Siamo Donne!

Tuttavia non voglio fare uno di quei listoni abusati all’inverosimile dove si citano le donne più badass del mondo videoludico (che tanto alla fin fine si citano sempre quelle ovvero Lara Croft, Jill Valentine, Yuna di Final Fantasy X e via discorrendo), ma di donne badass in un altro modo.

Perché se è vero che il videogioco è il prodotto finito che vediamo noi, c’è da sapere che alla base c’è un lavoro titanico, ma di questo dietro le quinte sappiamo dannatamente poco e quel poco che sappiamo si riduce sempre agli stessi nomi ovvero Hideo Kojima, Shigeru Miyamoto, Ron Gilbert e pochi altri, ma sai che questo mondo è costellato da donne che hanno dato tantissimo al mondo videoludico? Beh se non lo sai eccoti 10 programmatrici che hanno fatto grande il videogioco almeno tanto quanto i loro colleghi maschietti!

Carol Shaw

Carol Shaw è una programmatrice di videogiochi americana nota per il suo lavoro pionieristico nella creazione di videogiochi. Nata nel 1955, Carol Shaw ha studiato matematica alla University of California, Berkeley, dove ha sviluppato un interesse per la programmazione di computer.

Dopo la laurea, trova lavoro come programmatrice presso Atari e qui si cimenta su diversi progetti, tra cui il famoso gioco di avventura Adventure (scusa il gioco di parole) del 1979 il quale è stato uno dei primi giochi per computer a utilizzare grafica bidimensionale.

Tuttavia, il lavoro più notevole di Carol Shaw è stato il gioco River Raid, pubblicato nel 1982 per console Atari 2600. River Raid è stato un grande successo commerciale e ha consacrato Carol Shaw come una delle principali programmatrici di giochi della sua epoca. Il titolo ha anche introdotto molte innovazioni nel design dei videogiochi, tra cui un’interfaccia di gioco a scorrimento laterale e una difficoltà crescente man mano che si avanzava nel gioco.

Dopo il successo di River Raid, Carol Shaw ha continuato a lavorare come programmatrice di videogiochi, ma ha fatto anche incursioni in altre aree della tecnologia. Nel 1984, ha lasciato Atari per unirsi alla società di software Synapse, dove ha lavorato su programmi di grafica e di produttività per computer.

Nel corso degli anni successivi, Carol Shaw ha continuato a lavorare come programmatrice di software, ma si è anche dedicata a molte altre attività, tra cui la fotografia e il giardinaggio. Tuttavia, il suo contributo alla storia dei videogiochi è stato fondamentale, poiché ha introdotto molte innovazioni nel design e ha dimostrato che le donne possono avere un ruolo importante nell’industria videoludica.

Danielle Bunten Berry

Danielle Bunten Berry, conosciuta anche come Dan Bunten, è stata una programmatrice di videogiochi statunitense che ha fatto importanti contributi all’industria negli anni ’80 e ’90.

Nata nel 1949, Dan Berry ha iniziato a programmare videogames per computer nei primi anni ’80. Il suo primo successo è stato il gioco M.U.L.E., pubblicato nel 1983 per la piattaforma Atari 800. M.U.L.E. era un titolo di strategia in cui i giocatori dovevano gestire una colonia su un pianeta alieno, commercializzando le risorse e prendendo decisioni cruciali per il successo del loro insediamento. Il gioco è stato un grande successo commerciale e ha consacrato Dan Berry come una delle principali programmatrici di giochi del suo tempo.

Negli anni successivi, Dan Berry ha continuato a sviluppare giochi innovativi, tra cui Robot Rascals e Heart of Africa, entrambi pubblicati nel 1985. Nel 1988, ha fondato la sua compagnia di giochi, Ozark Softscape, con cui ha sviluppato numerosi titoli, tra cui Command HQ e Global Conquest.

Uno dei maggiori contributi di Dan Berry è stata la sua visione di sviluppare titoli multiplayer online, molto prima che questa fosse una pratica comune. Nel 1990, ha sviluppato il gioco Modem Wars, che consentiva ai giocatori di sfidare altri player tramite una connessione internet. In seguito ha sviluppato The Global Village, una piattaforma di gioco online che consentiva ai giocatori di tutto il mondo di interagire e giocare insieme.

Oltre ai suoi contributi, Dan Berry è stata anche una sostenitrice dell’inclusione delle donne nel campo della tecnologia. Ha scritto numerosi articoli sull’argomento e ha sottolineato l’importanza di creare ambienti di lavoro inclusivi per le donne e le minoranze.

Purtroppo, Dan Berry è deceduta nel 1998 a causa di un cancro al polmone. Tuttavia, il suo impatto sul mondo videoludico è durato nel tempo e il suo lavoro è stato un’ispirazione per molte persone nel settore.

Roberta Williams

Roberta Williams è una programmatrice di videogiochi statunitense nota soprattutto per la sua carriera nella creazione di avventure grafiche. Nata nel 1953, Roberta Williams ha iniziato a programmare titoli per computer con suo marito Ken Williams alla fine degli anni ’70.

Il loro primo successo è stato il gioco Mystery House, pubblicato nel 1980. Mystery House è stata la prima avventura grafica, in cui i giocatori dovevano risolvere enigmi e trovare indizi per progredire nella storia. Il gioco ha lanciato la coppia Williams nell’olimpo dei creatori di titoli di avventura e ha lanciato una nuova era di titoli basati su una trama articolata.

Nel corso degli anni ’80, Roberta Williams ha creato una serie di titoli di grande successo per la loro azienda, Sierra On-Line, tra cui King’s Quest e Space Quest, titoli noti per le loro grafiche particolarmente dettagliate, musiche coinvolgenti e la trame avvincenti, rendendoli di fatto dei classici senza tempo.

Roberta Williams è stata anche una delle prime donne a raggiungere il successo nell’industria dei videogiochi. Ha dimostrato che le donne possono avere un ruolo importante nella loro creazione e ha contribuito a rompere gli stereotipi di genere dell’epoca.

Dopo aver lasciato Sierra On-Line nel 1999, Roberta Williams ha continuato a lavorare nel settore come consulente e ha sviluppato alcuni progetti indipendenti. Nel 2016 è stata introdotta nella Hall of Fame dell’Academy of Interactive Arts & Sciences, in riconoscimento dei suoi contributi alla storia dei videogioco.

Brenda Romero

Brenda Romero, nata Brenda Garno, è una game designer e sviluppatrice di videogiochi americana nota per il suo lavoro nel campo dei giochi di ruolo e di strategia. Nata nel 1966, ha iniziato a lavorare  nei primi anni ’80 e ha sviluppando Train, nel 1983.

Uno dei successi più significativi di Brenda Romero è stato il gioco di ruolo Wizardry, pubblicato nel 1992. Il gioco ha ricevuto un’ampia attenzione per la sua grafica all’avanguardia e per la trama coinvolgente. Brenda Romero ha anche lavorato sulla serie Jagged Alliance, che è stata un altro successo di vendite.
Nel corso della sua carriera, Brenda Romero ha sviluppato e prodotto numerosi giochi, tra cui Dungeons & Dragons: Heroes e Ghost Recon, e ha collaborato con alcune delle più grandi società di gioco al mondo, tra cui Ubisoft e Atari.

Brenda Romero è anche una sostenitrice dell’educazione nei giochi e ha insegnato game design presso la University of New York, la University of California e altre istituzioni accademiche. Nel 2018 ha fondato la Romero Games con suo marito, John Romero (sì, esattamente quel John Romero), con l’obiettivo di creare giochi con una forte narrazione e temi sociali.

Oltre al suo lavoro nell’industria dei giochi, Brenda Romero ha anche fatto campagna per l’inclusione delle donne e delle minoranze nei giochi e ha promosso la diversità attraverso il suo lavoro come mentore per i giovani sviluppatori di giochi.

Jane Jensen

Jane Jensen è una game designer e scrittrice americana conosciuta soprattutto per il suo lavoro nella serie di giochi di avventura Gabriel Knight. Nata nel 1963, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei giochi come scrittrice di script per la serie Police Quest della Sierra On-Line.

Il suo primo grande successo è stato il gioco Gabriel Knight: Sins of the Fathers, pubblicato nel 1993. Il gioco è stato lodato per la sua narrazione coinvolgente e le meccaniche di gioco innovative e ha vinto diversi premi per la sua trama e la sua colonna sonora. Jane Jensen ha poi lavorato su due sequel di Gabriel Knight e altri titoli di avventura di successo come Gray Matter e Moebius.

Jane Jensen è anche una scrittrice di talento e ha pubblicato romanzi e raccolte di racconti. Il suo lavoro si concentra spesso su storie di mistero e di avventura, con una forte attenzione per i dettagli e la caratterizzazione dei personaggi.

Oltre al suo lavoro creativo, Jane Jensen è stata attiva nella comunità degli sviluppatori di giochi. Ha insegnato game design presso l’Università di Southampton e ha fondato la sua casa editrice, Pinkerton Road Studio, che ha prodotto numerosi titoli indipendenti di successo.

Rieko Kodama

Rieko Kodama è una game designer giapponese nota soprattutto per il suo lavoro nella saga di Phantasy Star. Nata nel 1963, ha iniziato la sua carriera nel campo videoludico come graphic designer presso SEGA nel 1984. In seguito, ha lavorato come designer e regista.

Il primo grande successo di Rieko Kodama è stato il gioco Alex Kidd in Miracle World, pubblicato nel 1986. Successivamente, ha lavorato alla serie di RPG Phantasy Star di SEGA, la quale è diventata una delle serie di GDR più famose e influenti degli anni ’80 e ’90.

Rieko Kodama ha anche lavorato su altri giochi di successo, come Magic Knight Rayearth e Eternal Arcadia. Il suo lavoro si concentra spesso sull’importanza della narrazione e sulla caratterizzazione dei personaggi, creando numerosi protagonisti memorabili e trame eccellenti.

Oltre al suo lavoro creativo, Rieko Kodama ha anche svolto un ruolo importante nella promozione della diversità nell’industria dei giochi. È stata una delle poche donne a lavorare come game designer in Giappone negli anni ’80 e ’90, e ha aperto la strada per molte altre donne che volevano entrare nel settore.

Jade Raymond

Jade Raymond è una nota produttrice di videogiochi canadese. Nata nel 1975, ha iniziato la sua carriera come programmatrice presso Sony. Successivamente si è trasferita alla Electronic Arts dove ha lavorato come executive producer per la serie Assassin’s Creed, uno dei franchise di videogiochi più famosi al mondo.

Dopo aver lasciato EA, Jade Raymond ha fondato il suo studio di sviluppo ovvero Motive Studios, con sede a Montreal, in Canada, che ha prodotto giochi come Star Wars Battlefront II e Anthem. In seguito ha lavorato come vicepresidente della divisione dei giochi di Google, dove ha contribuito alla creazione della, ahimè, defunta Stadia.

Jade Raymond ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro nel settore dei videogiochi, tra cui l’inclusione nella lista delle “25 donne più influenti del videogame” di Forbes nel 2018 e la nomina a “Donna dell’anno” di GamesIndustry.biz nel 2009.

Oltre al suo lavoro nell’industria dei videogiochi, Jade Raymond ha anche collaborato con organizzazioni benefiche come Girls Who Code e ha promosso la diversità nell’industria dei videogiochi, sostenendo che l’inclusione di una varietà di punti di vista nella creazione dei giochi può portare a prodotti migliori e più inclusivi.

Amy Hennig

Amy Hennig è una game designer e scrittrice americana nota soprattutto per il suo lavoro nella serie di videogiochi Uncharted e Legacy of Kain. Nata nel 1964, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei videogiochi negli anni ’80 presso la Electronic Arts.

Amy Hennig ha lavorato come scrittrice e designer per diverse aziende, tra cui Crystal Dynamics e Naughty Dog. Il suo lavoro su Legacy of Kain è stato molto apprezzato sopratutto per la trama profonda e coinvolgente. Successivamente, Jade Hennig ha lavorato alla serie di giochi di avventura e azione Uncharted di Naughty Dog il quale ha ricevuto un’ampia acclamazione per la qualità della narrazione e la caratterizzazione dei personaggi, sia dagli addetti ai lavori, ma anche da parte del pubblico.

Amy Hennig ha anche collaborato con LucasArts sulla serie di giochi dedicati a Star Wars e ha creato il gioco di avventura Soul Reaver per Crystal Dynamics. Nel 2014, ha lasciato Naughty Dog per lavorare con Visceral Games sulla creazione di un gioco di Star Wars basato sulla narrazione, tuttavia il titolo è stato cancellato nel 2017.

Amy Hennig ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro nel settore dei videogiochi, tra cui il BAFTA Special Award per il contributo alla narrazione dei giochi nel 2016. Ha anche fatto parte del comitato consultivo dell’Academy of Interactive Arts and Sciences e ha insegnato game design alla USC School of Cinematic Arts.

Robin Hunicke

Robin Hunicke è una game designer americana nota soprattutto per il suo lavoro su giochi innovativi e altamente creativi. Nata nel 1973, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei videogiochi presso Electronic Arts.

Robin Hunicke ha lavorato come designer per diverse aziende, tra cui EA, Thatgamecompany e Funomena. È stata coinvolta nella creazione di giochi particolarmente poetici come Journey, Luna e Wattam. Il suo lavoro su Journey, titolo di avventura in cui i giocatori esplorano un mondo misterioso e interagiscono con altri giocatori in modo non verbale che ti consiglio di recuperare nel caso non l’avessi mai fatto, è stato particolarmente acclamato, vincendo numerosi premi.

Robin Hunicke è anche una sostenitrice attiva dell’innovazione nei giochi e promuove la diversità e l’inclusione nell’industria dei videogiochi. Ha tenuto diverse conferenze sul gioco, inclusi TED Talks e discorsi alla Game Developers Conference, dove ha discusso dei suoi metodi per creare giochi unici e coinvolgenti.

Nel 2012, Robin Hunicke ha co-fondato il fondo di investimento di giochi indipendenti Funomena, che ha lo scopo di aiutare gli sviluppatori di giochi indipendenti a creare titoli innovativi e di alta qualità. Ha anche insegnato game design presso la University of California e la University of Southern California.

Kim Swift

Kim Swift è una game designer americana nota soprattutto per il suo lavoro su puzzle game innovativi come Portal e Quantum Conundrum. Nata nel 1983, ha iniziato la sua carriera nell’industria dei videogiochi presso la Valve Corporation di Gabe Newell.

Kim Swift ha lavorato come designer per diverse aziende, tra cui Valve, Airtight Games e Amazon Game Studios. È stata coinvolta nella creazione di Portal, puzzle game particolarmente innovativo che se non hai giocato DEVI recuperare a tutti i costi. Successivamente ha lavorato su Quantum Conundrum, altro puzzle game in cui il giocatore deve utilizzare la fisica per risolvere enigmi.

Nel 2014, Kim Swift ha lasciato Airtight Games per unirsi ad Amazon Game Studios, dove ha lavorato su giochi per il dispositivo di realtà virtuale Amazon Echo. Nel 2016 ha lasciato Amazon per unirsi a EA Motive come director per un nuovo titolo non ancora annunciato.

Kim Swift ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro nel settore dei videogiochi, tra cui il premio BAFTA per Portal nel 2008. È anche una sostenitrice attiva dell’inclusione nell’industria dei videogiochi e ha partecipato a diversi seminari sulla diversità nel gioco.

20 Gennaio

The Dark Side of Ceclon (Steam)

Partiamo con questo titolo Indie che ti mette nei panni di Jensen ovvero l’unico sopravvissuto allo schianto della navetta Nexentia sul pianeta CECLON. Solo ad anni luce da ogni traccia di umanità, dovrà affrontare i Nocturni, creature feroci che infestano questo mondo ostile, per recuperare l’energia Veka, ultima speranza della specie umana.

