Secondo la maggior parte delle dottrine cristiane tutt’ora esistenti, la Pasqua ha un significato più intimo rispetto alla semplice rinascita a nuova vita del mondo simboleggiata dal rifiorire degli alberi e dal ritorno degli uccelli migratori, ovvero la resurrezione di Gesù di Nazareth, a propria volta simbolo della promessa di vita eterna portata all’umanità grazie al suo sacrificio sulla croce.

Ebbene, non serve essere cristiani per testimoniare un ritorno dal regno dei morti. Anche il mondo videoludico, infatti, ha i propri risorti.

Quella che ti propongo in questo articolo è una carrellata di cinque personaggi tornati (o riportati) indietro dalla morte, i quali, a onor del vero, sarebbero molto più di cinque. Tuttavia, per rendere la lettura più leggera, ho selezionato quelli più conosciuti e più amati (magari c’è anche il tuo preferito. Chissà!). Onorevole menzione va a Sir Daniel Fortesque, intramontabile protagonista di Medievil, che non ho volutamente inserito in quanto si tratta di un mostro sacro del mondo videoludico.

Prima di iniziare, ti avviso che saranno presenti numerosi spoiler, per cui, se non vuoi incorrere in uno di essi perché magari non hai ancora giocato i titoli di cui uno o più personaggi tra questi sono protagonisti, ti consiglio di saltare i paragrafi a loro dedicati. Cominciamo!

1. Dante (Dante’s Inferno)

Se come me hai già una certa età, forse ricordi ancora Dante’s Inferno, un capolavoro uscito nel 2010 in esclusiva su PlayStation 3 che riproponeva in chiave horror gli eventi descritti nella prima cantica della Divina Commedia, l’opera poetica più importante della letteratura italiana. In quest’avventura dinamica, dal gameplay quasi identico a quello dei primi God of War, abbiamo come protagonista lo stesso autore del poema, Dante Alighieri, nelle inusuali vesti di un crociato di ritorno dalla Terra Santa per salvare l’amata Beatrice dalle grinfie di Lucifero, che vuole fare della ragazza simbolo della purezza femminile la sua infernale regina.

Più che di vera e propria resurrezione, qui si parla di fuga dalla morte, o meglio di sconfitta della morte. L’evento avviene in pieno early game: Dante, impegnato nel sanguinoso assedio della città di San Giovanni d’Acri, viene ferito alle spalle da un guerriero musulmano. Caduto in ginocchio e agonizzante, gli viene incontro la Morte stessa, che gli annuncia perpetua dannazione a causa dei propri peccati.

Il poeta crociato, illuso sulla propria immacolatezza dalle parole ingannevoli di un sicofante religioso, il quale aveva garantito a lui e compagni d’armi indulgenza plenaria grazie alla partecipazione alla spedizione contro gli infedeli, non accetta il verdetto del Tristo Mietitore, e lo affronta in battaglia in una dimensione alternativa interpretabile come la “via per l’Aldilà” (che bello, una boss fight a inizio gioco). Lo scontro si conclude con la vittoria di Dante, che decide di tenere per sé la falce del suo avversario, che diverrà la sua arma principale per praticamente tutto il gioco.

2. Geralt di Rivia (The Witcher)

Se hai giocato la meravigliosa trilogia di The Witcher sai già che farlo significa di fatto spoilerarsi la trama dei sette romanzi dello scrittore polacco Andrzej Sapkowski, i quali per primi raccontano le avventure del cacciatore di mostri Geralt di Rivia. Lo strigo dalla bianca chioma e dagli occhi ambra, infatti, era rimasto ucciso alla fine dell’ultima delle sopracitate opere letterarie (La Signora del Lago) in un modo piuttosto poco piacevole (infilzato dal forcone di un rabbioso contadino xenofobo). Stessa sorte era toccata poco dopo alla sua amata Yennefer di Vengerberg, stremata dallo sforzo magico compiuto proprio per tentare di salvare Geralt.

CD Projekt Red, che ha preso le redini degli eventi almeno fino a La stagione delle tempeste, ottavo capitolo letterario della Saga di Geralt di Rivia, uscito in Polonia nel 2013, ha continuato la storia più o meno da dove si era interrotta, ponendo un Geralt in preda ad una grave amnesia fuori dalla fortezza di Kaer Morhen, dimora degli strighi della Scuola del Lupo. Nel seguito del primo The Witcher (2007) si giunge a scoprire cosa è effettivamente successo: sia Geralt che Yennefer, in punto di morte, erano in realtà stati salvati da Ciri, allieva e figlia adottiva di Geralt, e da lei portati sull’isola di Avalon.

L’idillio dei due amanti viene tuttavia interrotto da un attacco della Caccia Selvaggia, un’orda di potenti stregoni elfi che rapisce Yennefer. Raggiunti gli aguzzini della sua metà, Geralt gli si offre in cambio della libertà di lei. Accettata la proposta e opportunamente cancellata la memoria della maga dai capelli corvini, la Caccia Selvaggia finisce col perdere anche il suo nuovo accolito. La fuga dello strigo si collega direttamente con gli eventi del primo episodio videoludico.

A conti fatti, la resurrezione di Geralt potrebbe essere interpretata come una metafora di rinnovamento metanarrativo, in questo caso di un personaggio che da letterario si fa videoludico.

3. John Marston (Red Dead Redemption)

Chiunque abbia giocato il leggendario Red Dead Redemption (2010) di Rockstar Games è rimasto senza dubbio traumatizzato dall’iconica morte di John Marston, simbolo della fine dell’era del Selvaggio West e dei fuorilegge. Questo tema è stato ripreso anche nel titolo prequel Red Dead Redemption II (2018), dove il pistolero ricompare in tutta la sua durezza, sebbene più giovane di circa dodici anni.

L’epopea di questo antieroe, che sembrava aver incontrato il proprio destino sull’uscio del proprio fienile, crivellato di colpi, in realtà ottiene una ben orchestrata espansione dal sapore horror nel DLC Red Dead Redemption: Terrore dall’Oltretomba, dopo la fine del quale il bandito dal grilletto facile riemerge letteralmente dalla propria tomba in forma di non-morto. Tutto ciò a causa della reiterazione della maledizione da lui stesso sventata a causa della necrofilia (e tafofilia) del suo collaboratore Seth Briars, comparso sia nell’early game della storia originale che nel DLC appena citato.

4. Talion (La Terra di Mezzo)

Il protagonista dei due titoli action RPG ispirati (ma non al cento per cento conformi) alle opere di J.R.R. Tolkien pubblicati da Warner Bros. Interactive Entertainment possiede un soprannome molto eloquente: il Senzamorte (sì, lo so che esiste un solo e unico Senzamorte e si chiama Durin I). L’origine di questo epiteto è ben manifesta: basta anche solo iniziare La Terra di Mezzo: L’ombra di Mordor (2014) per assistere al ritorno del ramingo di Gondor posto a guardia del Cancello Nero dalla morte a causa di una terribile maledizione impostagli dalla Mano Nera di Sauron, che gli impedisce di trovare l’eterno riposo in compagnia di sua moglie e suo figlio.

In questo caso si può dire che siamo in presenza di non una ma molteplici resurrezioni, visto che a ogni eventuale morte, Talion ritornerà sistematicamente in quanto, per l’appunto, incapace di morire, consentendoci di proseguire l’avventura.

5. Kratos (God of War)

L’ultimo di questa rassegna pasquale, ma il primo nel cuore di tantissimi gamer (forse anche nel tuo) è il dio della guerra più amato del mondo videoludico. Un personaggio in continua evoluzione, controverso, carismatico e dotato di uno spessore psicologico quasi senza pari che, nel corso delle sue gesta cantate fin dall’ormai lontano 2005, è letteralmente tornato dall’Oltretomba (anzi da diversi oltretomba) diverse volte. Dall’Ade di God of War III (2010) al Helheim del God of War del 2018, passando per le sue diverse morti, apparenti o reali che fossero, rispettivamente per mano di Ares (God of War, 2005), Zeus (God of War II, 2007) e sé stesso (God of War III).

Questi numerosi ritorni alla vita dell’uomo che si è fatto dio e del dio che è tornato uomo fanno di Kratos quasi un’allegoria dell’animo umano, incatenato alle proprie convinzioni, religiose e non, e allo stesso tempo desideroso di liberarsene, finendo poi per rimpiangerle disprezzandole al tempo stesso.

Giunti alla fine di questo lungo ma spero piacevole excursus, colgo l’occasione per augurarti, da parte di tutti noi di iCrewPlay, una buona Pasqua.

La primavera rende il tutto colorato e più spensierato e da buoni nerd quali siamo, non possiamo che sottolineare come i periodi festivi siano sempre un’ottima scusa per giocare un pò di più, per recuperare dei titoli dal backlog oppure per rilassarsi e staccare dai ritmi frenetici della quotidianità.

Chi scrive vuole qui presentare una semplice lista di giochi che la propria mente collega alla Pasqua, vuoi per atmosfere delle sue ambientazioni, vuoi perché furono giocati proprio in quel periodo o ancora per altri motivi.

Ecco quindi che andiamo a presentare questi 5 titoli, sottolineando da subito che la lista è puramente indicativa e rispecchia emozioni e motivazioni personali. L’intento, quindi, è quello di creare un buon momento di discussione e condivisione.

Far Cry 3 e la maestosa bellezza dell’isola tropicale a Pasqua

Il lussureggiante verde delle Rook Islands, l’alternarsi del giorno e della notte, l’esplorazione di pianure, colline e montagne e i momenti di divertimento passati su Far Cry 3 ricordano allo scrivente proprio la Pasqua e le atmosfere primaverili.

Diciamocelo, il titolo in questione fu molto apprezzato, soprattutto per il suo incredibile villain, ovvero Vaas Montenegro, personaggio che è stato recentemente riproposto in Far Cry 6.

I ricordi si focalizzano su una particolare (e ignorantissima) quest in cui il gioco indicava di dover bruciare, con un fighissimo lanciafiamme, una piantagione di Marijuana sulle note di “Make it Bun Dem” di Skrillex e Damian Marley.

Quale miglior modo per festeggiare la Pasqua che trucidare nemici sulle sonorità di questa canzone e con un paradiso terrestre da conquistare? La primavera è ormai giunta e Far Cry 3 è molto affine al periodo.

Journey e il silente viaggio

Pochi titoli sanno rilassare e contemporaneamente emozionare come Journey. Il gioco, uscito originariamente su PlayStation 3, è divenuto negli anni un vero e proprio cult, una perla rara da apprezzare e lodare.

Le sue atmosfere di solitudine, il percorso in un ambiente meraviglioso e desolato, l’alternarsi di colori tenui e una poetica implicita ma costante, rendono il gioco l’ideale per passare degli spensierati momenti a Pasqua e nei giorni festivi. Con il sole che tocca le finestre, i dolci festivi a dominare le nostre tavole e un po’ di tempo libero, farsi cullare da Journey è un vero toccasana per il corpo e per la mente.

I ritmi all’insegna della frenesia e delle preoccupazioni possono essere piacevolmente lasciati da parte in un viaggio che propone un’alternativa valida ai titoli mainstream.

La cura maniacale per i dettagli, l’estetica precisa e bellissima e l’impostazione di gioco, semplice ma non per questo banale, costituiscono gli elementi principali di una perla incredibile che dovrebbe essere giocata da tutti. Se non lo hai ancora fatto questa Pasqua sarà il periodo giusto per imbarcarti in questo viaggio che, probabilmente, ti cambierà sia come persona che come videogiocatore.

Pokémon Rubino e i pomeriggi di un bambino felice

Qualcuno è in grado di immaginarsi un regalo più azzeccato per un bambino nei primi anni duemila che non sia l’edizione speciale del GameBoy Advance SP di Pokémon Rubino? Ti rispondo io. No!

In un pomeriggio primaverile fui deliziato da questo incredibile regalo. Ai tempi non possedevo nessuna console “personale” e guardavo con ammirazione mio fratello mentre giocava alle prime due PlayStation. Quella piccola macchinetta allietò i miei pomeriggi, proponendosi come un valido passatempo tra i giochi all’aperto e i primi impegni.

Hoenn, agli occhi di un bimbo, era spettacolare e la nostalgia fa tutt’oggi il resto. Il collegamento mentale resta sempre molto attivo e ad ogni Pasqua non posso che ricordare, con quel sentimento dolce/amaro di qualcosa andata via per sempre, quegli splendidi momenti in cui, per la prima volta, il medium diventava “mio”.

Per me Pasqua è ancora sinonimo di Pokémon Rubino e viceversa.

Skyrim e le lunghe camminate

Skyrim fu per me la porta di ingresso, come tanti, al genere dei GDR. Col tempo, ovviamente, sono riuscito a comprenderne i difetti e le potenzialità ma è innegabile che, anche nel 2022, pensare ai lunghi percorsi fatti nelle zone verdeggianti della provincia settentrionale di Tamriel, ha un suo perché.

Un open world incredibile, il cambiamento tra aree innevate e atmosfere primaverili e un sistema ludico che faceva di tutto per intrattenere e divertire il giocatore non possono che essere solo alcuni dei motivi per cui Skyrim è stato un tale successo.

Sarò scontato e banale, ma passeggiare virtualmente da Riverwood fino a Whiterun è ancora un’esperienza terribilmente appagante e immersiva e, ogni volta, non posso che associare momenti del genere al periodo di Pasqua e a quella tranquillità che collego mentalmente al periodo.

Tra mille mod, edizioni rinnovate e utenti ancora attivissimi, Skyrim, dopo più di 10 anni, è ancora sulla cresta dell’onda.

Zelda Breath of The Wild e la natura incontaminata

Anche qui ci sarà sicuramente qualcuno che mi criticherà, ma non posso fare a meno di associare questo importante titolo alla Pasqua, alla primavera, al verde della natura, ai fiori che sbocciano e alla spensieratezza.

Per me Zelda Breath of the Wild è un capolavoro indiscusso e, nonostante lo abbia recuperato da poco e non nel periodo oggetto di questo articolo, l’ho fin da subito associato al periodo pasquale.

Sul titolo se ne dicono di ogni, ognuno l’ha apprezzato per motivi diversi, e, come è giusto che sia, qualcuno ha faticato ad innamorarsene. Tuttavia anche solo osservando gli artwork del gioco e alcuni screenshot fatico a non rimanere ogni volta estasiato e sbalordito da cotanta ispirazione artistica.

Tutto questo, poi, è ottimante legato al ritmo del gioco, compassato ma non per questo tedioso o noioso, con un incidere che segue quella che è la naturale curiosità del camminatore che, proseguendo, scopre esteticamente un mondo in cui la natura ha un ruolo di primo piano ed in cui i colori pastello e la palette cromatica, che regala scorci e orizzonti incredibili, forniscono una valida motivazione per esplorare l’estesissima mappa.

Scrive Careri in “Walkscapes. Camminare come pratica estetica” che:

“È camminando che l’uomo ha cominciato a costruire il paesaggio naturale che lo circondava. È camminando che nell’ultimo secolo si sono formate alcune categorie con cui interpretare i paesaggi urbani che ci circondano”.

Come fa tutto questo a non ricordarvi la Pasqua, la primavera e le passeggiate nella natura? Prima d lasciarci non possiamo che augurarti dei sereni giorni di festa.

Un esempio della considerazione per il doppiaggio nel mondo dei videogiochi si è avuto quando l’attore statunitense Christopher Judge ha rivelato il suo coinvolgimento nell’espansione di Marvel’s Avengers di Square Enix, prestando la voce a T’Challa/Black Panther.

Grandi nomi dietro ai doppiaggi videoludici

Non si tratta del primo e non sarà l’ultimo caso: già in passato diverse case videoludiche hanno optato per scritturare nomi noti del cinema affinché prestassero la propria voce (in alcuni casi anche le movenze) ai loro personaggi. Una scelta che a volte ha dato i suoi frutti, rivelandosi in altre occasioni un insuccesso.

Oggi ti propongo cinque titoli che hanno visto l’incursione di attori famosi tra le fila dei propri doppiatori.

Mentre leggi, tieni presente che ciò che segue non vuole essere una classifica. Si tratta di un excursus informativo che un letterato e politico di un’altra epoca avrebbe definito ‘commentario‘.

1. Death Stranding

Partiamo da un titolo recente (2019). L’ultima opera pubblicata di Kojima Hideo è stata un vero e proprio concentrato di prestiti dal cinema internazionale: una serie di attori più o meno conosciuti su cui spiccano i nomi di Norman Reedus e Mads Mikkelsen, rispettivamente nei panni del protagonista Sam Porter Bridges e di Clifford “Cliff” Unger.

Reedus è nato in Florida ma ha vissuto in diverse parti del mondo (compreso, ironia della sorte, il Giappone). Dopo una lunga serie di lavori divisi tra cinema e televisione è diventato un volto familiare al pubblico grazie alla sua interpretazione nel ruolo del redneck dal cuore d’oro Daryl Dixon, uno dei protagonisti della serie post-apocalittica The Walking Dead.

