mercato) ovvero uno strumento in grado di farti viaggiare indietro nel tempo con la possibilità, quindi, di modificare il passato e quindi il presente (hai presente il Buttefly Effect? Ecco quello). Ma chi è che ti vuole morto?

Shadow of Memories un’avventura tra il 1500 e primi anni 2000

Ma alla fine che cosa dovrai fare in Shadow of Memories? Semplice, dovrai viaggiare nel tempo ed evitare che determinati avvenimenti accadano per salvarti la vita. Per spiegarti bene dovrò andare nella temutissima zona degli spoiler, quindi occhio, io ti ho avvisato.

In una delle prime missioni, ad esempio, vedrai che un bar nella cittadina che stai esplorando sta andando a fuoco, grazie al dispositivo che ti è stato dato dal Satana con la voce di Mario, potrai tornare a poco prima che accada ciò e spegnere un giornale che era stato bruciato da un ragazzino. Una volta fatto questo, potrai tornare nel tuo tempo e vedere che l’incendio non si è mai scatenato.

Ma questo non vuol dire poter solo tornare indietro nel tempo di poche ore, potresti anche andare fino al sedicesimo secolo, dove ancora c’era la caccia alle streghe. Stai parlando con una ragazza che ha trovato il tuo accendino, ci vuoi provare e le dici di ritrovarsi nel locale dove lavora il giorno dopo. Tuttavia uno sconosciuto, nascosto su un albero, proprio quando stai per concludere, ti lancia un ago (credo che fosse un ago, o almeno lo sembrava) e ti uccide istantaneamente.

Ti ritrovi nuovamente nella stanza iniziale e Satana ti riporterà in vita nel momento preciso in cui stavi parlando con la ragazza. Qui deciderai, per non farti uccidere una seconda volta, di andare fino ai primi del 1500 per evitare che l’albero, su cui il tuo assassino si nasconde, venga piantato. Al suo posto? Una statua con le fattezze del protagonista, mentre tiene in mano un accendino.

Più che un gioco di avventura, Shadow of Memories si tratta di un gioco di logica, dove la parte narrativa è il perno centrale di tutto. Quindi se nel 2001 succede qualcosa, torna indietro nel tempo, fino ad una certa data, per far succedere un qualcosa che eviti quell’avvenimento. Il bello di questo tipo di gameplay, è che si riesce a vedere come si evolve negli anni la cittadina che stai esplorando, ma anche i suoi abitanti.

Conoscerai un tuo avo, il quale è fondamentalmente te, ma senza capelli e con i baffi, oppure degli NPC che assomigliano spaventosamente a quelli presenti nel 2001. E sono anche le storie degli NPC ad arricchire un prodotto come Shadow of Memories. Ad esempio ti ritroverai a parlare con un personaggio di nome Eckart, il quale ce l’ha a morte con Eike. Perché?

Scoprirai proseguendo nel gioco che sua moglie e sua figlia sono tragicamente scomparse. Proverai quindi a tornare indietro nel tempo, per non farle morire, ma visto che non arriverai in tempo, sarai tu il principale sospettato. Tornando nel 2001 Eckart troverà una spaventosa somiglianza tra te e l’assassino delle sue care e quindi cercherà a sua volta di ucciderti. Tutte queste situazioni danno spessore alla trama del gioco, perché ti ritroverai sempre a farti la domanda: “E adesso che cosa succederà?”.

Come longevità il gioco non è lunghissimo e anzi, può essere portato a termine in sole 4 ore, tuttavia la presenza di finali multipli ti da l’occasione di giocarlo nuovamente. Ma visto che per essere finito al 100 % dovrai finirlo più volte, già sai a cosa vai incontro, potrai sfruttare a tuo vantaggio questa situazione, questo perché il gioco ti invita a sperimentare le varie situazioni in maniera diversa. Se ad esempio, durante la prima missione, andrai dall’artista di strada, capirai che questo ha un’aria molto familiare e ti lancerà una pallina contenete un messaggio al suo interno. In questo modo completerai la missione in maniera totalmente diversa da come l’hai fatta la prima volta.

Invecchiato così così

Se il gameplay di Shadow of Memories è parecchio interessante, come anche la sua storia ed è ancora godibilissimo al giorno d’oggi, lo stesso non si può dire della sua grafica che urla 2001 a pieni polmoni. I modelli poligonali sono quelli che sono e non raggiungono nemmeno lontanamente la pulizia grafica dei giochi usciti verso la fine dell’era PlayStation 2.

Nonostante questo ci sono delle trovate davvero di non poco conto, come ad esempio i gli ambienti che andrai ad esplorare davvero dettagliatissimi. Se ad esempio entri in una stanza, vedrai che questa è arredata in maniera davvero credibile, ma soprattutto troverai tanti dettagli che per il tempo era una cosa davvero niente male. Credenze piene di bicchieri, giornali sui tavoli, quadi appesi e molti altri piccoli dettagli che fanno apparire il tutto molto più credibile.

Il sonoro, invece, quello lascia davvero a desiderare e no, nemmeno al tempo si sarebbe salvato. Eccezion fatta per la voce di Satana, ovvero quella di Charles Martinet, gli attori che prestano le voci ai vari protagonisti, danno davvero poco spessore al tutto e vanno a rovinare, in parte, un’opera che ha dalla sua un concetto strano, ma parecchio intrigante.

Te lo rigiochi nel 2024?

È difficile dire se un prodotto come Shadow of Memories sia adatto al giocatore dei giorni nostri. Sicuramente il concept di base è qualcosa di interessantissimo e ancora attuale, tuttavia c’è da ammettere che il comparto tecnico non è propriamente invecchiato benissimo anzi. La grafica si vede che è figlia del suo tempo e non aiuta nemmeno il doppiaggio parecchio discutibile.

In più stiamo parlando di un gioco di avventura molto lento che, soprattutto nelle fasi iniziali, fa un po’ fatica ad ingranare. Tuttavia se riuscirai a superare la prima parte e chiudi un occhio (ma anche due) sul lato tecnico, beh il gioco ha dalla sua una storia intrigante, bellissima e che sa appassionare il giocatore. In più ad aiutare tutto ciò c’è il fatto di avere finali multipli e che tutte le situazioni possono essere affrontate in maniera diversa. Io ti consiglio di provarlo, dopotutto si tratta di qualcosa di profondamente diverso…ma vai con la versione PlayStation 2, quella per PC era una vera e propria ciofeca.

Se non sai di cosa stiamo parlando facciamo giusto giusto un rapido ex cursus: Vanquish è un videogioco d’azione in terza persona sviluppato da PlatinumGames e pubblicato da Sega. Caratteristica fondamentale del titolo è il suo gameplay frenetico e ricco di adrenalina, unito a una trama avvincente (che purtroppo sa di già visto ndr.) e una grafica mozzafiato.

Vanquish e la parte narrativa

Ci immergiamo in un futuro distopico dove la Terra è sotto il dominio della GBI, una spietata corporazione interplanetaria. Il giocatore veste i panni di Sam Gideon, un agente della DARPA inviato sulla stazione spaziale orbitale Providence per contrastare un attacco alieno da parte dei Reapers, creature ostili e potenti. Ho voluto parlare subito della parte narrativa del titolo proprio perché quella più debole. Infatti la caratterizzazione dei personaggi risulta un po’ blanda, accompagnata da battute troppo da film e poco pratiche.

L’unico personaggio realmente caratterizzato, nella sua sfacciataggine e arroganza è proprio Sam che, costretto a doversi fare carico da solo di tutti i problemi della DARPA si mostra al giocatore, tra un combattimento e l’altro, tirando giù il casco della sua tuta fantascientifica il tempo necessario per accendersi l’ennesima paglia. Un po’ cafone sicuramente da parte sua ma assolutamente d’effetto. La storia un po’ banale e che sa di già visto fa il suo lavoro senza lasciare un segno indelebile nella nostra anima videoludica ma è a livello di gameplay che Vanquish mostra veramente i muscoli.

Quei motori diesel di una volta

Con il suo gameplay dinamico e frenetico, che incoraggia i giocatori a muoversi rapidamente e ad essere aggressivi il titolo regala intense sessioni di shooting accelerato, e quando dico accelerato non scherzo. Posso dire quasi con certezza che il me videogiocatore giovane e imbarazzato apprezzò tantissimo la possibilità di correre e scivolare brandendo il mio fucile come un pazzo a metà strada tra un’assaltatore di Starship Troopers e un folle Max Payne in tuta attillata e mega tecnologica.

La meccanica centrale del gioco è il “Boost Mode”, che permette a Sam di accelerare, correre sui muri, rallentare il tempo e scatenare mosse acrobatiche letali. Da qui si evince il mio riferimento al buon vecchio Max Payne, almeno per quanto riguarda il rallentamento del tempo (bullet time ndr.).

Il gioco offre un arsenale variegato di armi futuristiche, da fucili d’assalto e mitragliatrici a lanciagranate e armi ad energia. Ogni arma ha caratteristiche e poteri unici, che il giocatore può potenziare e personalizzare nel corso dell’avventura. Oltre alle armi, Sam dispone di abilità speciali come la “Focus Mode”, che aumenta la precisione e la potenza di fuoco, e la “Overdrive Mode”, che scatena un’ondata di energia distruttiva.

Vanquish mette il giocatore di fronte a una varietà di nemici, dai soldati GBI standard ai potenti Reapers. Ogni tipo di nemico presenta le proprie debolezze e i propri punti di forza, costringendo il giocatore ad adottare strategie differenti per sconfiggerli.

Il gioco propone un’ampia gamma di sfide, tra missioni narrative impegnative, orde di nemici da affrontare e boss epici da superare. La difficoltà è ben calibrata e offre un’esperienza gratificante sia ai giocatori esperti che a quelli meno abili. Chiaramente più si aumenta il livello di sfida più quest’ultima diviene impegnativa.

Ricordo come fosse ieri che l’ultimo trofeo da sbloccare per ottenere il tanto agognato platino era quello che prevedeva di completare tutte le sfide e, chiaramente, mi sono arenato sull’ultima non riuscendo di conseguenza a ottenere la coppetta, che triste storia la mia.

Il gioco vanta una colonna sonora fantascientifica composta da Masafumi Ueda, che contribuisce a creare un’atmosfera elettrizzante e adrenalinica. Il design artistico è ispirato al cyberpunk giapponese, con ambientazioni futuristiche e un’estetica ricca di neon e contrasti.

E dire che allora…

Vanquish è un’esperienza di gioco unica e memorabile, che combina un gameplay frenetico e ricco di azione con una trama un po’ banale ma comunque godibile e un’atmosfera cyberpunk coinvolgente. Il titolo si distingue per il suo design innovativo, la grafica mozzafiato e la colonna sonora fantascientifica che, ai tempi, spaccava sicuramente la mascella della maggior parte dei videogiocatori.

Vanquish è un titolo che mi ha emozionato da giovane videogiocatore, la velocità e l’elasticità del gameplay è stata per me eguagliata solo da Titanfall 2 che, con le sue acrobazie e corse sui muri, rimane allo stato attuale uno dei titoli più divertenti degli ultimi anni.

Questo iconico gioco è stato rilasciato nel 1999 da Sega ed era originariamente progettato per le sale giochi, offrendo un’esperienza semplice, ma molto divertente. Venne convertito nel 2000 per Dreamcast e poi nel 2001 anche per le piattaforme PlayStation 2, GameCube e la versione per Microsoft Windows realizzata da Strangelite. Dal 2010 in poi sono state realizzate conversioni per dispositivi iOS e Android e per le piattaforme digitali PlayStation Network e Xbox Live, nonché anche su Steam nel 2011.

Crazy taxi, un tuffo nel passato

Crazy Taxi è entrato nella mia vita, e in quella di molti ragazzi, probabilmente grazie ai cereali. Sì, perché, per chi non lo sapesse, nei primi anni 2000, nelle confezioni di cereali si trovavano spesso dei giochi di vario genere. Alcuni erano basati su film, come Totò Sapore o i Roteò, mentre altri erano giochi già famosi e adattati per l’occasione, come Bugs Bunny: Lost in Time.