Dovrai esplorare CECLON, un vasto mondo aperto, dalle sue superfici desolate ai labirinti sotterranei. Usa le ultime ore di luce per prepararti, perché quando cala la notte, i veri incubi emergono. Potenzia Jensen e il suo drone da battaglia con un sistema che sembra uscito da un RPG: scegli statistiche, sblocca abilità e personalizza il tuo arsenale.

Muoviti più velocemente con il Wallpass, un veicolo versatile che ti aiuterà a navigare questo pianeta ostile e trova oggetti unici per migliorare il tuo personaggio e progredire nell’avventura. Con finali multipli, modalità difficili e un’atmosfera cupa, CECLON ti offrirà un’esperienza che combina tensione, azione e momenti di humor nero.

The Wickie (Steam)

The Wickie è un thriller in prima persona ambientato nelle inquietanti e splendide Ebridi Esterne del 1936. Sarai Bill Fisher, assistente del guardiano di un faro, alle prese con i misteri di Pandora’s Rock, un’isola remota dove si celano orrori inimmaginabili. In questa storia avvincente e immersiva, esplorerai un mondo aperto artigianale ispirato al terrore cosmico e ricco di suspense.

Il gioco intreccia temi profondi come resilienza, scoperta e tensione, trasportandoti in un’esperienza che non si limita al semplice intrattenimento. Attraverso una narrazione evocativa, The Wickie affronta questioni di identità, cultura, malattie mentali, disabilità e traumi, costruendo un mondo lovecraftiano che pulsa di emozioni e inquietudine.

Creato con passione da un singolo sviluppatore, ogni angolo di Pandora’s Rock è curato nei minimi dettagli per trasmettere un’esperienza indimenticabile, carica di atmosfera e significato. Preparati a scoprire un gioco che non solo racconta una storia, ma ti invita a viverla, un passo alla volta, tra bellezza e terrore.

21 Gennaio

Code Alkonost: Awekening of the Evil (Steam)

Code Alkonost è un’avventura survival in prima persona che fonde esplorazione atmosferica, gameplay stealth e intricati enigmi in un’esperienza narrativa coinvolgente. Ambientato in un mondo mistico ispirato alla mitologia slava, il gioco segue la storia di una giovane ragazza in un viaggio di scoperta di sé e del suo scopo.

Attraversando paesaggi inquietanti e affrontando entità sovrannaturali, vivrai momenti adrenalinici, una narrazione ricca e decisioni difficili. Ogni passo è un invito a esplorare antichi segreti, immergersi nella tradizione mitologica e forgiare il proprio destino in un regno leggendario.

Perfetto per gli amanti delle storie mitologiche, delle avventure esplorative e della sopravvivenza furtiva, Code Alkonost è un’esperienza unica che intreccia mistero, suspense e una profonda riflessione personale.

Sacrifice Villains (Steam)

Da quando i supercattivi hanno preso il controllo, Scum City è sprofondata nel caos. Eppure, al centro di questo inferno, esiste un rifugio: il Justopian Ward, un’oasi di virtù creata dai supereroi per opporsi al crimine dilagante.

A guidare questa lotta è Justopia, il fondatore del Ward e leader della Hero Society. Con innumerevoli vittorie contro i peggiori criminali, è il simbolo della giustizia. Ma i supercattivi diventano sempre più potenti e i tradimenti tra gli eroi minacciano di far crollare tutto.

L’unica speranza è l’Asilo, un’istituzione dedicata a trasformare i peggiori villain in improbabili eroi. E ora tocca a te: cattura i criminali di grado S e riabilitali per riportare la giustizia. Scum City ha bisogno di nuovi eroi, e il loro destino è nelle tue mani.

22 Gennaio

Disorder (PlayStation 5, Xbox Serie X/S, Steam)

DISORDER è un roguelike d’azione in 3D sviluppato e pubblicato da GRUMPY. Vesti i panni di una ragazza smarrita in un grande magazzino inquietante e scopri la verità sul suo passato. Ogni tentativo di fuga la rende più forte, permettendole di affrontare i suoi traumi e ritrovare se stessa.

Con un design pensato per una rigiocabilità infinita, gli ambienti cambiano a ogni partita, offrendo nuove sfide. Grazie ai miglioramenti permanenti, anche i meno esperti possono godersi combattimenti spettacolari e una storia avvincente.

Ekorella Vol. 1 (Steam)

Ekorella Vol. 1 è un vivace RPG top-down ambientato in un mondo dove piante e animali sono senzienti. Nei panni di Green, un pomodoro appena arrivato nella città metà tecnologica e metà rurale di Larandella, ti unirai a nuovi amici ovvero Laranje, Palms e il cane Crimson per intraprendere un viaggio sorprendente attraverso Ekorella.

Esplora mappe dettagliate, immergiti nella cultura e nella storia di ogni luogo, risolvi enigmi intriganti e affronta mostri in battaglie a turni con meccaniche uniche. Costruisci la tua strategia per vincere e completa missioni che ti porteranno a scoprire che nulla è come sembra.

23 Gennaio

Star Wars: Episode I: Jedi Power Battles (PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Serie X/S, Nintendo Switch, Steam)

Jedi Power Battles torna il 23 gennaio, dopo la sua apparizione sulla prima PlayStation e Dreamcast su PC, PlayStation, Switch e Xbox.

Ambientato durante La Minaccia Fantasma, il gioco ti vede combattere droidi da battaglia, predoni Tusken e persino Darth Maul, con livelli che spaziano da Naboo a Coruscant. Questa versione aggiornata utilizza il codice originale Dreamcast, migliorato grazie ad un bilanciamento ottimizzato e la stessa nostalgia.

Scegli tra i personaggi iconici come Mace Windu, Obi-Wan, Qui-Gon e nuovi protagonisti da sbloccare. Personalizza i colori delle spade laser, usa cheat iconici come il Big Head Mode e affronta la campagna da solo o in cooperativa.

Sword of the Necromancer: Resurrection (PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Serie X/S, Nintendo Switch, Steam)

Sword of the Necromancer: Resurrection è un dungeon crawler d’azione in 3D in terza persona dove puoi riportare in vita i tuoi nemici sconfitti per farli combattere al tuo fianco.

Impugna i poteri proibiti della Spada del Negromante e guida la ladra Tama nei profondi meandri del dungeon per ottenere il potere di resuscitare la sua amata sacerdotessa Koko. Forma un esercito di mostri, equipaggiati con armi e reliquie, e potenziati per affrontare i guardiani che ostacolano il tuo cammino.

Ribalta le sorti della battaglia trasformando i tuoi avversari in alleati e conquista il potere della resurrezione!

24 Gennaio

Synduality: Echo of Ada (PlayStation 5, Xbox Serie X/S, Steam)

SYNDUALITY: Echo of Ada ti porta nel 2222, in un mondo devastato da piogge tossiche note come Le Lacrime della Luna Nuova, che hanno decimato l’umanità e dato vita a creature deformi chiamate Enders. Costretti a rifugiarsi sottoterra, i sopravvissuti affrontano un mondo di pericoli in superficie.

Vesti i panni di un Drifter, un esploratore che cerca le preziose AO Crystals collaborando con il suo partner artificiale, il Magus. Affronta gli Enders, sopravvivi alle piogge velenose e raccogli risorse, ma attenzione perchè il pericolo è ovunque, anche tra altri giocatori pronti a saccheggiare ciò che lasci.

Magus è il tuo AI personale, un supporto indispensabile per combattimenti ed esplorazioni. Ogni modello ha una personalità unica, è altamente personalizzabile e ti aiuta a migliorare, offrendo feedback e abilità speciali nei momenti critici.

Il CRADLECOFFIN, il tuo mecha bipede, è progettato per affrontare i terreni ostili. Personalizzalo con nuove parti, armi e miglioramenti per adattarti a ogni missione. Raccogli risorse, potenzia il tuo garage e scopri fino a dove può spingersi la tua macchina da combattimento.

Mark of the Deep (PlayStation 5, Xbox Serie X/S, Nintendo Switch, Steam)

Mark of the Deep è un’epica avventura piratesca che mescola Metroidvania e Soulslike. Dopo il naufragio su un’isola mistica avvolta nel mistero, Marcus “Rookie” Ramsey deve affrontare una varietà di pericoli per ritrovare il suo equipaggio disperso.

Esplorando biomi inquietanti e affrontando mostri abissali, scoprirà la verità dietro l’antica maledizione dell’isola, risalente al tempo in cui il capo cultista del Popolo Antico imprigionò il Leviatano in cerca di immortalità. Sblocca nuove abilità che cambieranno il tuo modo di combattere ed esplorare, affronta creature spietate in battaglie impegnative, salva la tua ciurma e svela il mistero dell’isola, scoprendo i suoi molteplici finali.

Ma oggi le cose sono cambiate, infatti Fatshark, ovvero lo sviluppatore e editore del titolo, dopo due anni di aggiornamenti, ma sopratutto miglioramenti, ha fatto esprimere a Darktide tutto il suo potenziale. Giusto in tempo per far godere il titolo anche alla platea di giocatori PlayStation 5 i quali si potranno immergere nel puro caos di questo avvincente sparatutto cooperativo.

Warhammer 40000: Darktide un criminale in fuga

In Warhammer 40000: Darktide, vesti i panni di un criminale creato da te, che riesce a fuggire dopo un attacco delle forze del Caos alla nave prigione. Una volta libero, ti unisci all’Inquisizione come soldato sacrificabile, incaricato di fermare l’avanzata del Caos e contrastare le crescenti forze degli eretici nella città alveare di Tertium.

Anche se l’editor dei personaggi non è così approfondito come quello di molti RPG, ti permette comunque di creare un personaggio unico, con la possibilità di personalizzarlo ulteriormente man mano che giochi. Puoi ottenere vari oggetti cosmetici, sia sbloccandoli durante il gioco sia acquistandoli con denaro reale.

Un aspetto interessante è che puoi scegliere il passato del tuo personaggio, influenzandone la personalità e il modo in cui interagisce con gli altri membri della squadra. Inoltre è possibile selezionare una classe tra le quattro disponibili, ognuna con uno stile di gioco diverso, permettendoti di affrontare le missioni nel modo che preferisci.

Classi, progressione e missioni in Warhammer 40K: Darktide

Le quattro classi principali di Warhammer 40000: Darktide sono Ogryn, Psyker, Veteran e Zealot, ognuna con i propri vantaggi e svantaggi. Le classi seguono archetipi classici dei giochi di ruolo, come tank e DPS, quindi sta a te trovare quella che ti piace di più. Tuttavia, ti consiglio di provarle tutte visto che ognuna ha qualcosa di unico da offrire.

Salendo di livello, guadagni punti abilità da distribuire tra tre alberi delle abilità, permettendoti di creare la build che meglio si adatta al tuo stile di gioco. Anche le armi salgono di livello e puoi investire punti per migliorarle con bonus come ricariche più rapide, danni extra ai punti deboli dei nemici, o addirittura la possibilità di curarti colpendo le zone critiche.
Le missioni sono molto varie, si va dalla raccolta di dati alla caccia di eretici specifici, fino a veri e propri raid. Fatshark ha introdotto una vasta gamma di ambientazioni, tra cui bassifondi urbani, città desertiche, cattedrali e fogne.

Ogni luogo è ricco di dettagli, perfettamente in linea con l’atmosfera cupa e decadente del mondo di Warhammer 40000. Tuttavia, alcune missioni possono risultare un po’ lunghe, visto che completarle senza esplorazione può richiedere quasi un’ora. Le mappe offrono diversi percorsi per raggiungere la destinazione, ma il vero fascino sta nei segreti da scoprire, come ad esempio stanze nascoste, chiavi da trovare e antichi segreti. Esplorarli dipende dalla tua squadra, anche se la mancanza di una modalità single-player, magari con dei bot, va ad escludere per forza di cose quella fetta di giocatori che ama giocare in solitaria.

Warhammer 40000: Darktide è pensato per essere giocato online con amici o giocatori casuali. Se tu o un compagno di squadra cadrete in battaglia, verrete catturati e rinchiusi in una stanza sulla mappa. La squadra avrà un tempo limitato per liberarvi, altrimenti sarete fuori gioco. Ovviamente se non riuscirai a trovare abbastanza giocatori, durante il collegamento, il titolo compenserà questa mancanza con dei bot.

L’assenza di una modalità offline è una mancanza pesante, che va ad escludere, per forza di cose, parecchi giocatori. Sarebbe stato fantastico esplorare il mondo di Darktide al proprio ritmo, senza la pressione di dover stare al passo di altri giocatori che preferiscono correre anziché esplorare e scoprire i segreti che il titolo offre.

Grafica ottima, sonoro un po’ meno

Visivamente, Darktide è spettacolare, specialmente quando sei in costante movimento. Il design dei livelli è eccezionale, così come la varietà di nemici e demoni, tutti gli elementi sono curati nei minimi dettagli. Uno degli aspetti più impressionanti è il sistema di danni corporei, infatti nel combattimento corpo a corpo, puoi decapitare nemici o mozzare arti, in perfetta sintonia con l’universo di Warhammer 40000. Le armi al plasma, ad esempio, lasciano enormi ferite che aggiungono un tocco di brutalità visiva simile altri FPS come ad esempio Doom.

Su PlayStation 5, il gioco gira magnificamente, senza rallentamenti o scatti, nemmeno nelle situazioni più caotiche con decine di nemici ed effetti su schermo. È impressionante ciò che Fatshark è riuscita a ottenere dal punto di vista tecnico.

La recitazione e la colonna sonora, tuttavia, non brillano particolarmente visto che i dialoghi si ripetono spesso, diventando alla lunga abbastanza monotoni. Discorso diverso per gli effetti audio ambientali i quali sono davvero eccellenti. Le armi hanno un impatto realistico e il suono della carne che si scontra con l’acciaio è raccapricciante. Sentire i lamenti di un demone in avvicinamento ti farà venire i brividi. Questo livello di dettaglio aiuta a immergerti completamente nel mondo oscuro e brutale di Warhammer 40000: Darktide.

Nessuna storia in Spellagis, solo gameplay

Se non hai la più pallida idea di che cosa consista il genere degli auto-shooter, si tratta di arene in cui muovere il tuo personaggio, solitamente con una grafica a volo d’uccello. L’obbiettivo è quello di far fuori tutti i numerosi nemici che ti si pareranno davanti, sopravvivere e per farlo devi raccogliere i potenziamenti che verranno rilasciati. Spellagis non è niente di più e niente di meno, solo che qui la fine delle ondate è scandito da un timer.

Evita i nemici, raccogli le monete, acquista i power up

Come in altri esponenti del genere, in Spellagis il gameplay ruota attorno al prendere i panni di un mago che dovrà difendersi da una serie di arene, mentre orde di nemici si avvicinano senza sosta. Tuttavia, le opzioni di controllo a tua disposizione sono piuttosto limitate. In pratica, hai solo tre elementi sotto il tuo controllo diretto.

Il primo è il movimento. Puoi spostare il tuo mago usando lo stick sinistro e almeno inizialmente, sarà fondamentale destreggiarsi tra i nemici per sopravvivere. Per quanto riguarda il gameplay principale, finisce qui. Non puoi né mirare, né sparare, il gioco si occuperà automaticamente di entrambe le azioni. Se sei nuovo del genere, questo sistema può sembrare strano, ma titoli simili hanno già dimostrato che può funzionare molto bene. Di conseguenza, il tuo obiettivo principale è muoverti, raccogliere le monete lasciate cadere dai nemici sconfitti e sopravvivere fino alla fine di ogni ondata.