Mikkelsen, danese di Copenhagen dal volto impenetrabile, ha ricoperto nel corso della sua carriera attoriale ruoli eterogenei e sfaccettati: dall’enigmatico e imbattibile pokerista Le Chiffre (Casino Royale, 2006) all’affascinante e pericoloso Hannibal Lecter (Hannibal, 2013 – 2015), passando per il coraggioso cavaliere sarmata Tristano nel King Arthur di Antoine Fuqua (2004).

Entrambi si sono detti soddisfatti dell’esperienza. Reedus in particolare ha dichiarato di aver ricevuto parole incoraggianti riguardo la propria professione dallo stesso Kojima Hideo, il quale ha parlato della figura dell’attore come di un elemento insostituibile.

2. Beyond: Two Souls

Anche in questo caso abbiamo una coppia di star. Si tratta di Willem Dafoe ed Elliot Page (che all’epoca della produzione era conosciuto come Ellen Page), interpreti di Nathan Dawkins e Jodie Holmes, i due protagonisti di questa avventura grafica di Quantic Dream del 2013.

Dafoe è un’interprete di grande caratura, dotato di uno sguardo intenso ed espressivo. Attivo fin dai primi anni ottanta, ha offerto anche a questo titolo le sue doti attoriali e vocali.

Elliot Page è stato consacrato al grande pubblico per il suo ruolo da protagonista in Juno (2007) e gli appassionati di cinecomic lo ricorderanno per aver interpretato la mutante Shadowcat in due film della serie dedicata agli X-Men.

Anche Beyond: Two Souls si è rivelata a suo tempo (2013) una grande prova attoriale per i due interpreti, i quali si sono dovuti misurare con due personaggi tutt’altro che piatti, entrambi preda di sconforto e incertezze.

3. Assassin’s Creed

Nel primo Assassin’s Creed (2007) avemmo una guest star d’eccezione, la quale incarnava l’assassina sotto copertura Lucy Stillman, principale alleata del protagonista Desmond Miles sia nell’avvio che nei seguenti due titoli della saga Ubisoft.

Si tratta dell’attrice e doppiatrice statunitense Kristen Bell, già all’epoca con una notevole popolarità grazie al suo ruolo da protagonista nella serie televisiva Veronica Mars (2004 – 2019), oltre ad aver già preso parte a una lunga serie di progetti cinematografici e televisivi.

In quell’occasione prestò al personaggio di Lucy Stillman la voce e le fattezze del volto, non essendo ancora diffuso l’uso della tecnica della motion capture, che in quello stesso anno aveva visto la realizzazione di uno dei primi progetti filmici interamente girato con essa, ovvero il fantasy La leggenda di Beowulf, diretto da Robert Zemeckis.

4. Prince of Persia: Spirito guerriero

Nella seconda avventura dell’innominato Principe di Persia, arrivata sui nostri schermi nell’ormai lontano 2004, il protagonista si incontra e scontra con una fanciulla in pericolo che si rivela infine una femme fatale in piena regola: l’Imperatrice del Tempo Kaileena.

Per questo motivo, Ubisoft scelse colei che è considerata l’archetipo della femme fatale per doppiare il personaggio. La scelta ricadde sull’apprezzata Monica Bellucci, che non ha bisogno di presentazioni.

Pur essendo italiana di nascita e di lingua, l’attrice e modella si limitò a prestare la voce a Kaileena nella versione originale inglese, mentre il compito di doppiare in italiano l’Imperatrice fu affidato a Giò Giò Rapattoni, attiva principalmente nel doppiaggio di film e serie televisive, sia live action che d’animazione.

Rimanendo sul versante del doppiaggio italiano del titolo, vi fu un’altra incursione dal mondo del cinema. Si tratta dell’attore e modello torinese Dario Oliviero, in arte Gabriel Garko, che sostituì Yuri Lowenthal prestando la voce al protagonista.

Va ricordato che si trattò di interpretazioni unicamente vocali, dato che nessuno dei due personaggi ricorda nell’aspetto il proprio interprete vocale.

5. Mirror’s Edge

Siamo giunti alla conclusione di questa carrellata di doppiaggi con interpreti d’eccezione. Per questo titolo d’azione del 2008 il coinvolgimento di attori è stato quasi interamente italiano.

Si trattò in questo caso di una scelta parzialmente azzeccata, simile a quella discussa prima riguardo Gabriel Garko. A interpretare vocalmente la protagonista, la spericolata runner Faith Connors, fu Asia Argento.

Sebbene l’attrice avesse già all’epoca circa vent’anni di interpretazioni alle spalle, non si afferma lo stesso per quanto riguarda il versante vocale. Durante l’ascolto, infatti, si percepisce da parte sua il controllo costante dell’accento romano, che ha reso la sua interpretazione innaturale.

Curiosamente, anche il padre di Asia Argento, il celebre regista Dario, ha prestato la voce al personaggio di un titolo videoludico. Si tratta di Dead Space, apprezzato horror fantascientifico coevo dello stesso Mirror’s Edge, nel quale ha interpretato vocalmente il dottor Terrence Kyne.

In questo caso, la scelta si è rivelata discutibile, dato che, contrariamente alla figlia, il regista non sembra aver compiuto alcuno sforzo per mascherare la propria dizione, lasciando percepire l‘accento romano. Questo ha di fatto caratterizzato il dottor Terrence Kyne come un cittadino della capitale (un effetto che non era nelle intenzioni degli sviluppatori di Visceral Games).

Cosa ne pensi di queste scelte di doppiaggio? Faccelo sapere con un commento e seguici sui nostri canali social per non perdere i prossimi articoli.

In alcuni casi, questa seconda strada ha portato a risultati straordinari: giochi capaci non solo di replicare il successo del capitolo precedente, ma di superarlo sotto ogni aspetto, diventando punti di riferimento per l’intero medium.

Vediamo cinque sequel videoludici che sono riusciti in questa impresa.

Mass Effect 2

La saga di Mass Effect rappresenta ancora oggi uno dei vertici del GDR occidentale, ma è con il secondo capitolo che l’opera di BioWare raggiunge la sua forma più compiuta.

Il primo episodio aveva introdotto un universo affascinante, una narrativa ambiziosa e un forte impianto ruolistico, ma mostrava evidenti limiti sul fronte dell’azione. Il sistema di combattimento risultava legnoso e poco appagante, soprattutto se confrontato con gli sparatutto contemporanei dell’epoca.

Con Mass Effect 2, BioWare decide di intervenire in modo netto: il gunplay viene reso più reattivo, le coperture più funzionali e il ritmo generale dell’esperienza guadagna intensità. In cambio, viene leggermente ridimensionata la complessità GDR, scelta che si rivela vincente.

Il risultato è un equilibrio eccellente tra narrazione, azione e gestione dei personaggi. Le missioni dedicate ai compagni, la costruzione delle relazioni e una storia tesa e coinvolgente consacrano il gioco come il capitolo più amato dell’intera trilogia.

Assassin’s Creed II

Il primo Assassin’s Creed colpì tutti per atmosfera, ambientazione e libertà di movimento, ma soffriva di una struttura estremamente ripetitiva. Dopo poche ore, le missioni iniziavano a sembrare variazioni dello stesso schema.

Ubisoft prese atto delle critiche e con Assassin’s Creed II trasformò una buona idea in una saga leggendaria. Ambientato nell’Italia rinascimentale, il secondo capitolo introduce un protagonista carismatico come Ezio Auditore e una narrazione molto più curata.

Le attività vengono diversificate, il mondo di gioco diventa più vivo e la progressione è finalmente scandita da eventi e situazioni differenti. Ogni città ha una propria identità e la storia accompagna il giocatore con un ritmo decisamente più efficace.

Con questo capitolo, la serie smette di essere un esperimento interessante e diventa un fenomeno globale.

Jak 2: Renegade

Con Jak 2, Naughty Dog compie una delle svolte più coraggiose della propria storia. Il primo Jak & Daxter era un platform solido e colorato, ma ancora ancorato a schemi piuttosto tradizionali.

Il sequel cambia completamente tono: l’ambientazione diventa più cupa, la storia più articolata e il protagonista, finalmente dotato di voce, acquista una vera identità. Haven City è un mondo complesso, con tensioni politiche e sociali che danno profondità all’esperienza.

Il gameplay si espande con armi da fuoco, veicoli e nuove abilità, rendendo l’azione più varia e impegnativa. Anche dal punto di vista tecnico e narrativo il salto è evidente.

Jak 2 segna il momento in cui Naughty Dog inizia a emergere come uno dei migliori studi narrativi del settore.

Dragon Ball Z: Budokai Tenkaichi 2

Il primo Budokai Tenkaichi aveva finalmente portato Dragon Ball in arene completamente tridimensionali, ma lasciava ancora margini di miglioramento.

Il secondo capitolo fa esattamente ciò che un sequel dovrebbe fare: espande, rifinisce e perfeziona. Il roster cresce in modo significativo, le trasformazioni aumentano e la modalità storia ripercorre l’intera saga con maggiore completezza, includendo anche GT.

I combattimenti risultano più bilanciati, spettacolari e fedeli all’anime, mentre il comparto tecnico migliora in animazioni ed effetti. Le numerose modalità aggiuntive garantiscono una longevità enorme, sia in singolo che in multiplayer.

Ancora oggi viene ricordato come uno dei migliori giochi di Dragon Ball mai realizzati.

Horizon Forbidden West

Tra i sequel più recenti, Horizon Forbidden West dimostra come sia possibile migliorare un titolo già eccellente senza limitarsi a riproporne la formula.

Rispetto a Zero Dawn, il nuovo capitolo lavora soprattutto sulla narrazione: la storia diventa più personale, i personaggi più sfaccettati e Aloy viene approfondita in modo molto più umano. I dialoghi, le regie delle scene e il ritmo del racconto risultano sensibilmente più curati.

Anche il gameplay beneficia di numerose rifiniture, mentre il mondo di gioco si amplia con ambientazioni più varie, nuove macchine e sistemi di combattimento più flessibili.

Il risultato è un sequel che non si accontenta di replicare il successo del passato, ma lo supera, offrendo un’esperienza più matura e coinvolgente.

Conclusione

Realizzare un grande sequel non significa solo “fare di più”, ma fare meglio: capire cosa funzionava, correggere ciò che non convinceva e avere il coraggio di cambiare. I giochi citati dimostrano che, quando questa formula viene rispettata, il risultato può entrare di diritto nella storia dei videogiochi.

E per te? Qual è il sequel che ha superato il gioco originale?
Raccontacelo nei commenti e facci sapere quali titoli avresti aggiunto a questa lista.

Eppure, come avrai avuto modo di testimoniare durante le tue ore in compagnia delle narrazioni che il mondo videoludico sa raccontare, esistono titoli che propongono panoramiche su storie d’amore che spesso rivaleggiano con quelle letterarie o filmiche. In occasione di San Valentino ti proponiamo cinque tra le più riuscite romance presenti nel decorso videoludico di tutti i tempi, senza distinzione di generazione.

Prima di cominciare, un piccolo disclaimer sulla copertina: sappiamo bene che Link è secolarmente l’eterno friendzonato del mondo videoludico, tuttavia quel bacio che milioni di fan della serie attendevano dal 1986 è arrivato in quel The Legend of Zelda: Twilight Princess del 2006, per cui, come si suol dire, “cosa fatta capo ha“, ergo sono loro a meritare la menzione onorevole, come accadde per Sir Daniel Fortesque in questa top risalente a Pasqua 2021.

Ti ricordiamo inoltre che il contenuto di quest’articolo non è spoiler free, per cui se ti mancano alcuni dei titoli che elencheremo, ti consigliamo di saltarli man mano che li incontri.

Cominciamo!

I 5 migliori amori videoludici per San Valentino

1. Geralt di Rivia e Triss Merigold (The Witcher, The Witcher 2: Assassins of Kings, The Witcher 3: Wild Hunt)

Se hai giocato le avventure del witcher più famoso del mondo videoludico e oltre, saprai che non è di certo la metà che molte persone si augurerebbero, non disdegnando praticamente mai dolci compagnie neanche quando è più o meno seriamente impegnato, eppure c’è una presenza costante a fianco del Lupo Bianco ammazzamostri, ed è la maga dalla chioma rossa Triss Merigold.

Sebbene l’evoluzione della loro relazione lungo i tre capitoli della saga videoludica sia totalmente subordinata alle scelte in game di chi gioca, sono in molti e molte ad aver spezzato una lancia a favore del cosiddetto ‘team Triss‘, disdegnando difatto il canonico grande amore di Geralt, la sensuale e determinata Yennefer di Vengerberg, collega di Triss il cui spietato opportunismo è spesso causa degli allontanamenti da colui al quale è nei fatti legata dalla magia di un genio (questa parte della loro storia è raccontata meglio nei libri di Andrzej Sapkowski).

Proprio a causa di tale condizionamento la storia tra Geralt e Triss risulta giocoforza più genuina, sebbene intrisa di quella torbidezza che è propria della narrazione sapkowskiana, la quale è stata mantenuta in maniera egregia anche dagli sceneggiatori della controparte videoludica della saga del witcher.

2. Deacon St. John e Sarah Whitaker (Days Gone)

Days Gone (2019), a detta di molti, è stata una delle ex esclusive Sony peggio trattate da parte di critica e pubblico. Se da una parte il titolo nei fatti non fa spalancare gli occhi da nessun punto di vista, rimane comunque un’avventura che vale la pena vivere, anche perché la narrazione, sebbene sia zeppa di buchi di sceneggiatura colmati solo da quel finale alternativo sbloccabile solo ripulendo l’intera mappa dalle missioni secondarie, riserva una storia d’amore inizialmente disperata che di punto in bianco rifiorisce.

Deacon, il biker ed ex militare protagonista del gioco, viene separato dalla moglie Sarah durante le prime scene a causa del caos scatenato dall’epidemia che ha trasformato buona parte della popolazione degli Stati Uniti in bestie prive di ragione.

Inizialmente convinto di aver perduto per sempre la sua metà a causa dello schianto dell’elicottero di soccorso su cui l’aveva fatta salire, Deacon le erge una piccola lapide accanto alla carcassa di esso, tornando periodicamente in loco a raccontarle attraverso lunghi monologhi le sue esperienze dopo la fine del mondo.

Fortuna vuole che i due si ritrovino due anni dopo la loro separazione, corrispondente al mid game del gioco, dopo che abbiamo rivissuto la nascita e crescita del loro sentimento tramite i ricordi di Deacon stesso.

Proprio da questi flashback apprendiamo che la loro frequentazione iniziale non era stata per nulla facile a causa della loro diversa estrazione sociale (lui un motociclista scapestrato e non amante delle regole, lei una scienziata specializzata in botanica) e dal loro essere stati reciprocamente male accolti dalle rispettive cerchie, l’uno dalla famiglia di Sarah, per nulla convinta dal suo stile di vita, l’altra dalla banda di biker cui Deacon è affiliato, convinti che lei possa allontanare da loro il compagno, sebbene finisca poi per essere benvoluta da Boozer, il migliore amico di Deek.

Tutti questi elementi danno vita a quello che in effetti è uno dei rapporti amorosi meglio approfonditi del videogioco contemporaneo.

3. Ezio Auditore e Cristina Vespucci (Assassin’s Creed II, Assassin’s Creed: Brotherhood)

Sebbene il Mentore più amato tra gli Assassini di tutti i tempi abbia terminato i suoi giorni al fianco della veneziana Sofia Sartor, chi ha giocato nella loro interezza i tre titoli a lui dedicati ricorda bene la figura di Cristina Vespucci (canonicamente cugina del più famoso Amerigo), un amore giovanile del nostro Ezio che in seguito apprendiamo non essere nei fatti mai terminato.

La ragazza è una delle prime conoscenze che facciamo in Assassin’s Creed II (2009), sebbene compaia solo in quei brevi attimi di early game in cui la vediamo consumare una notte d’amore con il diciassettenne futuro Assassino.

Quella che sembrava essere una storia transitoria e puramente fine a sé stessa subisce una nuova luce nel corso di Assassin’s Creed: Brotherhood (2010), quando tramite una serie di quest secondarie scopriamo l’intera storia dell’evoluzione del rapporto tra Ezio e Cristina, che si rivela negli esiti una storia d’amore tragica, tanto è vero che l’ultima di queste missioni accessorie ha il nome di Pene d’amor perdute, in omaggio all’omonima opera shakespeariana, la quale ironicamente è una commedia.

Le quest mostrano in primis la conoscenza tra un nuovamente adolescente Ezio e la giovane, di cui egli si fa soccoritore dopo un tentativo di molestie da parte di quel Vieri de’ Pazzi che morirà a San Gimignano, per poi spostarsi a pochi mesi più avanti, quando ella lo aiuta a dare degne esequie agli ingiustamente giustiziati padre e fratelli di Ezio, caricandoli su una barca e mandandola alla deriva sull’Arno.

Le strade dei due si dividono a causa di questo evento, che li allontana per due anni, al termine dei quali Ezio, tornato a Firenze dopo l’esilio forzato a Monteriggioni, scopre da Cristina stessa che è stata promessa sposa a tale Manfredo, un nobile fiorentino con il vizio del gioco d’azzardo, il quale verrà salvato proprio da Ezio dai suoi creditori, dietro la promessa che si dedicherà alla futura moglie abbandonando il suo deplorevole divertimento.