Come dire, unire il piacere … con altro piacere. Per chi si stesse chiedendo il perché questa usanza è caduta in disuso i motivi principali sono stati: evoluzione della tecnologia (passaggio al digitale), costi e logistica, preoccupazioni ambientali e sicurezza.

Ricordo che con un mio amico trascorrevamo molte ore giocando a questo titolo, divertendoci e sfidandoci a vicenda. La modalità Arcade, riprovandola oggi, si rivela essere una delle sfide più difficili che abbia mai affrontato nella mia carriera videoludica. Forse ero più bravo da bambino, visto che allora ottenevo sempre valutazioni di grado A, mentre adesso raggiungere lo stesso traguardo è diventato un’impresa.

Gameplay e modalità di gioco

Il concetto alla base di Crazy Taxi è piuttosto semplice: scegliere uno tra quattro tassisti disponibili e portare i passeggeri dal punto A al punto B nel minor tempo possibile. Axel, BD Joe, Gena, Gus tutti loro con una macchina, uno stile e un carattere semplicemente unico anche rivolgendosi ai passeggeri.

Tra le diverse modalità di gioco, quella che regalava più emozioni era sicuramente l’Arcade Mode, nonché la più difficile. Si iniziava con 60 secondi e si guadagnava tempo extra completando le corse rapidamente, rendendo ogni secondo prezioso. Le altre modalità, con un tempo fisso di 3, 5, 8 o 10 minuti, permettevano di esplorare la mappa relativamente con più calma, offrendo un ritmo meno frenetico e la possibilità di vedere quanti passeggeri si potevano trasportare entro il limite di tempo.

Nonostante il gameplay di Crazy Taxi possa sembrare oggettivamente difettoso e privo di una fisica realistica, ci sono piccoli dettagli che lo rendono ancora più affascinante. Ad esempio, l’accelerazione, le frenate e le partenze del veicolo richiedono una certa attenzione, poiché influiscono sulla velocità del taxi. Se si preme troppo bruscamente l’acceleratore da fermi, la macchina sgommerà e partirà più lentamente. Inoltre, le frenate devono essere calcolate in base alla velocità, rendendo il controllo del veicolo una sfida interessante.

Soundtrack azzeccatissima

La musica è sicuramente uno degli elementi più distintivi di Crazy Taxi. Sin dal momento in cui si accende il gioco e si viene accolti dal menù principale, le percussioni e il ritmo catturano immediatamente l’attenzione, evocando una sensazione di energia e frenesia. In un certo senso, ricorda i tamburi della liberazione presenti in One Piece, chi conosce l’opera sa esattamente di cosa sto parlando.

Le tracce musicali che accompagnano il gioco costituiscono un mix eclettico, spaziando tra i suoni dei The Offspring e dei Bad Religion, aggiungendo un tocco unico all’esperienza complessiva. Sfrecciare lungo le strade in una corsa contro il tempo con una colonna sonora così coinvolgente è un’esperienza senza prezzo: il ritmo non fa altro che aumentare l’adrenalina catturata da ogni secondo del timer, eppure, nonostante ciò, non risulta fastidioso o ansiogeno, ma contribuisce a rilassarsi in mezzo a tutto il dinamismo del gioco.

La magia dei giochi di un tempo

Crazy Taxi appartiene a una categoria di giochi ormai rara, ovvero quelli che puntavano tutto sul battere i propri record e sfidare gli amici a fare di meglio. Era un’epoca in cui i giochi non erano ancora dominati dall’online e le serate passate con gli amici a giocare insieme, magari passandosi il controller a turno, erano la norma. Questo tipo di esperienza è qualcosa che molti ricordano con affetto e un pizzico di nostalgia, ma comunque si è solo evoluta, non è mai tramontata del tutto.

Oggi, con la prevalenza dei giochi online e delle piattaforme di comunicazione come PSN, Discord, o il VOIP in game, quel tipo di gioco sociale e fisico sembra un ricordo lontano. Tuttavia, c’è ancora spazio per quei momenti di puro divertimento arcade. Personalmente, mi piacerebbe rivivere quelle giornate con gli amici, giocando a Crazy Taxi o ad altri classici del passato.

Taxi Chaos, un successore non degno

A dieci anni di distanza dal suo debutto su Steam, Crazy Taxi sembra vivere una sorta di reincarnazione attraverso Taxi Chaos, sviluppato da Lion Castle Entertainment e pubblicato da GS2 Games. In molti lo hanno definito il successore spirituale di questo classico intramontabile. Mantiene una formula simile, coinvolgendo il trasporto dei passeggeri in una città aperta e cercando di completare le corse nel minor tempo possibile e presenta, inoltre, nuove meccaniche e aggiornamenti rispetto al suo predecessore.

Anche se Taxi Chaos ha cercato di catturare lo spirito di Crazy Taxi, le opinioni sulla sua riuscita sono state varie. Alcuni giocatori hanno apprezzato il suo omaggio al classico, mentre altri hanno criticato alcune mancanze rispetto al gioco originale. In ogni caso, Taxi Chaos ha cercato di portare avanti il genere dei giochi di guida arcade, offrendo un’esperienza frenetica e divertente per gli appassionati del genere.

Sarebbe interessante vedere una remastered di alta qualità o addirittura un nuovo gioco basato sull’originale, ma bisogna ammettere che è difficile dire se ciò accadrà, considerando che nell’industria dei videogiochi tutto è possibile, tranne nel caso di Half-Life 3 quello è un no sicuro.

Conclusione

Crazy Taxi rimane uno dei giochi simbolo per molte persone, nonostante la sua semplicità e la mancanza di una grande profondità. È un perfetto esempio di come i giochi arcade possano offrire ore di divertimento con un gameplay immediato e accessibile. Sicuramente provare quest’esperienza è qualcosa che tutti dovrebbero fare almeno una volta per poter rivivere un pezzo di storia videoludica. Sfido CHIUNQUE a ottenere la doppia S al primo tentativo.

Un picchiaduro che a suo tempo venne considerato una pietra miliare del videogioco su PlayStation, ma che per qualche strano motivo non venne preso più in considerazione negli anni a venire, se non per un secondo capitolo uscito su Dreamcast chiamato Project Justice, ma oggi ci concentriamo sul primo.

Rival School quanto eri divertente?

Rival Schools che cos’è? È un picchiaduro ad incontri detto proprio in maniera semplice. In 3D, anche se questa non è una definizione propriamente precisa, questo perché è vero che la grafica sprizza poligoni da ogni poro e urla anni ’90 da ogni orifizio, ma il sistema di combattimento è un mix tra le potenzialità delle 3 dimensioni e la semplicità del 2D. Quindi è vero che avrai un feel molto simile ad uno Street Fighter qualunque, ma è altresì vero che le prese potranno essere fatte in anche ai lati dell’avversario con risultati che varieranno ogni volta.

Scegli i tuoi combattenti, dico i “tuoi” perché il gameplay usa l’escamotage di farti scegliere due personaggi, ma che al contrario di altri esponenti del genere non potrai scambiare durante il match, ma solo tra un round e l’altro. Quindi ti potrai chiedere, scegliere due personaggi serve solo a quello? Assolutamente no, il tuo alleato ti servirà anche per fare mosse in team, altamente spettacolari, ma che soprattutto faranno malissimo a chi avrai contro, ma non solo, infatti potresti avere altri benefici da questo tag team, come ad esempio un aumento delle statistiche oppure un recupero parziale della tua salute.

Questo significa che gli incontri non si riducono al solo sconfiggi il tuo nemico, ma prendono un sapore anche strategico, visto che anche il tuo compagno va scelto con un occhio di riguardo per capire se prendere qualcuno che ti fa ripristinare la tua salute, oppure andare di ignoranza pura e cercando di fare più danni possibili.

Ma Rival Schools non è solo questo è anche parecchie trovate geniali che al tempo fecero innamorare i giocatori, come ad esempio gli attacchi speciali Burning Vigour, ovvero delle tecniche di squadra esageratamente potenti, ma soprattutto spettacolari da vedere. Questo perché quando si riusciva a concatenare una mossa del genere, la telecamera si spostava e riprendeva l’azione da più angolazioni. Il risultato era qualcosa di parecchio soddisfacente, tuttavia questo tipo di mosse si potevano fare solo quando la barra della Super si fosse riempita al massimo.

Far riempire questa barra non era per nulla difficile, quindi per molti puristi del genere, al tempo, fu considerato un difetto, tuttavia credo che con questo titolo Capcom abbia voluto fare del suo cavallo di battaglia l’immediatezza, piuttosto che la competitività. Quindi via a visuali super flashy, non si lesina sulle mosse potenti, ma soprattutto spettacolari.

Rival Schools, oltre che avere un gameplay divertente e super immediato, è anche un gioco pieno di carattere che ti fa capire come mai in tanti lo amino e spesso ci si chieda perché sia una serie ormai accantonata da Capcom. Il filmato di presentazione, per esempio, sembra la sigla di un qualsiasi anime shonen, con una musica di sottofondo parecchio azzeccata che non fa altro che farti affezionare a questo gioco, ancora prima di entrare nel vivo dell’azione. Non solo ogni personaggio ha una sua personalità, oltre che un finale animato unico.

E sono proprio questi personaggi che danno un’anima a questo titolo. Il rooster totale sarà di 20 lottatori (24 nella versione Evolution) tra cui scegliere (al tempo era un numero giusto, ma soprattutto non c’era da pagare nulla per poterli ottenere tutti) e ognuno di questi è caratterizzato in maniera davvero certosina. Certo l’influenza di altre opere Capcom, Street Fighter in primis, si vede davvero tutta, infatti potrai scegliere Sakura, oppure Hideo è fondamentalmente una versione scolastica di Ryu, mentre Roy fa una certa mossa che ricorda pesantemente lo Sho-Ryu-Ken, ma diciamo che era prevedibile come cosa.

Due dischi un divertimento unico

Rival Schools esce nel 1997 su cabinati arcade, tuttavia per rigiocarmelo oggi io mi sono procurato la versione per PlayStation del gioco e ti posso dire che Capcom ha davvero fatto un ottimo lavoro con questa conversione. Sono presenti due dischi ovvero uno per la versione Arcade e l’altro con la modalità Evolution. Il disco Arcade da solo sarebbe stato più che accettabile, dato che presenta una fantastica conversione del titolo originale uscito in sala giochi, una modalità allenamento e altre caratteristiche extra. Ma Capcom ha anche incluso il disco Evolution, che è lo stesso gioco, ma elevato all’ennesima potenza.

Il disco Evolution contiene una versione migliorata e più bilanciata del gioco, più personaggi, mosse ottimizzate, più costumi…insomma di più in tutto! Non solo, sono presenti anche nuove modalità come ad esempio la Group Battle, la League Battle, la Tournament Battle, ma non possiamo dimenticare la Cooperate Battle la quale permette a quattro giocatori di partecipare ai combattimenti a squadre, tuttavia avrai bisogno del multitap per PlayStation (se non sai cos’è il multitap è praticamente un accessorio con cui potevi collegare fino a quattro controller) più quattro persone che giochino insieme a te sotto lo stesso tetto…eh no, al tempo non c’era il gioco online, almeno non sulla prima PlayStation.

Nel 2024 la grafica è difficile da digerire

Togliamoci un peso, Rival School nel 2024 ha una grafica davvero troppo datata. Non sono mai stato un fanatico delle super visuali in “quattrokappaguardacheriescoavedereipelidelnasodelprotagnista” e ti posso assicurare che proprio ieri stavo giocando a Super Mario World su Nintendo Switch Online, tuttavia è innegabile che la grafica in 3D, soprattutto della generazione della prima PlayStation, non è invecchiata così bene come ad esempio uno Street Fighter II, il quale ha un 2D proveniente dai primi anni ’90.