Il secondo elemento che puoi controllare è la scelta dei potenziamenti alla fine di ogni ondata (in totale ce ne sono quindici). Ti verranno proposti quattro potenziamenti, generalmente suddivisi tra miglioramenti delle statistiche (velocità di movimento, velocità di fuoco, danno, resistenza ai danni, ecc.) o armi extra (come un proiettile aggiuntivo o una torretta). La scelta dei potenziamenti è cruciale, ma nel caso di Spellagis, la strategia vincente si riduce quasi sempre a puntare su potenziamenti offensivi ogni volta che ne hai l’occasione. Questo sistema semplificato può essere efficace, ma rischia di risultare monotono nel lungo periodo.

Il terzo e ultimo aspetto che puoi controllare avviene tra una partita e l’altra, ovvero quando puoi acquistare potenziamenti permanenti. Anche in questo caso, la strategia migliore è iniziare migliorando il danno e poi espandersi da lì. Questi potenziamenti non sono solo utili per progredire più facilmente, ma risultano praticamente indispensabili. Senza di essi, è veramente difficile arrivare lontano nel gioco.

Detto ciò, Spellagis non è un gioco particolarmente impegnativo. A differenza di titoli simili come ad esempio Vampire Survivors, non si rischia mai di rimanere bloccati. Non c’è bisogno di farmare, visto che la progressione è abbastanza lineare con l’aumento della difficoltà. I livelli del gioco diventano gradualmente più difficili, con nemici che guadagnano maggiore potenza d’attacco o resistenza, ma il ritmo con cui si ottengono potenziamenti è adeguato a gestire queste sfide.

Ma c’è un problema davvero frustrante in Spellagis ovvero il sistema di rilevamento delle collisioni. La mancanza di precisione in questo aspetto è parecchio fastidiosa e spesso non c’è un feedback chiaro per capire quando ti hanno colpito. Questo difetto riduce la sensazione di controllo e può rendere il gameplay meno appagante. Nonostante non sia un problema insormontabile, rappresenta comunque un limite significativo per il gioco.

Ma non è l’unico difetto del titolo. Innanzitutto, il gioco risulta terribilmente monotono. I vari livelli del titolo offrono un’esperienza che praticamente non varia mai, stessi nemici, stesso sfondo generico, stesso gameplay. Non c’è alcun elemento di diversificazione. Se si guarda a titoli come Vampire Survivors, ogni livello e ogni personaggio offrono un’esperienza unica, ma qui tutto sembra uguale. Anche quando si sbloccano gli otto maghi giocabili, la differenza è minima, a parte uno che spara colpi a ventaglio, gli altri si comportano in modo pressoché identico.

Anche il numero di nemici sullo schermo andava gestito meglio, infatti raramente si superano i venti nemici contemporaneamente, a meno che non si tratti dell’ultima ondata. Quindi, se speravi di affrontare enormi orde in stile Vampire Survivors, resterai deluso.

Una grafica basilare, che più basilare non si può

Dal punto di vista tecnico, il gioco non fa nulla per distinguersi. Grafica e suoni sono di base e il gameplay è così semplificato da far sembrare Spellagis più un progetto studentesco che un prodotto commerciale. È come se fosse un primo tentativo di creare un gioco in stile Vampire Survivors, ma con risultati ben lontani dall’eccellenza del genere.

È un peccato, perché il genere degli auto-shooter può essere davvero coinvolgente quando è fatto bene. L’unico aspetto positivo di Spellagis è che offre qualche ora di gioco, superando la durata media di altri titoli simili, che spesso si esauriscono in trenta minuti. Tuttavia, non aspettarti di farti una seconda run con piacere, visto che non ti darebbe nulla in più.

Tutti vogliono Nintendo

L’indagine, riportata da Otaku Soken, si basa sulle opinioni di 5.476 studenti universitari giapponesi. Nintendo domina il settore dell’intrattenimento, superata soltanto dalla società commerciale Itochu (prima in classifica) e dalla biotech Ajinomoto (seconda).

Il prestigio di Nintendo come azienda leader nel mondo dei videogiochi, insieme alla sua presenza globale, sembra aver giocato un ruolo decisivo. Inoltre, l’azienda è nota per il suo tasso di turnover del personale straordinariamente basso, vicino allo zero, mentre la media del settore si aggira intorno al 30%.

Hiroki Okamoto, CEO dell’agenzia di collocamento UZUZ, ha spiegato i motivi del successo di Nintendo:

I vantaggi offerti da Nintendo sono un fattore determinante. L’azienda promuove un elevato utilizzo delle ferie retribuite, offre un forte supporto ai genitori e dispone di un sistema a punti esclusivo per i dipendenti, utilizzabile per giochi, libri, viaggi e altro. Inoltre, dimostra un impegno significativo verso la diversità, introducendo un sistema di partnership che equipara i partner dello stesso sesso a una coppia sposata, oltre ad altre iniziative progressiste.

Tra le prime 50 posizioni compaiono anche altre aziende del settore videoludico, come Konami, Capcom, Bandai Namco e Sega. Kadokawa Corporation, recentemente sotto i riflettori per una possibile acquisizione da parte di Sony, si è posizionata ottava.

Il gioco ha ricevuto diversi aggiornamenti post-lancio, come l’evento estivo che ha introdotto un costume da bagno e un’area relax, oltre a molte altre aggiunte, tra cui nuovi outfit e correzioni tecniche. Tuttavia, questi aggiornamenti sono stati piuttosto marginali e difficilmente sono riusciti a convincere i giocatori, che già avevano preso i panni di Eve, a fare una seconda run.

Tutto ciò, però, sembra destinato a cambiare grazie a un doppio aggiornamento che ha portato contenuti molto significativi. I due principali elementi aggiunti sono il DLC a pagamento dedicato a NieR:Automata e l’aggiornamento gratuito della modalità foto. Quest’ultima si distingue come uno dei contenuti più rilevanti introdotti in Stellar Blade, offrendo molto più di quanto ci si potrebbe aspettare.

La modalità foto, un’aggiunta interessante a Stellar Blade

Per farti capire in cosa consiste, nel tabellone delle missioni a Xion è stata aggiunta una nuova richiesta che funge da tutorial per la modalità foto, completandola, potrai ottenere un nuovo outfit. Inoltre, sbloccherai una serie di nuove attività chiamate Sfide Fotografiche. Queste missioni richiedono di inquadrare con la fotocamera punti specifici del mondo di gioco, indicati attraverso immagini contenute nel data bank in-game.

Queste Sfide Fotografiche sono distribuite su mappe specifiche, offrendo un valido incentivo per esplorare gli ambienti. Le immagini-indizio fornite tramite il data bank risultano facilmente riconoscibili se hai già completato la storia, poiché si tratta principalmente di punti di riferimento visibili nel mondo di gioco.

Inoltre, le ricompense consistono in nuovi outfit, che vanno ad arricchire la già vasta selezione presente nel gioco base e negli aggiornamenti successivi. La modalità foto garantisce ore di gameplay creativo per chi si è appassionato al gioco, ma questa è una modalità gratuita, vale la pena portarsi a casa il DLC Stellar Blade x NieR:Automata? Continua nella lettura per scoprirlo.

DLC Stellar Blade x NieR:Automata: Cosa Include?

Questo DLC introduce il negozio di Emil, il quale è ispirato al gioco originale, disponibile nelle mappe del Grande Deserto e delle Terre Desolate.

Nel negozio si trova un’interessante selezione di outfit e cosmetici che omaggiano NieR:Automata, tra cui i costumi di 2B e A2, una skin per il pod e nuovi abiti per Lily e Adam. Tuttavia, per ottenere questi costumi è necessario raccogliere un nuovo set di risorse, differente da quelli richiesti nel gioco base.

Emil richiederà le nuove Stellar Tears, ovvero dei collezionabili introdotti con il DLC, sparsi nelle mappe del Grande Deserto e delle Terre Desolate. Fortunatamente, trovarle non è troppo complicato, poiché la loro ricerca segue una logica simile a quella delle sfide fotografiche.

Il data bank del gioco fornisce immagini che indicano le aree generali in cui si trovano queste Stellar Tears, solitamente situate vicino a punti di riferimento ben riconoscibili. Se hai già giocato in passato a Stellar Blade, infatti, non dovresti avere difficoltà particolari ad identificarli rapidamente.

Bello, ma ne vale la pena?

Gli outfit dedicati a NieR:Automata sono di altissima qualità, caratterizzati da un’estetica nostalgica e un tocco di fanservice che non guasta mai. Oltre a questo anche una delle caratteristiche più iconiche del gioco originale è stata inclusa, ovvero lo scherzo in cui, cercando di sbirciare sotto la gonna di 2B, il personaggio reagisce dando un calcio alla telecamera. In Stellar Blade, questa trovata è stata adattata anche per Eve, un piccolo easter egg che, insieme ai costumi e all’aggiunta della musica di NieR:Automata, testimonia il profondo rispetto e l’affetto del team di sviluppo verso questa IP.

Il prezzo del DLC, circa 10 €, è un po’ elevato, tuttavia la qualità di questi contenuti aggiuntivi è innegabile. Inoltre, il DLC si integra perfettamente con la nuova modalità foto avanzata, che offre un livello di personalizzazione davvero notevole. È possibile regolare pose di Eve, espressioni, profondità di campo, motion blur, illuminazione e molti altri dettagli, rendendo questa modalità un’esperienza creativa superiore rispetto a molte altre modalità fotografiche presenti in altri giochi.

Tante novità nell’aggiornamento gratuito

Questo aggiornamento gratuito non si limita alla modalità foto, ma offre molte altre aggiunte interessanti. Tra queste spicca l’accessorio Symbol of Legacy, che modifica l’aspetto di Eve in Modalità Tachy, trasformandola in una forma legata al finale di gioco. Inoltre, è stata introdotta la sincronizzazione labiale per sei lingue di doppiaggio e per chi preferisce un look diverso, è possibile rimuovere la coda di cavallo di Eve.

Ma bastano queste aggiunte per farti fare una seconda run oppure per convincerti ad immergerti per la prima volta nei panni di Eve? Nonostante le aggiunte intriganti e il chiaro amore del team di sviluppo per l’universo di NieR:Automata, il DLC a pagamento da 10 € non riesce a giustificare pienamente il suo costo, soprattutto per chi ha già completato il gioco. Sebbene i nuovi contenuti, come la modalità foto avanzata e i costumi esclusivi, possano risultare attraenti per il fan più accanito, non offrono abbastanza valore per motivare una seconda run.

Se, invece, ti stai avvicinando a Stellar Blade per la prima volta, questo aggiornamento gratuito e il DLC possono rappresentare un incentivo interessante per iniziare. Altrimenti, è difficile trovare una ragione convincente per tornare su questo titolo senza una vera espansione o un arricchimento significativo dell’esperienza di gioco.

Nuove portatili di Sony e Microsoft all’orizzonte

Dopo mesi di voci, Spencer ha dichiarato a Bloomberg che Microsoft è impegnata nello sviluppo di prototipi per una console portatile Xbox, pur senza rivelare ulteriori dettagli. Sony, invece, non ha fatto dichiarazioni ufficiali, ma fonti affidabili riferiscono che, dopo il successo del PlayStation Portal, l’azienda ha rinnovato il suo interesse per le console portatili.

Ieri, il noto leaker cinese Zhangzhonghao, che sembra avere contatti nella catena di produzione, ha affermato che Sony utilizzerà hardware AMD per la sua console portatile di prossima generazione, destinata ad affiancare la PlayStation 6. Per quanto riguarda Microsoft, il leaker sostiene che l’azienda stia ancora decidendo tra Qualcomm e AMD per il suo progetto portatile.

Zhangzhonghao ha aggiunto che PlayStation 6 adotterà la tecnologia UDNA, un’evoluzione rispetto alla RDNA4 (non ci sarà una RDNA5). Inoltre, sembra che Sony non abbia ancora deciso se il processore della PlayStation 6 sarà basato sull’architettura ZEN4 o ZEN5. Questo ha sollevato alcune preoccupazioni, dato che ZEN4 rischierebbe di essere superato al momento del lancio della console.

Per ora, queste informazioni vanno prese con cautela, poiché si tratta di voci di corridoio. L’unica certezza è che sia Sony che Microsoft sembrano intenzionate a competere anche nel mercato delle console portatili staremo a vedere cosa ci riserva il futuro.

Secondo le FAQ pubblicate sul sito ufficiale, ora i pacchetti espansione, nuove stagioni di gioco, DLC, remake e remaster potranno essere candidati in tutte le categorie, a patto che la giuria li consideri meritevoli di una nomination. Tra i fattori valutati ci sono la “novità” dei contenuti, il prezzo e il valore complessivo. La dichiarazione ufficiale recita:

“The Game Awards aims to recognize the best creative and technical work each year, irrespective of the format of that content’s release. Expansion packs, new game seasons, DLCs, remakes and remasters are eligible in all categories, if the jury deems the new creative and technical work to be worthy of a nomination. Factors such as the newness of the content and its price/value should be taken into consideration.”

Tradotto

“The Game Awards punta a riconoscere ogni anno i migliori lavori creativi e tecnici, indipendentemente dal formato di pubblicazione. I pacchetti espansione, le nuove stagioni di gioco, i DLC, i remake e i remaster sono idonei in tutte le categorie, se il lavoro creativo e tecnico è considerato meritevole dalla giuria. Tra i criteri di valutazione ci sono la novità del contenuto e il rapporto qualità/prezzo.”

Le discussioni online fanno spesso riferimento all’espansione di Elden Ring uscita lo scorso giugno, e alcuni commentatori hanno notato come, se questa regola fosse stata valida in passato, espansioni come quella di Xenoblade Chronicles 3 avrebbero potuto concorrere per alcuni premi.

Il creatore e presentatore dei The Game Awards, Geoff Keighley, ha annunciato che i nominati per il 2024 saranno rivelati il 18 novembre ovvero oggi alle ore 17:30 ora italiana.

Il tasto riavvolgi di PlayStation rivelato da un brevetto

Come segnalato da Tech4Gamers, Sony spiega che questa funzione consentirebbe ai giocatori di riavvolgere il gameplay in tempo reale per rivedere momenti importanti, qualora ne sentissero la necessità. Un esempio citato nel brevetto descrive uno scenario in cui i giocatori ricevono “informazioni cruciali” per una missione, ma potrebbero dimenticarne alcune parti.

“A un certo punto durante il gameplay, il giocatore potrebbe aver dimenticato parte o tutte le informazioni e potrebbe voler rivedere il gameplay recente,” si legge nel documento. Questo potrebbe rivelarsi utile per chi decide di completare una missione in un secondo momento e ha bisogno di recuperare dettagli dimenticati.

Dalle descrizioni, sembra che il pulsante di Riavvolgi permetterebbe solo di rivedere i fotogrammi salvati, senza consentire di rigiocare le sezioni.

Ovviamente, non tutti i brevetti diventano realtà, ma questa funzione potrebbe essere interessante per il controller della futura PlayStation 6.

“Abbiamo una serie di titoli in sviluppo che rientrano nella categoria dei classici, titoli come Crazy Taxi, Jet Set Radio, Streets of Rage, Shinobi e un nuovo Virtua Fighter. È tutto molto emozionante.”

Sebbene questa dichiarazione abbia confermato il ritorno di Virtua Fighter, per ora SEGA non ha rivelato alcun dettaglio aggiuntivo riguardo a titolo, piattaforme o data di rilascio.

Virtua Fighter non è morto

Questa notizia è un faro di speranza per i fan della serie, che ormai da anni attendono un nuovo capitolo. Anche se non è chiaro quando SEGA farà un annuncio ufficiale, molti sperano che il 2025 sia l’anno in cui verranno finalmente svelati dettagli concreti.

Virtua Fighter potrebbe non avere oggi lo stesso impatto mediatico della serie Tekken di Bandai Namco, ma è impossibile ignorare il ruolo fondamentale che ha avuto nel genere dei picchiaduro fin dal suo debutto nel 1993. Con un gameplay profondo e sofisticato, Virtua Fighter ha definito gli standard per i picchiaduro in 3D, influenzando molte serie successive e ritagliandosi una nicchia di appassionati fedeli.