Trascorsi altri otto anni, Ezio rincontra Cristina a Venezia, la quale gli rinfaccia di averla abbandonata nonostante ella avrebbe volentieri rifuggito le nozze se solo il futuro Mentore glielo avesse proposto, intimandogli di non cercarla mai più.

L’ultimo incontro tra i due amanti disperati avviene nel 1498, durante il Falò delle vanità di Firenze (un episodio narrato anche nell’omonimo DLC di Assassin’s Creed II), quando, a causa delle loro ricchezze, Manfredo e Cristina divengono bersaglio delle persecuzioni dei fanatici al seguito di Girolamo Savonarola. Sbarazzatosi degli inseguitori di lei dopo l’omicidio di Manfredo, Ezio non riesce purtroppo a salvare la vita della sua amata, che spira tra le sue braccia dopo avergli confessato di non aver mai smesso di amarlo.

Ancora più ironicamente, Ezio le rivolge le parole: “Riposa in pace, Amore mio!“, che fanno eco a quel ‘requiescat in pace‘ con cui pedissequamente accompagna i propri assassinii.

Una storia triste ma profonda e degna di comparire in questo elenco.

4. Senua e Dillion (Hellblade: Senua’s Sacrifice)

Abbandonando la teatralità, la storia d’amore di cui ci apprestiamo a parlare assume i connotati a tratti spaventosi della psicologia, nello specifico dei disturbi mentali, sui quali la scienza ha ancora molta strada da percorrere.

L’amore che lega la guerriera Senua, protagonista di Hellblade: Senua’s Sacrifice del 2018, al compaesano Dillion ha tutte le caratteristiche di un’amore impossibile. Questo perché Dillion è stato ucciso durante un’incursione norrena nel loro villaggio, ed è stato proprio il desiderio di restituire il soffio vitale all’amato a spingere Senua a compiere la discesa negli inferi che viviamo durante il gioco.

Tale viaggio e lo scopo per cui viene compiuto sono in realtà metafore della difficoltà che ogni persona incontra ad elaborare un lutto, la cui difficoltà raddoppia nel momento in cui a mancare è il proprio compagno o compagna di vita. Il tentativo di Senua di raggiungere la dea Hela indica altresì l’inferno che una persona vive nel momento in cui si trova davanti a una situazione del genere.

Non è neanche un caso se diversi tra gli ostacoli che Senua deve attraversare onde raggiungere il proprio fine sono legati a doppio filo con il suo passato, in particolar modo con i ricordi più spiacevoli, la cui via di fuga da essi viene sempre rintracciata in Dillion.

5. Farah e il Principe (Prince of Persia: The Sands of Time, Prince of Persia: The Two Thrones)

Citando il titolo di un film tratto dal manga non bisognoso di presentazioni Inuyasha, quello che chiude questa breve rassegna è un sentimento che trascende il tempo.

Il legame tra l’innominato Principe di Persia e la principessa indiana Farah, che nasce e cresce durante il primo dei due titoli sopracitati, ha infatti un destino molto particolare: nelle battute finali del gioco, la ragazza rimane uccise a causa di una caduta. Ciò spinge ulteriormente il Principe ad operare l’unica scelta possibile, richiudere la Clessidra contenente le Sabbie del tempo.

Tale atto riavvolge il tempo alla notte prima dell’invasione della città indiana in cui era custodito il manufatto, dando all’agile spadaccino l’occasione di cambiare il corso degli eventi e così salvare la vita di Farah, la quale, vedendolo sopraggiungere, chiaramente non lo riconosce.

Ritrovatisi nella Babilonia invasa dal vizir Zervan, loro vecchio avversario comune, nel secondo gioco nominato (il terzo della ‘tetralogia delle Sabbie del tempo‘), il Principe si avvede di non aver mai cessato di provare sentimenti per la sua compagna di battaglie cancellate dal corso del tempo nonostante la sua relazione con l’imperatrice del tempo Kaileena, uccisa da Zervan ad inizio gioco.

Determinato a ricostruire la sua città e speranzoso che le sue parole destino qualcosa nell’animo di Farah, dopo la sconfitta dell’avversario il Principe chiude il cerchio aperto nel primo titolo. Alla rinnovata domanda dell’arciera su come facesse a conoscerla prima di incontrarla, egli le risponde con quell’incipit che chi ama la saga conosce a memoria: “Molti pensano che il tempo sia come un fiume che scorre lento in un’unica direzione. Ma io che l’ho visto da vicino, posso assicurarti che si sbagliano. Il tempo è un mare in tempesta. Forse ti chiederai chi sono e perché io parli così. Siediti, e ti racconterò la storia più incredibile che tu abbia mai sentito.”

La citazione di quest’ultima coppia vuole anche essere espressione della speranza di vederla presto di nuovo in azione grazie a quel remake che non arriva mai, ma, cantava giustamente Cindy Gomez nella traccia che scorre insieme ai titoli di coda del titolo originale: “Time only knows“. Nella speranza che arrivi almeno nel 2023, tutti e tutte noi di iCrewPlay auguriamo a te (e alla tua metà) un felice San Valentino.

Ecco il riepilogo completo di tutto quello che è stato mostrato.

Kena: Scars of Kosmora apre lo show

Kena: Scars of Kosmora
Uscita: 2026 su PS5 e PC

Il sequel dell’action adventure è stato il primo grande annuncio. Kena torna con una nuova avventura sull’isola di Kosmora. Nuovi spiriti alleati, ambientazioni più ampie e la possibilità di cavalcare un foxy spirit. Il salto tecnico è evidente e l’impatto visivo resta uno dei punti di forza del progetto.

God of War: Sons of Sparta è già disponibile

God of War: Sons of Sparta
Disponibile ora su PS5

Il rumor era vero. Arriva uno spin off 2D in stile metroidvania con un giovane Kratos protagonista. Mappa interconnessa, combattimenti rapidi e uno stile artistico inedito per la saga.

Non è tutto. È stata annunciata anche una trilogia remake dei primi capitoli di God of War, attualmente in fase iniziale di sviluppo.

Nuovo gioco di John Wick

John Wick game
Data di uscita: da definire

Saber Interactive ha mostrato il primo trailer gameplay del titolo dedicato all’iconico assassino. Sparatorie intense, coreografie spettacolari e forte richiamo all’estetica cinematografica. Nessuna data ufficiale, ma l’interesse è alto.

Marathon avrà una beta gratuita

Marathon
Uscita: 5 marzo 2026

Il multiplayer shooter di Bungie sarà giocabile gratuitamente dal 26 febbraio al 2 marzo in un server test aperto su PS5, Xbox Series X e S e PC. Il lancio ufficiale seguirà pochi giorni dopo.

Oltre al nuovo gameplay mostrato, questa è stata l’informazione più concreta della serata.

Silent Hill Townfall si mostra finalmente

Silent Hill: Townfall
Uscita: 2026

Nuovo trailer e presentazione del protagonista Simon Ordell. L’atmosfera resta cupa e psicologica, con un’impronta narrativa molto marcata. Il progetto sembra voler recuperare l’identità horror più pura della serie.

Ghost of Yotei riceve il multiplayer

Ghost of Yotei
Uscita modalità coop: 10 marzo

Il titolo samurai introduce una modalità cooperativa gratuita. Fino a quattro giocatori, quattro classi selezionabili e missioni condivise. L’aggiornamento arriva già il prossimo mese.

Resident Evil Requiem punta sulla nostalgia

Resident Evil Requiem

Capcom ha mostrato una breve ma potente sequenza: Leon entra nella stazione di polizia di Resident Evil 2. Un richiamo diretto a uno dei momenti più iconici della saga.

Nessun gameplay esteso, ma il messaggio è chiaro. Il nuovo capitolo vuole dialogare apertamente con le sue radici.

Tutti gli altri annunci della serata

La State of Play è stata ricca di ulteriori novità:

• Saros uscirà il 30 aprile
• Metal Gear Solid Master Collection Vol. 2 arriva il 27 agosto
• Castlevania: Belmonts Curse in uscita nel 2026
• Control: Resonant mostra nuovo gameplay
• Legacy of Kain: Defiance Remastered esce a marzo
• Pragmata ha una demo già disponibile su PS5
• Beast of Reincarnation esce il 4 agosto
• Rayman torna con una nuova versione disponibile a breve
• Marvel Tokon Fighting Souls arriva il 6 agosto
• Darwin’s Paradox esce il 2 aprile
• Dead or Alive 6: Last Round in arrivo il 25 giugno

Quando si è svolta la State of Play

Data: 12 febbraio 2026
Orario: 23:00 ora italiana
Durata: circa 60 minuti

L’evento ha alternato produzioni indie, third party e aggiornamenti PlayStation Studios, senza però presentare un singolo annuncio capace di dominare l’intera serata.

È stata una State of Play convincente?

Solida, ricca, varia.
Non esplosiva.

Kena è stato il momento più sorprendente. Resident Evil ha giocato con la nostalgia. Marathon ha fornito date concrete. God of War ha unito spin off immediato e remake in sviluppo.

Ora la domanda è semplice: Sony sta preparando qualcosa di più grande per l’estate?

Qual è stato per te l’annuncio più importante della State of Play? Scrivilo nei commenti e seguici su Instagram per restare aggiornato su trailer, date di uscita e tutte le novità PlayStation.

Non è una storia di collezionismo estremo. È una storia di memoria, di passaggi di testimone e di quanto il videogioco sia ormai parte della vita di più generazioni.

Il regalo che nessuno si aspetta

L’utente, conosciuto su Reddit come ComprehensiveGift735, ha condiviso una foto che ha colpito subito la community. Sul tavolo si vedono chiaramente una PS3 Slim con controller, una PlayStation Portable e vari giochi fisici. Tutto funzionante, tutto in buone condizioni.

Non si tratta di un acquisto recente o di un recupero da mercatino. È un regalo di famiglia. Il nonno ha deciso di lasciargli il suo hardware, mentre la nonna, per ora, non ha ceduto il resto della collezione.

Un dettaglio che ha acceso l’immaginazione di molti.

La reazione della community: rispetto puro

Nei commenti il tono è unanime. Niente ironia, niente sarcasmo. Solo stupore e rispetto.

Molti utenti sottolineano quanto sia raro vedere un nonno che possedeva console come PS3 e PSP, e soprattutto che le abbia conservate con cura. Qualcuno scherza sul fatto che il regalo “non sia male”, altri ammettono apertamente un pizzico di invidia.

Un commento in particolare riassume il sentimento generale:
“Che nonno incredibile. Il mio non gioca nemmeno ai videogiochi, sei fortunato.”

Quando “retro” fa riflettere

Tra le risposte emerge anche un altro tema, più sottile. Per molti utenti, leggere parole come “console retro” associate a PlayStation 3 è stato uno shock.

La PS3 non è una console lontana nel tempo per chi l’ha vissuta. Eppure, nel 2026, i conti tornano:
il lancio risale al 2006 in Giappone e Nord America e al 2007 in Europa. Venti anni sono passati. Senza chiedere permesso.

Il post ha funzionato anche come promemoria generazionale: siamo cresciuti. E le console con cui abbiamo giocato stanno diventando eredità.

Perché PS3 e PSP contano ancora

La PlayStation 3 non è stata una console semplice. Il processore Cell ha reso lo sviluppo complesso, ma ha anche permesso risultati tecnici notevoli. È stata la prima PlayStation con Blu-ray, HDMI e una forte spinta verso l’alta definizione.

La PSP, dal canto suo, ha rappresentato uno dei momenti più ambiziosi del gaming portatile Sony. Giochi completi, multimedia, design elegante. Ancora oggi è una macchina amata, modificata, riscoperta.

Riceverle insieme, come pacchetto familiare, non è solo una questione di valore materiale.

Non è solo hardware

Il punto centrale della storia non è la console in sé. È il significato.

Un nonno che gioca. Un nipote che riceve quelle console non come oggetti vecchi, ma come pezzi di vita. È una dimostrazione concreta di quanto il videogioco abbia superato l’idea di “giocattolo per ragazzi”.

Qui non c’è nostalgia forzata. C’è continuità.

E se la nonna decidesse di vendere il resto?

Nel post si accenna a una possibilità che ha fatto sorridere molti: la nonna possiede altri giochi, forse altre console. Nulla è ancora stato ceduto.

Questo dettaglio ha acceso fantasie e battute, ma anche una riflessione pratica: quante collezioni sono finite sul mercato senza che nessuno sapesse davvero cosa rappresentavano?

In questo caso, almeno una parte di quella storia è rimasta in famiglia.

Una storia semplice, ma potente

Non ci sono cifre folli, non ci sono edizioni limitate introvabili. Eppure questa vicenda ha colpito più di tante notizie di collezionismo estremo.

Perché parla di passione che attraversa il tempo, di console che non finiscono dimenticate, di nonni che hanno vissuto il medium e lo hanno rispettato.

E in un periodo in cui tutto corre veloce, è una storia che vale la pena raccontare.

Qual è la console più “vecchia” che hai ancora in casa? L’hai ricevuta in regalo, l’hai ereditata o l’hai salvata per scelta? Raccontacelo nei commenti e seguici su Instagram per restare aggiornato.

Il primo nome circolato riguarda un gioco molto discusso, soprattutto tra gli appassionati di sport e combattimenti sul ring. E se la fonte si confermerà corretta, febbraio potrebbe partire con un colpo ben assestato.

PS Plus Essential febbraio 2026: il primo gioco è già noto

Secondo quanto riportato nelle prime ore di mercoledì 28 gennaio 2026, il titolo di punta del prossimo mese dovrebbe essere Undisputed. A rivelarlo è stato billbil-kun, insider noto per le sue anticipazioni sui servizi in abbonamento PlayStation, condivise tramite Dealabs.

Negli ultimi mesi le sue informazioni si sono rivelate estremamente precise, con pochissime discrepanze. Questo rende il leak particolarmente credibile, anche se la conferma definitiva arriverà solo con l’annuncio di Sony.

Undisputed è un gioco di boxe che punta su realismo, fisicità e un sistema di combattimento tecnico, lontano dalle interpretazioni arcade del passato. Un’aggiunta di peso per il catalogo Essential, soprattutto per chi ama i titoli sportivi più impegnativi.

Data e orario dell’annuncio ufficiale

Sony dovrebbe presentare il lineup completo di PS Plus Essential per febbraio 2026 nella giornata di oggi.

• Data prevista: mercoledì 28 gennaio 2026
• Orario previsto: 17:30 (ora italiana)

Come sempre, l’annuncio arriverà attraverso i canali ufficiali PlayStation e il PlayStation Blog, con la lista completa dei tre giochi mensili.

Quando saranno disponibili i giochi di febbraio

Una volta annunciati, i nuovi titoli PS Plus Essential verranno resi disponibili per il download a partire da:

• Martedì 3 febbraio 2026
• Orario stimato: tra le 10:00 e le 12:00

Da quel momento, gli abbonati potranno aggiungere i giochi alla propria libreria senza costi aggiuntivi, mantenendoli finché l’abbonamento resterà attivo.

Ultime ore per riscattare i giochi di gennaio

Prima del cambio di lineup, resta ancora un po’ di tempo per recuperare i titoli inclusi nel mese di gennaio 2026. Fino al 3 febbraio alle 10:00, puoi aggiungere alla tua raccolta:

• Need for Speed Unbound
• Disney Epic Mickey: Rebrushed
• Core Keeper

Need for Speed Unbound è ormai un punto di riferimento per gli amanti delle corse arcade moderne, mentre Core Keeper ha sorpreso molti giocatori grazie alla sua formula survival con forte componente cooperativa e atmosfere rilassate.

Se non li hai ancora riscattati, questo è l’ultimo momento utile.

PS Plus Essential, Extra e Premium: come funziona il servizio

PlayStation Plus resta suddiviso in tre livelli: Essential, Extra e Premium. Il piano Essential include l’accesso al multiplayer online, sconti esclusivi e tre giochi mensili, come quelli di febbraio in arrivo.

Chi vuole una libreria più ampia può valutare i livelli superiori, che aggiungono cataloghi di giochi PS4, PS5 e classici, oltre a funzionalità extra. La scelta dipende da quanto tempo dedichi al gaming e dal tipo di esperienze che cerchi.

Cosa aspettarsi dagli altri giochi di febbraio

Al momento il leak riguarda solo Undisputed. Gli altri due titoli del mese restano un’incognita. Di solito Sony abbina un gioco di richiamo a uno o due titoli di generi diversi, così da coprire gusti differenti.

La rivelazione completa chiarirà se febbraio 2026 seguirà questa linea o se ci saranno sorprese fuori schema.

Attesa quasi finita

Con l’annuncio previsto a breve, il quadro dei giochi PS Plus Essential di febbraio 2026 sta per diventare ufficiale. Se il leak sarà confermato, il mese partirà con un titolo solido e riconoscibile, capace di attirare anche chi finora non seguiva il genere.

Ora resta solo da scoprire quali altri giochi accompagneranno Undisputed nel prossimo lineup.