Ma questo è un dato di fatto, la grafica bidimensionale invecchia meglio, ma questo discorso lo potremmo fare anche per altri esponenti del genere. Prova a farti una partita a Virtua Fighter 2 oppure ai primi due Tekken, ci faresti sicuramente un match, ma i modelli poligonali saranno ovviamente grezzi e difficili da digerire, quando ormai sei abituato al sedere perfetto di Eve di Stellar Blade.

Questo non vuol dire che Rival Schools non sia divertente, anzi, il suo gameplay è qualcosa di davvero sopraffino che riesce a passare la prova del tempo ad occhi chiusi. Anzi ti invito, se ne hai una copia a casa, ad invitare un tuo amico con la passione uguale alla tua e a farti la classica serata pizza, birra e Rival Schools alla vecchia maniera. Magari alla fine piangerete perché vi siete resi conto che siete invecchiati, ma ti posso assicurare che vi divertirete un mondo.

Ma se ti dicessi che SEGA negli anni ‘90/ inizio 2000 era riuscita a far giocare tutti a calcio, anche chi non aveva la più pallida idea di che cosa fosse un pallone di cuoio riprodotto in un videogame? Oggi nell’episodio 206 di Old But Gold ti propongo Virtua Striker, anzi Virtua Striker 2 ovvero il titolo che in sala giochi ci ha fatto lasciare dei capitali in monetine e gettoni.

Io, Gim, Tappo e Nicola all’oratorio

È il 1998 (o forse il 1999? Boh chi se lo ricorda) e siamo a Casalmaggiore provincia di Cremona, oratorio San Leonardo.

Quattro ragazzi, ovvero Marco (il Coinc, che poi sarei io), Filippo (Gim), Nicola (oh lui un nickname non l’ha mai avuto) e Giuseppe (detto il Tappo, perché era basso, e no, era basso davvero, non è uno di quei nomignoli al contrario, tipo quelli che chiamano Attila il proprio cane, quando alla fine si tratta di un pincher), arrivano al cancello e il prete dice con un accento che ne tradisce le chiari origini cremonesi: “Guardate che è arrivato un videogioco nuovo al bar, un gioco del calcio.”.

Noi giovincelli ci avviciniamo alla saletta dove spiccavano un tavolo da ping pong, un calcio balilla e due cabinati di cui uno di Metal Slug e l’altro, quello nuovo, di Virtua Striker 2, con tutte le sue lucine e la grafica che sembrava venire dal futuro.

Andiamo al bancone del bar e lasciamo alla signora anziana 1000 £ per scambiarci i gettoni e fiondarci su quella nuova esperienza, inizia Gim che, ovviamente, prende la Francia. Io esclamo: “Ma dai sei proprio un Gobbo! La Francia dopo che ci ha cacciato fuori dal mondiale?” lui risponde “Zitto Coinc che c’è Zidane, che è il più forte” Io mica potevo dargli torto, al Milan del tempo a centrocampo avevo Ibrahim Ba, un paragone davvero impietoso.

Gim sembra averci giocato da sempre, vince la prima partita 3 a 0 contro la Nigeria, i quarti di finale contro l’Olanda un altro 2-0 secco, con un bellissimo goal proprio di Zizou di testa e riesce a prendere il Goal of the Day, semifinale contro la Spagna, altro 2-0 ed infine la finale contro l’Italia.

Io, Nicola e Tappo lo gufiamo manco fosse la finale di Champions League, un po’ perché Gim è un traditore della patria, un po’ perché vogliamo giocare pure noi e il tempo stringe, fra poco si deve tornare a casa che le nostre mamme ci aspettano, ma niente, Filippo riesce a vincere pure contro l’Italia in un tiratissimo 1-0, grazie al Golden Goal di Petit (lo riconosci perché era quello con la coda di cavallo).

Tutti noi un po’ rosichiamo, ma alla fine vabbè tocca a noi. “Oh dai spostati che adesso faccio una partita io” lui alla richiesta non si sposta di un millimetro perché sa che c’è un’altra partita da fare, ovvero quella contro l’FC SEGA, la squadra di coloro che hanno programmato il gioco. Tutti noi restiamo a bocca aperta, come a chiederci, ma che squadra è questa? Finisce anche qui 2-0 e lui esclama: “Adesso potete giocare voi, io sto gioco lo avevo già finito l’estate scorsa al mare”. Eh ecco perché eri così forte!

Virtua Striker 2 ovvero la giocabilità allo stato dell’arte

Quello che ti ho descritto sopra, oltre che un bel viaggio nei ricordi, manco fosse stato scritto da Max Pezzali in una delle sue canzoni, tra migliori amici che, purtroppo, non ci sono più e altri che hai perso di vista, ti racconta l’essenza di quello che era un gioco come Virtua Striker 2 ovvero il gioco del calcio, prima lanciato su cabinati arcade in bar o sale giochi e poi portato anche su console come il Dreamcast (ovviamente) e successivamente sul Nintendo GameCube.

Ma perché Virtua Striker 2 piaceva davvero a tutti? Cos’aveva di così magnetico da farci passare ore intere a giocarci e a guardare chi ci giocava? Ovviamente la passione pallonara di noi italiani è sicuramente un fattore determinante, ma il titolo creato da SEGA aveva un gameplay così semplice e immediato che poteva essere padroneggiato da davvero chiunque.

Partendo dalla disposizione dei tasti, solo 3 ovvero uno per il passaggio basso, uno per il cross e l’ultimo con cui potevi tirare regolando la potenza, in base a quanto tenevi schiacciato il pulsante. In fase difensiva c’era un solo tasto, ovvero quello della scivolata. A rendere ancora più accessibile questo gioco c’era la totale eliminazione di alcune regole madre del gioco del calcio ovvero niente fuori gioco e nessun cartellino. Quindi potevi fare anche un’entrata assassina, con fallo da ultimo uomo e l’arbitro avrebbe solo fischiato una punizione senza nessuna sanzione di sorta.

Virtua Striker 2 era veloce, immediato e l’ideale per una partita mordi e fuggi tipica dei giochi arcade dell’epoca, nei quali la questione competitività prendeva un nuovo significato grazie al Goal of the Day. Praticamente in base all’azione che uno compiva veniva dato un voto, chi tra i giocatori aveva fatto il goal con il punteggio più alto, quindi il più bello da vedere, veniva proposto e riproposto in loop almeno finche il cabinato non veniva spento. È ovvio che chi riusciva a prendere questo primato veniva tessuto con lodi che duravano la bellezza di 2 ore, anche tre se il punteggio era molto alto…poi il giorno dopo nessuno sapeva più chi eri.

Altra cosa che giovava al gameplay di Virtua Striker 2 era sicuramente la gestione del tempo extra e, in caso di parità, i calci di rigore. Ogni partita aveva la durata di due minuti più l’extra time (ovvero il recupero), se per caso si era in risultato di parità di andava ai supplementari dove, praticamente, si allungava ulteriormente il tempo di altri 30 secondi, ma con la temutissima regola del Golden Goal (che noi italiani tristemente conosciamo grazie alla finale di Euro 2000 persa contro la Francia, proprio al Golden Goal di David Trezeguet) ovvero chi segna vince. Se pure lì si resta in parità, si va ai calci di rigore per determinare il vincitore.

Una grafica d’altri tempi

Per il tempo Virtua Striker 2 era stato dell’arte. Noi ragazzini di allora, abituati ai giocatori spigolosi di Fifa o a quelli senza faccia di ISS Pro (sì perché al tempo il calcio targato Konami si chiamava così e non Pro Evolution Soccer prima e E-Football oggi) era una magia che si avverava. Nonostante non ci fossero le licenze di nessun giocatore, si potevano tranquillamente riconoscere i nostri beniamini e capire se la palla l’aveva tra i piedi Paolo Maldini, Ronaldo (quello vero, non CR7) oppure, nel caso di Filippo che giocava, Zinedine Zidane.

Pure lo stadio era più vivo rispetto al calcio che praticavamo su PlayStation, perché se su ISS Pro gli gli spalti erano praticamente delle texture piatte, qui potevi quasi contare quanti spettatori erano presenti. Esageratamente meraviglioso. Peccato che non ci fosse una telecronaca di sottofondo a dare un aspetto più televisivo al tutto, ma anche a livello sonoro non ci si poteva lamentare e si distinguevano chiaramente cori da stadio, trombette e il pallone che veniva calciato violentemente verso la porta avversaria.

Trovalo in qualche maniera e riprendilo in mano

Pochi giochi di allora sono ancora godibili al giorno d’oggi, visto che con il tempo i controlli vengono migliorati, le grafiche aggiornate e ogni aspetto viene spinto al limite. Ti sfido veramente a farti una partita a FIFA ’99 senza farti venire i conati di vomito e chiederti “Ma davvero da piccolo giocavo con sta roba qui?”.

Virtua Striker 2 invece è diverso, anche se oggi provi a fare una partita, la fai con tantissimo piacere e ti diverti come allora. Forse sei un pelo arrugginito e probabilmente perderai al primo match, ma è solo il fatto che non ci giochi da una vita…no non è vero, scarso ero e scarso sono rimasto, ma mi sono divertito come un matto ed è questo quello che conta.

Il mio personalmente è sempre stato The Fifith Element (o Il Quinto Elemento se vuoi dirlo all’italiana), videogioco uscito sulla prima PlayStation e tie in dell’omonimo film di Luc Besson, il quale da molti è considerato il punto più basso della carriera del regista francese.

Il film è interpretato da Bruce Willis insieme a Milla Jovovic (quella che qualche anno più tardi sarà la protagonista dei film di Resident Evil) e mischia antiche profezie aliene con la fantascienza. Il tutto ambientato in una versione futuristica di New York che sembra la versione pezzotta della città di Blade Runner.

Non sicuramente un capolavoro, ma tutto sommato è qualcosa di godibile, pieno di action in tipico stile anni ’90. Nonostante la pellicola non fosse stata tutto sto gran successo era d’obbligo, in quegli anni, sfornare almeno un videogioco dedicato a qualsiasi cosa potesse anche solo lontanamente essere trasposta ed è qui che nasce il gioco, creato da Kalisto Entertainment ed edito da Ubisoft, The Fifth Element (ah qualche anno più tardi, quando tutti si erano già dimenticati ampiamente del film, sempre la Kalisto Entertainment produsse NYR: New York Race, che era praticamente The Fifth Element, ma era un titolo di corse che prendeva ispirazione dai veicoli del film).

This is Korben Dallas

Tuttavia se da un videogioco tie in, l’attore principale ti dice chiaro e tondo “No guarda, la mia faccia e la mia voce non la usi per sta roba”, due domande ce le dovremmo pur fare. Mi piace pensare che al buon Bruce Willis abbia fatto così schifo il prodotto finito che non abbia dato l’autorizzazione per il titolo, ma la realtà è ben diversa e si tratta di una semplice questione di diritti, infatti le sembianze dell’attore erano esclusiva del gioco Apocalypse, sempre PlayStation, di cui magari ne riparliamo in un altro Old But Gold.

The Fifith Element per un riassumerne la trama, nel caso non avessi visto il film, è un titolo che segue in maniera abbastanza fedele le vicende della pellicola. Peccato che il gioco non spiega assolutamente nulla della storia anche se utilizza delle scene provenienti proprio dall’opera originale; ergo se hai visto la pellicola bene, qualcosa ci capirai, per tutti gli altri attaccatevi…o guardatevi il film.

La trama racconta le vicende di Korben Dallas, un ex militare in congedo che si è ridotto a fare il tassista a New York. Durante un suo turno di lavoro, gli volerà (letteralmente) all’interno del taxi Leeloo, ovvero una ragazza che è la personificazione del Quinto Elemento ovvero un’arma che potrà salvare la terra dalla minaccia rappresentata dal Male Supremo, il quale agirà insieme a Jean Baptiste Emmanuel Zorg, un plurimiliardario che per arrivare a fine mese vende armi a chiunque, tra cui i Mangalores delle creature aliene che vogliono distruggere il Quinto Elemento.