L’ultimo capitolo, Virtua Fighter 5: Ultimate Showdown, uscito nel 2021 su PlayStation 4 e nelle sale giochi, ha riportato la serie sotto i riflettori, ricevendo un’accoglienza positiva da parte della critica e dei giocatori. Questo gioco ha evidenziato, ancora una volta, come Virtua Fighter sia un’esperienza più tecnica e strategica rispetto a rivali come Tekken, con un sistema di combattimento che premia la precisione e la pazienza.

Tuttavia, la serie ha sempre mostrato uno stile più sobrio e meno appariscente rispetto ai picchiaduro più “flashy” e forse è proprio questa caratteristica che ha contribuito alla sua nicchia di fan, sacrificando un po’ di popolarità mainstream in favore della profondità del gameplay.

SEGA rimuove i suoi classici

La raccolta sarà rimossa il 6 dicembre 2024. Dopo questa data, non sarà più possibile acquistare il titolo. Tuttavia, chi lo ha già comprato potrà continuare a scaricarlo e giocarlo senza alcuna restrizione futura.

Ecco la dichiarazione ufficiale di SEGA al riguardo:

“Select games and bundles will be delisted from virtual stores, becoming unavailable for new purchases. Your owned games will still be available in your library.”

tradotto

“Alcuni giochi e pacchetti saranno rimossi dagli store digitali e non saranno più disponibili per l’acquisto. Tuttavia, i giochi già acquistati continueranno ad essere accessibili nelle librerie degli utenti.”

Per chi si stesse chiedendo se sarà ancora possibile giocare a questi titoli in qualche modo, la risposta è sì: alcuni di essi rimarranno disponibili attraverso il servizio Nintendo Switch Online + Pacchetto Aggiuntivo. SEGA ha infatti confermato che i giochi inclusi nelle librerie in abbonamento continueranno a essere fruibili. Nella dichiarazione ufficiale, SEGA ha precisato:

“Yes, select individual classic titles will still be playable for those who have a Nintendo Switch Online subscription.”

tradotto

“Sì, alcuni titoli classici selezionati saranno ancora giocabili per chi ha un abbonamento a Nintendo Switch Online.”

Per ulteriori dettagli e per consultare la lista completa dei giochi che saranno rimossi da altre piattaforme, SEGA invita a visitare la pagina di supporto sul suo sito. Ricordiamo che questa collezione di classici è stata originariamente lanciata in versione digitale e fisica per tutte le console e PC nel 2018.

Se quindi sei un fan delle opere classiche, targate SEGA e avevi in programma di portarti a casa questa collection, faresti bene ad affrettarti.

Call of Duty Black Ops 6 ti porta in giro per il mondo

Se sei tra coloro che giocano Call of Duty solo per il comparto multiplayer, sappi che, almeno nella versione di quest’anno, c’è una campagna in single player, che offre una trama molto interessante. Questa è ambientata subito dopo la fine della Guerra Fredda, ovvero nei primi anni ’90 e prenderai i panni di Troy Marshall che, insieme alla sua squadra, verrà braccata da un’organizzazione misteriosa chiamata Pantheon, la quale è riuscita ad intrufolarsi fino ai massimi vertici della CIA.

Questa investigazione ti porterà in parecchie location differenti come palazzi mediorientali, casinò europei oppure mercati dell’est Europa. Tutto molto bello, ma soprattutto molto cinematografico, visto che le missioni che affronterai avranno scontri a fuoco e missioni di spionaggio che non hanno davvero nulla da invidiare ad un qualsiasi film di Hollywood.

Peccato solo che tutta questa spettacolarità abbia un po’ sacrificato l’accuratezza storica del titolo. Per farti un esempio, in una missione dovrai infiltrarti in uno dei sontuosi palazzi di Saddam Hussein per scoprire una presunta arma di distruzione di massa, solo per poi rivelare che è stata in realtà piazzata dall’organizzazione Pantheon.

Sebbene questi colpi di scena possano regalare momenti di tensione, risultano in definitiva superficiali se rapportati alle reali implicazioni del conflitto storico. L’Iraq viene trattato come un semplice sfondo, con i cittadini spesso ridotti a figure anonime all’interno di una narrativa di cospirazione più ampia.

Una varietà davvero niente male

Se sei tra coloro che non ha la più pallida idea di che cosa sia la saga di Call of Duty, si tratta di un franchise che, nel bene o nel male, ha da sempre diviso i giocatori e che ha comunque dato una grossa mano a far diventare il genere FPS mainstream. Questo grazie ad un gameplay sempre molto divertente, ma soprattutto grazie al suo multiplayer che negli anni è diventato praticamente un appuntamento fisso per gli appassionati. Purtroppo nel corso degli anni i giocatori hanno lamentato una certa ripetitività dei contenuti, ma questo non ha mai fermato le vendite del titolo di punta di Activision.

In questo Black Ops 6 le novità sono tante, ma soprattutto ben implementate. C’è l’introduzione delle mappe semi-aperte nella modalità campagna e questo aggiunge un senso di libertà che la serie non offriva da anni. Ci sono diversi percorsi per raggiungere gli obiettivi di missione, segreti nascosti in varie aree e missioni secondarie che ti ricompenseranno se dedicherai il giusto tempo per l’esplorazione.

Oltre a questo il sistema di potenziamento della base rappresenta una novità parecchio interessante, infatti potrai raccogliere denaro durante le missioni grazie a delle casseforti che si apriranno con degli enigmi, grazie a questo sarà possibile sbloccare armi e abilità da investire nel proprio rifugio. È un sistema che non è per nulla complesso, ma aggiunge una sfumatura gratificante, ma che, soprattutto, rende la campagna molto meno lineare e questo davvero non guasta.

Il vero punto di forza del gioco, però, sta nella varietà del gameplay. Oltre ai classici scontri a fuoco classici della saga di Call of Duty, Black Ops 6 offre sezioni di gioco stealth, enigmi e combattimenti ad alta intensità che ricordano quasi DOOM. Questi momenti saranno parecchio adrenalinici, visto che l’azione frenetica è una piacevole variazione rispetto ai combattimenti ripetitivi che in passato hanno caratterizzato la serie.

Oltre a queste, graditissime, novità Black Ops 6 reintroduce la meccanica della Bacheca delle Prove, feature già vista in Cold War, la quale permette di affrontare le missioni con strategie diverse. L’inserimento di puzzle, serrature da scassinare e attività come l’hacking di computer aggiunge una sfumatura di complessità che rende il gameplay molto meno prevedibile. Questo approccio mantiene il gioco dinamico, spingendoti a pensare strategicamente, invece di limitarsi a correre sparando in stile Rambo verso il prossimo checkpoint.

Il comparto multigiocatore di Black Ops 6, vero fiore all’occhiello da anni del gioco di Activision, rappresenta un ritorno alle origini per Call of Duty, visto che si mescolano meccaniche tradizionali con alcune novità. Il gioco viene rilasciato con 16 mappe, di cui 12 dedicate al classico 6v6, mentre le altre sono pensate per squadre più piccole o scontri veloci. Le mappe seguono il design a tre corsie, parecchio familiare se sei un fan di lunga data. Questo tipo di gioco garantisce un’azione frenetica, ma introduce anche diverse linee di tiro per rendere dinamica ogni partita.

Infine, spendiamo due parole per la classica e amatissima Zombie mode. Questa torna in una versione migliorata e con tante novità, con una selezione di armi nuove, ma anche di vecchie conoscenze del passato, la modalità Zombie continua a offrire emozioni infinite se ami il gioco in cooperativa. Questa volta, la storia degli Zombie è strettamente legata alla campagna, fornendo, quindi, un contesto narrativo mentre vai all’assalto dei non morti.

Graficamente eccellente

Call of Duty: Black Ops 6 offre un comparto visivo impressionante, caratterizzato da una grafica realistica, modelli dettagliati dei personaggi e ambienti ricchi di colori e sfumature. La direzione artistica riesce a bilanciare il realismo crudo tipico di un gioco di guerra impreziosito da un tocco cinematografico che amplifica l’atmosfera generale.

Gli ambienti spaziano da paesaggi urbani vasti a campi di battaglia desolati, tutti creati con una cura meticolosa dei dettagli. Gli effetti di luce, soprattutto durante i cambiamenti climatici dinamici e le esplosioni, regalano un’esperienza visiva coinvolgente che ti trasporterà nel caos di un combattimento.

Un’altra cosa eccezionale è la qualità delle animazioni. I movimenti dei personaggi sono fluidi e reattivi e questo conferisce un grande realismo negli scontri a fuoco. Dalla precisione del rinculo delle armi, alla fisicità dei movimenti delle scivolate, le animazioni migliorano nel complesso dell’esperienza di gioco. L’uso di ambienti distruttibili aggiunge un ulteriore strato di immersione, permettendoti di vedere muri che crollano e coperture che si distruggono nel mezzo della battaglia.

Ad arricchire l’aspetto visivo c’è l’eccezionale design audio di Black Ops 6. Gli spari risuonano con potenza e ogni colpo sembra avere un impatto tangibile, mentre i suoni distinti delle diverse armi contribuiscono all’autenticità dell’esperienza. La chiarezza e il realismo degli effetti sonori, dal sibilo dei proiettili che passano vicini al rombo delle esplosioni in lontananza, aumentano l’intensità degli scontri a fuoco e tenendoti perennemente all’erta. Anche il doppiaggio è spettacolare. I dialoghi sono ben scritti e aggiungono profondità alla campagna, fornendo contesto agli eventi caotici che si susseguono sullo schermo.

Nintendo farà Super Mario Bros il Film 2, ma anche Zelda

Dopo il successo di Super Mario Bros. il Film, uscito nelle sale l’anno scorso, visto finora da circa 170 milioni di persone in tutto il mondo e in Top 10 su Netflix ormai da diverse settimane, Nintendo ha confermato l’arrivo di un nuovo film animato basato sempre sull’universo di Super Mario. L’uscita nelle sale è prevista per aprile 2026, consolidando ulteriormente l’importanza del brand Mario nel panorama cinematografico.

In seguito, Nintendo punta a esplorare un’altra delle sue iconiche saghe con un film live-action basato su The Legend of Zelda. Attualmente, il progetto è ancora nella fase di pianificazione e sviluppo, e non è stata fissata una data di uscita ufficiale. Tuttavia, l’azienda ha indicato che il film arriverà nel 202X ipotizzando, quindi, un debutto nelle sale che potrebbe avvenire tra il secondo film di Super Mario e la fine del decennio.

La data di uscita per il prossimo film di Super Mario è stata strategicamente annunciata durante il Mario Day, una celebrazione annuale dedicata al celebre idraulico di casa Nintendo. Quanto al film di Zelda, il regista Wes Ball ha dichiarato all’inizio di quest’anno che i lavori sono già iniziati, sebbene non abbia potuto condividere molti dettagli. Tuttavia, ha mostrato ottimismo, affermando che i fan saranno soddisfatti del risultato finale.

Con questi progetti, Nintendo si sta chiaramente impegnando a espandere la propria influenza oltre i confini del gaming, portando i suoi iconici universi in un nuovo ambito di intrattenimento per coinvolgere un pubblico sempre più ampio.

È sicuramente il caso di Ratalaika Games che dopo aver resuscitato Aero the Acro-Bat, decide di dare una seconda vita anche al suo spin-off ovvero Zero the Kamikaze Squirrel. Sarà invecchiato bene? Meriterà la tua attenzione nonostante i suoi 30 anni? Dammi un po’ del tuo tempo e te lo dico.

Un po’ di storia

Trent’anni fa, Sunsoft lanciava Zero the Kamikaze Squirrel per Sega Mega Drive (o Genesis se sei avvezzo alla cultura americana) e Super Nintendo, un titolo che posso definire come lo spin-off ribelle di un altro gioco chiamato Aero the Acrobat, uscito nel 1993. In Aero, Zero era il fedele aiutante dell’antagonista Edgar Ektor, ma appena un anno dopo, il nostro scoiattolo kamikaze ha deciso di passare alla ribalta con un’avventura tutta sua. Mentre Aero the Acrobat ha già avuto le sue riedizioni sulle console moderne, finalmente è arrivato il momento di un ritorno trionfale per Zero.

Ma come si fa a passare da nemico a protagonista di un gioco? Facile! La trama ci svela che un boscaiolo poco raccomandabile di nome Jacques LeSheets ha deciso di radere al suolo la foresta di Zero per produrre carta su cui stampare soldi falsi, usando delle matrici rubate. Storia già sentita? Assolutamente sì, ma capiamoci stiamo pur sempre parlando di un gioco del 1994, quindi allora era tutto ancora molto originale.

Zero the Kamikaze Squirrel è difficile!

Zero the Kamikaze Squirrel è un platform in cui prenderai i panni di Zero e dovrai affrontare diversi livelli pieni zeppi di nemici eliminandoli a colpi di shuriken o usando i nunchaku. Ovviamente hai anche altre mosse a tua disposizione, tipo avventarsi con un avvitamento sui nemici, piombare dall’alto e persino fare una capriola in picchiata che, se eseguita al momento giusto, ti permette non solo di attaccare, ma anche di saltare più in alto.

Anche se il gioco originali è stato sviluppato da Sunsoft, la riedizione è curata da Ratalaika Games, la quale ha inserito qualche extra. Potrai esplorare la galleria e la colonna sonora, oltre a salvare e caricare i progressi tramite gli immancabili save states (ti basterà premere insieme L e R per accedere al menu degli extra).

Nel gioco sono disponibili anche la modalità Turbo e la funzione Rewind. Certo, il menu extra è parecchio minimale, anzi direi proprio spartano, ma ha tutte le funzioni che messe al posto giusto e tutto ciò che ti aspetteresti da una ri-edizione del genere. Perché dico quello che ti aspetteresti? Perché, come da tradizione in questi giochi, gli extra sono un contenuto apprezzabile, ma il gioco è esattamente quello di trent’anni fa, senza ritocchi o aggiornamenti. Ratalaika Games ha realizzato solo il porting, quindi qualsiasi difetto del gioco originale resta invariato.

Zero the Kamikaze Squirrel è un titolo che sa essere difficile, anzi a tratti è proprio frustrante. All’inizio del livello, si hanno cinque punti vita, con la possibilità di trovarne altri lungo il percorso, oltre che le immancabili vite extra. I primi livelli sono tipici dei platform 2D con qualche segreto qua e là, ma più si va avanti, più il gioco metterà a dura prova il tuo sistema nervoso. Molti livelli sono piuttosto lineari, ma alcuni sono veri e propri labirinti, infatti se prendi la strada sbagliata, ti potresti ritrovare all’inizio dello stage e sarai costretto a rifare sezioni intere (ovviamente sacrificare una vita per ricominciare dall’ultimo checkpoint è sempre una valida alternativa).

Anche il platforming è a tratti impreciso, soprattutto nei livelli avanzati, dove sarai costretto a saltare su piattaforme presidiate dai nemici senza molto spazio per attaccare. La capriola di Zero in aria non è un vero e proprio doppio salto, questo perché se lo fai subito dopo il salto, ti farà andare un po’ più in alto, ma farlo in discesa non ti aggiunge praticamente nulla. Dato che non puoi attaccare mentre ruoti, combattere i nemici sui bordi delle piattaforme può essere davvero snervante. E poi ci sono i boss. Passerai sicuramente un po’ di tempo a studiarne i movimenti, consumando punti vita e vite, ma una volta che capisci come affrontarli, sono relativamente semplici.