Seguici su Instagram per restare aggiornato

Quando arriva l’annuncio ufficiale

Sony non cambia spesso la sua strategia. I giochi Extra e Premium vengono annunciati il mercoledì che precede la terza settimana del mese. Per dicembre la data fissata è il 10 dicembre, alle 17:30. Niente sorprese sul fronte delle tempistiche, quindi. L’attesa però rimane perché il catalogo spesso cambia in modo significativo da un mese all’altro.

Cosa è già arrivato con Essential a dicembre

Gli abbonati Essential hanno già ricevuto la loro parte, e il pacchetto di questo mese è più ricco del solito. Dentro ci sono cinque titoli, un numero superiore rispetto allo standard. L’elenco è questo:

LEGO Horizon Adventures
Killing Floor 3
The Outlast Trials
Synduality Echo of Ada
Neon White

Una selezione che punta su varietà pura. C’è l’action per famiglie ispirato al mondo di Aloy, un FPS cooperativo che continua ad avere una community solida, un horror multiplayer che divide ma genera sempre curiosità, un progetto sci-fi di Bandai Namco e un platform velocissimo che ha conquistato molti speedrunner.

Questa scelta mette in chiaro che Sony ha deciso di chiudere l’anno con un’offerta più ampia del solito. Per chi bazzica anche Extra e Premium, è un buon segnale.

I giochi che lasciano il catalogo a dicembre

Ogni aggiornamento porta sempre via qualcosa, e dicembre non fa eccezione. Dal 16 dicembre non saranno più disponibili:

• Battlefield 2042
• Grand Theft Auto 3 – The Definitive Edition
• Arcade Paradise VR
• Sonic Frontiers
• Forspoken
• Star Wars: Tales from the Galaxy’s Edge
• Firefighting Simulator: The Squad
• Surviving Mars
• Star Trek: Bridge Crew
• Touhou Genso Rondo: Bullet Ballet
• River City Melee Mach!!
• 11-11 Memories Retold

Il dettaglio interessante è la varietà dei titoli coinvolti. Sparisce un FPS multiplayer, una remastered di un classico, un open world dedicato a Sonic, una produzione Square Enix che ha diviso molto, due giochi VR e una serie di progetti di nicchia. Un taglio così ampio suggerisce che Sony voglia riorganizzare un pezzo consistente del catalogo, aprendo spazio alle nuove aggiunte.

Cosa aspettarsi da Extra e Premium questo mese

La base da cui partire è sempre la stessa: Sony alterna mesi più forti a mesi più tranquilli. Dicembre tende a essere un mese piuttosto interessante perché il servizio vuole mantenere alta l’attenzione durante le festività. Il pubblico si aspetta almeno un titolo di peso in arrivo su Extra. Per Premium la situazione è sempre meno prevedibile, perché il catalogo dei classici avanza a scatti.

Ogni volta che si parla di Premium, la community tira fuori un grande desiderio: l’arrivo di Breath of Fire 3 e 4, due JRPG storici che mancano da troppo tempo al servizio. L’attesa continua a essere lunga, ma la speranza non cala. Sony ha dimostrato più volte di ascoltare le richieste, ma i tempi non sono mai immediati.

Le tre fasce dell’abbonamento e cosa cambia davvero

Molti giocatori non sanno ancora distinguere bene tra Essential, Extra e Premium. Il primo livello offre tre giochi al mese, sconti e multiplayer online. Extra aggiunge un catalogo corposo di titoli PS4 e PS5, aggiornato ogni mese. Premium aggiunge i classici, lo streaming e le versioni di prova dei giochi. È un sistema semplice, ma ognuno deve capire cosa gli serve davvero.

La scelta della fascia giusta cambia molto il rapporto qualità-prezzo. Chi gioca spesso trova valore in Extra. Chi ama i cataloghi retro può puntare su Premium. L’importante è monitorare cosa entra e cosa esce, perché il catalogo non è mai fermo.

Perché questa tornata di dicembre conta

La chiusura dell’anno porta sempre con sé un bilancio implicito sul servizio. Gli utenti valutano la qualità dei contenuti ricevuti negli ultimi dodici mesi. Dicembre diventa quindi un momento strategico per rinforzare la percezione di PS Plus. Se l’aggiunta mensile sarà forte, l’effetto ricaduta su tutto il sistema Sony sarà immediato.

A questo si aggiunge un altro dettaglio: il numero di giochi che escono dal catalogo è più alto del normale. Spesso questo è il segnale di un aggiornamento sostanzioso in arrivo. Non garantisce nulla, ma segue un modello già visto.

Cosa sperano i giocatori

Ogni mese la community si divide tra sogni e pronostici. Da un lato c’è chi vorrebbe un grande open world recente. Dall’altro c’è chi punta su un JRPG storico. Poi ci sono i fan dei classici che chiedono titoli PS1 e PS2 per ampliare davvero Premium. Ogni preferenza è legittima, ma Sony deve tenere insieme pubblico generalista e pubblico hardcore. Una sfida costante.

Il desiderio verso Breath of Fire resta uno dei più citati. Il suo arrivo darebbe un segnale forte al settore dei classici, ma richiede accordi editoriali complessi. Per ora resta un piccolo totem della community.

Le prossime ore chiariranno tutto. L’annuncio del 10 dicembre è vicino e ci dirà se Sony ha deciso di chiudere l’anno con audacia o con prudenza. In ogni caso la risposta della community sarà immediata.

Seguici su Instagram per restare aggiornato

PSN è attivo, ma il problema è altrove

Il semaforo ufficiale di Sony indica luce verde: i server PlayStation sono online. Tuttavia, molti titoli non riescono comunque a connettersi. Il motivo è semplice: diverse funzioni online dei giochi utilizzano l’infrastruttura cloud di Amazon per login, matchmaking e servizi aggiuntivi.
Quando AWS si blocca, anche i titoli che sembrano indipendenti da PlayStation subiscono ritardi o diventano del tutto irraggiungibili. Non si tratta quindi di un guasto interno a Sony, ma di un’interruzione a livello mondiale che coinvolge decine di servizi.

Tutti i servizi colpiti dal blackout AWS

Secondo quanto riportato da The Verge, l’interruzione di Amazon Web Services sta colpendo Europa e Nord America. Tra i servizi attualmente offline o connessi a singhiozzo ci sono:

• Amazon e Prime Video
• Alexa
• Fortnite
• Epic Games Store
• Roblox
• Clash Royale
• Snapchat
• ChatGPT

Il giornalista Tom Warren ha commentato su BlueSky che persino i campanelli smart non funzionano, impedendo agli utenti di vedere chi suona alla porta. Un segnale chiaro della portata del problema.

Come controllare se PSN è davvero down

Molti utenti credono che il PSN non funzioni perché i giochi non si avviano, ma il modo migliore per verificare è consultare due fonti ufficiali:

1. La pagina PlayStation Network Service Status di Sony, aggiornata in tempo reale.
2. Il sito downdetector.it che raccoglie segnalazioni dirette dagli utenti.

Se lo stato ufficiale del PSN è “Attivo” ma non riesci a entrare nei tuoi giochi, la causa è quasi certamente legata all’interruzione di AWS e non alla tua console o connessione domestica.

Quando tornerà tutto online

Al momento, Amazon ha confermato problemi tecnici nelle regioni US-East-1 e EU-West-1, che ospitano gran parte dei server di gioco e delle applicazioni cloud. I tecnici sono al lavoro per risolvere l’anomalia.
Nei precedenti blackout AWS, la piena operatività è stata ripristinata entro 3-6 ore. Se la situazione segue lo stesso schema, entro la giornata potresti tornare a giocare senza problemi.

Nel frattempo puoi dedicarti ai titoli offline o single player: non risentono dell’interruzione e funzionano senza connessione internet.

Perché AWS è così importante per il gaming

Amazon Web Services gestisce infrastrutture critiche per molti studi di sviluppo. Ospita server per il multiplayer, database di login e sistemi di autenticazione di centinaia di giochi. Anche se il PSN non dipende direttamente da AWS, gran parte dei giochi che utilizzi tramite la console sì.
È il motivo per cui oggi il PSN risulta attivo ma i giochi non partono, e anche piattaforme come Epic Games Store o Snapchat non riescono a comunicare con i propri server.

Cosa fare se non riesci a giocare

Non c’è molto da fare, se non aspettare che Amazon completi il ripristino. Puoi però:

• Verificare gli aggiornamenti sullo stato PSN.
• Seguire i canali ufficiali di PlayStation e AWS su X.
• Consultare AlleStörungen.de o portali come Downdetector per vedere in tempo reale l’andamento dei problemi.

Non serve riavviare la console o cambiare rete: il malfunzionamento è esterno e non dipende dal tuo profilo o dalla connessione di casa.

Aggiornamenti in tempo reale

Gamecast continuerà a monitorare la situazione nel corso della giornata. Ti aggiorneremo appena i server torneranno completamente online e i giochi multiplayer riprenderanno a funzionare normalmente.

Segui le novità e altri aggiornamenti dal mondo PlayStation su Instagram.

Tra guerre moderne e scontri storici, la serie si è evoluta in maniera inaspettata, partendo da un FPS diverso dal solito fino a diventare una delle alternative più solide e amate nel panorama degli sparatutto, e oggi si prepara a un nuovo capitolo che, dopo qualche passo falso, potrebbe finalmente riportarla ai fasti di un tempo. Scopriamo quindi insieme i migliori Battlefield fino a oggi, in attesa del sesto episodio, con la speranza che un giorno possa meritarsi un posto in questa classifica.

Battlefield 4 (2013)

Con Battlefield 4 la serie raggiunse la sua piena maturità, incarnando l’idea di “guerra totale” con un’ampiezza e una cura dei dettagli senza precedenti. Il lancio fu tutt’altro che semplice, segnato da bug e instabilità che ne offuscarono il debutto, ma con il tempo il titolo si trasformò in uno dei multiplayer più solidi e longevi mai realizzati. Le mappe dinamiche introdussero il celebre concetto di “Evolution”, eventi su larga scala in grado di modificare radicalmente la struttura del campo di battaglia, rendendo ogni match un’esperienza diversificata e spettacolare. L’arsenale vastissimo, i veicoli terrestri e aerei, e un sistema di progressione profondo ma bilanciato fecero di BF4 il manifesto della filosofia Battlefield.

Battlefield 2 (2005)

Nel 2005 Battlefield 2 riscrisse completamente le regole del multiplayer su PC, introducendo un livello di profondità tattica e di coordinazione di squadra che fino a quel momento era impensabile, soprattutto su larga scala. L’approccio realistico e il sistema di comandi che permettevano di impostare ordini, trasformarono le partite in vere e proprie operazioni militari su larga scala, dove la collaborazione e la pianificazione contavano quanto la mira e la reattività.

Le mappe, ampie e variegate, offrivano un equilibrio perfetto tra fanteria e mezzi corazzati, mentre il sistema di ranking online introdusse una dimensione competitiva nuova, spingendo i giocatori a migliorarsi costantemente. È il capitolo che ha posto le fondamenta della saga, l’esperienza che ha definito l’anima di Battlefield e che, ancora oggi, molti considerano il suo primo vero capolavoro.

Battlefield 1 (2016)

Con Battlefield 1, DICE scelse di compiere una virata audace riportando i giocatori nella Prima Guerra Mondiale, un’ambientazione rischiosa che si rivelò invece una delle sue più grandi forze grazie a un comparto tecnico di straordinaria potenza e a una direzione artistica che seppe fondere la brutalità del conflitto con una visione poetica e malinconica, lontana dalla classica narrazione della prima guerra mondiale, con trincee statiche e guerra di posizionamento, ma più vicina alla disperazione umana di un mondo in trasformazione.

Il Frostbite 3 diede vita a scenari realistici e visivamente imponenti, dove la polvere, il fango e la luce contribuivano a costruire un’immersione totale, mentre il gameplay, più lento e ragionato rispetto ai capitoli moderni, premiava il gioco di squadra e la gestione tattica del territorio. L’aggiunta di mezzi pesanti, cavalli e dirigibili rese ogni battaglia imprevedibile e spettacolare, consolidando Battlefield 1 come uno dei capitoli più evocativi e coraggiosi della serie.

Battlefield: Bad Company 2 (2010)

Bad Company 2 rappresentò uno dei momenti più brillanti e amati della saga, un perfetto equilibrio tra narrativa sopra le righe e uno scenario bellico spettacolare. La campagna, leggera ma non superficiale, offriva personaggi memorabili e un tono decisamente accessibile e ironico, capace di distinguersi in un panorama dominato da trame seriose e drammatiche. Ma fu il multiplayer a conquistare definitivamente i giocatori, ridefinendo il concetto di distruzione ambientale grazie a un Frostbite ancora giovane ma già rivoluzionario, capace di trasformare il campo di battaglia in qualcosa di vivo e mutevole.

Il sistema di classi era bilanciato con precisione, il ritmo delle partite trovava un punto d’incontro perfetto tra tattica e spettacolarità e la possibilità di radere al suolo interi edifici regalava una sensazione che prima d’ora non si era mai provato. Bad Company 2 rimane nel cuore dei fan non solo per il suo gameplay, ma per l’anima che riuscì a imprimere al marchio Battlefield.

Battlefield 3 (2011)

E arriviamo infine al vertice, al capitolo che più di ogni altro ha saputo incarnare la grandezza del marchio Battlefield. Battlefield 3 non fu semplicemente un nuovo episodio, ma un evento che segnò un salto generazionale netto, grazie al Frostbite 2 che ridefinì gli standard tecnici del genere con una resa grafica mozzafiato, effetti di luce realistici, distruzione ambientale credibile e un sound design che trasmetteva l’impatto e la credibilità di ogni scontro. Le mappe erano studiate con cura millimetrica: Mar Caspio offriva la scala e la libertà della guerra totale, mentre Operation Métro concentrava il caos in spazi chiusi e frenetici ( La mia preferita in assoluto) , dando vita a battaglie indimenticabili.

Il gunplay, preciso e reattivo, regalava sensazioni di controllo assoluto, e la progression premiava la dedizione senza intaccare l’equilibrio del gioco, lontano da qualsiasi forma di microtransazione. In Battlefield 3 ogni elemento sembrava al suo posto, in un equilibrio raro e proprio per questo rimane ancora oggi il simbolo dell’età d’oro della serie, il momento in cui Battlefield divenne leggenda.

La Season 1 si aprirà con Rogue Ops, seguita da California Resistance e infine dall’Offensiva Invernale, offrendo un calendario di aggiornamenti cadenzati che garantisce ai giocatori un costante flusso di novità e mantiene alto l’interesse competitivo del titolo.

Roadmap Stagione 1 Battlefield 6

• 28 ottobre – Rogue Ops
  Introdurrà la mappa Blackwell Fields, la modalità Strikepoint, il veicolo Traverser Mark 2, oltre a un set di nuove armi come la carabina SOR-300SC, la pistola GGH-22, il fucile di precisione Mini Scout e accessori come Rail Cover e LPVO.
• 18 novembre – California Resistance
  Porterà in rotazione la mappa Eastwood, una modalità a tempo limitato denominata Sabotage, la funzione Battle Pickups, il fucile a pompa DB-12, la pistola M357 Trait e l’accessorio Troy Angled.
• 9 dicembre – Winter Offensive
  Culminerà con la mappa evento a tempo limitato Ice Lock Empire State, un’inedita versione ghiacciata dell’Empire State Building, accompagnata dall’evento speciale Ice Lock e dall’arma corpo a corpo Ice Climbing Axe.

Un nuovo inizio per Battlefield

Dopo le difficoltà di Battlefield 2042, segnato da un lancio problematico e da un supporto iniziale fragile, il nuovo capitolo sembra costruito per riconquistare la fiducia della community. La Stagione 1 rappresenta un segnale forte: offrire contenuti sostanziosi già poche settimane dopo il lancio ufficiale del 10 ottobre, così da mantenere la community attiva e competitiva in un mercato dominato da rivali storici come Call of Duty: Black Ops 7.

Con questa roadmap, Battlefield 6 non solo punta a stabilizzarsi come esperienza solida e longeva, ma tenta di riaffermarsi come uno degli sparatutto multiplayer di riferimento, offrendo ai giocatori aggiornamenti regolari, eventi a tempo e nuove modalità pensate per rinnovare costantemente il gameplay.

Il successo planetario di Metal Gear Solid aveva cambiato tutto. Quello che per Kojima doveva essere un punto d’arrivo diventò invece l’inizio di una saga destinata a segnare la storia del videogioco. Il pubblico chiedeva un seguito, Konami pure. E così, nonostante i suoi progetti si stessero spostando altrove, Hideo tornò ancora una volta a vestire i panni del regista.

Il risultato fu Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty, uscito nel 2001 su PlayStation 2. Più che un semplice sequel, fu un salto concettuale. Kojima decise di spiazzare tutti: il protagonista, per gran parte del gioco, non era più Solid Snake ma Raiden, un giovane soldato che rifletteva lo sguardo ingenuo del giocatore stesso. La scelta fu controversa, ma coerente con l’idea di fondo: la saga non era una serie di storie isolate, era una riflessione continua su guerra, identità, controllo dell’informazione e società digitale.

Accanto ai temi filosofici, Kojima perfezionò ulteriormente il suo linguaggio autoriale: taglio registico, scene d’intermezzo curate nei minimi dettagli, dialoghi densi e un ritmo narrativo che oscillava tra cinema e romanzo. Ancora una volta, il videogioco non era più solo gioco: era racconto.