La trama te l’ho proprio riassunta in pochissime righe, ma nella realtà è molto più complessa e comprende pietre che rappresentano i quattro elementi, Luke Perry (ovvero il Dylan di Beverly Hills 90210) che muore dopo 5 minuti di pellicola e cantanti liriche dalla pelle blu. E ti assicuro che tutto questo è riprodotto nel videogioco…tutto tranne il protagonista principale per i motivi che ti ho spiegato sopra.

The Fifth Element un gameplay grezzo

Ma all’atto pratico il gameplay com’è? Grezzo e scopiazzato da altri giochi del tempo. Infatti si tratta di un mix tra un platform, uno sparatutto e un gioco alla Tomb Raider, ma con molti meno puzzle ambientali. Ogni livello ti metterà nei panni di Korben oppure in quelli di Leeloo e alcuni stage andranno completati sia con uno che con l’altro. Se questo darà rigiocabilità al titolo visto che te lo presenterà da entrambi i punti di vista dei protagonisti, dall’altro dover rifare alcuni livelli due volte sarà molto tedioso e frustrante a lungo andare.

Quando controlli Korben affronterai sezioni di shooting, condite da parti platform dove dovrai essere preciso al millimetro. Peccato che il personaggio avrà l’agilità di un carro armato e per fare determinati salti sarà compito particolarmente arduo. Ma anche lo sparare non sarà una passeggiata, visto che colpire i nemici sarà una specie di lotteria, per colpa della nebbia che era presente in una miriade di giochi per PlayStation, non potrai vedere i nemici in lontananza e quindi ti ritroverai ad usare la tua pistola alla cieca cercando di capire da chi e perché verrai colpito.

Le parti di Leeloo saranno più ragionate e meno votate all’action visto che non utilizzerai armi o simili, ma solo calci e pugni. Anche qui, nonostante il personaggio femminile sia ben più agile e veloce, sarà un’impresa non da poco riuscire a muoversi e a saltare. E questi non sono difetti dovuti all’età di del gioco, anche allora il titolo era stato considerato pesante come il piombo.

Ma quello non è Bruce Willis!

Graficamente il gioco è grezzo, spigoloso e spoglio. Di pro c’è da dire che tutti i modelli poligonali riprendono molto bene le sembianze degli attori che hanno preso parte al film e chi ha visto l’opera originale riuscirà sicuramente a riconoscere i vari protagonisti anche se al tempo il Full HD o il 4K erano concetti davvero astrusi.

Le piattaforme dove dover saltare, si sorreggono nel vuoto assoluto, ma questo dai non lo consideriamo un difetto, al tempo chiunque faceva così (se ti ricordi il gioco SpiderMan di Activision, le ragnatele non si sapeva dove si attaccassero). Notevole il fatto che in lontananza si vedono dettagli della città come ad esempio le auto volanti che creano atmosfera, ma per il resto gli ambienti sono parecchio spogli e senza vita.

Me lo gioco domani! No, meglio che lasci perdere

Dopo aver letto questa nuova puntata di Old But Gold vale la pena prenderti la briga di recuperare The Fifth Element? Se vuoi farti due risate, ricordando i tempi furono sì, ma se vuoi qualcosa di profondo che ti diverta, beh lascia assolutamente perdere, perché The Fifth Element è un gioco che già arrancava nel 1998, figuriamoci nel 2024!

La rivoluzione di Resident Evil 4

Ma partiamo dall’inizio: fino a quel punto la saga e più in generale il survival horror erano basati sul terrore e sulla vulnerabilità dei protagonisti di quelle storie. Sin dal primo capitolo si veniva rinchiusi, intrappolati senza via di scampo, con solo pochi proiettili e qualche cura ad assisterci. Anche nel secondo ci trovavamo spesso in zone chiuse, come la centrale di polizia o le fogne di Racoon City, mentre nel terzo si iniziava ad aprire leggermente la mappa.

Resident Evil 4 cambia in molti modi la filosofia di game design, che porta a un prodotto molto diverso dai giochi precedenti. Capcom decide di dare al giocatore molto più controllo sia sul personaggio che sul mondo che lo circonda: ecco quindi la telecamera a spalla, una delle caratteristiche che più separa questo dagli altri capitoli della saga, rendendo anche il gameplay più movimentato, dando più libertà al giocatore, ma al contempo costringendolo a guardarsi attorno continuamente per evitare eventuali minacce in agguato.

Viene dato molto più spazio all’azione, ma non snaturando il tutto: nonostante in questo titolo si spari molto di più, quella non è sempre la soluzione più efficace, soprattutto alle difficoltà più elevate. Il giocatore viene buttato, come negli altri giochi, in una grossa mappa esplorabile in lungo e in largo, dall’ambientazione rurale, campagnola. Infatti la caratteristica ambientazione di Resident Evil 4 è memorabile e ormai iconica, in quanto di ispirazione per non solo gli altri capitoli della saga, ma anche altri videogiochi horror e film.

Come rinnovare con intelligenza

Per la prima volta non solo non siamo in un ambiente chiuso e opprimente, ma il primo atto del gioco è quasi completamente ambientato di giorno, alla luce del sole. Ma non per questo gli ambienti sembrano meno spettrali. Se nel secondo capitolo avevamo paura di esplorare i bui corridoi della centrale di polizia, qui ci troveremo a vagare in un villaggio desolato senza sapere che fine abbiano fatto gli abitanti, attirati dal misterioso suono proveniente dal campanile.

Resident Evil 4 si colloca proprio in mezzo al genere che viene chiamato folk horror, che negli ultimi anni sta spopolando non poco, e forse proprio grazie a questo titolo. Questo genere ci butta in un ambiente contadino, quasi familiare, ma pian piano buttandoci dentro qualcosa di sospetto, o fuori posto. La componente perturbante è molto forte in queste opere e nel gioco la tensione, all’inizio almeno, viene costruita proprio in questo modo: Continuando a gettare al giocatore elementi strani o fuori posto, fino ad arrivare all’esplosione, dove inizia l’azione vera e propria.

Perché anche se questo titolo conserva molte delle meccaniche survival che avevano reso famosi e soprattutto spaventosi gli altri titoli, si concentra molto di più sulla componente action: con molti più nemici da uccidere e armi con cui farlo, senza però lasciar fuori i classici enigmi e l’atmosfera generale. Perché nonostante questo titolo sia uscito quasi vent’anni fa, riesce a trasmettere una certa atmosfera con i suoi ambienti spogli e la grafica ruvida, sporca. Un classico di quella generazione di console.

Come appena detto, l’azione la fa da padrone in questo titolo: chi l’ha giocato ricorderà sicuramente la parte all’interno del villaggio in cui si viene assaliti dall’orda di infetti: sicuramente una delle scene più movimentate del titolo. E al contrario dei giochi precedenti qui avremo i mezzi per far fuori tutti i nostri nemici: tra pistole, fucili, mitra, granate, lanciarazzi e chi più ne ha, più ne metta. Sicuramente non a tutti potrebbe piacere questa formula, ma comunque il gioco offre la possibilità di scappare o evitare i nemici, cosa consigliabile alle difficoltà più elevate.

L’eredità del titolo

Resident Evil 4 ha funzionato così bene da diventare d’ispirazione per praticamente tutti i survival horror usciti dopo di lui. Basti pensare a Dead Space o The Last of Us, o anche Days Gone e The Evil Within. Tra l’altro quest’ultimo è stato creato proprio da Shinji Mikami, la stessa mente dietro Resident Evil, ed è un titolo che consiglio caldamente.

Il titolo rivoluziona la saga anche a livello narrativo, partendo dal fatto che non è propriamente un gioco di zombie, visto che qui si sta parlando di infetti. Se negli altri capitoli avevamo i classici morti viventi, ripresi esattamente dai film di Romero, qui abbiamo delle persone infettate da un parassita, che ne controlla le facoltà cognitive. Questi parassiti rendono tutti un’unica mente alveare, creando il concetto della setta, che è centrale all’interno di Resident Evil 4. Ovviamente ciò non vuol dire che la Umbrella non abbia la sua fetta di colpa, come si vedrà nel gioco, ma sicuramente sarà un’entità secondaria e non la causa principale dell’infezione, come succedeva nei primi titoli.

Un titolo narrativamente altalenante

Nonostante la saga grazie a questo titolo si sia rinnovata molto, dal punto di vista narrativo spesso lascia molto a desiderare. Perché nonostante personaggi come Leon e Luis siano molto amabili e simpatici in un certo senso sono anche, dal primo all’ultimo, bidimensionali. Anche il resto del cast si muove quasi per inerzia, dalla giovane Ashley alla benritrovata Ada Wong, che in questo titolo è molto meno incisiva che nel secondo.

Il personaggio che mi è sempre sembrato fuori posto in questo titolo è il Maggiore Krauser, il maestro di Leon che lo ha addestrato rendendolo come lo vediamo. Questo personaggio appare fuori dal nulla a metà del gioco per inserirsi in una specie di sottotrama drammatica mentore-allievo in cui si scontrerà con il nostro eroe solo per il gusto di farlo, senza una vera motivazione alla base. Questo aspetto, come molti altri del gioco, è stato molto migliorato nel remake, che tenta di darci un pochino più di contesto per quanto riguarda questo e molti altri personaggi, sia tramite dialoghi che grazie ai classici appunti in giro per la mappa.

Originale Vs. Remake

E qui arriviamo al confronto tra l’originale e il remake: perché se da una parte, come già detto, il remake sistema alcune cose almeno a livello narrativo, oltre alle varie migliorie e modernizzazioni nel gameplay, è anche vero che quest’ultimo è stato forse semplificato un po’ troppo. Parlo principalmente della valigia, ovvero l’inventario di Resident Evil 4, che potrà contenere gli oggetti in una griglia che il giocatore dovrà organizzare spostando le risorse.

Nel remake questo aspetto del titolo è totalmente annientato dalla presenza di un tasto che ti organizza l’inventario nel migliore dei modi, togliendo ogni parte gestionale. Mi rendo conto che per molti questa potrebbe essere una cosa piccola, ma in un survival horror, genere caratterizzato dal doversi dosare le risorse limitate e stare attenti a non sprecare nulla, era molto divertente e soddisfacente riuscire a inserire nell’inventario una nuova arma senza bisogno di buttare via niente.

Ciò che invece che il remake ha migliorato di più è l’atmosfera trasmessa, non tanto dall’ambientazione, che risultava cupa e raccapricciante già su GameCube, ma per quanto riguarda i personaggi. Mi spiego meglio: un’altra delle cose che Resident Evil 4 ha cambiato è l’atmosfera generale dell’avventura, rendendola molto più “buffa”. Intendo dire che in questo titolo Leon continua a fare battute stupide, così come molti degli altri personaggi. Ovviamente non è una cosa che rovina il gioco, ma almeno il remake ha attenuato queste scene degne di un film d’azione anni ’80 di serie B.

In conclusione, Resident Evil 4 è un titolo che riesce a rinnovare una saga che ormai stava iniziando ad invecchiare, portandola non solo sulla nuova generazione di console, ma anche nelle mani dei nuovi giocatori. Ovviamente non si tratta di un titolo perfetto, ma di un titolo da giocare assolutamente: un pilastro fondamentale senza cui non avremmo avuto molti dei giochi che lo hanno seguito. Un’esperienza che consiglio a tutti, anche considerando la facile reperibilità e il prezzo davvero esiguo al giorno d’oggi.

Il titolo fu un prodotto che riuscì a intercettare i vecchi fan (o almeno quelli meno puristi) e i nuovi utenti che si stavano affacciando sul mondo del PC gaming, come ad esempio il piccolo me. Ricordo ancora le giornate passate in compagnia di mio fratello a capire cosa fare per superare quei rompicapi all’apparenza impossibili, momenti che bene o male hanno formato la mia cultura videoludica.

The Curse of Monkey Island: un sequel e un reboot

The Curse of Monkey Island non sa bene cosa essere: un prodotto a metà tra un sequel e un reboot, capace di intrattenere i nuovi fan, privi dell’esperienza dei primi due capitoli, ma al tempo stesso capace di riportare i veterani della saga all’interno di una storia finita con un grande punto interrogativo.