Zero the Kamikaze Squirrel è il tipico gioco anni ’80/’90, ovvero un’avventura impegnativa che richiede tempo soprattutto per la difficoltà. Per fortuna, il porting offre la possibilità di riavvolgere e salvare, funzioni che ti consiglio vivamente di usare senza remore. È un buon gioco? Si e no. Sì perchè comunque resta a tratti divertente, no perché ci sono dei punti effettivamente troppo ostici che verranno difficilmente digeriti dal giocatore moderno.

Una grafica che non è invecchiata di un giorno

Sebbene Zero the Kamikaze Squirrel non sia per nulla una remastered, è un’ottima conversione del gioco SNES. La grafica è vivace, in particolare per quanto riguarda i colori e le animazioni. Inoltre, il multi-scrolling è rimasto intatto e il gioco gira sempre in modo molto fluido. Peccato che non sia stata inserita anche la versione per Mega Drive, la quale è praticamente identica, ma le ombreggiature risultano meno intense. Questo avrebbe dato un metro di paragone tra le due versioni, ma probabilmente Ratalaika ha deciso di virare solo per la versione migliore.

Per quanto riguarda la musica, questa risulta parecchio orecchiabile. Le melodie sono molto piacevoli da ascoltare e queste possono essere esplorate da un jukebox nel menu. Benissimo anche gli effetti sonori, i quali riescono a dare molta enfasi al gioco, ma soprattutto a divertire il giocatore (su tutti il grido di battaglia di Zero, ispirato all’iconico urlo di Bruce Lee).

Ma se proprio non hai voglia di perdere tempo con tutte queste scocciature? Beh, in questo caso potresti dare un’occhiata al metodo di Gaming Reinvented per ottenere quella che chiamano l’Ultra Obliterator.

Così The Legend of Zelda: Breath of the Wild diventa una passeggiata

Non ti starò a spiegare tutti i passaggi qui, però il video e l’articolo di Gaming Reinvented spiegano tutto piuttosto bene. Se hai la pazienza di fare minuziosamente tutto la procedura, il risultato finale potrebbe regalarti un’esperienza di gioco diversa e tutto sommato molto divertente.

In pratica, una volta completata tutta la procedura, avrai tra le mani un’Obliterator che fa oltre 200 danni a colpo, senza effetto di drenaggio salute e come avrai ben capito, non si romperà mai. Roba da non crederci! Certo, ci sono un paio di dettagli da tenere a mente, come il comportamento dell’arma quando usi la capriola all’indietro contro nemici più piccoli, ma sono pronto a scommettere che i vantaggi superano di gran lunga i piccoli difetti.

È davvero sorprendente che, dopo tutto questo tempo, vengano scoperti nuovi glitch in Breath of the Wild, ma se ti va di provare, facci sapere com’è andata nei commenti qui sotto!

Tuttavia, la versione per PlayStation 4 ha appena nove anni e nonostante questa riedizione di nuova generazione presenti miglioramenti grafici davvero degni di nota, l’esperienza di base rimane la stessa, senza sconti o incentivi per chi possiede già l’originale. Varrà la pena rivedere la morte di Hannah e Beth, ma con una grafica migliorata? Prosegui nella lettura per scoprirlo.

So’ ragazzi

Until Dawn inizia con 10 ragazzi, i quali passano le loro vacanze nella casa dei genitori di Beth, Hannah e Josh sul Monte Washington. Sono degli adolescenti, quindi è ovvio che tra di loro gli scherzi siano all’ordine del giorno, tuttavia uno sfugge di mano al gruppetto e quindi Hannah scappa dal rifugio in lacrime dopo essere stata derisa dal resto della compagnia.

Beth, la sorella, la segue nel bosco per cercarla e una volta raggiunta, si imbattono in uno sconosciuto che le insegue. Terrorizzate, le due sorelle fuggono fino ad arrivare al bordo di un burrone, da cui cadono, passando quindi a miglior vita.

Un anno dopo l’incidente, Josh invita il gruppo per la consueta fuga invernale a Blackwood sul Monte Washington, come se nulla fosse successo l’anno prima. E qui inizierai a scoprire gradualmente i personaggi e le loro relazioni. Abbiamo Sam la migliore amica di Hannah, Chris il migliore amico di Josh, Ashley la quale ha una cotta per Chris, le due coppie ovvero Emily con Matt e Mike con Jess.

Nel titolo controllerai a turno tutti i personaggi e le storie si intrecceranno spesso, portando a sviluppi di trama del tutto inaspettati, ma soprattutto mortali. Un innocente battito di ali di farfalla può, col tempo, trasformarsi in un uragano, questo sarà il leitmotiv di tutto Until Dawn.

Until Dawn, più che un videogioco un film interattivo

Ma per chi non ha giocato il gioco originale che cos’è Until Dawn? Fondamentalmente è un titolo che trae parecchia ispirazione dai film slasher adolescenziali (alla Final Destination per capirci), ma che probabilmente al cinema non avrebbe reso alla stessa maniera. Questo perché spesso durante il gioco sarai chiamato a compiere delle scelte e queste andranno ad influenzare pesantemente la trama. Fare una determinata scelta porterà alla salvezza o alla morte di un qualsiasi personaggio, sarai in grado di finire il gioco, salvando tutti i protagonisti?

Ovviamente un titolo del genere fa del suo cast e della trama il suo punto di forza, visto che c’è l’utilizzo di parecchie celebrità che hanno dato le loro sembianze ai protagonisti della storia. Tra loro Rami Malek (Bohemian Rapsody), Hayden Panettiere (Scream), Peter Stormare (Constantine) e tanti, tantissimi altri.

Da un cast del genere mi aspetto una recitazione di primissimo ordine, ma forse complice il doppiaggio in italiano che sembra uscito da un qualsiasi show di Dmax (tra l’altro per alcuni personaggi i doppiatori sono proprio li stessi), non è così memorabile, anzi. Ma a parte questo l’esperienza di gioco non è assolutamente male anzi, questa risulta ben ritmata, con le scelte che faranno morire o sopravvivere determinati personaggi, che tengono alta l’attenzione e la voglia di capire cosa succede dopo.

Aiuta parecchio a non risultare noioso il costante cambio di prospettiva e la crescente tensione, due elementi che ti terranno incollato allo schermo, prima che la situazione degeneri. Otto ore in totale, quindi circa come una stagione di una qualsiasi serie TV su Netflix, ma devi contare che Until Dawn può vantare una buona rigiocabilità grazie ai finali multipli e alle scelte che andranno ad influenzare lo sviluppo della trama.

La storia è praticamente la stessa del gioco originale, tuttavia alcune parti sono state estese e leggermente cambiate. Un esempio è l’introduzione, ovvero la parte dello scherzo, che da il via a tutte le vicende dei protagonisti.

Una delle maggiori novità, oltre ai miglioramenti grafici, riguarda la prospettiva della telecamera, la quale si avvicina di più ai personaggi. Sebbene in alcune scene siano stati mantenuti gli angoli fissi dell’originale, in altre viene introdotta una visuale sopra la spalla, simile a titoli tipo Resident Evil 4 o The Last of Us. Non è una novità che stravolge il gioco, tuttavia è una scelta che lo modernizza, ma nonostante questo i controlli restano lenti e macchinosi, quindi a questo punto, della serie hai fatto 30, fai pure 31, sarebbe stata buona cosa mettere mano anche ai controlli e renderli adatti ad un titolo del 2024.

Spendo due parole anche sull’utilizzo del feedback aptico del DualSense il quale è integrato abbastanza bene e riesce ad aumentare la tensione nei momenti più drammatici. I trigger adattivi vengono utilizzati per simulare l’indecisione nei momenti difficili, visto che L2 o R2 si irrigidiranno e questo richiederà uno sforzo fisico, quindi verrai obbligato a prendere una decisione in tempi brevi.

Bene, ma forse meglio prima

Graficamente Until Dawn è impressionante, grazie all’utilizzo dell’Unreal Engine 5, i modelli dei personaggi e l’illuminazione sono straordinari, anche se la cattura dei movimenti originale appare un po’ datata. Ballistic Moon ha apportato alcune piccole modifiche artistiche, come ad esempio il caratteristico bagliore blu dell’originale è stato sostituito con una colorazione più naturale. Vengono migliorati anche i personaggi, i quali adesso sono al limite del fotorealismo. Già su PlayStation 4 erano ottimi, ma sulla 5 siamo a livelli inimmaginabili.

Tuttavia, questa bellezza grafica ha un costo, il titolo originale per PlayStation 4 funziona a 60 fps in retrocompatibilità su PlayStation 5, mentre il remake fa fatica a mantenere stabili i 30 fps. Anche se non è un gioco che richiede un frame rate elevato, dato il suo carattere molto cinematografico, questa riduzione di prestazioni sembra un passo indietro. Il problema è reso ancora più evidente dalle frequenti cadute di frame, che in certi momenti scendono sotto i 30 fps, peggiorando l’esperienza.

Dell’audio ho già accennato qualcosa prima, tuttavia se parliamo di rumori ambientali e colonna sonora risulta davvero ottimo, visto che cattura perfettamente l’atmosfera horror che vuole dare Until Dawn, tuttavia il doppiaggio in italiano convince poco, visto che alcune voci sembrano slegate dal personaggio e la recitazione non è tutto sto granché, nonostante il cast di stelle di primissimo ordine. C’è da notare, però che questo difetto era presente anche nella versione per PlayStation 4.

Un DLC che non costa assolutamente poco, anzi, quasi quanto un gioco completo ovvero 49,99 €, varrà la pena spendere questi ulteriori soldi per avere qualche combattente (anzi, Kombattente) in più e una storia aggiornata? Prosegui nella lettura per scoprirlo. Attenzione, in quanto DLC che prosegue la trama di Mortal Kombat I potrebbero esserci spoiler sul finale, quindi se non hai ancora giocato il titolo originale, smetti di leggere subito! Oh io ti ho avvisato.

Mortal Kombat 1 non finisce così

Dopo il sanguinoso finale della storia di Mortal Kombat 1, in cui Liu Kang e il suo gruppo hanno sconfitto Shang Tsung e Quan Chi, una versione alternativa di Havik scopre che non solo esistono altre linee temporali, ma che tutte potrebbero trarre vantaggio da un po’ più di caos. Questo ci porta alla nuova trama, in cui Havik invade la linea temporale di Liu Kang e rapisce Geras per infondere i suoi artefatti con il potere di dominare tutte le linee temporali.

Se hai giocato con Mortal Kombat 1, ma soprattutto con l’11, dove linee temporali che si intrecciano sono la base della trama (e magari ci avevi capito pure poco), questo tema nel DLC torna in maniera ancora più prepotente. Ti ritroverai infatti a vedere varianti alternative di quasi tutti i personaggi, incluse molteplici versioni di Havik. L’altra parte di trama, invece, riguarda tre dei combattenti inclusi nel DLC ovvero Cyrax, Sektor e Noob Saibot. La storia si concentra sulle conseguenze del tradimento di Sub Zero nei confronti del Regno della Terra e sul fatto che il Lin Kuei decide di utilizzare impianti robotici, con Cyrax che assume un ruolo centrale nella vicenda.

Kaos Sovrano è di una noia Mortale

I personaggi di Sektor e Cyrax sono sicuramente l’aggiunta più interessante del DLC, ma sono visibilmente diversi dalle loro incarnazioni precedenti. Invece di essere i classici ninja robotici, qui sono ninja con armature tecnologicamente avanzate. Chi siano questi nuovi personaggi, come sia stata sviluppata quest’armatura e come mai il Lin Kuei sia passato a delle modifiche cibernetiche che sembrano uscite dall’ultimo film di Iron Man, non viene mai spiegato.

Verrà data solo una breve introduzione a Sektor e Cyrax all’inizio della storia, ma non c’è alcun motivo per affezionarsi a loro entro la fine dei titoli di coda. I loro personaggi non vengono minimamente sviluppati e nelle due ore (sì hai letto bene la trama dura solo un paio di ore) di trama non c’è alcuna evoluzione.

Per quanto riguarda la storia principale, Havik Titano viene presentato come il signore del caos, ma NetherRealm non sfrutta affatto il potenziale di questa idea. Invece, i buoni vengono mandati alla caccia di artefatti, si susseguono una serie di combattimenti (anzi i Kombattimenti) e le scene d’intermezzo fra le battaglie sono praticamente due ore di riempitivo. Anche il potenziale introdotto alla fine della storia principale di Mortal Kombat 1, in cui affrontavi i personaggi provenienti da più linee temporali, viene quasi del tutto abbandonato, in favore di scontri con personaggi della linea temporale caotica di Havik. Sappi che di mortale in tutto questo, ci sarà solo la noia.

NetherRealm con l’undicesimo capitolo e il più recente 1, presentava colpi di scena interessanti, due percorsi alternativi (presentati in modo brillante, tanto da renderli entrambi canonici) e aveva sollevato grandi interrogativi su molti dei personaggi più amati del franchise. Quindi la trama, tra gli appassionati del gioco, era diventata un terreno fertile per speculazioni su ciò che sarebbe accaduto dopo.

Ma Kaos Sovrano non offre nulla di tutto questo. Non ispira alcun viaggio pindarico, non solleva domande su nessuno dei personaggi della serie. Solo pochi di loro subiscono un qualche cambiamento, ma le modifiche sono così irrilevanti che viene da chiedersi perché NetherRealm si sia presa la briga di introdurle.

Vale la pena prendere questo DLC?

Vale la pena spendere 49,99 €, quindi poco meno di un gioco a prezzo pieno, per avere un’aggiunta di 2 ore di storia e 6 personaggi del rooster in più? Ti risponderò in maniera molto semplice: NO. No perché la storia è mal sviluppata, spiegata frettolosamente, ma sopratutto male, visto che ci sono tantissime parti inutili, la storia dei tre personaggi nuovi non viene mai approfondita, ma soprattutto perché viene gettato alle ortiche quanto di buono fatto con Mortal Kombat 11 e 1. Se permetti da una casa di produzione come NetherRealm mi aspetto decisamente di più.

Ma quello che a noi avidi giocatori interessa è: “Vale la pena spendere il mio denaro e il mio tempo in questo titolo?”. Per rispondere a questa domanda prosegui nella lettura della recensione.

Tomoe non dovevi tornare

Bloodless segue le vicende di Tomoe, una ronin ormai in età avanzata, che dopo anni di esilio torna nella sua terra natale, Bakugawa. Il suo ritorno, però, avviene in un clima di tensione e oppressione visto che lo Shogun Akechi, un tempo suo signore, ha instaurato un regime crudele e dispotico.

Per Tomoe, il rientro non è affatto facile visto che gli abitanti di Bakugawa la accolgono con ostilità, ricordando bene le sue azioni passate e perfino il suo stesso nipote serve fedelmente Akechi. Mentre tenta di redimersi e di opporsi all’autorità tirannica del suo ex maestro, Tomoe è costretta a fare i conti con il proprio oscuro passato, affrontando le colpe e i fantasmi che ha cercato a lungo di dimenticare.

Bloodless ovvero senza spargimenti di sangue

Il gameplay di Bloodless è presentato con una visuale dall’alto e prende molto dai soulslike, con combattimenti lenti e impegnativi contro nemici duri, punti di ristoro dove puoi ripristinare la salute e riempire di tè un otre (ovvero la classica borraccia fatta di pelle che avrai sicuramente visto in qualche film) che ti servirà per curarti durante gli scontri.

Ma, considerando l’atmosfera e le influenze del gioco, potremmo dire che siamo di fronte ad un Sekiro in 2D. La vera particolarità è il sistema di combattimento, diverso dai classici giochi del genere. Tomoe ha giurato di non togliere più la vita a nessuno, a causa dei suoi errori passati ed è per questo usa una tecnica speciale, ovvero il counter-dash. Se la esegui al momento giusto durante l’attacco di un nemico, potrai disarmarlo. In alternativa, puoi sfruttare attacchi di ki per indebolire gli avversari fino a poterli finire con un singolo scatto.