La maturità della saga: Snake Eater e Guns of the Patriots

Nel 2004 arrivò Metal Gear Solid 3: Snake Eater, un prequel ambientato negli anni ’60 in piena Guerra Fredda. Kojima abbandonò il contesto tecnologico delle precedenti opere per raccontare una storia più intima e umana, fatta di lealtà, sacrificio e tradimento. Il rapporto tra Naked Snake e The Boss resta uno dei momenti narrativi più alti mai raggiunti dal medium. E ancora una volta, Kojima sfruttò i limiti della tecnologia come trampolino: la sopravvivenza nella giungla, la caccia per nutrirsi, il camuffamento dinamico. Tutto contribuiva a rafforzare il coinvolgimento narrativo.

Il 2008 vide poi l’arrivo di Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots su PlayStation 3. Qui Kojima decise di tirare le fila di decenni di intrecci narrativi con una chiusura epica, carica di riflessioni sulla vecchiaia, sull’eredità e sul peso delle proprie azioni. Il gioco fu un successo commerciale e critico, e segnò il culmine di una visione durata più di vent’anni.

Il divorzio con Konami e la nascita di un nuovo inizio

Nonostante il successo, il rapporto tra Kojima e Konami iniziò a incrinarsi. Divergenze creative e visioni strategiche portarono a un progressivo deterioramento della collaborazione. Il punto di rottura arrivò durante lo sviluppo di Metal Gear Solid V: The Phantom Pain, pubblicato nel 2015. Il gioco, ambizioso e rivoluzionario per struttura e libertà d’azione, portava in sé l’eco delle tensioni interne. Pur acclamato dalla critica, molti fan percepirono che qualcosa mancava: la storia appariva incompleta, vittima delle difficoltà produttive e delle frizioni con l’azienda.

Quello fu l’ultimo capitolo della saga sotto il marchio Konami. Kojima lasciò la compagnia che lo aveva lanciato, portando con sé non solo il suo talento, ma un’eredità enorme. In molti pensarono che la sua carriera potesse chiudersi lì. Si sbagliavano.

Kojima Productions e il futuro del videogioco

Nel 2015 Hideo Kojima fondò il suo nuovo studio indipendente, Kojima Productions, con un obiettivo chiaro: continuare a innovare senza compromessi. Il suo primo progetto fu Death Stranding, pubblicato nel 2019. Un gioco anomalo, divisivo, in cui il concetto stesso di “azione” veniva ribaltato. Il cuore dell’esperienza era la connessione: connessione tra luoghi, tra persone, tra giocatori. Un tema profondamente contemporaneo, raccontato attraverso meccaniche mai viste prima e una narrazione che mescolava filosofia, metafore e riflessioni esistenziali.

Ancora una volta, Kojima aveva ampliato i confini del medium, dimostrando che un videogioco poteva parlare di isolamento, solitudine e umanità con la stessa intensità di un romanzo o di un film.

Un autore oltre il tempo

Oggi Hideo Kojima non è solo un game designer. È considerato uno dei più importanti autori del nostro tempo, un artista capace di fondere cinema, letteratura e interattività in un’unica esperienza. La sua influenza va ben oltre i confini del videogioco: registi, scrittori e creativi di ogni settore lo citano come fonte d’ispirazione. Ogni suo progetto è atteso come un evento culturale.

E se c’è una costante nella sua carriera, è questa: la capacità di sorprendere. Di cambiare direzione quando tutti pensano di aver capito dove stia andando. Di trasformare le limitazioni in punti di forza. Di raccontare storie che non si limitano a essere giocate, ma che restano dentro, come quelle dei migliori film o dei migliori libri.

Perché Hideo Kojima non ha mai visto i videogiochi come semplici giochi. Li ha sempre trattati come opere, e grazie a lui oggi il videogioco è riconosciuto per quello che può essere: un linguaggio artistico maturo, capace di emozionare, far pensare e cambiare il modo in cui guardiamo il mondo.

Segui icrewplay.com anche su Instagram per continuare questo viaggio nella storia dei videogiochi e dei creatori che li hanno resi ciò che sono oggi.

Questo articolo fa parte di una trilogia, leggi la prima parte se non l’hai fatto

Questa rubrica tratta ogni settimana di un diverso personaggio appartenente alla storia dei videogiochi, sia esso un protagonista di un’intera saga o anche solo un personaggio secondario, e questa settimana tocca ad uno dei protagonisti più amati o odiati della saga di Final Fantasy: si, sto parlando proprio di Tidus.

“Listen to my story. This… may be our last chance.”

Partiamo col presupposto che Tidus non è stato un personaggio molto amato da quando è uscito Final Fantasy X per la prima volta su PlayStation 2 nel lontano 2001. Sarebbe falso, comunque, dire che è odiato universalmente perché non è così: molte persone lo apprezzano come protagonista e, con il tempo, hanno cercato di capire le sue azioni, mentre molti altri semplicemente non hanno avuto la voglia di farlo.

Perché è così facile odiare Tidus? Perché è facile perdere i suoi momenti eroici.

Tidus non è un eroe a tutti gli effetti: non si distingue mai nei momenti salienti del gioco… o almeno non fino alle ultime ore. Nella finale del torneo di Blitzball di Luca, Tidus stesso si allontana a nuoto dalla partita quando la folla inizia ad intonare il nome di Wakka, in modo che egli possa sostituirlo.

Può sembrare niente di che, si può dire. Ma quel sottile gesto di Tidus mi ha dimostrato il suo essere una persona veramente buona di cuore disposta a sacrificare la propria felicità per le persone che credeva lo meritassero di più.

Molti degli “eroi” che si vedono in altri giochi si chiamano così perché devono completare il loro viaggio da soli, il che richiede coraggio e forza, due qualità eroiche essenziali, oppure semplicemente perché sono i protagonisti sia della storia che del viaggio del rispettivo gioco, dove il protagonista della storia e quello del viaggio combaciano.

Tidus è il protagonista della storia di Final Fantasy X, certo. Ma chi è il vero protagonista del viaggio del gioco? È Yuna.

L’attenzione su Yuna e sul suo personaggio è piuttosto potente in tutto il gioco. Tidus fa solo parte del viaggio: accompagna la vera protagonista per tutto il percorso su un sedile posteriore, almeno fino alle ultime ore importanti… e questo rende più facile perdersi i momenti in cui brilla.

“Poi, staremo svegli fino all’alba e vedremo sorgere il sole, mentre i fuochi si spengono e le cose si tingono di rosso.”

Quali sono i momenti in cui brilla?

Dopo essere fuggiti dalle grinfie di Bevelle nel bosco di Macalania, Yuna si perde, portando la sua determinazione a calare e la sua forza a vacillare: qui Tidus l’aiuta a rimettersi in piedi, sostenendo la sua decisione finale e agendo come un vero pilastro della sua forza.

Nel momento in cui ho capito che Tidus avrebbe avuto un ruolo di supporto nel gioco invece di essere il protagonista della storia ho iniziato ad apprezzarlo di più, in quanto ha svolto il lavoro in modo eccellente, considerando i problemi che lui stesso ha dovuto affrontare, la sua lotta per capire il suo dolore e le domande di cui ha cercato disperatamente le risposte durante tutto il viaggio, in un luogo che non era casa sua.

Amava davvero Yuna.

È stato attraverso Yuna che Tidus è arrivato a comprendere in qualche modo la sofferenza di Spira e quando si è reso conto per cosa stesse lottando, ha deciso di sostenerla fino alla fine, di aiutarla a salvare un mondo che non era il suo. Ovviamente, ha iniziato con l’intenzione di scoprire la verità su Jecht e Sin… ma ha sostenuto Yuna ed il suo viaggio fino alla fine, una volta che si è reso conto dell’importanza che c’è dietro.

Tutto questo non significa che Tidus non sia stato affatto sotto i riflettori: il modo in cui ha gestito il suo incontro con il Fayth di Bahamut sul monte Gagazet è qualcosa che ammirerò sempre.

Ha capito di essere un sogno del fayth e che il suo Zanarkand non sarebbe mai dovuto esistere: quì il fayth gli ha chiesto di porre fine al sogno una volta per tutte, il che significa anche la fine della sua stessa esistenza.

Queste erano un sacco di informazioni difficili, pesanti da elaborare, ma Tidus non disse a nessuno della sua esperienza, comprendendo che la mente delle persone intorno a lui, specialmente quella di Yuna, era già piena di pensieri e tormenti e anche perché lui stesso aveva bisogno di tempo… tempo per elaborare ciò che aveva sentito dal fayth.

Credo che poco dopo abbia deciso di esaudire il desiderio del Fayth, anche se non aveva idea di come avrebbe fatto. Si è anche reso conto della sua importanza nel viaggio e di avere un ruolo importante da svolgere. Poi c’era Yuna, che aveva promesso di salvare.

“Non fino alla fine, per sempre.” “Per sempre.”

Da questo punto in poi diventa ben visibile l’incredibile crescita di carattere che non ha lasciato trasparire per tutto il resto del gioco.

Quando il fayth ha finalmente confermato che Yu Yevon doveva essere ucciso finchè il peccato fosse veramente sconfitto, Tidus era felice.

Felice che Yuna si fosse salvata. Felice che ci fosse la possibilità di esaudire il desiderio del fayth e che a quel punto avesse capito completamente cosa avrebbe significato per la gente di Spira sia la sopravvivenza di Yuna che la sconfitta del peccato, anche se lui stesso sarebbe svanito.

Se rileggiamo bene la conversazione con il fayth:

Fayth: “Ma, sai… Quando sarà tutto finito… ci sveglieremo, e il nostro sogno finirà. Il nostro sogno svanirà“.

Tidus: “Sì. Hai sognato a lungo, vero?”

Fayth: “Mi dispiace.”

Tidus: “Ti sono grato“.

Era grato che il Fayth avesse sognato così a lungo, dandogli la possibilità di venire alla luce e di sperimentare tutte le cose che aveva visto. Un gesto inaspettato, considerando che ciò che il fayth voleva avrebbe portato alla sua fine.

Tidus era disposto a fare sacrifici per ciò che credeva fosse importante

Sappiamo tutti cosa è successo alla fine.

Credo che i momenti finali di Tidus formino uno dei più notevoli esempi di accettazione delle conseguenze che abbia mai visto in un videogioco.

Quando alla fine Tidus riesce ad ottenere i riflettori esclusivamente di lui, egli brilla al suo massimo splendore e tutta la crescita del personaggio da guardiano dell’evocatrice Yuna diventa chiaro al giocatore.

Tidus non è un duro e sofferente come Auron e non porta sulle spalle il peso del mondo intero, come Yuna, ma piuttosto un protagonista di supporto che diventa un eroe sottile man mano che il viaggio prosegue, che si trova al centro della storia del gioco e il cui contributo al viaggio del gioco è essenziale, e per molti versi, davvero memorabile…

Final Fantasy X/X-2 HD Remaster è attualmente disponibile su PlayStation 3, PlayStation 4, Xbox One, PC e Nintendo Switch. Se vuoi approfondire di più la trama del gioco, dai un’occhiata cosa dice la rubrica Old But Gold  o vai sul sito ufficiale del gioco in questione.

Se sei un amante delle action figure non puoi farti scappare questa costosissima e meravigliosa statua dedicata al nostro Tidus prodotta direttamente da Square Enix.

Si tratta di un personaggio che ha segnato un punto di svolta per Square Enix. Non è la classica eroina gentile e rassicurante. Lightning appare fredda, chiusa, focalizzata unicamente sul proprio obiettivo. I suoi dialoghi sono caratterizzati da un tono secco e diretto: va subito al punto e usa frasi brevi e taglienti, condite da commenti sarcastici.

Questo aspetto viene evidenziato fin dalle primissime fasi del gioco. Ad esempio quando, dopo aver ascoltato l’ennesimo discorso intriso di eroismo, idealismo e grandi parole pronunciato da Snow, il fidanzato di sua sorella Serah, la nostra eroina lo liquida con una risposta secca e lapidaria: “Snow, sai solo parlare“. Oppure quando incontra uno dei suoi futuri compagni di viaggio, Sazh, nel momento in cui i due si offrono come volontari per salire a bordo del treno utilizzato dagli PSICOM per portare avanti l’epurazione, dicendogli una delle battute più celebri del gioco: “Se vuoi la tranquillità, prendi il prossimo treno“.

Ma dietro questa corazza c’è una donna che combatte per proteggere le persone che ama, spinta da una motivazione tanto semplice quanto profonda: salvare proprio sua sorella Serah.

Le origini del personaggio

Lightning fa, dunque, il suo debutto nel 2009 con l’uscita del tredicesimo capitolo sia su PlayStation 3 che su Xbox 360. Il suo sviluppo nasce dalla volontà di Tetsuya Nomura e Motomu Toriyama di creare un’eroina che si differenziasse dalle figure femminili tipiche della serie. Considerando solo i titoli principali, infatti, la saga conta appena due protagoniste femminili: Terra Branford in Final Fantasy VI e la stessa Lightning.

L’obiettivo era dare vita a un personaggio che combinasse carisma, forza e indipendenza. Nomura si ispirò a Cloud Strife di Final Fantasy VII, ma lavorò per conferirle un’identità autonoma: meno ribelle, più composta, con una forte determinazione che si manifesta soprattutto nelle azioni piuttosto che nelle parole.

Toriyama dichiarò che il nome fu scelto per trasmettere l’idea di velocità e potenza: un personaggio rapido, letale, capace di colpire e sparire in un istante. Nel gioco, è la stessa protagonista a spiegare il significato dietro il proprio nome a Hope, in un momento di confidenza e vulnerabilità:

“Anch’io ero come te. I miei genitori sono morti. Dovevo essere forte per Serah, e dimenticare il mio passato. E così sono diventata Lightning. Con un nome diverso credevo di poter diventare un’altra. Ero solo una ragazzina. Lightning. Un bagliore che brilla e svanisce. Non protegge nulla. Distrugge solamente.”

Il discorso rivela il percorso interiore del personaggio: il nome simboleggia il tentativo di costruirsi una nuova identità e di affrontare le difficoltà senza lasciarsi abbattere dal dolore. È un bagliore effimero, un simbolo di forza e determinazione, ma anche di fragilità: Lightning sente il peso delle proprie azioni e la responsabilità di proteggere gli altri, pur percependosi ancora come una ragazzina che cerca di sopravvivere alle difficoltà della vita.

Dal Guardian Corps a l’Cie

All’inizio di Final Fantasy XIII, Lightning è un’ex sergente del Guardian Corps, un corpo militare al servizio del Sanctum. La sua vita viene stravolta quando la sorella Serah viene marchiata come l’Cie, un essere scelto dagli dèi fal’Cie e condannato a compiere un “Focus”, una missione imposta dalle stesse divinità. Chi fallisce si trasforma in un Cie’th, un mostro privo di coscienza. Chi ha successo, è invece destinato a tramutarsi in un cristallo per l’eternità. Ciascuna delle due opzioni avrebbe comunque portato Lightning a perdere la sorella.

Per salvare Serah, la nostra eroina si ritrova coinvolta in una missione disperata insieme a un gruppo di sconosciuti: Snow, Hope, Sazh, Fang e Vanille. All’inizio è una leader riluttante, più interessata a perseguire i propri obiettivi che a fare squadra, tant’è che non perde occasione di proseguire il percorso in solitaria, lasciando gli altri indietro. Ma il viaggio la costringe sempre più a collaborare, a fidarsi e a comprendere le paure degli altri.

Lightning è, quindi, diversa da molti protagonisti della saga. Non è un personaggio ottimista come Tidus né un leader carismatico come Cecil; non è introspettiva e malinconica come Noctis né spontanea come Gidan. È chiusa, diffidente, diretta. Non cerca di piacere, non indulge in sentimentalismi. Ma non è affatto priva di emozioni: il rapporto con Serah rivela il suo lato più umano e vulnerabile.

Col tempo, questo carattere evolve. Impara ad accettare il peso della responsabilità, a prendersi cura del gruppo e a bilanciare il dovere con l’empatia. La sua crescita è graduale, coerente, mai forzata. Proprio l’evoluzione del personaggio è uno dei punti di forza del gioco: da combattente solitaria, Lightning diventa una componente essenziale del gruppo, trovando nella condivisione la chiave per affrontare la sua missione.

Final Fantasy XIII-2 e Lightning Returns

Dopo gli eventi del primo capitolo, la storia dell’eroina dai capelli rosa prende una direzione inattesa. In Final Fantasy XIII-2 non è la protagonista giocabile, ma il suo ruolo rimane centrale. All’inizio del gioco, Lightning scompare misteriosamente, ritenuta morta da tutti, compresa Serah. In realtà, viene catapultata in Valhalla, il regno degli dèi, dove diventa la guardiana della dea Etro.

Questo capitolo approfondisce il legame con Serah, che diventa la protagonista di questo sequel e intraprende il viaggio insieme a Noel Kreiss per ritrovare la sorella e salvare il flusso temporale. La figura di Lightning aleggia su tutta la trama: la vediamo combattere Caius Ballad, affrontare il peso delle profezie e dei paradossi temporali. È un passaggio chiave per comprendere il personaggio: non è più soltanto una guerriera, ma una pedina in un conflitto tra divinità e destino, che le impone sacrifici sempre più grandi.