La storia inizia con l’arrivo di Guybrush Treepwood a Plunder Island e ancora una volta assistiamo al corteggiamento di Elaine da parte del temibile LeChuck. Ben presto verremo scoperti e rinchiusi nella stiva della nave del capitano pirata, ma riusciremo a fuggire causando un’enorme esplosione che ucciderà, per l’ennesima volta, il pirata-zombie.

Per festeggiare la sconfitta dell’acerrimo antagonista, Guybrush regalerà un anello d’oro all’amata Elaine come pegno d’amore. Ovviamente l’anello è maledetto e tramuterà la povera donna in una statua d’oro massiccio, che verrà prontamente rubata da una ciurma di pirati e portata chissà dove.

L’avventura proseguirà portandoci a visitare posti iconici della saga e a farci conoscere nuovi personaggi, in primis Murray, un teschio parlante che ci accompagnerà, con il suo umorismo sfrenato, per tutta la durata del gioco. Tornano molte delle personalità viste nei precedenti capitoli come l’immancabile Voodoo Lady, che ci offrirà il suo aiuto per salvare la nostra amata o Wally, una vecchia conoscenza di Guybrush, che tornerà in veste di pirata.

Citazioni e gameplay

Come detto in precedenza, il terzo capitolo non fu sviluppato da Ron Gilbert ma bensì da Jonathan Ackley e Larry Ahern, che proseguirono la saga da fan sinceri del lavoro del papà di Monkey Island. Non a caso, la struttura su cui The Curse of Monkey Island si appoggia è una chiara rielaborazione di quelle di The Secret of Monkey Island e LeChuck’s Revenge: formare una ciurma e recuperare una nave, le ricette per creare intrugli e truccare una gara, sono tutti espedienti già visti nei primi due capitoli, riproposti e arricchiti in questo sequel.

Molti degli enigmi e delle soluzioni proposte sono puri colpi di genio dal punto di vista del game design e sfociano in momenti spassosi e surreali. Da apprezzare è anche la struttura non lineare del gioco, che offre al giocatore una maggiore libertà di approccio rispetto ai capitoli originali, ma che torna ad essere lineare nel primo e nell’ultimo atto del titolo, sottolineando l’importanza, per un’avventura punta-e-clicca, di avere il ritmo scandito dalla libertà di azione, piuttosto che dallo scorrere del tempo in gioco.

Costruire il design a partire dai vecchi capitoli, però, ha portato alcune evidenti carenze a livello di sceneggiatura: LeChuck muore e torna in vita, Elaine è di nuovo in pericolo e lontana dagli avvenimenti, Guybrush deve nuovamente mostrare il proprio valore come pirata. Per acquisire un po’ di personalità, Ackley e Ahern hanno sviato su una specie di parodia umoristica dei temi già visti, finendo per rendere iconici i singoli momenti comici piuttosto che la trama in sé.

Questa scelta ha fatto sì che la narrazione virasse completamente dall’inquietante cripticità tipica della bilogia originale, rendendo questo terzo capitolo una rivisitazione parodistica delle storie di pirati, caratterizzata da tantissimi momenti goliardici autoreferenziali. Ma non tutto viene per nuocere. Questo approccio, infatti, permise a The Curse of Monkey Island di entrare nel cuore di una generazione intera, orfana dell’esperienza dei primi due classici di Gilbert, elevando il titolo a vero e proprio cult e non solo.

Addio pixel art, benvenuto stile cartoon

Un altro grande cambiamento presente in The Curse of Monkey Island fu la completa rivisitazione dell’impianto grafico ed artistico. Questa decisione fu spinta dal disegnatore Bill Tiller, che riuscì a convincere l’art director e co-creatore del gioco, Larry Ahern, a passare da uno stile in pixel art a uno disegnato a mano in stile cartoon. Questo cambio di direzione non si vede solo nella chiarissima differenza di tecniche utilizzate, ma anche nel design stesso dei personaggi: scenari, modelli e prop realistici furono messi da parte in favore di uno stile allungato e deforme, che ancora oggi regge benissimo il colpo.

Non fu un caso che The Curse of Monkey Island riuscì a vincere un Annie Award per l’eccezionale lavoro svolto dal team artistico; infatti, all’interno del gioco ci sono sequenze degne di prodotti animati ad alto budget, come ad esempio la scena di apertura, che dimostrano, non solo la cura nei disegni e delle animazioni, ma anche una certa sensibilità registica, evidente nei complessi movimenti di camera presentati.

En Garde! Touchè! Oh, basta coi clichè!

Arriviamo infine al comparto audio e sonoro di The Curse of Monkey Island. Il compositore Micheal Land, già autore delle colonne sonore dei primi due Monkey Island, non sbaglia neanche qua. Le nuove tecnologie per la digitalizzazione musicale, permisero a Land di usare strumenti reali miscelati a quelli campionati, producendo una colonna sonora unica e memorabile.

Senza alcun limite tecnico a frenarlo, il compositore diede vita ad una delle scene più iconiche e tecnologicamente all’avanguardia dell’intera saga: all’inizio del terzo atto, il povero Guybrush sarà vessato dal trio di pirati-barbieri che insceneranno una canzone improvvisata. Al giocatore viene data l’opportunità di rispondere alle battute dei pirati, che a loro volta ribatteranno con una risposta in rima, ovviamente diversa a seconda della frase che abbiamo scelto.

Inoltre, The Curse of Monkey Island è completamente doppiato (anche in italiano!), con un cast di voci assolutamente brillante, altro elemento che innalza il livello qualitativo del prodotto portandolo al pari dei suoi predecessori (questa mia personalissima opinione, non me ne vogliate!).

Conclusioni

The Curse of Monkey Island è un gioco particolare, rappresenta una serie di prodotti che sono riusciti a ritrovare sé stessi pur prendendo un’altra strada, facendolo anche con coraggio, senza avere paura di cambiare rotta. Per me rappresenta a pieno l’infanzia vissuta in quel piccolo studio in casa di mia madre, là dove ho iniziato a videogiocare per la prima volta e perciò avrà sempre uno spazio nel mio personale olimpo del medium.

Passato in secondo piano, forse a causa dell’uscita contemporanea con Legacy of Kain: Defiance, anch’esso sviluppato dalla stessa casa produttrice, Crystal Dynamics, Whiplash ha comunque saputo regalare emozioni intense a coloro che hanno avuto il piacere di provarlo. Sebbene possa essere considerato inizialmente un po’ “bambinesco” per alcuni, è un titolo che, a mio modesto parere, si distingue per la sua freschezza e la sua rilevanza, sia a livello di gameplay che di narrazione e momenti comici. La combinazione di azione frenetica, platform avvincente e umorismo eccentrico conferisce a Whiplash un’atmosfera contemporanea, nonostante la sua uscita originale.

Whiplash, la ribellione degli animali da laboratorio

In un laboratorio innevato della Genron, due animali diversi ma uniti dallo spirito di ribellione, Spanx, un coraggioso e silenzioso ermellino, e Redmond, un pauroso coniglio bianco californiano, riescono a liberarsi dalla loro prigionia. Guidati da una voce misteriosa che li aiuta ad esplorare la complessa rete informatica della Genron, i due eroi intraprendono un’avventura turbolenta per liberare non solo se stessi, ma anche tutti gli altri animali prigionieri.

Ma come ci si può difendere dalla sicurezza di una multinazionale come la Genron?

Beh, ovviamente usando Redmond in qualsiasi modo, ma non preoccupatevi è un coniglio quasi immortale. Spanx mostra una spiccata tendenza a sfruttare il caro coniglio per le situazioni complicate o anche solo per planare, del resto “donnole e conigli sono nemici naturali” .

L’unica luce nella buio è rappresentata da Carol Ann Whitaker, un’infermiera sotto copertura determinata a sabotare i loschi piani dell’azienda. Con il suo cuore compassionevole e la sua abilità nel muoversi di nascosto tra i piani bassi dell’organizzazione, Carol si rivela un’alleata preziosa per Spanx e Redmond nella loro missione di smantellare Genron. Il suo coinvolgimento segreto e il suo coraggio nel mettersi contro il potere capitalista la rendono un faro di speranza per gli animali imprigionati e per coloro che cercano giustizia.

Attraverso il suo aiuto discreto ma efficace, Carol Ann guida Spanx e Redmond nel labirinto dei corridoi e delle trame di Genron, pianificando strategie e fornendo informazioni vitali per abbattere l’organizzazione, fino ad arrivare al suo nefasto CEO, Franklin D. Mann.

Più che malvagio, Mr. Mann si rivela un antagonista dallo spirito disturbato. Convinto di dare significato e scopo alla vita degli animali che imprigiona, si trova in un limbo tra la follia e un’interpretazione distorta del bene. La sua convinzione nell’opportunità dei suoi metodi lo rende ancora più pericoloso, poiché agisce convinto di fare ciò che è giusto, anche se le sue azioni sono intrise di crudeltà e controllo. La sua mente contorta lo porta a giustificare le sue azioni come un atto di benevolenza, creando così una minaccia insidiosa e imprevedibile per Spanx, Redmond e tutti gli altri che osano sfidare il suo dominio.

Un gioiello da remake

Whiplash rappresenta un autentico gioiellino dal punto di vista tecnico, grazie alla sua varietà di elementi che compongono le mappe da platform e al gameplay versatile. Nonostante sia indirizzato a un pubblico giovane, riesce a mantenere una sfida apprezzabile, talvolta impegnativa. I power-up che consentono di sfruttare le abilità di Redmond sono non solo divertenti ma anche strategici, sebbene oggi potrebbero sollevare questioni di sensibilità nei confronti degli animali.

Le animazioni, considerando il periodo in cui Whiplash è stato rilasciato, sono ben realizzate. Si nota particolarmente l’attenzione ai dettagli nei movimenti di Spanx, Redmond e degli animali, sebbene quelli degli umani possano apparire meno raffinati. Tuttavia, si potrebbe interpretare metaforicamente questa scelta: gli animali vedono gli umani come individui dal movimento standardizzato e accentuato, riflettendo forse una prospettiva diversa dalla nostra.

Inoltre, la caratteristica che ci permette di distruggere quasi tutti gli elementi di un macchinario, causando perdite finanziarie per la Genron (e osservando il conseguente calo di fatturato ad ogni danno inflitto), arricchisce l’esperienza di gioco di Whiplash. Osservare visivamente il declino delle entrate ogni volta che viene danneggiato un macchinario, crea un ulteriore elemento di sfida e gratificazione, rendendo il processo di distruzione non solo divertente, ma anche significativo nel contesto del gioco.

Certamente, come ogni gioco del suo tempo, Whiplash non è esente da difetti. Tuttavia, personalmente ritengo che tali difetti siano oscurati dalla ricchezza di elementi presenti nel gioco e dai dialoghi ben scritti di Redmond, che aggiungono un tocco di umorismo e profondità alla trama.

Nonostante le eventuali carenze tecniche o di design, la vivacità dei personaggi e l’interazione tra di essi contribuiscono a creare un’esperienza coinvolgente e memorabile. I dialoghi tra Redmond e Spanx, che spesso sfociano in divertenti scambi o in momenti di riflessione, aggiungono un valore significativo al gioco, permettendo ai giocatori di immergersi completamente nel mondo di Whiplash e di affezionarsi ai suoi protagonisti.

In conclusione

Whiplash non è soltanto un gioco d’azione, è un’esperienza divertente che si situa tra il comico e il metaforico, mantenendo un fascino unico nonostante le sue imperfezioni. Ogni istante trascorso in compagnia di Spanx e Redmond è un mix di sketch comici, azione frenetica e riflessioni profonde.