In Bloodless all’inizio affronti nemici più semplici e le tue contromosse sembrano facili da gestire, dandoti fiducia, ma presto ti ritroverai contro avversari sempre più complessi e le sconfitte saranno molto più frequenti, portando inevitabilmente ad una certa frustrazione. Eppure, con il tempo, inizi a capire come ragionare in Bloodless e quindi ogni nuovo scontro diventa una sorta di puzzle. Infatti dovrai azzeccare il momento giusto per eseguire il counter-dash o valutare se è meglio stordire l’avversario con un attacco di ki. Faccio senza dirti che una volta capito come funziona il tutto, quando riuscirai a buttare giù un avversario particolarmente ostico, questo ti darà una grandissima soddisfazione.

In Bloodless, tuttavia i combattimenti non sono solo schivate e attacchi a capofitto, infatti i nemici avranno le loro tecniche per cercare di mandarti all’altro mondo. Ad esempio, alcuni attacchi, segnati in rosso, non possono essere bloccati, mentre altri nemici attaccano in rapida successione, ognuno con le proprie armi e manovre uniche. Ci sono persino versioni più potenti ed élite di questi nemici, che usano strategie diverse, rendendo ogni scontro una sfida nuova.

Fortunatamente, Tomoe ha a disposizione una serie di potenziamenti sbloccabili, acquistabili nella casa da tè del quartier generale, oppure potrà apprendere nuove tecniche di ki completando varie missioni, come quelle nei dojo di ciascuna area. Inoltre, è possibile equipaggiare dei sigilli che offrono bonus, come la possibilità di bere il tè più velocemente o di usare lo scatto contro i massi per infliggere più danni da ki ai nemici, cosa che sarà particolarmente utile in diverse situazioni complicate, soprattutto nelle fasi più avanzate di gioco. Insomma, c’è molto da sperimentare in Bloodless e questo ti lascerà la libertà di trovare l’approccio che meglio si adatta al tuo stile di gioco.

Nonostante all’inizio possa sembrare piuttosto impegnativo, la vera forza di Bloodless sta nella sua semplicità. Alla fine, se dobbiamo dirla tutta, gran parte del gioco si riduce a un solo pulsante e alla capacità di padroneggiare il contrattacco, trasformando ogni scontro in una sfida basata sul tempismo. Ogni attacco ha un segnale visivo distintivo che ti dà il giusto indizio su cosa sta per accadere e su come dovresti reagire. Pur essendo molto simile a Sekiro, ma ovviamente con le dovute proporzioni quindi più piccolo e contenuto, con un gameplay semplificato, Bloodless mantiene comunque una profondità notevole, offrendo un’esperienza densa e appagante. Tuttavia bisognerà dargli il giusto tempo e padroneggiare il suo gameplay.

Ovviamente Bloodless non è esente da difetti, tipo il fatto che a volte il gioco propone combinazioni di nemici o ostacoli ambientali che potrebbero facilmente farti saltare i nervi. Come già accennato, la maggior parte delle sfide è ben bilanciata, tuttavia ci sono situazioni in cui ti ritrovi contro gruppi di ninja che attaccano tutti con proiettili, trasformando il gioco quasi in un bullet hell quando ce ne sono troppi in azione. Se a questo aggiungiamo gli ostacoli ambientali, come alberi di bambù su cui puoi rimbalzare accidentalmente durante uno scatto o i loro tronchi che rimangono sul campo e ostacolano i movimenti, alcune sezioni metteranno a durissima prova i tuoi nervi.

Un altro difetto è la scarsa quantità di punti dove è possibile fare il viaggio rapido, che devi anche pagare per attivarlo. Anche se il gioco è di dimensioni ridotte, raggiungere questi punti in backtracking può risultare un parecchio frustrante.

Sembra un Vic 20

Le grafiche in pixel art sono bellissime, con palette che ci riportano con la memoria all’era del Vic 20 (i più anziani ricorderanno) e che, nonostante la grafica spartana, si adattano perfettamente a questo titolo. I design dei personaggi, in bianco e nero, sono molto evocativi, pur mantenendo uno stile essenziale, mentre gli ambienti sono ricchi di dettagli e catturano perfettamente l’atmosfera del Giappone feudale. Il tutto è accompagnato da una colonna sonora di grande impatto, che arricchisce ulteriormente l’esperienza di gioco.

Tra questi si accoda anche lo sviluppatore e editore Alvaro Mahillo Sanchez-Mateos il quale crea Pureya un titolo che ci mette nei panni di una bambina che si cimenterà in una serie di mini giochi che durano una decina di secondi al massimo. Sarà riuscito lo sviluppatore a darci una valida alternativa a Wario Ware? Continua nella lettura di questa recensione per scoprirlo.

Ma chi è sta Pureya?

La storia di Pureya, come prevedibile, è un semplice pretesto per il gioco e non ha una vera e propria narrazione. Grazie ad una singola cutscene, ti viene rivelato che il titolo ruota attorno a una bambina che gioca con una macchina gacha (se sei tra coloro che non sa cosa sia una macchina gacha, si tratta di quelle macchinette che erogano palline con dentro giocattoli o piccoli gadget, tanto in voga in Giappone e facilmente trovabili nei nostri centri commerciali) alimentata da biglie.

Quando finisce le biglie che teneva in una ciotola, va a prenderne un’altra piena, ma per errore la fa cadere, spargendole per tutta la stanza. Con queste disseminate tra i suoi giocattoli, la bambina si distrae e la sua immaginazione inizia a correre libera mentre gioca con i giocattoli cercando di raccoglierle.

Minigiochi tutti molto simili tra loro

Come già accennato, Pureya è una raccolta di mini giochi in cui dovrai raccogliere quante più biglie possibile per sbloccare nuovi contenuti. La modalità standard del gioco consiste in una successione di 10 mini giochi scelti casualmente tra quelli già sbloccati, ciascuno della durata di 10 secondi. I mini giochi variano nello stile e nel gameplay, mantenendo comunque una certa somiglianza di fondo.

Anche se i questi sono generalmente diversi tra loro, la meccanica principale nella maggior parte dei casi consiste semplicemente nell’evitare ostacoli o pericoli muovendo il personaggio. Spesso, la differenza tra una sfida e l’altra sta nel soggetto da controllare, visto che prima potresti usare una nave che schiva colpi di cannone, mentre subito dopo guiderai una macchina che deve evitare degli ostacoli, ma quello che accomuna i vari mini giochi sono in controlli, infatti questi saranno solo il tasto destro e sinistro.

I controlli sono di una semplicità quasi disarmante e spesso ti potrebbe capitare di utilizzare una sola mano per reggere il controller. La precisione, tuttavia, è un elemento chiave nella maggior parte dei mini giochi, visto che questi richiedono riflessi pronti per sopravvivere.

Sebbene Pureya sia estremamente semplice, questo non significa che manchi di difficoltà. Ciò è dimostrato da una particolare meccanica del gioco, che aumenta o diminuisce la velocità in base alle tue performance in game. Più veloce è il gioco, più biglie si possono raccogliere, incentivando così a giocare ad alte velocità e migliorare le proprie capacità.

Oltre alla modalità standard con 10 minigiochi consecutivi, Pureya offre anche una modalità infinita, in cui potrai accumulare biglie senza interruzioni, né da parte del sistema di sblocco né da pause. Sebbene sia una modifica minima, questa modalità aggiuntiva ti permette di continuare a giocare quanto desideri senza nessun tipo di distrazione. Oltre a questo potrai decidere in quali giochi cimentarti e mettere in blacklist quelli che non ti piacciono.

Bella la pixel-art

La grafica del gioco è caratterizzata da una ben fatta pixel-art con colori molto accesi che ricordano un titolo dell’epoca NES. Ogni mini gioco presenta un’ambientazione unica, che spazia da deserti a navi pirata, fino allo spazio. Giocando, potrai sbloccare oggetti cosmetici nella macchina gacha, che modificano l’aspetto dei giocattoli nei rispettivi mini giochi, ma che non modificano minimamente il gameplay.

Ma oltre agli oggetti cosmetici, anche le canzoni di sottofondo possono essere sbloccate grazie alla macchinetta gacha e queste verranno riprodotte casualmente tra i mini giochi, tuttavia questo sistema potrebbe far partire una musica non adeguata alla sfida che stai per affrontare.

La modalità carriera ha ancora il suo fascino

Per moltissimi giocatori, la prima tappa in FC 25 sarà ancora la modalità carriera, sia quella da giocatore che da allenatore. Nella carriera da giocatore, puoi creare il tuo professionista oppure scegliere un calciatore esistente e riscrivere la sua storia, creando una sorta di linea temporale alternativa per lui. A causa dell’assenza della mia squadra del cuore, ovvero il Milan (purtroppo, per quanto riguarda la Serie A, mancano le licenze di Milan, Inter, Atalanta e Lazio visto che queste sono in mano, in esclusiva, ad eFootball di Konami), ho deciso di scegliere Daniel Maldini, figlio del mio giocatore preferito di tutti i tempi ovvero il papà Paolo.

All’inizio della tua carriera, il tuo agente ti offrirà la possibilità di selezionare un club obiettivo, ovvero quello in cui desideri firmare un contratto nel futuro. Tuttavia, dovrai dimostrare le tue capacità sul campo per raggiungere tale traguardo. Una volta iniziata la carriera, è subito evidente che la modalità è molto simile a quella di FC 24.

Proprio come in FC 24, scegli la tua posizione in campo e il tipo di personalità. Anche qui, il giocatore avrà degli obiettivi da raggiungere e dovrai affrontare esercitazioni in allenamento per sbloccare abilità e migliorare il rating del tuo personaggio. Avrai inoltre la possibilità di giocare solo con il tuo calciatore o controllare l’intera squadra durante le partite. Praticamente nulla di nuovo rispetto a quello che hai già visto se ti sei accaparrato la versione dello scorso anno.

La modalità carriera da allenatore è molto simile a quella da giocatore. Come l’anno scorso, puoi creare il tuo allenatore personalizzato oppure scegliere di prendere il controllo di un Mister reale. Un’aggiunta interessante è la modalità Rush, disponibile almeno per le squadre giovanili. In questa modalità, puoi partecipare a un piccolo torneo utilizzando le giovani promesse del tuo club.

È una novità interessante, perché ti consente di concentrarti su quei giocatori che hanno il potenziale per entrare in prima squadra, permettendoti di curarne meglio lo sviluppo. Per il resto, la carriera da allenatore è praticamente identica a quella di FC 24, sia nell’aspetto che negli obiettivi. Torna anche il sistema di valutazione degli allenatori, che classifica la loro capacità di migliorare i giocatori in diverse aree del gioco.

Come suggerisce il nome, la modalità Rush è parecchio frenetica e, visto che si gioca su un campo più piccolo e quindi più soggetto allo scambio di palla tra le due squadre. Le regole di Rush sono le stesse di una partita normale, ma i dovrai schierare in campo 5 giocatori (invece dei classici 11) e in più c’è l’aggiunta del cartellino blu, il quale altri non è che un’espulsione temporanea che dura un minuto, passato questo lasso di tempo la squadra tornerà a pieno organico.

Spendiamo anche due parole su quello che è uno dei cuori pulsanti di questa saga ovvero l’online. Mi duole dirti che, a parte l’introduzione della modalità Rush, il tutto è rimasto pressoché identico all’anno scorso. L’Ultimate Team rimane invariato, dovrai sempre giocare per scalare le classifiche, partecipare ai tornei e guadagnare o acquistare crediti per comprare pacchetti o giocatori specifici nel mercato dei trasferimenti.

L’intesa tra i giocatori è ancora fondamentale per il rendimento della squadra, quindi calciatori dello stesso paese, club o campionato si coordineranno meglio rispetto a quelli senza questi collegamenti.

La vera novità di FC 25 è FC IQ

Tutto uguale quindi? Sì, ma qualche novità c’è e questa è rappresentata dall’introduzione dell’FC IQ. Questo sistema aggiunge dei ruoli ai giocatori, rendendo i calciatori molto più simili alle loro controparti reali in termini di comportamento sul campo.

Questi ruoli influenzano direttamente le tattiche di gioco. Durante i match, potrai impostare diversi moduli da alternare durante la partita, con il successo di questi che dipende molto dai calciatori a tua disposizione e da come riescono a interpretare il proprio ruolo nelle posizioni in cui li schiererai.

Un’altra funzione dell’FC IQ è la capacità di suggerire cambiamenti tattici durante la partita in base alla situazione. Se stai perdendo, ad esempio, il sistema proporrà nuove formazioni o strategie per contrastare l’avversario, mentre se sei in vantaggio ti consiglierà tattiche più difensive per mantenere il risultato.

È un’aggiunta interessante, ma, come per il cambio di stile di gioco durante le partite, l’implementazione di queste modifiche risulta poco fluida e spezza il ritmo del gameplay. Inoltre, un aspetto evidente è che i giocatori sembrano reagire lentamente a questi cambiamenti tattici al volo. E questa cosa accade sia che tu stia giocando con il Real Madrid, ma anche se prenderai una squadra da bassa classifica.

Graficamente eccellente, ma…

Come da tradizione il gioco di calcio targato EA Sports è davvero bellissimo, soprattutto per l’atmosfera che viene ricreata negli stadi grazie a alle riprese fuori campo, tipo spogliatoi e gradinate. L’unico appunto da fare sta nei giocatori, che nonostante siano stati ben animati nelle movenze, tipo la corsa, non sempre appaio naturali nelle espressioni facciali.

Infatti, quando la telecamera inquadrerà da vicino, magari in occasione di un gol, un determinato giocatore sembra quasi che la bocca abbia un movimento molto innaturale e questo da un effetto parecchio strano. Le somiglianze ovviamente con le controparti reali sono ottime, quindi non farai fatica a riconoscere i vari Leao, Mbappè, Lautaro e così via, tuttavia i giocatori “minori” per così dire non saranno propriamente somiglianti, ma questo è più che ovvio.

Ottimo il comparto sonoro con la telecronaca affidata al duo Pierluigi Pardo e Lele Adani i quali riusciranno a “spiegare calcio” dando un tocco ancora più televisivo al tutto. Benissimo, come da tradizione, anche la colonna sonora che spazia da più generi, si va dalla dalla rock, alla techno passando poi per la chill house, ma questo è uno degli aspetti che ha sempre contraddistinto la saga pallonara di Electronic Arts (anche se Song 2 di FIFA ’98 la mantengo nel cuore).

Concludiamo parlando dei suoni ambientali che riescono a creare un’atmosfera davvero iper realistica grazie ai tifosi sugli spalti. L’unico appunto, ma sono sicuro che questo verrà sistemato con un futuro update, il fischio dell’arbitro può arrivare con ampio ritardo. Esempio se c’è la fine del primo tempo, la partita si fermerà, la telecamera si sposta sui giocatori, ma solo li sentiremo il fischietto partire. Poca roba, ma è giusto segnalare la cosa.

Il produttore Eiji Aonuma e i co-direttori Tomomi Sano (di Nintendo) e Satoshi Terada (di Grezzo) si sono concentrati sul debutto di Zelda come protagonista principale.

Inizialmente in Echoes of Wisdom doveva esserci Link

Aonuma ha spiegato che, inizialmente, il team pensava di mantenere Link come protagonista. Tuttavia, mentre sperimentavano con il gameplay, si sono resi conto che qualcosa non funzionava:

Quando abbiamo deciso di concentrarci sugli echoes come meccanica principale e far sì che Link manipolasse elementi del gioco, ci siamo accorti che la spada e lo scudo erano d’ostacolo. Con quegli oggetti, puoi semplicemente combattere senza dover sfruttare i poteri dei mostri, e questo toglieva l’importanza agli echoes.