Il percorso di Lightning culmina in Lightning Returns: Final Fantasy XIII. Sono passati centinaia di anni dagli eventi del secondo capitolo, ma per lei è come se fosse trascorso un attimo. Il mondo di Nova Chrysalia è prossimo alla fine, e la guerriera viene scelta da Bhunivelze per diventare la “Salvatrice”: la sua missione sarà quella di guidare le anime verso la rinascita.

Qui emerge il lato più tormentato e solitario del personaggio: in un titolo dove un elemento caratteristico è lo scorrere delle ore e delle giornate ogni decisione ha un peso, il tempo è il vero nemico, e la protagonista affronta conflitti tra dovere, libero arbitrio e desiderio personale. È il culmine di un percorso che la trasforma da soldatessa determinata a figura quasi divina, vedendola alle prese con scelte sempre più complesse da prendere e sfide sempre più difficili da affrontare, come quella di ribellarsi agli dèi per poter essere artefici del proprio destino.

Una trilogia rivalutata nel tempo

Con la trilogia di Final Fantasy XIII, Square Enix ha sperimentato un approccio più cinematografico e focalizzato sui personaggi, puntando su storie complesse e un’evoluzione coerente dei protagonisti. Questa scelta ha enormemente diviso sia la critica che il pubblico: il gioco è stato criticato soprattutto per la linearità iniziale e la struttura guidata del gameplay. Allo stesso modo molti apprezzarono la presenza di una protagonista forte e determinata, mentre altri la giudicarono eccessivamente fredda e distante.

A nostro modo di vedere, Lightning rappresenta invece un personaggio assolutamente valido e credibile. Il suo arco evolutivo, che la vede passare dall’essere una combattente solitaria al diventare una leader capace di prendersi cura del gruppo, mostra come sia possibile raccontare un’eroina credibile, anche grazie alle sue debolezze e alle sue fragilità.

Queste caratteristiche sono state capaci di far superare a molti giocatori le perplessità iniziali. Nel corso degli anni, Lightning è diventata un personaggio sempre più popolare e apprezzato, a tal punto da divenire protagonista di campagne pubblicitarie (alcune, in verità, abbastanza kitsch, come quella che la veda alla guida di una Nissan) e perfino testimonial per marchi di moda come Louis Vuitton e Prada.

Anche la percezione generale della trilogia sta cambiando col tempo. Al tredicesimo capitolo e ai suoi sequel viene riconosciuto di aver posto le basi per definire l’identità moderna della saga, proprio con l’introduzione di un approccio più cinematografico e di personaggi dal carattere complesso: tutti elementi che caratterizzano profondamente anche i capitoli realizzati successivamente, in particolar modo il sedicesimo.

Non sorprende, quindi, che sempre più giocatori chiedano a gran voce una rimasterizzazione della saga di Lightning, per tornare a esplorare Cocoon, Gran Pulse e Nova Chrysalia con una veste grafica aggiornata e al passo coi tempi e rivivere il viaggio di un’eroina che è stata capace di lasciare un segno indelebile in una saga storica.

Top 5: 1. Alice: Madness Returns

Apriamo la nostra Top 5 con un gioco pubblicato da Electronic Arts nel 2011, Alice: Madness Returns è il sequel diretto di American McGee’s Alice. In questo videogioco, liberamente ispirato a “Le avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie” di Lewis Carroll, vestiremo i panni di una Alice dalla mente rotta a causa del trauma della morte della sua famiglia che come suo solito si rifugia nel Paese delle Meraviglie. In un’avventura action molto sanguinolenta, la nostra Alice dovrà salvare il Paese delle Meraviglie da un’oscura e violenta follia che lo sta consumando.

Top 5: 2. MediEvil

Pubblicato da Sony nel 1998 sulla prima PlayStation, MediEvil è assolutamente un Classico nel mondo dei videogiochi, tanto da meritarsi ben due remake, MediEvil Resurrection per PlayStation Portable e MediEvil per PlayStation 4. In questa fiaba dark fantasy molto ironica vedremo Sir Daniel Fortesque, un cavaliere scheletrico tornato in vita, affrontare un vecchio nemico in un regno che per estetica sembra uscito dalla mente di Tim Burton con evidenti richiami stilistici a “Nightmare Before Christmas” e “La Sposa Cadavere”.

Top 5: 3. Ori and the Blind Forest

Ori and the Blind Forest è un platform metroidvania, sviluppato da Moon Studios e pubblicato nel 2015 su Xbox One. Vivremo un’autentica fiaba dove un’improbabile eroe dovrà salvare la foresta di Nibel che sta morendo a causa una serie di eventi devastanti scatenati da una violentissima tempesta. Ori and the Blind Forest esplora una vicenda profondamente emozionante che parla di amore, sacrificio e della speranza che risiede in ognuno di noi.

Top 5: 4. Brumble: The Mountain King

Bramble: The Mountain King è un’avventura cupa ambientata in un mondo ispirato alle oscure fiabe nordiche. Pubblicato nel 2023, in questo gioco esploreremo la splendida ma insidiosa terra di Bramble nel tentativo di salvare nostra sorella. Attraverseremo magnifici paesaggi e affronteremo incontri letali con le tante creature inquietanti di Bramble, in questa avventura che richiama fiabe come “Hansel e Gretel”.

Top 5: 5. Dragon’s Lair Trilogy

Questa Collection racchiude i tre capitoli della trilogia di Dragon’s Lair, iconica saga di avventure grafiche con quick time events passata alla storia come un autentico film d’animazione interattivo. Sembra di vivere una fiaba fantasy Disney che sembra provenire direttamente da “La Spada nella Roccia” o “Taron e la Pentola Magica”. Tre giochi talmente iconici da comparire persino nella serie Netflix di “Stranger Things”.

Un aspetto particolarmente amato dai fan sono i personaggi ultra carismatici che collaborano o combattono Dante, in particolare suo fratello gemello Vergil contro cui si scontrerà numerose volte lungo la saga.

L’infanzia di Vergil: Rivalità e Tragedia

Vergil e suo fratello gemello Dante nascono dall’amore tra un’umana di nome Eva e suo marito, il Leggendario Cavaliere Nero Sparda, un demone. Sin dalla giovane età, il primogenito di Sparda e suo fratello vengono addestrati dal padre a combattere per difendersi in caso di attacco dei demoni, che consideravano Sparda come un traditore per aver sigillato il regno demoniaco lontano dal mondo degli umani. I due gemelli divennero quindi rivali nella gara di chi fosse il più forte. Il giorno dell’ottavo compleanno dei gemelli, Eva donò loro le due metà dell’Amuleto Perfetto, la chiave per aprire la torre di Temen-ni-gru, che contiene i cancelli per il mondo demoniaco.

In questo stesso periodo, Sparda sparì e morì in circostanze sconosciute dando a Mundus, il principe delle tenebre, la possibilità di mandare alcuni demoni ad attaccare e bruciare la casa della famiglia di Sparda. Vergil si trovava, in quel momento, da solo, in parco non molto lontano. Nel tentativo di fuggire fu però circondato dai demoni ma vedendo in lontananza la sua casa bruciare, sprigionò il suo potere demoniaco massacrando uno per uno i suoi assalitori e così il bambino scappò. Mentre sua madre morì nel tentativo di cercare i figli. Qui le strade di Vergil e Dante si divisero, con il primo che abbracciò completamente il suo lato demoniaco mentre il secondo lo represse fino all’età adulta.

Vergil: il Nelo Angelo

In età adulta, l’obiettivo di Vergil divenne quello aprire la torre di Temen-ni-gru per recuperare la Force Edge, la leggendaria spada di Sparda, per relegarci dentro tutti i demoni presenti nel mondo umano. Tuttavia, qui rincontrò Dante, intento a fermarlo per evitare l’apertura del cancello per il mondo dei demoni. I due si affrontarono diverse volte finché Dante non prevalse alla fine sul fratello, imprigionandolo nel regno demoniaco e tenendo per sé la Force Edge.

Nel mondo dei demoni, Vergil si imbatté in Mundus, e con un forte desiderio di vendetta lo affrontò a viso aperto venendo però sconfitto. Per anni Mundus torturò Vergil al punto da sopraffarlo con il suo controllo mentale trasformando il figlio di Sparda in una creatura totalmente demoniaca chiamata Nelo Angelo. Anni dopo, il Nelo Angelo affrontò Dante su Mallet Island ma, una volta aver visto la metà dell’Amuleto Perfetto, il controllo mentale su di lui cedette per un attimo, lasciando Dante in vita.

L’oscura forma del Nelo Angelo non permise a Dante di riconoscere suo fratello e, quando i sue si riaffrontarono, Dante uccise il Nelo Angelo che poi esplose in un turbinio di fiamme azzurre, lasciandosi dietro solamente la metà di Vergil dell’Amuleto Perfetto, facendo capire a Dante di aver appena ucciso suo fratello, Vergil. Tuttavia la morte per Vergil non è altro che un intoppo, poiché il primogenito del Leggendario Cavaliere Nero avrà modo di ritornare.

Vergil, l’Anti-Dante

Possiamo considerare Vergil come l’Anti-Dante. Aldilà dell’aspetto fisico identico dei due gemelli, i due sono assolutamente agli opposti su tutto. Caratterialmente Dante ha atteggiamento irriverente, espansivo ed estroverso mentre Vergil è calmo, freddo e introverso, mantenendo costantemente un’aura distaccata. Anche dal punto di vista cromatico sono opposti, Vergil indossa sempre abiti eleganti di colore blu mentre Dante veste giacche di pelle da rockstar rosse.

Se vogliamo vederla anche da un punto di vista più largo, culturalmente Dante rappresenta l’Occidente mentre Vergil rappresenta l’Oriente, sia nell’abbigliamento che nelle armi utilizzate, infatti la spada caratteristica di Vergil è una katana chiamata Yamato mentre Dante predilige due pistole semi-automatiche chiamate Ebony e Ivory. Un fatto curioso su questa differenza tra occidente e oriente è il fatto che nelle versioni giapponesi di Devil May Cry 3 e Devil May Cry 4, i nomi di tutte le tecniche di Vergil sono scritti in kanji e non in inglese come, invece, accade con Dante.

Le forze oscure di Fikrul ti aspettano nelle profondità della sua fortezza. La missione dei guardiani sarà di addentrarsi nel nascondiglio di Fikrul per affrontare dei famigerati infami non morti e suonare delle melodie inquietanti. Preparati perchè alla fine ti attende la battaglia fatale contro lo stesso Fikrul!

Con l’atto III di Destiny 2: Redivivo potrai ampliare il tuo arsenale

Per chi riuscirà a completare la missione “La caduta di un Kell” e ottenere, così, la Zanna del Flagello in gioco entro le 18:59 del 5 maggio 2025 (ora italiana), sbloccherà l’acquisto della riproduzione di quest’arma tramite il programma Ricompense di Bungie. Una ricompensa che piacerà a tutti i collezionisti del gioco e agli amanti del fucile Zanna del Flagello che potranno aggiungere alla collezione di armi esotiche la riproduzione di quest’arma.

Inoltre, l’atto III di Destiny 2: Redivivo propone due nuove armi leggendarie: il fucile da ricognizione da stasi Burocrazia e il lanciarazzi da stasi Fervore Eretico. Inoltre, per migliorare le configurazioni del vuoto, l’efficienza delle gratate e non solo, saranno introdotte cinque nuove modifiche del manufatto. Aumenta di livello il tuo pass di battaglia per ottenere altre eccezionali ricompense!

I giocatori possono accedere all’atto III di Destiny 2: Redivivo oggi stesso e mettersi in pari con l’intera storia di Redivivo prima dell’arrivo di Eresia, il 4 febbraio 2025.

Basta poco per rendersi conto che Byron sia riuscito in questa sua personale scalata: una vita burrascosa, fatta di arte, eccessi, avventure , tresche, sommosse, conflitti e persino guerre. Non per nulla, tra gli addetti ai lavori, la figura dell’eroe che cammina sul sottile confine della moralità è detto “eroe byroniano“: imperfetto, tormentato, con ideali spesso colossali; ma allo stesso tempo terribilmente umano, fragile e lacerato da conflitti inconfessabili.

L’eroe byroniano è, per farla breve, il prototipo della figura che nella narrativa moderna è l’antieroe, il device narrativo più ricco e apprezzato dalla contemporaneità per la sua inerente complessità, per la sua mancanza di perfezione e per le sue debolezze endemiche: l’antieroe è l’attore che l’uomo sente più vicino a sé.

“Conosco il ramo dalle frutta che porta…. E sono amare”

Non sorprende, quindi, che anche nei videogiochi l’antieroe abbia assunto un ruolo di primo piano, seguendo quei trend narrativi che influenzano la letteratura più tradizionale: esempi noti di questo archetipo possono essere Dutch Van Der Lynde (Red Dead Redemption 2), Silver (Pokémon) o Riku (Kingdom Hearts); ma anche figure come Kratos (God of War), Dante (Devil May Cry) o Sephiroth (Final Fantasy VII) rientrano in questo canone. L’antieroe è una figura versatile, in guerra con se stesso, lacerato dalle proprie imperfezioni e spesso ridotto ad una perenne lotta con il destino, il passato e l’istituzione.

Non susciterà grande sorpresa in nessuno, quindi, sapere che l’intera saga dei Souls faccia ampio uso degli antieroi, inquadrando personaggi che all’esterno possono apparire superficialmente come creature corrotte o esseri malvagi, privi di qualunque qualità; ma che, approfondendone l’esistenze ed il travaglio, risultano sfaccettati e complessi, spesso divorati dal peso del mondo che brucia.

Nella saga videoludica di Miyazaki, Demon’s Souls è forse il capitolo più lasciato a se stesso. Il gioco che ha dato i natali ad un intero genere videoludico, e che affonda le radici nel fertile panorama delle trope letterarie gotiche, rappresenta alla perfezione un mondo che cade in pezzi e si avvicina sempre di più ad una fine già scritta. Ma tale apocalisse, come ci viene narrato all’inizio del gioco, deriva dalla disperazione di una singola figura – Re Allant XII, il sovrano di Boletaria. E l’antieroe della nostra storia.

“Surely you have seen for yourself… the pain and suffering that fills this world.”

In un’intervista del 2015 con The Guardian, Miyazaki ha raccontato la sua storia: è cresciuto terribilmente povero, i suoi genitori non potevano permettersi di acquistare libri o manga, per cui frequentava spesso la biblioteca locale: per sua stessa ammissione, per quanto amasse la lettura, non sempre riusciva a comprendere appieno ciò che leggeva e per questo aveva bisogno della sua immaginazione per riempire i buchi testuali.

Questa esperienza è, naturalmente, trasudata all’interno dei suoi lavori, in cui la narrazione è solo mostrata per sommi capi, grandi snodi che regalano una direzione generale. Sta a chi gioca riempire i buchi, attraverso indizi, teorie e – naturalmente – fantasia.

Quando questa narrazione fuori dagli schemi approdò nel mondo videoludico, dopo aver riscosso enorme successo nella letteratura, nessuno era pronto e Demon’s Souls divenne noto per la sua difficoltà, più che per i meccanismi narrativi innovativi. I personaggi erano atrocemente umani, ma potevano apparire come sbozzature poco approfondite, poiché il contorto sistema di questing e progressione di Miyazaki era ancora una novità, non conosciuta e non approfondita.

Nella troupe di Demon’s Souls serpeggia un minimo comune denominatore: il fatalismo, la disillusione, la diffidenza. Il mondo di Boletaria è avvelenato, senza speranza, ed è costruito su dolore e sofferenza. Il messaggio finale del gioco, per quanto aperto all’interpretazione, rientra tuttavia in un canone che è divenuto poi uno staple della letteratura di Miyazaki: combattere contro lo status quo, aggredire una realtà così ostile o lasciare che un mondo così pieno di sofferenza viva ancora, in nome di ciò che è sempre stato.

Su questo dilemma si innesta la figura dell’antagonista principale del gioco, un personaggio quasi leggendario che viene nominato, cercato, temuto e rimpianto fin dall’introduzione cinematografica: Re Allant, dodicesimo del suo nome, è l’ultimo monarca di Boletaria, figura mitica che sembra ritagliata sui sovrani dell’epopea eroica.

Re Allant XII viene delineato come un re magnanimo, amato dal suo popolo, e che aveva combattuto contro le creature sopravvissute ai conflitti precedenti. Tuttavia, con l’avanzare dell’età, una sorta di malinconia e disillusione aveva iniziato a crescere in lui, afferrandolo dall’interno. Un mutamento, all’apparenza inspiegabile, si verificò in Allant; questo cambiamento, tuttavia, rimase nascosto al suo popolo, persino a suo figlio, perché Boletaria entrò in un’epoca di prosperità mai vista prima.

E poi nebbia, rovina, distruzione, l’apparente pazzia di Allant, la sua ricerca disperata di qualcosa che nessun altro, oltre a lui, sembrava poter vedere. La maggior parte dei personaggi non giocanti definiscono le sue azioni come mosse dalla ricerca di un potere sempre più grande, un giudizio dettato dalla superficialità di chi non ha mai potuto scrutare appieno nei pensieri di un sovrano profondamente turbato e provato.