Nel vasto panorama dei videogiochi odierno, saturato da una moltitudine di generi e titoli, rifugiarsi nel passato ci consente di riscoprire gemme che forse sono sfuggite alla nostra attenzione. Non sto dicendo che un remake di Whiplash sia imprescindibile, poiché il gioco non rappresenta un pilastro fondamentale nella storia videoludica. Tuttavia, mi piacerebbe che gli sviluppatori ritrovassero la stessa passione e creatività che hanno animato questi tipi di giochi. Troppo spesso, nel mercato moderno dei videogiochi, le scadenze strette e le pressioni commerciali possono compromettere la qualità e lo spirito ludico di un titolo. Sarebbe bello vedere un ritorno a una mentalità più orientata al divertimento e all’innovazione, anche in mezzo a un panorama così turbolento.

Chrono Trigger fa la comparsa nel mercato videoludico nel 1995. Sviluppato e prodotto da Square, esce prima in Giappone per il Super Famicon per poi approdare negli Stati Uniti per SNES. Solamente nel suo anno di uscita, il titolo vendette quasi 3 milioni di copie in tutto il mondo, un risultato incredibile.  La ragione del suo successo non è assolutamente casuale, basti pensare alle menti che ci hanno lavorato:  Hironobu Sakaguchi, il creatore di Final Fantasy; Yūji Horii, un game designer indipendente e autore di Dragon Quest; e Akira Toriyama, disegnatore e creatore di Dragon Ball, nonché il designer dei personaggi e delle creature che popolano il mondo di Dragon Quest.

Immagino non serva aggiungere altro per capire che il “Dream Team”, così lo definì Square stessa, fosse  una garanzia per creare un JRPG che sarebbe stato in grado di rivoluzionare il genere.
Insomma, Chrono Trigger è frutto di una volontà ben precisa, mirata a creare un’opera che sarebbe rimasta nell’olimpo dei videogiochi per sempre.

Passato, presente e futuro

Nel regno di Guardia si sta celebrando la Fiera del Millennio, una festa che celebra i 1000 anni del regno: le persone festeggiano per le strade e il cielo viene colorato dalle luci dei fuochi d’artificio e dai palloncini che volano liberi. Nel frattempo Crono, il nostro protagonista, se ne sta a letto e, come ognuno di noi ha sperimentato almeno una volta nella propria vita, viene svegliato bruscamente dalla madre. Così ha inizio la nostra avventura.

Facciamo immediatamente la conoscenza di uno dei nostri membri del party, Lucca, una giovane inventrice piena di energia e di positività, che non vede l’ora di scoprire le meraviglie che la Fiera del Millennio ha da offrire. Una volta giunti nel pieno della festa, più precisamente nella piazza centrale della città, i due amici fanno una terza conoscenza: Marle, una ragazza vivace e cordiale che si aggiunge al gruppo per visitare il resto della Fiera.
Non ci vuole molto prima che i toni scherzosi e fanciulleschi regalati dalla festa cittadina si tramutino in qualcosa di più serio e grave. Per una serie di eventi i tre protagonisti vengono catapultati indietro nel tempo e la giovane Marle scompare. Finalmente Chrono Trigger scopre le sue carte e rivela il tema centrale dell’intera opera: il Tempo.

I nostri protagonisti scopriranno che l’intera esistenza è messa a rischio dall’arrivo di un mostro alieno chiamato Lavos, un’entità capace di distruggere tutto il creato, che sia presente, futuro o passato. Per impedire che ciò accada dovremo viaggiare nel tempo per le varie epoche e finiremo per visitare gli stessi posti ma a distanza di centinaia di anni. Preistoria, Medioevo e un futuro distopico fanno da sfondo a un’avventura che non perde tempo in dialoghi futili, ma comunica al giocatore l’essenziale in modo magistrale e ciò si traduce in una profonda chiarezza narrativa.
La storia poi, riserva alcuni dei colpi di scena migliori che io abbia mai visto all’interno di un JRPG, così talmente ben realizzati che giochi come Final Fantasy 7 e Dragon Quest 11 ne hanno preso ispirazione.

Chrono Trigger ci insegna che il tempo è realmente la sola moneta della nostra vita, sta a noi decidere come spenderlo e soprattutto con chi farlo. Crono e i suoi compagni dimostrano che ogni gesto di gentilezza e di amore verso il prossimo verranno sempre ripagati, perciò dedicare il proprio tempo per qualcuno e per i suoi problemi è l’atto più nobile che si possa intraprendere, non importa quale sia il prezzo da pagare.

“Riportare indietro quelli che amiamo, è questo quello che tutti vogliono”

Dopo aver discusso dell’importanza dei rapporti umani in Chrono Trigger, mi sembra doveroso aprire una parentesi sulle personalità che ci accompagneranno lungo il nostro viaggio. Come in ogni JRPG che si rispetti, il giocatore dovrà gestire un party composto da vari personaggi che incontreremo nel corso dell’avventura.
In questo caso è il design dello studio Bird di Toriyama a fare la differenza: la rappresentazione degli eroi rimane ancora oggi una delle più carismatiche e uniche dell’intero genere. Le espressioni facciali, le pose e gli abiti contribuiscono a delineare chiaramente le diverse sfaccettature dei personaggi, rendendoli immediatamente riconoscibili e affascinanti per i giocatori. Ma andiamo più nel dettaglio:

• Crono è il vero protagonista della storia e avatar del giocatore. Incarna l’ideale eroe senza macchia, pronto a sacrificarsi per gli amici e per le persone che ama. Combatte utilizzando una katana, ma ha anche la possibilità di usare dei poteri magici di luce ed elettricità, che possono potenziare gli attacchi fisici.
• Lucca, come ho accennato in precedenza, è un’inventrice e la migliore amica di Crono. Durante il combattimento userà una pistola di sua invenzione e degli attacchi magici elementali di fuoco.
• Marle è una ragazza dalla forte grinta e da uno spirito indomabile. Potrà colpire i nemici con la sua balestra e con gli attacchi magici di ghiaccio, ma la sua vera forza risiede nel suo ruolo da healer, che le permette di utilizzare potenti incantesimi di cura.
• Frog è assolutamente il mio personaggio preferito e come si evince dal nome è un uomo-rana. Facciamo la sua conoscenza nel periodo medievale e nasconde la storyline più emozionante dell’intero titolo. In combattimento sfrutta le sue abilità da guerriero per colpire con potenti attacchi melee i suoi avversari.
• Robo è l’unico personaggio non umano del party. Come Frog, la sua natura può essere facilmente compresa dallo stesso nome. Il nostro personaggio è a tutti gli effetti un robot proveniente da un futuro distopico. Può fare affidamento sulle sue braccia robotiche per schiacciare i nemici con attacchi standard e può utilizzare un raggio laser come magia oscura.
• Ayla è “l’ultimo” personaggio del party, una forzuta donna guerriera proveniente dal periodo preistorico. Sicuramente è il personaggio meno interessante del party ma rimane una buonissima spalla comica per bilanciare i momenti scherzosi con quelli cupi e seri. Non avendo nessun potere magico, utilizza potenti attacchi melee ad alto damage output.

Un JRPG che mostra ancora i muscoli

Parliamo adesso dell’aspetto centrale di Chrono Trigger: il suo gameplay. Giocandolo sono rimasto stupito da quanto questo titolo sia stato avanti per il suo tempo. In un periodo dove nelle case dei giocatori c’erano più JRPG che capelli, riuscire a creare un prodotto che si distinguesse così tanto dagli altri non era impresa facile. Eppure eccoci qua.

Da dove iniziare? Innanzitutto parliamo di un elemento critico, la durata. Per finire Chrono Trigger ci vogliono poco più di 25 ore, facciamo 35 se consideriamo tutti i contenuti secondari. La cosa fu molto criticata al tempo, ma a parer mio non venne presa in considerazione la visione del Dream Team, che puntò tutto sulla rigiocabilità del titolo più che sulla sua durata effettiva. Il capolavoro di Square, infatti, conta ben tredici finali diversi. Un elemento che al tempo era una vera e propria anomalia. Se poi consideriamo che il sistema di scelte si intreccia alla perfezione con le storie dei personaggi e con i vari periodi storici, il risultato è qualcosa che viene proposto raramente, anche nei nostri giorni.

La struttura di base del gameplay non si discosta molto dai classici del genere, ma apporta delle modifiche che la rendono molto più godibile e soddisfacente. Per fare un esempio, durante l’esplorazione non troveremo mai incontri casuali: ogni nemico è ben visibile sullo schermo e avremo la possibilità di schivarlo a nostro piacimento. Una meccanica tanto semplice quanto rivoluzionaria.

Come da tradizione, ogni personaggio può essere equipaggiato con armi, armature e items di diversa utilità. Inoltre avremo la possibilità di scegliere le tecniche e le abilità che più ci aggradano, potenziabili all’aumentare del livello.
Il combat system si basa sul sistema a turni ATB ed è molto classico nella sua impostazione di base. Ciò che lo rende unico però è la mole di abilità che avremo a disposizione, unita alle tecniche da usare in congiunzione con gli altri compagni: ogni personaggio ha a disposizione un’azione speciale, che sfrutta la presenza degli altri eroi per generare effetti unici. In questo modo la formazione del party dà vita a innumerevoli combinazioni che incentivano l’utilizzo di ogni protagonista all’interno della propria squadra.

Una colonna sonora senza tempo

Eccoci alla ciliegina sulla torta. Posso tranquillamente dire che l’OST di Chrono Trigger sia la mia preferita in assoluto. Ho addirittura dedicato una parete della mia casa a questa opera meravigliosa (ebbene sì, ho 4 vinili del gioco di Square appesi in salotto). Come ogni elemento del capolavoro nipponico nulla è lasciato al caso e nemmeno la colonna sonora.

Composta principalmente da Yasunori Mitsuda, con il contributo del leggendario Nobuo Uematsu, il gioco frammenta le varie composizioni in ogni area del gioco: la Fiera del Millennio ha il suo tema, così come la foresta e il castello del regno di Guardia. Ognuna delle tracce ha una personalità e uno stile unico, sembra impossibile aver creato qualcosa del genere sui semplici chip del Super Famicon, che non permettevano chissà quale dinamismo musicale. Eppure Mitsuda riesce a spaziare da genere a genere, includendo tracce melodiche e corali come Manoria Cathedral, fino ad arrivare a tracce dal sound etereo e misterioso come Corridors of Time.
Insomma, più che la ciliegina sulla torta direi che si stia parlando di un’altra bella fetta di dolce da accompagnare a tutto il resto, magari anche con una spruzzata di panna montata.

Conclusioni

Da come avete potuto constatare,  Chrono Trigger occupa un posto speciale nel mio cuore, un’opera che è in grado di emozionarmi e di riportami indietro in un tempo nel quale le software house sperimentavano e creavano prodotti unici, destinati a cambiare per sempre il medium. Il titolo di Square rimane ad oggi un capolavoro indiscusso in ogni suo elemento, che affronta con grazia temi moderni come l’ambientalismo e il pacifismo, intrecciando il tutto con un gameplay meraviglioso e una grafica, sì, figlia del suo tempo, ma che rimane più che godibile.
Per concludere mi voglio rivolgere a Square Enix stessa a nome di tutti i fan: ma ‘sto remake lo facciamo oppure no? Grazie.

Questo preambolo personale di dubbio interesse, oltre a farvi capire che Bloody Roar 2 me lo porto nel cuore, mi serviva per darvi la descrizione più veritiera possibile del gioco: “È Tekken ma puoi trasformarti in un’animale“. Ed è davvero tutto qui? Beh, praticamente sì, e credetemi, è maledettamente divertente.

Bloody Roar 2 è stato pubblicato nella prima metà del 1999, in quel periodo che possiamo definire quasi il canto del cigno della prima iconica PlayStation (di lì a poco sarebbe stata infatti lanciata sul mercato la PlayStation 2), anche se la sua prima vera apparizione fu come cabinato arcade in sala giochi l’anno precedente. Il titolo non riuscì ad imporsi come killer application, complice la grande concorrenza e il dominio su PlayStation del già menzionato Tekken, ma riuscì a ritagliarsi una sua fetta di affezionati, tanto da guadagnarsi altri due seguiti.