A quel punto, Terada ha proposto una domanda: “E se i giocatori potessero usare solo gli echoes all’inizio per capire meglio il gameplay, e successivamente ottenere spada e scudo?” Anche questa idea è stata scartata, perché, come ha osservato Aonuma, “Così sarebbe stato solo un altro tipico gioco di The Legend of Zelda.”

Alla fine, hanno deciso di mantenere solo l’uso degli echoes e Aonuma ha trovato la risposta alla domanda su chi dovesse essere il protagonista: “Chi, all’interno della serie, potrebbe sfruttare al meglio questi poteri e aggiungere saggezza? Doveva essere per forza la principessa Zelda.”

Aonuma ha anche accennato al fatto che i fan da tempo desideravano vedere Zelda come personaggio giocabile in un titolo principale, e ha riflettuto sulle sue considerazioni sia prima che durante lo sviluppo di Echoes of Wisdom:

Ogni volta che mi veniva chiesto se Zelda potesse essere la protagonista, ho sempre risposto: ‘Sì, certo, se questo fa parte della logica del gioco e rispetta il suo personaggio.’ Ho cercato a lungo qualcosa che rendesse veramente giustizia a Zelda. Poi, vedendo il team in difficoltà nel trovare un protagonista adatto per questo titolo, ho capito: questo gioco è perfetto per lei.

Nell’intervista, il trio ha anche parlato del design del nuovo abito di Zelda, che in realtà è un’eredità della fase in cui il gioco era stato pensato con Link come protagonista (nel primo trailer, infatti, lo si vede indossare un cappuccio), e delle riflessioni sulla trama.

PlatinumGames continua con The Wonderful 101

In precedenza, PlatinumGames possedeva già il marchio della versione rimasterizzata di The Wonderful 101 insieme al titolo correlato, intitolato The Wonderful One: After School Hero. Nintendo, invece, deteneva i diritti della versione originale del gioco.

Non è ancora chiaro se PlatinumGames intenda proseguire con la produzione di giochi legati al nome The Wonderful 101, ma in ogni caso dovrà farlo senza la guida del direttore originale Hideki Kamiya. Kamiya ha lasciato PlatinumGames nell’ottobre 2023, spiegando che “la direzione che stava prendendo l’azienda era diversa dalle mie convinzioni come sviluppatore”.

Oltre a The Wonderful 101, Kamiya è noto per la creazione di franchise come Bayonetta, Okami e Sol Cresta. Ha inoltre supervisionato il titolo d’azione esclusivo per Nintendo Switch, Astral Chain.

Tetsuya Nomura, prima pensione o prima Kingdom Hearts IV?

L’argomento è emerso durante un’intervista con YoungJump, in cui gli è stato chiesto dei suoi piani futuri riguardo Kingdom Hearts. Nomura, che ha 53 anni, ha dichiarato che gli restano “solo pochi anni” prima del possibile ritiro e che dovrà decidere se concludere la serie prima di andare in pensione.

I only have a few years left until I retire, I have to decide whether to retire first or finish the series first. However, I’m making Kingdom Hearts IV now with the intention of it being a story that I will complete.

Tradotto

Mi restano solo pochi anni prima del pensionamento. Devo scegliere se ritirarmi prima o finire la serie. Tuttavia, sto lavorando a Kingdom Hearts IV con l’intento di completarne la storia.

Le sue parole suggeriscono che Kingdom Hearts IV potrebbe servire come conclusione della narrativa generale della serie, ma questo è solo una supposizione.

Nomura ha diretto ogni capitolo di Kingdom Hearts sin dal lancio del primo titolo nel 2002. Sarebbe quindi strano vedere la serie proseguire senza il suo coinvolgimento. Tuttavia, non si esclude la possibilità che possa continuare a lavorare sul progetto anche dopo l’età del pensionamento, qualora ci fosse una storia che valesse la pena raccontare.

Ti ho incuriosito? Immagino di sì, perché è stata la mia stessa reazione quando ho conosciuto questo prodotto che dovrebbe uscire nel 2025, ma che puoi già provare anche tu recandoti alla pagina Steam del titolo…però prima leggiti che cosa ne pensiamo!

Ci vuole Karma e sangue freddo

Prenderai i panni di Karma e la tua vita è appena finita. La tua coscienza è stata trasferita in un mondo digitale chiamato Maya, ovvero un luogo dove vivono i ricordi digitali dei tuoi cari e amici. Tuttavia, c’è un grosso problema, Karma non è stato registrato nel sistema. Prima di morire, tuo fratello ti aveva chiesto di cercarlo quando fossi arrivato lì, ma per ritrovare le persone in Maya, devi far parte anche tu del sistema.

Una receptionist cortese ti invita a rilassarti e prendere qualcosa da bere mentre cercano di risolverti il problema. Quando torni, però, non è cambiato nulla. Ti consegnano allora un pass che ti consente di uscire dall’edificio fino a quando tutto non sarà risolto. Non appena metti piede fuori ti renderai conto che qualcosa non va. Incontri un ragazzo di nome Kimothy, il quale ti rivelerà di essere morto da oltre mille anni, anche se a te sembra di essere appena arrivato.

Kimothy ti parla di un blackout misterioso che ha oscurato il vecchio sole, un evento che ha fatto scomparire moltissime persone, compresi i suoi genitori. In questo mondo molte cose sono corrotte, il che significa che sono inutilizzabili e non si possono nemmeno toccare. Gli oggetti corrotti hanno un aspetto distorto, come se i loro pixel “glitchassero”. Ponti diventano pericolosi e alcuni alberi possono rappresentano un rischio mortale. Diciamo che Maya, in questo stato, non è propriamente il luogo più ospitale di sempre.

Kimothy ti insegna come combattere contro strane creature e dopo aver dimostrato il tuo valore nel difenderti dagli inquietanti esseri alieni che vagano per Maya e subito dopo ti porterà da un maestro, Satoru, il quale altri non è che un pesce gatto con degli abiti tradizionali giapponesi dell’era feudale. Satoru ti aiuterà a scoprire il tuo potere nascosto, ovvero il riparare la corruzione nel mondo e ti metterà a conoscenza anche del vero nemico della storia ovvero Nocturne (sì esatto, come il titolo del gioco).

Nocturne un po’ Final Fantasy e un po’ Guitar Hero

Il gameplay al di fuori delle battaglie richiama moltissimo i classici RPG a 16 bit. Se hai mai giocato a titoli simili, ti sarà familiare la visuale dall’alto mentre ti muovi per il mondo di gioco, con nemici sparsi qua e là. Per dirlo in due parole, ricorda vagamente i vecchi Pokémon, ma senza l’erba alta.

Mentre ti muovi nel mondo in stile RPG, i nemici potrebbero vederti. All’inizio, Kimothy suggerisce di evitarli furtivamente, ed è un’opzione valida, soprattutto se senti che i combattimenti stanno diventando monotoni. Tuttavia, sempre di un RPG stiamo parlando, quindi più nemici sconfiggi, più diventi potente grazie all’accumulo di esperienza (il caro buon vecchio farming). Ovviamente, ci saranno nemici e boss che sarai obbligato a combattere, quindi perché non spendere un po’ di tempo a rafforzarti per rendere le battaglie cruciali, meno impegnative?

Quando inizia una battaglia, ti trovi su una sorta di plancia con dei pulsanti, alla Guitar Hero, tuttavia, non stiamo parlando di un combat system a turni. Dovrai premere i pulsanti a ritmo, man mano che appaiono sulla plancia e raggiungono il punto d’attacco, seguendo l’eccezionale musica che varia dalla rock alla techno.

Per quanto riguarda i comandi a tastiera, questi sono completamente configurabili, ma quelli predefiniti funzionano benissimo. Un set di quattro tasti è dedicato ai movimenti durante le fasi di esplorazione più un pulsante per correre. Un altro set di quattro tasti viene usato durante le battaglie. Funzioni extra e attacchi più potenti, diventano disponibili man mano che avanzerai nella trama. Sono pronto a scommettere che questi aumenteranno una volta rilasciato il gioco completo.

Una volta sconfitto il nemico, Karma guadagna esperienza e potrai ritornare ad esplorare o avanzare nella trama. Nonostante si tratti di una semplice demo, sono rimasto colpito, molto positivamente, dalla grandezza della mappa, questo fa ampiamente ben sperare per la realease futura.

Sembra uscito da un Super Nintendo

Graficamente Nocturne ha lo stile tipico dei giochi a 16 bit, ma durante le battaglie la grafica è molto più nitida, con linee molto più pulite. Non è nulla di eccezionale, ma è perfettamente adeguata al tipo di gioco.

Ma ovviamente un gioco del genere, che fa della parte Rhythm‘n Game il suo cavallo di battaglia, ci vuole una musica di un certo spessore e le aspettative non sono state deluse. Infatti durante l’esplorazione questa è parecchio evocativa, quasi cinematografica, non sembra nemmeno uscita da un titolo indie. Nemmeno quella delle battaglie è da meno, ma questa risulta un po’ più dura e ritmata rispetto alle fasi esplorative.

Solo Indie e titoli di terze parti allo State of Play di Settembre 2024

Questa informazione proviene da un account X chiamato BrianTheInsider, che si dice abbia ottenuto materiale promozionale di PlayStation 5 Pro tramite un backend (praticamente tutto ciò che fa funzionare i programmi e non viene visto dal pubblico) sul canale YouTube di PlayStation . L’account è stato creato appositamente per diffondere le informazioni trapelate su PlayStation 5 Pro, come il prezzo e le versioni che saranno disponibili.

Secondo BrianTheInsider, lo State of Play si terrà giovedì 19 settembre 2024 e sarà incentrato su giochi indie e titoli di terze parti che sfruttano le capacità della tanto rumoreggiata PlayStation 5 Pro e oltre a questo viene dichiarato: “Non aspettatevi novità sui titoli di PlayStation Studios, almeno per ora!”. Da allora, l’account di BrianTheInsider su X è stato temporaneamente limitato, ma il motivo resta assolutamente sconosciuto.

Nintendo vuole piazzare 13 milioni di Switch, ma come? Con Super Mario Wonder!

Ma come pensa la casa di Kyoto di riuscire a raggiungere questo traguardo? Oltre alla nuova edizione speciale della Switch Lite che accompagnerà il lancio di The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom, secondo Dealabs, noto portale francese, conosciuto le sue anticipazioni accurate, Nintendo starebbe preparando un nuovo bundle hardware per le festività natalizie.

In arrivo in Europa, questo bundle includerà una Switch OLED, una copia digitale di Super Mario Bros. Wonder e un abbonamento di 3 mesi a Nintendo Switch Online. Il tutto dovrebbe essere venduto a 349 € (prezzo simile ad altri bundle creati in passato). Dealabs indica due date potenziali per il lancio, il 23 settembre e il 3 ottobre 2024, con il bundle disponibile prima della metà di ottobre.

Si parla anche di un bundle simile per il mercato nordamericano, ma Dealabs non ha ancora dettagli sufficienti per confermare se sarà identico a quello europeo.

Va specificato che la console inclusa nel bundle non sarà una versione limitata dedicata a Super Mario Bros. Wonder, visto che solo la confezione cambierà giusto per evidenziare l’inclusione del gioco.

Se queste informazioni si rivelassero esatte, Nintendo potrebbe vivere una stagione natalizia di grande successo. La combinazione della Switch Lite a tema Zelda e il bundle OLED con Super Mario Bros. Wonder potrebbe essere davvero irresistibile per chi ancora non possiede una Nintendo Switch. Chissà, magari con queste mosse Nintendo riuscirà a raggiungere quel traguardo di 13 milioni di console vendute.

The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom lo giochi un po’ come vuoi tu

Ovviamente non stiamo parlando di video di gameplay, visto che questi sono già stati rilasciati e sappiamo già per sommi capi in cosa consisterà questa nuova avventura della principessa di Hyrule. Infatti già da giugno, grazie ai trailer di gameplay rilasciati da Nintendo, abbiamo capito la natura della saga, che graficamente assomiglia tantissimo a The Legend of Zelda: Link’s Awekening Remake.

Questo video è un vero e proprio spot televisivo che vede due attori, dei carlini, ma soprattutto tanto, tantissimo gameplay…praticamente il classico stile Nintendo nel creare gli spot televisivi.

Il messaggio passato da questo spot è molto chiaro “Save Hyrule your way!” ovvero “Salva Hyrule a modo tuo”. In Echoes of Wisdom dovrai risolvere enigmi, sconfiggere nemici e superare gli ostacoli, ma in maniere differenti (un po’ come accade in Tears of the Kingdom o Breath of the Wild, dove gli enigmi non avevano mai una soluzione univoca, ma potevano essere superati un po’ come ci pareva).

Tutto ciò sarà possibile grazie al Tri Rod di Zelda, ovvero uno strumento che farà creare gli Echi ovvero delle copie di oggetti, nemici e altri elementi di gioco, ma soprattutto sarà possibile combinarli tra di loro.

Non vediamo l’ora che arrivi la fatidica data del 26 settembre per poter finalmente mettere le mani su The Legend of Zelda: Echoes of Wisdom e salvare Hyrule per l’ennesima volta.

La domanda, per questa recensione che poteva benissimo stare in una puntata della nostra rubrica Old But Gold, è: abbiamo bisogno di un Doom nel 2024 su console di nuova generazione? Sì, ma anche no. Sì perché è un prodotto che ad un prezzo relativamente contenuto, ovvero 9,99 €, ci da una bella botta di nostalgia e ci fa capire da dove siamo partiti con il genere FPS.

No, perché volendo essere il più oggettivi possibile, Doom è invecchiato dannatamente male. Non fraintendermi, sono un vecchiaccio e passo i momenti videoludici spesso con giochi considerati datati, ma prova a dare, per assurdo, il titolo di ID Software ad un qualsiasi ragazzino nato dopo il 2010, magari cresciuto a pane e Call of Duty, che non ha la più pallida idea di che cosa sia Doom, ti dirà che fa schifo, spezzando irrimediabilmente il tuo cuore da giocatore attempato e nostalgico.

La storia c’è, ma non serve

Una delle massime citrazioni di John Carmack, ovvero l’ideatore della saga insieme a John Romero e Dave Taylor è:

«La trama in un videogioco è come la trama in un film porno, ti aspetti che ci sia ma non è così importante.».

Questo già ti dice parecchio su quale storia possa avere un titolo come Doom. Sarai un giovane marine spaziale, che nella cultura pop ormai è chiamato DoomGuy (che letteralmente vuol dire il Tizio di Doom), ma che originariamente doveva essere Flynn Taggart, il quale è stato trasferito sul pianeta Marte, visto che ha aggredito un suo superiore, perché gli era stato ordinato di sparare su civili disarmati.

Una volta arrivato sul pianeta Rosso, verrai assunto dalla Union Aerospace Corporation, per indagare su un incidente legato a degli esprimenti sul teletrasporto tra le lune Phobos e Deimos. Da questo esperimento emergono delle creature mostruose, ma soprattutto su Phobos, tutto il personale è stato ucciso e poi trasformato in zombie. Ti recherai, quindi sul luogo dell’incidente, dove tutte le comunicazioni con Marte si interromperanno. Non ti resterà altro da fare che proseguire da solo e far fuori ogni cosa che si muova davanti a te.

Questo riassunto della storia, che ammetto essere parecchio interessante come base, io l’ho dovuto leggere sui Wikipedia, questo perché il gioco di per se non ti da nessuno straccio di accenno di trama. Scelta stilistica? Una volta si faceva così? Non saprei, ma se il gioco fosse stato coadiuvato da filmati di intermezzo che ti spiegavano a spanne la trama, schifo non avrebbe fatto.

Davvero non sai cos’è Doom?