Tuttavia, sembra che Allant avesse finalmente trovato una soluzione al più grande dilemma della sua esistenza: il mondo è ostile e avvelenato, ricolmo di sofferenza. C’è una possibilità di guarirlo? O siamo condannati a vivere e a soffrire?

“You fool. Don’t you understand? No one wishes to go on…”

Com’è tipico della narrazione di Miyazaki, il passato di Allant non è ben delineato. Ci vengono forniti dati molto vaghi sulla sua storia, sui suoi desideri, sul suo agire, spesso filtrati attraverso altri personaggi che possono essere considerati dei narratori non affidabili, poiché Allant è una figura mitica, che sembra sussistere su un piano differente rispetto agli altri, e se ne parla nei termini di una leggenda lontana nel tempo e nello spazio.

Allant viene rappresentato in statue colossali, che seguono il giocatore nel suo cammino all’interno della fortezza. Gli avventurieri, soldati, vecchi compagni e persino il figlio ne parlano ognuno in modo diverso, fornendo frammenti di una personalità mai delineata, che porta su di sé il peso della corona e del mondo. Ne parlano come di un re che prima sembra aver cercato il controllo delle anime per il proprio popolo, quando vi è prosperità, e poi per propria smania di potere, quando la nebbia porta l’apocalisse.

Esiste, quindi, una doppia figura di Allant, che in un certo senso è ripartita anche nella concretezza del videogioco. Non è un caso se Allant, al culmine della sua epifania e ridotto ad una creatura debole ed informe, decide di modellare un demone dandogli le qualità fisiche ed emotive che gli altri gli attribuivano in passato: il Falso Re Allant è torreggiante, ben più alto di un umano regolare, e regale, ammantato in vesti candide e signorili; seduto su quello che un tempo era il suo trono, continua a governare i resti del suo colossale castello.

D’altra parte, seguendo la teoria del doppio freudiana, l’Allant originale è al polo opposto rispetto alla sua copia idealizzata. Se il Falso Re è possente, dominatore e rientra perfettamente nel quadro dipinto dai racconti semi-leggendari degli avventurieri, il vero re è l’ombra di se stesso, avendo subito una trasformazione che non è altro se non il traguardo, fisico e tangibile, del suo percorso interiore.

Il vero Allant è ridotto ad un essere simile ad una massa informe, che non ha più nulla di umano nel corpo, ma che è perfettamente lucido nella mente: ed è proprio lui, inerme e debole, l’ultimo boss di Demon’s Souls. E, come nel caso del successore Gwyn, pone il giocatore davanti ad una scelta – la stessa che ha fatto lui, a suo tempo.

“I have had enough of this rotten world.”

Alla morte del Falso Re, il Nexus al centro del gioco si apre, rivelando l’ultimo luogo di riposo di Allant. Il re, ombra di se stesso, rivela immediatamente la scelta finale al protagonista: “Shall thou seek everlasting Demon souls? Or obey that naive Monumental?” – cercare le Demon souls, prendere cioè le armi contro il cielo e opporsi allo status quo, assumere le vesti del tormentato eroe byroniano che si oppone al mondo crudele e all’istituzione, oppure abbassare il capo e servire l’ordine prestabilito, mantenendone il fragile equilibrio.

La scelta di Allant è ovvia, e ci permette di sviscerare completamente il personaggio. Re Allant non è una figura mitica, un eroe di innumerevoli conflitti, ma un uomo come gli altri, debole ed impaurito dalle sue responsabilità – motivo della ricerca della prosperità quando Boletaria era in crisi; ed allo stesso tempo, forgiato dal conflitto, ha compreso quanto crudele sia il mondo.

Il giocatore ha attraversato Boletaria, ha assaggiato quanto il suo mondo sia ostile, e quanto lo fosse ancor prima dell’arrivo della nebbia e dei demoni. La Torre di Latria è luogo di torture, sofferenze e schiavitù; i cunicoli sono ricolmi di schiavi che scivolano e sudano in miniere buie e sacrifici umani a draghi abominevoli; e in generale l’intero regno era un luogo turpe ben prima dell’arrivo dei demoni.

Re Allant era stanco, impaurito e malinconico. Nella vecchiaia, vedeva il mondo corrompersi nonostante i suoi sforzi di renderlo migliore. Ostrava, suo figlio, ci dice che il re ed i cavalieri erano retti, magnanimi e modesti, per questo rimane stupito dal parlare con il Falso Re, una copia idealizzata di suo padre, che racchiude quindi i tratti più demoniaci che gli vengono attribuiti: non sono propri del padre valoroso che conosceva.

Quel padre, alla fine della sua vita, nel disperato tentativo di essere ancora un re retto e giusto ha portato prosperità a Boletaria; ma il mondo, nonostante il suo sacrificio, era ancora orribile e spaventoso. Ed è a questo punto della storia che l’Antico entra in contatto con Allant, offrendogli la possibilità di dare una nuova chance al mondo: lasciare che la nebbia lo divori, che il veleno dell’uomo, della sua malvagità e della sua corruzione, sia combattuto da demoni osceni, ma non così diversi.

Allant è stanco di questo mondo, nessuno, ne è convinto, ha voglia di andare avanti. Per questo, accetta di ribaltare il tavolo, gettare le carte all’aria e sperare in un futuro differente, dove questa umanità possa avere una nuova speranza. Per farlo, non gli resta che compiere il sacrifico più alto, immolarsi, perdere l’umanità nel fisico ma non nella mente.

Quando il protagonista uccide Allant, non c’è disperazione, solo profonda tristezza. L’eroe byroniano, dopotutto, è destinato alla morte tragica nel tentativo di cambiare il mondo. Che ci sia riuscito o meno, sta al giocatore deciderlo.

Sarò con te fino alla fine. Cercami nell’oscurità.

Roma, Settembre 2012. Dopo aver vissuto i ricordi di Altaïr Ibn La’Ahad, nel primo capitolo della saga, (in link un numero della nostra rubrica dedicato proprio al leggendario mentore degli Assassini), Desmond Miles torna in camera per riposare in attesa di conoscere il proprio destino. In una sorta di allucinazione scorge sul muro simboli e glifi tracciati con il sangue, lasciandoci con un colpo di scena tra i più iconici della storia videoludica.

Il successo della trilogia dedicata ad Ezio Auditore, i misteri della guerra tra Assassini e Templari e della Prima Civilizzazione hanno poi forgiato, tra sangue e parkour, la leggenda del franchise di Ubisoft. Ma nella tempesta di alti e bassi che ha segnato i capitoli successivi Assassin’s Creed ci ha introdotto anche personaggi memorabili, tragiche vicende umane e profonde riflessioni sul libero arbitrio, il sacrificio e la libertà.

Tra la tante storie di vita della saga, la vicenda di Clay Caczmarek, soggetto 16 del progetto Animus, è forse la più realistica parabola di eroismo del franchise: una storia di tradimento e rivincita, di sacrificio ed isolamento ma anche una vicenda umana dalle tinte profondamente tragiche.

Assassin’s Creed: il mondo di gioco

Cominciamo da una breve introduzione. Nel 2007 Ubisoft produce Assassin’s Creed, il primo storico capitolo su Playstation 3, XBox 360 e Windows. Il titolo racconta l’eterna lotta fra due società segrete attraverso la storia: l’Ordine dei Templari, nascosti dietro la facciata di una potente multinazionale nota come Abstergo Industries, e la Confraternita degli Assassini, movimento clandestino di hackers e sicari che preferisce muoversi nell’ombra.

Nel corso della storia Assassini e Templari hanno spesso influito sul corso degli eventi decidendo la sorte di sovrani e uomini politici, partecipando o arginando rivolte o semplicemente muovendo le fila nell’ombra della cospirazione.

All’epoca degli eventi i Templari sono concentrati nella sperimentazione dell’Animus, una nuova tecnologia in grado di decodificare la memoria genetica di un essere umano: dal DNA di un discendente diretto , in una sorta di simulazione-proiezione interattiva alla Matrix, è possibile rivivere i ricordi di antenati ed antenate del soggetto vissuti secoli prima nel passato.

Gli scopi della sperimentazione sono inizialmente sconosciuti ma comprendono la ricerca di misteriosi artefatti nella storia noti come Frutti dell’Eden.

Protagonista della saga, almeno fino ad Assassin’s Creed III, è Desmond Miles, soggetto 17 del progetto Animus e figlio di un importante leader degli Assassini; discendente diretto, per altro, di una prestigiosa linea di sangue all’interno della Confraternita.

Discendente illegittimo della stessa linea di sangue, invece, è Clay Caczmarek, Assassino a sua volta e soggetto 16 del progetto Animus. Rapito a Febbraio 2011, Clay viene sottoposto a lunghissime sessioni Animus che sconvolgono la sua mente fino alle soglie della pazzia e del suicidio.

La vita del soggetto 16, quindi, finisce ufficialmente nel agosto 2012 con il suicidio dell’uomo ed il cadavere gettato nel Tevere. La storia di Clay Caczmarek, invece, i ricordi, le vicende e l’eredità del giovane sopravvivono alla morte ed arrivano fino a Desmond Miles: eroe della saga e protagonista delle vicende.

Spoiler sugli eventi di Assassin’s Creed II, Brotherhood e Revelations. Per ogni paragrafo sarà indicato in grassetto il passo da evitare.

Clay Caczmarek: l’uomo

E poi, tutti ci siamo alzati e abbiamo scritto il nostro mestiere preferito sulla lavagna. Io farò l’astronauta, papà.

Prima di Assassin’s Creed Revelations conosciamo Clay soltanto per sentito dire: riferimenti durante il primo capitolo, racconti nel corso di dialoghi secondari ed una vicenda tragica di eccessiva esposizione all’Animus e pazzia.

In un parallelismo con il rapporto tra Desmond e William, Clay risente per tutta la vita del rapporto con il padre Harold, mai davvero contento della carriera o delle scelte del figlio. Uomo concreto e pratico il padre, sognatore appassionato di storia ed astronomia il figlio, i Caczmarek non riusciranno mai a trovare un compromesso, neanche quando Clay entra in una scuola di programmazione informatica, giudicata non abbastanza prestigiosa dal padre, e successivamente decide di intraprendere segretamente un percorso psichiatrico.

Dagli appunti delle sessioni possiamo ricavare qualche informazione sulla personalità di Clay:

• Gennaio 2007
  Il soggetto ha reagito in modo anomalo a una critica da parte di un collega: non è più riuscito a concentrarsi sul suo progetto e anzi ha iniziato a produrre freneticamente per “smentire le critiche”. Disordine ossessivo compulsivo? O sindrome da deficit di attenzione e iperattività? Prescriverò una terapia di psicostimolanti combinati con inibitori della serotonina. (…)

• Febbraio 2007
  La diagnosi di disordine ossessivo compulsivo è sbagliata. Il paziente dimostra gravi sintomi di perfezionismo patologico. Parlando della sua infanzia descrive il padre come una figura positiva, ma sfoga la sua rabbia sui colleghi. Possibili abusi in famiglia. Il paziente accoglie la proposta di due sessioni extra alla settimana: i suoi problemi di autostima lo spingono a fidarsi di me.

A differenza di Desmond, dunque, un uomo in fuga perenne dal destino e dal mondo, Clay sembra cercare disperatamente un ruolo, un riconoscimento, un apprezzamento che non arriva dalla famiglia e segna profondamente tutto il resto della sua vita.

Clay Caczmarek: L’Assassino

Nelle successive sessioni, però, scopriamo in Clay un miglioramento, una fiducia maggiore, una serenità e un equilibrio sempre più evidenti grazie ad un misterioso “nuovo lavoro” sconosciuto al suo psichiatra. Si tratta naturalmente della Confraternita degli Assassini e della sua missione di liberazione.

Clay si dedica attivamente alla causa della Confraternita, forte dell’apprezzamento ricevuto dagli Assassini e dal mentore William Miles, padre di Desmond, e riceve ben presto l’incarico di infiltrarsi nel computer di Alan Rikkin, amministratore delegato Abstergo (fino alla morte per mano di Calllum Lynch nel film Assassin’s Creed) per cercare informazioni sul misterioso Progetto Animus.

Fin dall’inizio, dunque, le vite di Desmond e Clay sembrano viaggiare su binari paralleli, giocando su contrasti ed affinità (il rapporto con il padre, l’amore/ odio per la Confraternita, la fuga e la ricerca di apprezzamento) definendo Clay come una sorta di prototipo per Desmond, un figlio illegittimo della stessa matrice narrativa ma con un destino profondamente diverso.

A seguito della sua prima missione gli Assassini decidono di indagare più approfonditamente sul progetto Animus e conoscendo il lignaggio di Clay gli propongono di infiltrarsi nell’Abstergo, lasciandosi rapire e sottoporre alle sessioni di memoria genetica. Inizialmente titubante ma convinto dalla collaborazione di Lucy Stillman, un agente dormiente degli Assassini all’interno dell’Abstergo, Clay accetta e viene rapito nel febbraio 2011.

Soggetto 16: Il prigioniero [Spoiler]

Come accennato i templari dell’Abstergo sembrano interessati a misteriosi manufatti di grande potenza, in apparenza magici, nascosti in tutto il mondo. Vivendo i ricordi di antenati nel passato dell’umanità cercano di seguire le tracce dei manufatti nella storia per svelarne l’ubicazione nel presente.

Attraverso Clay, in particolare, l’Abstergo spera di vivere i ricordi di Ezio Auditore da Firenze, un Assassino vissuto nel XV secolo tra Firenze, Venezia e Roma. L’eredità genetica di Clay, tuttavia, non è sufficiente a svelare completamente i ricordi necessari in quanto il soggetto 16 è discendente di un figlio illegittimo dell’Assassino fiorentino.

Durante le lunghissime sessioni Animus, però, Clay comincia a risentire dell’effetto Osmosi: la mente, provata dalla grande quantità di informazioni e ricordi, comincia a confondere l’identità dell’antenato con il soggetto di sperimentazione e genera allucinazioni e disturbi di personalità. Tra le allucinazioni, però, Clay rivive ricordi di altri antenati, anche più vecchi di migliaia di anni (clip “La Verità” in Assassin’s Creed II) e in una sorta di sovraccarico mentale di sistema comincia ad impazzire.

[Spoiler] Colpo di grazia per la psiche debilitata di Clay sarà il tradimento di Lucy Stillman, talpa degli Assassini passata nel frattempo alla sponda templare, che abbandona quindi Clay in balia dell’Abstergo.

Anticipando ancora una volta gli eventi di Desmond, Clay si ritrova quindi a decidere della propria sorte fra lotta e disperazione e in uno slancio di sangue freddo, da vero Assassino, sceglie di abbracciare il suo destino e lottare fino alla fine.

Costrutto digitale: il conduit. [Spoiler]

Ho vissuto la mia vita come meglio ho potuto, attratto come una falena da una luna distante. E qui, al fine, scopro una strana verità: sono soltanto un tramite, per un messaggio che elude la mia comprensione.

Nell’originale inglese, la traduzione italiana “tramite” corrisponde a “conduit”, cioè passaggio, condotto, tratto fluidificante nel corso di un fluido. Prendendo in prestito il concetto dalle meravigliose parole di Ezio Auditore nel finale di Revelations ([Spoiler] Non aprite il link se non volete perdervi il punto più alto della saga in termini di narrazione) il conduit è un profilo che ritorna spesso nella mitologia di Assassin’s Creed. In una narrativa che riflette sulla Storia, la memoria, il futuro, il cospirazionismo e il destino, in un continuo interscambio di passato e presente, non esistono veri e propri protagonisti ed eroi ma soltanto parti e ruoli in un grande disegno (i piani templari, la missione degli Assassini, gli scopi della Prima Civilizzazione ecc ecc…).

Clay Caczmarek, più di ogni altro personaggio, rappresenta perfettamente il ruolo di conduit nel corso degli eventi. Sprofondando nella sua condizione di prigioniero e condannato a morte decide infine di aiutare Desmond, prossimo soggetto designato per le sperimentazioni dell’Animus, ad evitare gli effetti devastanti dell’effetto Osmosi. E’ una scelta eroica e anche profondamente filantropica: in barba ad Assassini e Templari, Clay decide di aiutare un essere umano, una vittima, senza quasi sapere nulla di lui, semplicemente per evitare che condivida un destino di morte e follia, riscoprendo e rivalutando il valore dell’individuo contro la filosofia del conduit, del mezzo per un fine.

[Spoiler] Consapevole della propria sorte, Clay decide di caricare la propria coscienza nel sistema informatico dell’Animus, in una sorta di intelligenza artificiale elaborata da ricordi e personalità di Clay. Dopo l’upload dell’IA nel nucleo di sistema della tecnologia, con il proprio sangue, Clay traccia glifi ed iscrizioni sulle pareti della stanza, messaggi in codice per il prossimo soggetto, e muore per dissanguamento nell’agosto del 2012.