Il gameplay frenetico di Bloody Roar 2

Passiamo quasi direttamente al gameplay perché sul versante trama in realtà non c’è molto da dire (ma se stai leggendo un articolo su un picchiaduro immagino te lo aspettassi). Il setting prevede la presenza di alcuni zooantropi, ovvero esseri umani che possono trasformarsi in animali, che sono osteggiati da altri esseri umani per questo loro tratto peculiare. Non serve sapere altro per buttarsi nella mischia e cominciare a menare un po’ le mani, unico motivo per cui devi voler avviare il gioco.

Come fatto ai tempi dalle riviste di settore che si occuparono di recensirlo, Bloody Roar 2 è il risultato non solo di un sapiente mix degli elementi di successo del genere, ma anche di cura nello sviluppo e nel design dei personaggi e delle meccaniche di gioco. Gli 11 personaggi giocabili hanno tutti un parco mosse ed uno stile di combattimento unico e variegato, che si impara a distinguere già dopo pochi minuti di gioco. Gli archetipi dei personaggi riprendono i classici del genere: abbiamo all around character come Yugo, personaggi più tecnici come Busuzima e Jenny, o ancora i personaggi che puntano tutte sulle prese come Stun.

La meccanica che rende Bloody Roar 2 così fresco e divertente è ovviamente la possibilità di trasformare ciascuno dei lottatori in un animale corrispondente, una volta caricata la barra apposita. Questa soluzione è gestita in maniera molto interessante, dal momento che la trasformazione porta con sé diverse meccaniche e vari vantaggi. Durante lo scontro infatti la nostra barra della salute diminuirà normalmente come in qualsiasi altro videogioco, ma i nostri HP non scompariranno direttamente: saranno sostituiti da una barra grigia e, se attiviamo in tempo la trasformazione, potremo gradualmente recuperare energia se non veniamo colpiti di nuovo. Al contrario, se da trasformati subiremo troppi danni, perderemo salute, trasformazione e ogni altro tipo di vantaggio.

Questa meccanica rende Bloody Roar 2 molto profondo e aggiunge un elemento strategico in più rispetto ai classici picchiaduro. Per vincere uno scontro è infatti fondamentale calibrare bene i tempi e sfruttare al meglio la nostra trasformazione a seconda della situazione in cui ci troviamo. Oltre a rigenerare la nostra salute infatti trasformarci ci consentirà non solo di potenziare i nostri attacchi e la nostra difesa (infliggendo più danno e ricevendone meno se il nostro avversario non si è ancora trasformato), ma avremo accesso anche a nuove mosse e combo altrimenti non disponibili in versione umana. Se poi ci aggiungiamo che la trasformazione può essere concatenata in varie combo, così da sfruttare il danno inflitto per caricare l’energia per la trasformazione.

Il sistema di combo è divertente da imparare ed ha una curva d’apprendimento abbastanza morbida: le classiche mezzelune e semicerchi si aggiungono a concatenazioni di calci e pugni e danno vita a catene di attacchi davvero spettacolari da vedere. Le mosse speciali sono inoltre semplici da eseguire e sempre accompagnate da belle animazioni, soprattutto quelle eseguite da trasformati. Tramite la pressione del tasto L1 inoltre, al costo della nostra trasformazione, potremo eseguire una mossa finale devastante che causerà un sacco di danno ai nostri nemici. Ovviamente rispetto agli standard odierni di un Tekken 8 siamo distanti anni luce, ma per l’epoca, le carte in regola c’erano e ci sono tutte.

Le modalità di gioco disponibili ricalcano quelle presenti in altri picchiaduro: abbiamo la modalità arcade, story, versus, survival e pratica.

Coniglio vs leone: vince il coniglio

So che ve lo state chiedendo tutti, e se anche non lo avete fatto è il momento di fare una piccola carrellata dei lottatori disponibili in Bloody Roar 2 e delle loro trasformazioni. Prima di leggerli però, immaginatevi che vengano annunciati da una voce inglese cavernosa e profonda, la stessa che accompagna l’incipit di ogni scontro e che vi lasciamo qui sotto.

• Long, la tigre
• Bakuryu, la talpa
• Uriko, il gatto
• Stun, l’insetto
• Shina, il leopardo
• Jenny, il pipistrello
• Yugo, il lupo
• Alice, il coniglio
• Busuzima, il camaleonte
• Shenlong, la tigre (sbloccabile)
• Gado, il leone (sbloccabile)

Ciascun personaggio di Bloody Roar 2 è ben caratterizzato, ha una sua backstory narrata tramite una cinematic in pieno stile Tekken, osservabile completando le modalità arcade e story. C’è forse qualche problema di bilanciamento e qualche personaggio risulta forse un po’ più potente degli altri, ma nulla di esagerato e in ultima analisi ogni lottatore è divertente e soddisfacente da usare. Il gioco è infatti molto skill based e raramente riuscirete a vincere uno scontro se non sapete bene ciò che state facendo…a patto che accanto a voi a sfidarvi ci sia qualcuno altrettanto consapevole. In caso contrario, il gioco risulta divertente e giocabile anche per gli spammer, come ogni buon picchiaduro dovrebbe fare.

Un comparto tecnico che ruggisce?

Dal punto di vista tecnico, il titolo è un piccolo gioiellino. Oltre a presentare una veste grafica di tutto rispetto, con modelli e textures ben curate, anche i design dei personaggi risultano davvero gradevoli e funzionali al loro stile di combattimento. L’unica pecca, se vogliamo essere puntigliosi e dare ragione ad un parare già espresso all’epoca dalla critica specializzata, è che i design della versione umana di alcuni risultano forse fin troppo banali se paragonati alla loro controparte animalesca (vedi Jenny e la sua trasformazione in pipistrello, o Stun, di cui si disse che la versione animalesca assomigliava ad un Eva01 di Evangelion sotto steroidi). E qui ci sarebbe da fare una piccola considerazione, che preferisco però rimandare alla fine della rubrica. Spero mi perdoniate e capiate leggendo il perché di questa scelta.

Ad ogni modo, tornando all’analisi del lato tecnico, un altro aspetto di cui la critica si lamentò ai tempi riguarda il sonoro, non tanto per qualità in sé per sé, essendo perfettamente in linea con gli altri titoli dell’epoca PlayStation, quanto per la scelta della colonna sonora, tipicamente metal e anni ’80, e, a detta dei commentatori dell’epoca, troppo banale. Quanto al voice acting, anche qui le critiche fioccarono, con l’annunciatore di cui abbiamo poco fa condiviso un sample reputato “troppo poco esaltante” e alcuni doppiatori fuori personaggio. Queste ultime osservazioni possono essere più condivisibili, anche se l’annunciatore oggi è diventato iconico a suo modo. A mio modo di vedere, il comparto sonoro fa degnamente il suo dovere pur senza ascendere all’olimpo dei sound effects dei videogiochi, e la colonna sonora sa esaltare e accompagnare bene gli scontri.

Ultimo aspetto ma non per importanza, il gioco in versione NTSC va a 60hz e risulta quindi estremamente fluido e piacevole da giocare, cosa che per un picchiaduro è a dir poco fondamentale, specie con un combat system così dinamico e movimentato come quello di Bloody Roar 2.

Qualche considerazione finale

Ed eccoci giunti al paragrafo in cui tirare le somme. Ho deciso di rimandare a questo punto le considerazioni perché scrivendo mi sono reso conto che quello che scrivo su Bloody Roar 2 è anche l’appuntamento numero 200 con questa rubrica, e l’occorrenza suggestiva mi ha fatto domandare, specie parlando del comparto tecnico del gioco, che tipo di rapporto abbiamo con i giochi che hanno qualche anno sulle spalle come Bloody Roar 2 e che forse troppo spesso liquidiamo velocemente sotto la grande etichetta del retrogaming.

Mi spiego meglio. Tanti aspetti negativi fatti notare dalla critica e dalla stampa specializzata di allora sono oggettivi e difficilmente confutabili, eppure (e credo di non essere l’unico a pensarla così) i nostri ricordi e i legami affettivi che creiamo con un titolo ci rendono più inclini a perdonare difetti e sbavature. Di più, il nostro sguardo è decisamente più benevolo e carico di comprensione davanti a titoli datati e che facilmente mostrano il fianco rispetto a ciò che siamo abituati a giocare oggi, portando il nostro cervello in maniera quasi inconsapevole a concentrarsi sulla funzione “divertiti” più che sulla funzione “analizza” (fattore che scatta anche per il diverso esborso economico che sta dietro all’accesso di questi giochi? Parliamone).

Certo, ciò non significa che possiamo apprezzare oggi la qualsiasi cosa: il pattume digitale è sempre esistito e sempre esisterà, e come tale va trattato. Ma davanti ad un gioco come Bloody Roar 2, che non sarà forse perfetto quanto altri titoli più blasonati ma risulta comunque maledettamente più divertente di molti di questi stessi titoli, viene forse da chiedersi se il modo più genuino e appassionato che abbiamo di guardare al retrogaming non rappresenti in qualche modo l’essenza più pura della nostra passione per il videogiocare.

Forse dovuto anche all’alta concorrenza di quell’anno (nello stesso periodo usciva, per esempio, Silent Hill 3, oppure ancora Call of Duty), il suo rilascio è rimasto un po’ nell’ombra e tutt’oggi non sono molte le persone che ne parlano e che lo ricordano come un grande gioco.

Di sicuro, quel che era interessante oltre alla trama, era il fatto di poter vivere l’avventura di Primal attraverso gli occhi di due differenti personaggi, e a sole due mani fare sì che si aiutassero a vicenda. Solo uno dei due era in grado di fare determinate cose, e senza le forze di entrambi non era possibile andare avanti (cosa importante che ci veniva anche ricordata dai personaggi stessi ogni volta che, per sbaglio, li facevamo allontanare troppo l’uno dall’altra).

L’equilibrio tra l’ordine e il caos

La parola Primal potrebbe avere più significati, come quello di “primitivo” oppure “originario“, che rispettivamente si suppone facciano riferimento all’impostazione dei mondi che si andava a visitare, tutti in uno stato primordiale e selvaggio, oppure al fatto che questi fossero governati dalle due forze supreme che da sempre manderebbero avanti il mondo, l’ordine e il caos.

Queste due forze sono rappresentate da due esseri in grado di cambiare forma, da sempre in lotta fra loro a causa della smania di potere del signore del caos. Nonostante ognuno sia il guardiano designato di due dei quattro mondi che compaiono in Primal, dalla parte del male vediamo Abaddon cercare di sovrastare la sua rivale Arella e di prendere il controllo dell’intero regno di Oblivion.

La nostra protagonista, proveniente dal Nexus (il nostro mondo, secondo chi invece viene da Oblivion) e gettata in mezzo a tutto questo, si chiama Jennifer (Jen per gli amici), ed è più che convinta di essere una ragazza ordinaria fino al giorno in cui non viene aggredita insieme al suo ragazzo Lewis da uno strano mostro che lui sostiene di vedere frequentemente in sogno, e come lui finisce in coma.

Il suo risveglio sarà totalmente inaspettato, in quanto non sarà propriamente lei ad alzarsi dal letto, ma la sua anima: un buffo gargoyle che pare conoscerla a fondo la invita a seguirlo in un mondo dove i mortali non sono ammessi, ma che per qualche motivo ha bisogno del suo intervento.

Come appunto dicevamo, l’ordine e il caos sono in conflitto, e Jen è l’eroina scelta per contrastare l’esercito di Abaddon, anche se più volte tenterà di ribellarsi per tornare alla sua vita ordinaria (“sono solo la cameriera di una caffetteria!”); il suo carattere ribelle e a tratti scortese va in netto contrasto con quello cordiale e paziente di Scree, il suo compagno gargoyle.

Effettivamente è facile simpatizzare con lui e stare dalla sua parte, quando Jen comincia a scaricare tutto lo stress sul povero compagno. Il simbolo che la ragazza ha tatuato sulla schiena pare essere molto importante, oltre che un mistero per i personaggi stessi, che non sanno il motivo per cui compare spesso, ma questa cosa non viene spiegata.