Se sei tra i 3 videogiocatori al mondo che non sa che cosa sia Doom, te la faccio breve, non è un FPS, ma è l’FPS per eccellenza. Vero, prima di lui c’era stato Wolfenstein, ma è stato Doom a sdoganare una volta per tutte il fatto che avresti visto dagli occhi del personaggio che controlli. Niente terza persona oppure scorrimento orizzontale, ma il tuo sguardo e puntato a quello che vedi davanti a te. Questo, faccio senza dirtelo, era una vera e propria rivoluzione ed aumentava a dismisura l’immersione in questo gioco.

In questa versione migliorata del 2024 di Doom, per la modica cifra di 9,99 € ti ritroverai tra le mani oltre che il primo capitolo, anche Doom II, ma non finisce qui. Infatti Doom oltre che essere il gioco che ha sdoganato il genere FPS, è pure quello che ha battezzato le mod come le conosciamo oggi, proprio per questa ragione avrai anche TNT: Evilution, The Plutonia Experiment, Masters Levels for Doom II, No Rest for the Living, Sigil e Legacy of Rust (ovvero una mod inedita nata dalla collaborazione tra ID Software, Nightdive Sudios e MachineGames).

Non ti basta? Oltre a questo avrai incluso anche ben ulteriori 26 mappe da utilizzare durante i Deathmatch. Ovviamente tutti i titoli in questione si giocano in maniera molto simile, per non dire identica, con solo qualche cambiamento sulla grandezza delle aree, ma se facciamo i calcoli avrai la bellezza di 187 livelli diversi e 43 arene per i Deathmatch…davvero niente male.

Poi vabbè, stiamo pur sempre parlando di Doom, un titolo che probabilmente è stato giocato o almeno visto da qualsiasi gamer almeno una volta nella sua vita, nel bene e nel male. Quindi hai un tasto per sparare, uno per selezionare l’arma, un altro che ti farà vedere la mappa e sì, nemmeno in questa versione riveduta e corretta, potrai guardare in alto o saltare. Tutto è rimasto come in quel gioco che caricavi sul tuo PC nel lontano 1993.

Qui l’unica cosa che è stata riveduta e corretta è l’aggiunta, oltre a tutti quei capitoli che nascono come mod, del 4K insieme ai 120 FPS. Se i 120 FPS si vedono tutti e danno una fluidità impressionante, il 4K è una scelta dettata dai giorni nostri e quasi inutile, visto che la grafica blocchettosa e pixellata è rimasta la medesima.

Un altro cambiamento degno di nota è invece la rimasterizzazione in chiave moderna di tutte le tracce audio, le quali risultano molto ben orecchiabili ed iconiche anche al giorno d’oggi…vedi tu, Doom + Doom II ti da all’inizio la possibilità di scegliere, se sei un nostalgico, vai con le musiche classiche, ma ti posso assicurare che le nuove tracce migliorate meritano molto.

È invecchiato bene?

Arriviamo al proverbiale elefante nella stanza (come direbbero gli americani) vale la pena portarsi a casa un titolo come Doom + Doom II? Questo è uno di quei pochi casi in cui il prezzo fa la differenza. Se mi avessero proposto questo gioco a prezzo pieno, senza nessuna miglioria, come già accaduto a collection tipo quella di Metal Gear Solid, avrei dato senza remore un voto altamente insufficiente con l’accusa di manovra commerciale.

Tuttavia a 10 €, è un prezzo che per la nostalgia può valere, visto che per tutti i giochi a cui è dato e per le migliorie messe (ovvero i 120 FPS e le musiche rimasterizzate) lo reputo più che onesto. Poi ovviamente, stiamo parlando di uno dei capisaldi del genere, qualcosa che sicuramente avrai provato e straprovato. Vedi tu quanto vale riprovare la sensazione di uccidere orde di demoni fatti di pixel e di percorrere corridoi claustrofobici.

Un atterraggio di fortuna su un pianeta disabitato…forse

Dopo un atterraggio di fortuna su un pianeta abbastanza sconosciuto e quindi potenzialmente pericoloso, ti ritroverai come unico sopravvissuto di una spedizione esplorativa. Il tuo obbiettivo principale è riparare la tua nave e scoprire cosa sia realmente accaduto, esplorando la galassia a bordo della tua navicella spaziale di color arancione.

Una premessa estremamente classica per un gioco del genere, ma comunque superiore alla media in alcuni aspetti, visto che buona parte dei giochi con contenuti simili, non aggiunge nemmeno uno straccio di trama, almeno Mincology ci prova a dare un background al tutto. Con l’aiuto di un irritante drone, il quale cercherà, alla meno peggio, di spiegarti le basi del gameplay, scoprirai che dovrai affrontare alieni, animali ostili, automi e orrori cosmici lungo il tuo cammino.

La parola d’ordine in Minicology è sopravvivenza

In Minicology, avrai l’opportunità di esplorare piccoli pianeti completamente accessibili e ricchi di risorse da raccogliere. Ognuno di questi mondi presenta una varietà di caratteristiche che si estenderanno dalla superficie del pianeta fino al suo nucleo, a patto che tu abbia l’equipaggiamento necessario per sopravvivere al viaggio. Inizialmente, sarai bloccato sul pianeta di partenza, ma una volta riparata la tua astronave, potrai esplorare liberamente la galassia. L’esplorazione avviene a piedi, supportata da dispositivi tecnologici come un jetpack e naturalmente viaggerai tra i vari settori della galassia con la tua navicella, affrontando una serie di obiettivi primari e secondari.

Come succede spesso in questo tipo di giochi, dovrai avere un occhio sempre puntato alla salute e alla nutrizione, compito reso semplice dalla lenta riduzione della fame del tuo personaggio e dall’abbondanza di cibo nei pianeti che andrai ad esplorare. Tuttavia, visto che sei pur sempre un naufrago spaziale, la sopravvivenza non consiste solo nel dover mangiare o nel tenerti sano, potresti incappare in alcuni malus i quali scompariranno con il tempo, oppure con l’utilizzo di oggetti specifici.

Su ogni pianeta troverai degli obiettivi i quali verranno rappresentati da delle casse colorate e per essere portati a termine dovrai completare mini-missioni che possono variare dal: pianta un numero specifico di piante o modifica l’ambiente in un determinato modo. Queste missioni ti ricompenseranno con risorse preziose o oggetti unici.

Oltre a queste casse, potrai trovare contenitori normali e materiali sparsi da raccogliere, come risorse grezze o anche costruzioni in rovina da smantellare per poi essere trasformate in risorse. Il sistema di progressione in Minicology è ben strutturato, visto che va ad incentivare l’esplorazione di ogni angolo del pianeta che stai esplorando, anche se alcuni punti possono diventare monotoni col tempo, ma questo è un difetto che si applica a po’ tutti i titoli di questo genere.

Se durante le tue esplorazioni dovessi eliminare troppe creature o raccogliere eccessive risorse di un pianeta, l’ambiente si adatterà dinamicamente, portando all’estinzione di animali e piante. Minicology non è per nulla realistico, ma nonostante questo le tue azioni possono causare il collasso degli ecosistemi. Tuttavia questa cosa è assolutamente evitabile, visto che potresti metterti di impegno ed iniziare la tua coltivazione oppure metterti ad allevare bestiame.

Nonostante il suo aspetto carino e l’atmosfera leggera, Minicology pone grande enfasi sul combattimento. Affronterai numerose creature aliene ostili oppure robot nei settori spaziali inesplorati. Avrai a disposizione un vasto arsenale di armi, sia da mischia che a distanza come ad esempio: spade, asce, mazze, pistole, fucili e archi. Le armi e l’equipaggiamento utilizzano un sistema di attributi semplice, con statistiche di attacco, difesa e probabilità di critico. Ovviamente non devi aspettarti una profondità paragonabile a quella di un action RPG che nasce come tale, visto che qui è tutto molto più basilare.

La maggior parte delle armi e delle armature ha una durata limitata, quindi dovrai ripararle frequentemente per evitare che si rompano durante una battaglia. Sebbene non sia frustrante come in altri giochi, questa meccanica può diventare noiosa se intendi combattere spesso in breve tempo o vuoi provare ad affrontare nemici più forti.

Non mancano nemmeno i boss, i quali si dividono in due categorie: i boss d’invasione (i quali potrebbero rilasciarti delle risorse rare una volta sconfitti) e i boss principali, legati alla trama principale. Ovviamente questi sono molto più potenti rispetto agli altri nemici e nella maggior parte dei casi dovrai compiere azioni specifiche per farli apparire. Morirai frequentemente, specialmente quando ti imbatterai in nuove aree con nemici più forti rispetto al tuo equipaggiamento. Morire significa perdere parte della tua esperienza, ma questa rimarrà nel luogo della tua morte in attesa di essere recuperata (Dark Souls, is that you?).

Anche se è presente una barra dell’esperienza con livelli, la vera progressione del personaggio è data principalmente dall’equipaggiamento, dalle armi e dagli accessori. Per sbloccare nuovi oggetti, dovrai prevalentemente crearli, anche se alcuni possono essere acquistati dai mercanti, utilizzando valute specifiche o barattando oggetti. La progressione è suddivisa in fasi, il che significa che dovrai esplorare mondi più lontani e raggiungere determinati traguardi, sia tecnologici che in termini di risorse, per produrre equipaggiamenti migliori o migliorare quelli esistenti, come l’espansione dello zaino.

Attraverso un’interfaccia di ricerca, potrai consultare progetti esistenti e scoprirne di nuovi. Come in molti altri giochi di sopravvivenza open-world, diversi banchi da lavoro ti permetteranno di creare vari oggetti, equipaggiamenti e macchinari. Peccato che l’interfaccia dell’inventario di Minicology, come ad esempio la barra degli strumenti e il layout generale risultano davvero poco intuitivi e macchinosi.

Un cartone animato interattivo

Lo stile visivo del gioco è molto interessante e carino da vedere. I mondi in miniatura sono realizzati con un’estetica molto cartoonesca la quale dà vita ad ambienti con colori sparati, ma soprattutto le creature che popolano i pianeti sono degne di nota, visto che hanno un design spesso eccentrico, ma sempre bello da vedere.

Per quanto riguarda l’audio, la qualità è molto buona, tuttavia il volume spesso appare un po’ sbilanciato, con punti in cui questo potrebbe risultare più alto del dovuto. Questo accade soprattutto con alcuni effetti sonori, i quali si potrebbero attivare a tutto volume in maniera del tutto inaspettata, con conseguente salto dalla sedia.

Peccato che alcuni piccoli difettucci, come ad esempio la IA dei personaggi e soprattutto il comparto grafico, non riescano a fargli spiccare il volo invece che relegarlo nell’oblio della mediocrità. Ma vediamo nel dettaglio che cosa abbiamo di fronte.  

Bene in single player, ma con un occhio di riguardo al multiplayer

In Men of War II non aspettarti la solita atmosfera da titolo lento e super ragionato, che potresti avere da un qualsiasi RTS, infatti qui avrai un’azione molto più frenetica che ti farà respirare a fondo quello che è il campo di battaglia nella Seconda Guerra Mondiale. Questa scelta di voler dare un’impronta un po’ più “arcade” al gioco ha il suo pro e il suo contro.

Da una parte mal si sposa con tutta la parte dedicata al micromanagement e quindi ai tantissimi dettagli da scoprire in Men of War II, ma dall’altra parte c’è da ammettere che dona parecchio divertimento in più al gioco e questa cosa allarga la cerchia di possibili giocatori che si possono avvicinare al titolo, è un difetto? È un pregio? A te l’ardua sentenza.

Come ti dicevo prima il singleplayer di Men of War II è ottimo, tanto che a mio avviso rappresenta la parte meglio riuscita di tutto il titolo, visto che ha delle campagne ben realizzate, ma soprattutto ben variegate. Queste saranno tre e offrono una vasta gamma di situazioni; si va dai disperati tentativi di difesa, agli assalti su vasta scala in campi aperti, passando per missioni di scorta o incursioni notturne. Questi scenari sono perfetti se ami questo genere di titoli e sei alla ricerca di un’esperienza parecchio coinvolgente.

Men of War II un’attenzione maniacale ai dettagli

Men of War II richiede una gestione micromanagement (ovvero il gestire le proprie armate nel più piccolo dettaglio) estremamente particolareggiato. Ogni aspetto del gioco può essere controllato, ad esempio ogni unità ha il proprio inventario con armi, munizioni e strumenti, che il comandante può gestire durante la missione.

È possibile cambiare armi, raccogliere munizioni, utilizzare la fanteria per trasportare proiettili per i carri armati o l’artiglieria oltre che scambiare gli elmetti dei soldati. Lo stesso discorso vale per i veicoli i quali possono essere riparati, riforniti di munizioni o equipaggiati con nuove armi. Questa flessibilità permette di affrontare le missioni in maniera strategica, sfruttando al meglio le risorse disponibili.

Tuttavia, non tutto è perfetto. Uno dei problemi principali è l’incoerenza dell’intelligenza artificiale nella gestione delle unità, ma sopratutto nella ricerca dei percorsi ottimali per arrivare ad un determinato obbiettivo. Spesso i soldati non reagiscono adeguatamente agli ordini, rimanendo immobili anche di fronte a nemici a portata di tiro.

Questo ti costringerà a dover monitorare costantemente ogni unità, limitando la possibilità di godere appieno delle tattiche che il gioco può offrire. Anche la mancanza di allarmi che segnalino l’attacco alle unità rappresenta un grosso difetto, soprattutto considerando che il gioco vuole essere un titolo incentrato sul multiplayer.

Multiplayer che è chiaramente l’obiettivo principe Best Way sin dall’inizio in Men of War II, scelta che, aggiungerei, è assolutamente comprensibile. La community multiplayer per questo tipo di giochi è vasta oltre ogni immaginazione e capisco che gli sviluppatori vogliano soddisfare un pubblico appassionato.

Tuttavia, nonostante questo, sembra che il gioco ti voglia sempre spingere a giocare a questa modalità anche se tu non vuoi farlo e sei un pacifico giocatore da single player (che detto per un gioco di guerra, è parecchio un eufemismo). Mettiamo caso che tu sia riuscito, con impegno e dedizione, a vincere una missione in una campagna in giocatore singolo, il titolo ti premierà con una nuova unità, ma utilizzabile solo nella modalità multigiocatore.

Ad avvalorare la tesi che Best Way voglia farti giocare in multiplayer a tutti i costi, per giocare a Men of War II, dovrai essere perennemente connesso. Mossa azzardata che in passato non ha mai pagato e a parer mio è una bella scocciatura. Mettiamo caso che per un qualsiasi motivo tu non possa avere una connessione ad internet (un down, che può benissimo capitare, oppure un viaggio e ti vuoi portare dietro il tuo laptop) non potrai farti una partita in nessun caso.

Graficamente vecchiotto

Dal punto di vista tecnico, Men of War II presenta alti e bassi. Le animazioni dei personaggi umani appaiono parecchio rigide e datate, mentre quelle delle armi e delle ricariche non sono affatto convincenti, limitandosi spesso a un semplice flash proveniente dall’arma o a un soldato che muove il braccio.

Questo, soprattutto per un gioco del 2024, risulta parecchio discutibile, visto che se andiamo a controllare cosa offre la concorrenza questa ha ormai una fedeltà visiva di tutt’altro livello. Tutto da buttare? No assolutamente, infatti i carri armati risultano ben animati e dettagliati, rappresentando una delle poche note positive dal punto di vista visivo. Un altro aspetto visivo discutibile è l’interfaccia utente, con barre della salute a forma di diamante che risultano scomode e poco intuitive rispetto alle classiche barre di HP a linea, semplici ed universalmente comprese.

Nulla da dire invece per quanto riguarda il sonoro e soprattutto i rumori ambientali, i quali in un gioco di guerra, sono davvero importantissimi per potersi immedesimare ulteriormente nel titolo. Questi sono ben registrati ed effettivamente danno quella sensazione di battaglia che ti vuoi aspettare da un gioco del genere.