Costrutto digitale: il Mentore [Spoiler]

Prima di morire, tuttavia, Clay dissemina indizi ed informazioni nella simulazione dell’Animus, enigmi da risolvere per avvicinarsi alla verità. Nello specifico:

• una clip video in Assassin’s Creed II (La verità);

• un file exe. in Assassin’s Creed Brotherhood

entrambi sbloccabili risolvendo gli enigmi nella simulazione Animus.

Mentre Desmond decifra gli enigmi Clay è costretto a rivivere in un loop senza fine i ricordi più importanti della sua vita, in una sorta di limbo all’interno della simulazione Animus (DLC Assassin’s Creed Revelations: L’Archivio Perduto). Ma soltanto in Revelations Clay riesce finalmente a conoscere Desmond.

In coma dopo gli eventi di Brotherhood, il soggetto 17 si risveglia in una sorta di zona franca dell’Animus: la Camera Nera, un ambiente simulato all’interno della programmazione dell’Animus. Sulla via della pazzia, come Clay prima di lui, Desmond viene guidato dal soggetto 16 alla ricerca di un modo per separare i propri ricordi da Ezio ed Altaïr, sventando le conseguenze dell’effetto Osmosi prima di impazzire definitivamente.

[Spoiler] Finalmente, prima di uscire dalla Camera Nera in formattazione, Desmond riesce nell’impresa e abbandona Clay nel limbo risvegliandosi sano e salvo nel finale di Assassin’s Creed Revelations.

Nel capitolo finale della trilogia dedicata ad Ezio Auditore finisce anche la storia di Clay Caczmarek, un uomo che è stato un assassino, un prigioniero ed un’intelligenza artificiale. Un essere umano che, come tanti, ha vissuto molte vite e molti ruoli ma proprio di tanti ruoli e tante personalità, alla fine, è morto, sopraffatto dai ricordi di troppe vite. Un eroe ed una vittima, nell’economia del racconto, forse il più realistico degli eroi nella saga: personaggio secondario di un disegno più grande e non protagonista di una grande avventura, senza la gloria dell’eroe ma fondamentale nella lotta tra bene e male, vita e morte, cinismo ed umanità.

[Spoiler] Formattando la Camera Nera, l’Animus cancella inevitabilmente anche il costrutto digitale di Clay ma sappiamo per certo che, dopo il risveglio di Desmond nella realtà, la Camera Nera è stata riprogrammata e ricostruita, quindi non sappiamo con certezza cosa sia successo al soggetto 16.

Di certo un ciclo infinito di ricordi non è sorte piacevole da augurare ma speriamo che Clay, in qualche modo, abbia trovato pace e serenità.

O magari una via d’uscita…

In ogni caso: Requiescat in pace, Clay Caczmarek.

Di cosa è fatto un uomo, se non dei suoi ricordi? Siamo le storie che viviamo! Le favole che ci raccontiamo!

GTA Online, un nuovo corposo aggiornamento

Rockstar Games ha annunciato l’arrivo di GTA Online: Agents of Sabotage, disponibile dal 10 dicembre. Il nuovo DLC riporterà i giocatori nella storica Darnell Bros Garment Factory, il vecchio covo di Lester. Qui collaboreranno con Jodi Marshall, un’ex agente dell’FIB, per pianificare una serie di nuove rapine emozionanti e strategiche. Inoltre, farà il suo ritorno un volto familiare: Pavel, il personaggio legato alla rapina di Cayo Perico, che rientra nella storia dopo quattro anni di assenza.

L’aggiornamento introdurrà nuove livree e varianti di veicoli, tra cui Bravado Banshee GTS,Coquette D10 in versione polizia.Terrorbyte FIB. Inoltre, i giocatori che completeranno con successo la Heist Challenge riceveranno il Police Predator come ricompensa speciale.

Nonostante il teaser trailer rilasciato da Rockstar, molti dettagli specifici del DLC rimangono ancora sconosciuti. Tuttavia, l’aggiornamento promette contenuti ricchi e coinvolgenti, perfetti per trascorrere le vacanze a Los Santos.

Mentre l’attesa per GTA 6 continua, Rockstar dimostra ancora una volta un supporto impeccabile per GTA Online, mantenendo alta l’attenzione della community e offrendo nuovi motivi per tornare nel mondo di gioco.

Sono ormai vent’anni dall’uscita di Metal Gear Solid 3

Come spesso accade Hideo Kojima non si perde in molte chiacchiere, e preferisce celebrare l’anniversario postando, sui suoi profili social, un post dove ricorda ai fan della data. Il post è accompagnato dall’illustrazione che faceva da copertina al gioco, realizzata da Yoji Shinkawa, grande artista che ha lavorato con Kojima dai tempi di MGS1, e che lo ha seguito anche nella realizzazione di Death Stranding.

Come già detto, questa sarebbe stata l’occasione d’oro per pubblicare Delta, atteso da gran parte della community. Però il team ha imparato dagli errori compiuti con la Master Collection, e preferisce rimandare l’uscita a quando il gioco sarà completo al 100%. In ogni caso noi resteremo aggiornati su tutte le notizie riguardanti il franchise.

Requiem si concentra sul viaggio dei due fratelli, ma soprattutto sulla lotta di Amicia per proteggere Hugo, un bambino con abilità straordinarie che rischia di essere travolto dal peso delle sue capacità. Questo viaggio carico di tensione e disperazione rappresenta la crescita di Amicia, una delle migliori caratterizzazioni femminili nella storia recente dei videogiochi.

I’m Amicia De Rune

Il personaggio di Amicia, già protagonista di Innocence, si evolve in Requiem diventando non solo una figura protettrice per Hugo, ma anche un messaggero di emozioni e valori profondamente umani.
La sua storia è una lotta continua, non solo contro le forze esterne, ma anche contro le sue debolezze e la crescente frustrazione che prova di fronte all’impossibilità di salvare suo fratello. La trama la mette costantemente alla prova, sia fisicamente che emotivamente trasmettendo anche a chi gioca tutto questo senso di responsabilità e doveri.

In Requiem, Amicia non è l’eroina invincibile che ci si aspetterebbe. Al contrario, è una giovane donna che si spezza, si rialza e lotta per andare avanti, nonostante il dolore e la fatica. L’elemento chiave del suo personaggio è proprio la sua vulnerabilità che rappresenta un muro metaforico dei “limiti umani”.

La bellezza della fragilità umana

Uno degli aspetti più impressionanti di Amicia è come, durante tutta la vicenda, bilanci la sua forza con la sua fragilità. Nonostante diventi sempre più abile nel combattimento e nel proteggere Hugo, ogni azione ha un peso emotivo per lei e il gioco stesso ce lo fa pesare con un doppiaggio profondamente empatico e anche una colonna sonora degna di nota.
Non è una guerriera nata, ma è costretta a diventarlo per sopravvivere e per mantenere Hugo al sicuro, rendendo un personaggio inventato incredibilmente umano e ricettacolo perfetto per la nostra empatia.

Non è una figura ideale o irreale, ma piuttosto una persona con limiti, che prova rabbia, tristezza, disperazione e senso di colpa. La sua evoluzione è palpabile nel corso del gioco, rendendo le sue battaglie interiori altrettanto avvincenti quanto quelle fisiche.

La straordinaria performance vocale di Charlotte McBurney, che dà voce ad Amicia, è un altro aspetto che rende il personaggio così potente, come già preannunciato. McBurney riesce a catturare ogni sfumatura di emozione di Amicia, dalle esplosioni di rabbia alle scene di disperazione più intime, contribuendo a creare una figura che risulta autentica e tridimensionale. Amicia non è solo un personaggio creato per riempire uno spazio narrativo, ma una persona con paure, speranze e sogni infranti, e la sua complessità è espressa magistralmente sia attraverso la scrittura che attraverso la recitazione.

I doveri di una sorella

Un altro tema fondamentale è la relazione tra Amicia e Hugo. La sua intera esistenza nel gioco ruota attorno al proteggere Hugo, e gran parte del suo arco narrativo deriva proprio da questa dinamica. La forza di Amicia non è solo nelle sue abilità fisiche, ma nella sua resistenza emotiva, poiché anche quando tutto sembra perduto, quando le sue speranze crollano e il mondo sembra essere contro di lei, non si è mai arresa.

Questa determinazione a non mollare, anche quando il fallimento sembra inevitabile, è ciò che la rende un personaggio straordinario. A Plague Tale: Requiem non la dipinge come una figura invincibile, ma come una persona che si piega sotto il peso delle difficoltà, ma che non si spezza mai del tutto.

Amicia de Rune è molto più di una semplice protagonista femminile in un videogioco. è un personaggio complesso e ben scritto, capace di farci vivere una vasta gamma di emozioni. La sua umanità, la sua determinazione e le sue imperfezioni la rendono una delle migliori rappresentazioni di personaggi nella narrativa dei videogiochi. A Plague Tale: Requiem non solo racconta una storia epica e toccante, ma riesce a dare vita a uno dei personaggi più realistici e ben sviluppati di sempre, raggiungendo l’apice soprattutto nella scena finale.

Half Life 2 vale ancora la pena di essere giocato

Molti si ricorderanno quando circa un anno fa Valve ha permesso agli utenti di Steam di scaricare gratuitamente il primo capitolo della saga. Adesso, per celebrare i vent’anni di Half Life 2, è stato fatto lo steso col secondo e molto più famoso capitolo.

Il gioco è scaricabile per un periodo limitato, ossia fino a domani, il 18 novembre, alle ore 19:00. Meglio affretarsi quindi per non perdersi una delle esperienze indimenticabili nel panorama videoludico. Inoltre per l’occasione il gioco è stato aggiornato graficamente, e molti bug che da anni persistevano sono stati risolti.

Lollipop Chainsaw RePOP è disponibile davero per tutti

Purtroppo originariamente non era stato rilasciato anche per le console della generazione precedente, ma adesso il problema sta per essere risolto. Dragami Games sta infatti per rilasciare il titolo anche su PlayStation 4 e Xbox One, permettendo davvero a tutti di potersi godere questa avventura action dalle tinte horror.

Verrà inoltre aggiunto un nuovo postume alternativo per la protagonista Juliet: il Pin-Up Outfit, che sarà disponibile per tutte le versioni del gioco. Queste nove versioni saranno disponibili dal 2 dicembre al prezzo di $44,99. Se ne parlava già da un po’, soprattutto tra gli sviluppatori, ma finalmente il gioco sarà disponibile a tutti.

Sta per tornare Max Payne

Secondo Saudi Gamer infatti i due remake dovrebbero essere presentati ai prossimi The Game Awards, nell’edizione del 2024, e per la precisione dovrebbero essere presentati da Microsoft, che sembra aver acquistato i diritti di marketing e promozione per quanto riguarda le console. Questo vuol dire che sarà un’esclusiva Xbox? Non lo sappiamo ancora.

Inoltre non è ancora chiaro se i remake dei due titoli verranno trattati come due progetti separati o se verranno riuniti in una sorta di collezione. In ogni caso sappiamo già che a produrre i titoli è Rockstar Games, e il budget è stimato essere tra i 60 e gli 80 milioni di dollari. Purtroppo da due anni a questa parte non abbiamo visto niente, ma speriamo presto di poterne sapere qualcosa.

Alien: Isolation 2 potrebbe essere uno dei primi giochi PS6

Una teoria si sta però diffondendo nella community di appassionati videogiocatori, che pensano al fatto che il primo capitolo è stato rilasciato a cavallo tra la settima e la ottava generazione di console, quindi tra PlayStation 3 e PlayStation 4. Molti stanno iniziando a pensare che possa succedere la stessa cosa a questo seguito. Che possa essere un titolo cross-gen tra PlayStation 5 e PlayStation 6.

Ricordiamo infatti che siamo ormai a circa metà del ciclo vitale di questa generazione videoludica: basti pensare che PS5 è uscita nel 2020. Non è troppo astratta dunque l’idea che il gioco possa uscire poco dopo il lancio della sesta console Sony. Non sappiamo ovviamente quanto impiegherà il team prima di rilasciare il gioco, ma visti i lunghi tempi di sviluppo odierni possiamo aspettarcelo tra due o tre anni.

Una nuova promettente mod per Fallout: New Vegas

Da pochissimo è infatti stato rilasciato il reveal trailer per Fallout Nuevo Mexico, una nuova mod DLC che promette di immergerci in un’ambientazione mai vista prima. Interpreteremo un prigioniero che sarà costretto a scontare la sua pena all’interno della postapocalittica Città del Messico. Ci saranno nuove fazioni a cui potersi unire, companion con cui potersi alleare e moltro altro contenuto, tra armi, nemici e location completamente originali.

Essendo una mod per New Vegas, creata sicurmente da dei fan del titolo di Obsidian Entertainment, molto probabilmente sarà un’espansione focalizzata sulla storia e sulle scelte del giocatore, cosa che Bethesda non è riuscita ad implementare molto bene nei sui titoli, negli ultimi quindici anni circa. Adesso dobbiamo solo aspetare nuove notizie su questa promettente espansione.

Metal Gear Solid: a quando un remake?

Sulla questione si è recentemente espresso proprio il produttore Noriaki Okamura, che in un’intervista concessa a Famitsu ha rivelato che realizzare dei remake nello stile di Delta di MGS1 e MGS2 in particolare sarebbe una sfida. Questi, essendo i titoli più vecchi, richiederebbero molto più tempo per essere rifatti da zero: Okamura parla in particolare del level design, che andrebbe rifatto e aggiornato per un gameplay moderno.

Ovviamente è stato precisato che l’idea di futuri remake sarà da prendere in considerazione dopo l’uscita del remake di Snake Eater. Konami vuole infatti assicurarsi l’appoggio dei fan e dei nuovi giocatori, e vedere quanto venderà il gioco prima di mettersi al lavoro su nuovi progetti.

Un inizio difficile: il declino di New World

Al lancio, New World aveva tutte le carte in regola per diventare un successo nel panorama degli MMORPG. Tuttavia, il gioco è stato vittima di un rapido declino a causa di problemi di gameplay ripetitivo e contenuti limitati. Sebbene la struttura di base fosse solida, mancava di quella varietà necessaria per mantenere l’interesse dei giocatori sul lungo periodo.

La grande scommessa di Amazon: un cambio di genere

Con il lancio di Aeternum, Amazon Games ha fatto una mossa coraggiosa cambiando il cuore del gioco: da MMORPG a RPG. Questo cambiamento permette al gioco di rimanere cooperativo online, ma elimina l’elemento massivo, riducendo così l’importanza delle dinamiche tipiche degli MMO, come le battaglie tra gilde e l’interazione con un grande numero di giocatori. Ma cosa significa questo per i veterani del gioco e per i nuovi arrivati?

Cosa cambia con Aeternum?

Una delle principali novità è la revisione della narrativa. Le quest sono state migliorate, con dialoghi completamente doppiati e una nuova struttura che punta a offrire un’esperienza di gioco più coinvolgente. Inoltre, è stata introdotta una nuova zona PvP e un raid per 10 giocatori. Tuttavia, il cuore del gameplay rimane fondamentalmente lo stesso, con missioni che richiedono ancora ai giocatori di affrontare boss e raccogliere oggetti nei soliti accampamenti nemici.

Vecchi problemi, nuove soluzioni?

Anche se Aeternum introduce miglioramenti significativi, come il combat system raffinato e l’ottimizzazione per console (inclusa la disponibilità su PS5 e Xbox Series X|S), il gioco continua a soffrire di alcune problematiche. Le quest ripetitive e la mancanza di una vera progressione cooperativa pesano ancora sull’esperienza complessiva. Un esempio è la missione per ottenere la prima cavalcatura del giocatore, che, nonostante le premesse intriganti, si conclude in modo deludente.

Il futuro di New World: riuscirà Aeternum a rivitalizzare il gioco?

La domanda chiave è: vale la pena tornare a New World con Aeternum? Per i giocatori che avevano abbandonato il titolo a causa della mancanza di contenuti, il reboot offre una seconda chance, con nuove sfide PvE e zone PvP rinnovate. Tuttavia, il gioco continua a non reggere il confronto con titoli come World of Warcraft o Final Fantasy XIV, che offrono un’esperienza MMORPG più robusta e completa.

Un reboot promettente, ma con limitazioni

In conclusione, New World: Aeternum è un tentativo ambizioso di rivitalizzare un gioco che ha sofferto di un calo drastico di giocatori. Sebbene le nuove aggiunte, come i dialoghi migliorati e le zone PvP rinnovate, offrano una ventata di freschezza, il gioco resta ancorato a una struttura MMO che potrebbe non soddisfare chi cerca una vera rivoluzione. Per chi è appassionato del mondo di Aeternum e vuole esplorare le sue novità, il reboot potrebbe valere la pena. Ma per coloro che cercano un’esperienza completamente nuova, New World potrebbe ancora non essere all’altezza delle aspettative.

Se l’articolo ti è piaciuto, non dimenticare di seguirci sui social per rimanere aggiornato su tutte le novità del mondo dei videogiochi! Ci trovi su Instagram all’indirizzo @icrewplaycom.

Lascia un commento qui sotto per farci sapere cosa ne pensi del reboot di New World: Aeternum e condividi l’articolo con i tuoi amici per continuare la discussione. Restiamo sempre pronti a rispondere alle tue domande e curiosità su iCrewPlay.it!