Le quattro ambientazioni di Primal, ognuna con le sue caratteristiche e condizioni metereologiche, obbligheranno la ragazza a prendere le sembianze delle creature che le abitano grazie ai “vambracciali” che le vengono donati a inizio gioco, e la sottoporranno ogni volta a una trasformazione che sembra sempre dolorosa. Per ogni metamorfosi c’è un colore, che naturalmente è strettamente legato all’elemento dominante di quel mondo. Attenzione a non trasformare Jen in una creatura acquatica quando non c’è acqua nelle vicinanze!

Solum, Aquis, Aetha e Volca sono gli ostili mondi di Primal dalla palese influenza gotica che potrebbero avere un profondo significato ambientale: le condizioni del tempo in ognuno di questi luoghi rimangono sempre le stesse, come l’eterna notte d’inverno nel primo o le costanti piogge nel terzo. Gli agenti del caos si sono infiltrati ovunque e hanno sovvertito l’ordine e il normale funzionamento delle varie gerarchie.

I personaggi di Primal: vampiri, fauni e teste mozzate

Le creature che si incontrano in questi quattro regni hanno tutte delle caratteristiche particolari; se gli abitanti di Solum sono delle specie di capre umanoidi, quelli che popolano Aetha non sono nient’altro che vampiri assetati di sangue. I ricchi bevono il sangue dei poveri per restare giovani e immortali, e proprio come ci si aspetterebbe da dei nobili capricciosi, tagliano le teste di coloro che non apprezzano. C’è solo un problema, però: questi parlano ancora, e non solo. Litigano fra loro, costretti a “vivere” l’uno vicino all’altro nonostante tra tutti non scorra buon sangue.

Di sicuro la caratterizzazione e l’attenzione ai dettagli per ogni personaggio di Primal sono state notevoli, perché il senso dell’umorismo non manca quasi in nessun dialogo.

Pro e contro del lavoro di squadra

I comandi sono con tutta probabilità la cosa che più ha contribuito a far sì che Primal venisse accantonato, perché purtroppo disponeva di alcuni metodi che a lungo andare diventavano noiosi: durante i combattimenti, bastava schiacciare ripetutamente R1 e L1, ma per assicurarsi di finire i nemici c’era un solo modo: farsi venire la tendinite spammando R2 e L2 ancora più insistentemente. Senza il colpo finale, i nemici rimanevano storditi per un po’ e poi ripartivano alla carica.

L’esplorazione in Primal, tuttavia, era molto suggestiva, perché le musiche d’atmosfera accompagnate dagli inquietanti suoni d’ambiente sapevano far immergere il giocatore in quelle terre silenziose ma dove qualcosa era sempre in agguato.

Come già accennato, dopo aver cominciato il gioco esclusivamente nei panni di Jen, era possibile passare al controllo di Scree attraverso il tasto select, e usufruire delle sue abilità, tra cui quella di scalare i muri come se fosse una calamita. In questo modo, si potevano bypassare strade chiuse o torri troppo alte, andando ad aprire le porte per Jen o gettandole una corda per farla salire.

L’unico problema di questa funzione di Primal era che, a volte, dopo aver svolto un compito con uno dei due e nel tentativo di riunirli, il gioco si buggava e per un certo tratto i due personaggi non erano più in grado di seguirsi autonomamente come invece erano programmati per fare (oppure a volte si rischiava di perderne uno per strada a causa di qualche parete antipatica). Ma era presto risolto, perché questa condizione comunque durava soltanto il tempo di pochi passi, e inoltre accadeva raramente.

Un metodo di spostamento che risultava comodo erano i portali attraverso cui si poteva fare il classico viaggio rapido, e le tappe da raggiungere in questo modo si sbloccavano soltanto dopo averle visitate. Come per quasi ogni altra cosa, era necessario che ci fossero entrambi i personaggi per attivarli.

Quando si dimenticava l’obiettivo e ci si voleva ricordare quel che si stava facendo, bastava premere triangolo e Jen avrebbe domandato a Scree qual era la loro missione attuale, così da continuare la ricerca in base agli indizi che lui dava.

Rock & tarocchi

Tra i vari oggetti da raccogliere c’erano le carte dei tarocchi rappresentanti ogni personaggio di Primal, e ognuno associato a una delle figure del mazzo. Un simpatico e interessante contenuto aggiuntivo che vedeva Jen collocata come the fool (il matto). Trovarli tutti regalava solo la soddisfazione di aver completato la collezione, e comunque le immagini erano tutte molto belle da vedere. A mano a mano che si sbloccavano le cutscene, queste diventavano disponibili nel menù, era possibile rivederle e riprendere il gioco da quell’esatto punto, oltre che dai nostri salvataggi.

Nella colonna sonora sono state inserite le canzoni di un gruppo rock americano conosciuto come 16volt, che hanno contribuito a far sì che Primal avesse un impatto deciso in sintonia con la sua aura dark.

Insomma, Primal per me ha potenziale e, secondo la mia opinione, ciò che serve perché ne venga fatto un remake. La storyline è originale, coinvolgente e i personaggi sono ben scritti (molti di loro, almeno nella versione italiana, hanno lo stesso doppiatore, ma certi dettagli passano in secondo piano). Che tutto questo venga dimenticato sarebbe un gran peccato. Con la tecnologia di adesso, comandi e meccaniche migliorate e riviste qua e là, potrebbe avere ciò che serve per diventare finalmente un titolo conosciuto e apprezzato da un pubblico più vasto. Dopotutto, il fatto che sia stato messo in vendita anche nello store della PlayStation 4 vorrà dire qualcosa, no? Io la butto là, Sony. Per favore?!

Un titolo non convenzionale

No More Heroes è sicuramente una delle produzioni più strambe e particolari mai approdate sulle console Nintendo, e ancora oggi mi chiedo come abbia fatto ad uscire su Wii un gioco dove si vedono donne e uomini seminudi, squartamenti, parolacce e gente che muore ogni tre secondi. Ma a me fa sicuramente piacere, e soprattutto al me bambino che giocò per la prima volta a questo titolo: finalmente potevo giocare a qualcosa di diverso, di strano e particolare. Al me bambino fece lo stesso effetto di Arancia Meccanica di Kubrick: all’inizio venni colpito dall’estrema violenza delle scene e l’impatto visivo mi scosse tremendamente e poco dopo lo abbandonai, probabilmente non capendo la ragione dietro quelle scelte.

Dopo averlo recuperato da grande capii finalmente cosa si celava dietro quel mare di sangue, violenza e battute che prima non capivo. Proprio come con il capolavoro di Kubrick iniziai a vedere tutti i tremila sottotesti che questo giocone voleva mostrarmi e i messaggi che stava cercando di mandarmi. Iniziai a capire che dietro gli sbudellamenti c’era una feroce critica a una società che non funziona come dovrebbe, dove la gente si uccide solo per il gusto di farlo e vuole salire una stupida classifica e diventare il numero 1. Perché questo è quello che fa il protagonista di questa storia: Travis Touchdown è solo un uomo assetato di sangue con tanta voglia di violenza che pian piano aprirà gli occhi sul mondo che lo circonda e capirà che prima o poi le conseguenze delle sue azioni busseranno alla porta.

Il genio dietro la follia

La trama di No More Heroes è molto semplice e lineare: il nostro beniamino dovrà scalare una classifica per diventare l’assassino migliore d’America e per farlo si farà strada attraverso una decina di contendenti con la sua Beam Katana: una spada laser comprata comodamente su e-bay. Travis verrà quasi incastrato in questa sfida dalla bellissima Sylvia, che prenderà il posto di suo agente in questa macabra scalata verso la gloria, oppure la più disastrosa discesa negli inferi.

Due geni a confronto

Analizzando il metodo di lavoro e formulazione delle idee di Suda51 mi è subito venuto in mente Hideo Kojima: non intendo paragonarli a livello artistico. Sono due persone molto diverse che nelle loro opere trattano temi parecchio divervi e soprattutto differiscono nel modo in cui raccontano queste storie. Se da una parte abbiamo Kojima che racconta delle storie che scavano nel profondo dei suoi personaggi e soprattutto del mondo che vivono, che è sempre il mondo reale, attraverso un ottica fantapolitica che però esplora quello che è stata l’umanità nel corso degli anni; dall’altra parte abbiamo un uomo che vuole raccontare se stesso con le sue opere, quasi autoanalizzandosi e raccontando storie tuttosommato piccole (lo stesso No More Heroes è ambientato in una singola città), che però finiscono per narrare la storia, quella di un paese come il Giappone, pieno di contraddizioni e problemi, nonostante spesso voglia parlare di quello che lui stesso ha passato nel corso della sua vita.

Le influenze post punk di No More Heroes

Un’altra grande ispirazione nel lavoro di Suda51 è il movimento post punk e new wave musicale degli anni ’70: basti pensare ai Joy Division, e successivamente ai New Order, onnipresenti nella carriera del game designer. Basti pensare alla copertina di “Unknown Pleasures“: forse la copertina di un album più iconica della storia della musica, che viene ripresa da Travis in No More Heroes 3 come design di una T-shirt (maglietta che io possiedo, pensate a quanto sono lesionato con sto gioco). I riferimenti sono innumerevoli nei vari giochi di Suda51: sempre parlando dei Joy Division, Garcia Hotspur, protagonista di Shadows of the Damned (di cui è stata annunciata una remaster lo scorso anno) ha sulla giacca le scritte “LOVE WILL TEAR US APART” e “DEAD SOULS”, due celeberrime canzoni della band.

Una delle sorprese più grandi è stata scoprire, rigiocandoli una volta cresciuto, che nei vari giochi di Grasshopper Manufacture sono presenti numerosi riferimenti musicali alla band britannica anni ’80 The Smiths, ed è stato un piacere vedere la mia band preferita venire richiamata così spesso. Per esempio in Travis Strikes Again: No More Heroes, il titolo è ispirato a Bigmouth Strikes Again, una famosa canzone degli Smiths, proveniente dall’album The Queen Is Dead. Album che viene a sua volta citato nel titolo di un altro gioco: infatti il riferimento è palese in Killer Is Dead, altro gioco action adventure che consiglio caldamente. E di riferimenti simili ce ne sono a iosa nei giochi firmati Suda51, e vi invito a scoprirli tutti.

Un consiglio da amico

Mi ricorda un po’ quello che fa Hirohiko Araki ne Le Bizzarre Avventure di JoJo con i nomi di personaggi e stand, dando a ognuno il nome di una canzone, una band o un album. Mischiate tutte queste influenze musicali con i film della Nuova Hollywood anni ’70 e avrete la ricetta per una vera e propria opera di pop art. Basti pensare al protagonista: la fusione di Johnny Knoxville e Rocky Balboa che sprizza new wave e ribellione da tutti i pori. Un protagonista anticonvenzionale con cui non dovremmo empatizzare, ma che ci resterà sicuramente nel cuore per il suo carattere e il suo essere un fallito completo, un po’ come accade con Denji di Chainsaw Man.

Vi suggerisco di pensarci la prossima volta, quando starete per comprare per la terza volta The Last of Us, e magari godervi un titolo alternativo che vi fara riflettere in maniera non convenzionale, e non dicendovi che i veri mostri sono le persone e non gli zombie. Dal 2021 anche i primi due capitoli sono stati portati su Steam e con i saldi potreste portarveli a casa per meno di quindici euro l’uno. So che questo OLD BUT GOLD potrebbe sembrare confuso e senza nè capo nè coda, ma dopo tutto questa rubrica serve a consigliare titoli che purtroppo in un modo o nell’altro al giorno d’oggi sono quasi sconosciuti, o almeno io la penso così. Con questo chiudo e spero di aver convinto anche solo una persona a comprare questo benedetto gioco e magari a rigiocarlo decine di volte come faccio io (lo rigioco più o meno una volta l’anno).